0069. SONNY TERRY & BROWNIE MCGHEE - ONE SCOTCH, ONE BOURBON, ONE BEER

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Sonny Terry. (1911-1986)

Saunders Terrell (a) Sonny Terry, nació en Greensboro, North Caroline,  pero no nació ciego; perdió la vista en dos accidentes separados, uno cuando tenía 5 y el otro cuando tenía 16. Su padre tocaba la armónica, principalmente en las fiestas familiares, y le enseñó a su hijo los rudimentos del instrumento. Como su ceguera no le permitía trabajar en la agricultura, se convirtió en músico. En 1934, Sonny fue músico callejero en las esquinas de las calles de Durham y conoció al guitarrista Blind BoyFuller. Ellos tocaban juntos casi todos los días.Había desarrollado un estilo enérgico de tocar, con  un predominio de notas altas. Más tarde llamó a su estilo "whoopin '". En 1937, Fuller tenía una fecha de grabación en Nueva York y llevó a Sonny a los estudios de Vocalion Records para tocar en la sesión. Al año siguiente, John Hammond invitó Fuller para acompañarlo en los "Spirituals to Swing en el Carnegie Hall. Fuller, al parecer terminó en la cárcel por un un delito, por lo que Sonny ocupó su lugar tocando sus ' Mountain Blues '.

A su regreso a Durham, Terry siguió trabajando con Fuller, y conoció a su futuro socio, Brownie McGhee. Terry y McGhee actuaron juntos, pero no fue sino hasta la muerte de Fuller en 1941 y la posterior decisión de ambos de ir a Nueva York  en que  la asociación se convirtió en permanente. Se hizo amigo de leyendas del blues como Leadbelly, Woody Guthrie y Pete Seeger.  Alrededor de este tiempo, Terry y McGhee comenzaron una extensa gira fuera de Nueva York. También hicieron numerosas grabaciones para sellos como Folkways, Savoy y Fantasy. Durante los años 60, el dúo actuó en los principales festivales de folk y blues de todo el mundo. A mediados de los '70 distintos problemas personales hicieron mella en la relación entre Terry Y McGhee. El guitarrista Johnny Winter ayudó a Sonny  a mostrar sus trabajos de blues a un público  más joven.Junto con Winter y Willie Dixon, grabaron el album 'Whoopin',  lanzado originalmente con un sello propio de Winter,  Mad Albino Label y , se ha vuelto a publicar  en 1984 por Alligator Records. Falleció el 11 de marzo de 1986, y ese mismo año fue incluido en el Salón de la Fama del Blues.

Whoopin' consta de 10 temas, y la formación para la grabación del presente CD estuvo conformada por: 

- Sonny Terry: Voces y Armónica 

- Willie Dixon: Bajo 

- Johnny Winter: Piano y Guitarra 

- Styve Homnick: Batería. 

Tracklist: 

1- I Got my Eyes on You 

2- Sonny's Whoopin' the Doop 

3- Burnt Child 

4- Whoee, Whoee 

5- Crow Jane 

6- So Though with Me 

7- Whoo We Baby 

8- I Think I got the Blues 

9- Ya, Ya 

10- Roll me Baby

Brownie McGhee (1915-1996)

Walter "Brownie" McGhee nació 30 de noviembre 1915, en Knoxville, Tennessee. Cuando McGhee tenía cinco años de edad, fue atacado por la poliomielitis. Aunque caminaba con muletas y un bastón , su recuperación fue casi un éxito completo; el efecto visible sólo persistente de la enfermedad era que caminaría con una cojera durante el resto de sus días.

Su padre, George Duffield McGhee, fue un guitarrista virtuoso y cantante. El hermano de ley de su padre le construyó un banjo de cinco cuerdas como su primer instrumento. A los seis años, McGhee comenzó a aprender a tocar el piano y la guitarra.

Siguiendo la directiva de su padre, McGhee desarrolló su propio estilo. 

La familia de McGhee se trasladó varias veces mientras él estaba creciendo. Asistió a la escuela primaria en Lenoir City, y algunas veces tocaba el órgano en el Solomon Temple Baptist Church. Unos años más tarde, la familia se trasladó a Marysville, Tennessee, donde McGhee comenzó la escuela secundaria, pero durante el verano después de su primer año renunció para convertirse en un músico itinerante. Se ganó la vida viajando por Tennessee tocando y cantando, trabajando en distintos clubes y bares.

A principios de la década de 1930, se reunió con su familia McGhee en su granja en Kingsport. Se quedó allí durante unos años ayudando con el trabajo agrícola y cantaba gospel en la Iglesia. Cuando la crisis de la Gran Depresión de 1929 comenzó a ceder, se trasladó a Knoxville, y  formó una serie de pequeñas bandas para tocar en los bares y clubes de la ciudad.

Después de permanecer en Knoxville unos años, comenzó a viajar de nuevo. Hizo su camino a través de Carolina del Norte como un artista de la calle, y en Winston-Salem se asoció con el armonicista Jordan Webb. Luego se trasladó a Burlington, donde conoció a George "Oh Red" Washington, un amigo de Webb. 

En Durham conoció a J.B. Long, de Okeh Records quien quedó impresionado con McGhee y estableció su primera fecha de grabación en Chicago en 1940. McGhee grabó primero con Webb, y más tarde con el armonicista Saunders Terrell, más conocido como Sonny Terry.

En 1944, McGhee había firmado con Savoy Records.  Durante la Segunda Guerra Mundial, realizó con Woody Guthrie y Terry en la Oficina de Información de Guerra (OWI) programas de radio transmitidos por la BBC de Londres.

A lo largo de la década de 1950 y en la década de 1960, McGhee y Terry registraron trabajos con distintos sellos. 

A principios de la década de 1970, McGhee se mudó a California, donde construyó su propia casa en 1974 en Oakland, California. Continuó actuando en todo Estados Unidos y en el extranjero hasta su muerte, en febrero de 1996.

0068. CHARLES BROWN - CHRISTMAS BLUES

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Charles Brown (piano, vocals; born 9/13/22, died 1/21/99)

Nacido en Texas City, Texas, en 1922, Charles Brown fue una importante figura musical en la era pre-rock-and-roll de finales de los años cuarenta y principios de los años cincuenta. Como miembro de Johnny Moore's Three Blazers y también como el líder de su propio trío registró una serie de hits del R & B en su estilo "Blues Ballads".  Estos incluyen tres de los solos más populares de R & B de la época:. "Blues Driftin '", "Blues Incident" y "Black Night" Citado como una importante influencia sobre Ray Charles,  Brown se caracterizó por un estilo suave íntimo que, a causa de su brillo y sofisticación, ha sido conocido como "blues club nocturno" o "blues cóctel." Brown también se hizo conocido por sus canciones de blues navideñas, en particular "Merry Christmas Baby",“Please Come Home for Christmas.” y "Christmas Blues". A pesar de que sus raíces estaban en Texas, Brown llegó a personificar un estilo de blues suave, que se identificó con la Costa Oeste. 

Brown obtuvo una licenciatura en química y trabajó como maestro de escuela y químico antes de optar por la carrera en la música. En 1943 se dirigió hacia el oeste y se estableció un año más tarde en Los Ángeles, donde se unió a Johnny Moore's Three Blazers. Con Brown en el piano y Moore en la guitarra grabaron con una variedad de sellos discográficos. Con esta banda, Johnny Moore's Three Blazers encontró el éxito con "Blues Driftin '", "New Orleans Blues", "More Than You Know".

El estilo de Charles Brown, con sus blues delicados y exquisitos cayó en desgracia durante la revolución del rock and roll de los años cincuenta, pero él continuó grabando para las sellos como Aladdin Records. La popularidad duradera de su blues navideños clásicos le permitió mantener su perfil dentro de la música azul. Al mismo tiempo, Brown recibió reservas estables en conciertos  y el interés por parte de los sellos discográficos europeos se mantuvo alta. Alligator Records a reeditado 'One More For the Road" reeditado  en 1989 con dos nuevos cortes rescatados de "la lata".

                                Charles Brown, Jonas Bernholm y Ruth Brown

Su carrera recibió un impulso a principios de 1990, cuando su representación fue asumida por el guitarrista Danny Caron, y Bonnie Raitt comenzó a cantar sus canciones. 

Charles Brown falleció 21 de enero 1999, a la edad de 76.

Hizo una serie de álbumes, incluyendo algunos  bien recibidos, para Bullseye Blues Records, una subsidiaria Rounder. Brown apareció con Ruth Brown en el documental de PBS 'That Rhythm ... That Blues . Bonnie Raitt lo llevó de gira en varias de sus presentaciones. 

Brown muere a los 76 años por  insuficiencia cardíaca a principios de 1999. 

0067. LIGHTNIN' HOPKINS - MOJO HAND

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La obra publicada por Hopkins es una de las más extensas del género. Estamos ante una de las figuras clave en la historia del blues de Texas, del que fue todo un innovador. Era un compositor extraordinario, un cantante profundo y un guitarrista anárquico e improvisador. Fue también uno de los primeros bluesmen que aprovechó los recursos de la guitarra eléctrica.

Sam Hopkins nació el 15 de marzo de 1912 en Centerville (Texas), en el seno de una humilde familia de campesinos. Tres años después, tras la muerte de su padre, la familia se trasladó a Leona, siendo allí donde Sam comienza a tener sus primeros contactos con la música, al incorporarse con asiduidad a los coros de las iglesias locales.

Cuando contaba unos 8 años de edad se produjo un hecho clave en su vida. En una fiesta en el campo conoce a Blind Lemon Jefferson. El impacto fue tal que, como el propio Hopkins declararía años más tarde, fue entonces cuando se dio cuenta que el blues estaba "dentro de él.". Decidido a no perder tiempo, comenzó a aprender rápidamente de su primo lejano Texas Alexander y de Lonnie Johnson, con los que llegaría a actuar en numerosas ocasiones al inicio de su carrera.

A mediados de los años treinta fue condenado a prisión y hacia finales de la década, ya recuperada la libertad, se trasladó con Alexander a Houston, en un claro intento de conseguir el éxito en la escena musical local. Allí comenzaron a tocar en fiestas rurales, bares o en la calle, pero sin suerte. A principios de los años cuarenta había vuelto a Centerville para trabajar como granjero. El futuro musical soñado por Hopkins parecía enterrado... al menos provisionalmente.

Después de sobrevivir precariamente varios años, Hopkins empezó a tocar la guitarra con el pianista Wilson Smith, y fue entonces cuando se presentó una segunda oportunidad. Fueron descubiertos por un cazatalentos de Aladdin Records, quien les convenció para que grabasen juntos. Ambos viajaron a Los Angeles y grabaron 12 temas en 1946. Un ejecutivo avispado decidió utilizar el apodo "Lightnin´" para el guitarrista y "Thunder" para el pianista; de esta forma el dúo se llamó "Thunder and Lightnin´" (Trueno y Relámpago). Las grabaciones se sucedieron en los años posteriores, aunque ya en solitario, obteniendo un éxito más que aceptable. Sin embargo Hopkins era una persona muy afincada a su tierra. Pronto sintió la nostalgia de su lugar de procedencia, y decidió volver a Houston.

Lightnin´ Hopkins era ahora alguien conocido en el circuito musical y comenzó a grabar de nuevo, esta vez para Gold Star Records. Con "Baby Please Don´t Go" alcanzó el éxito ansiado. A partir de ahí, entre 1947 y 1954 no actuaría nunca fuera de Texas pero registraría más de 200 canciones, algunas de ellas tocadas ya con guitarra eléctrica. "Short Haired Woman", "Lonesome Home", "Tim Moore Farm", "Coffee Blues" o "Hello Central" tuvieron un impacto considerable entre el público negro local y nacional.

La reputación de Lightnin creció rapidamente y, hasta 1954, fue uno de los artistas negros más populares y cuya influencia se podía apreciar en muchos de sus contemporáneos. Cuando las cosas parecían ir por fin por el buen camino, su carrera artística se vio nuevamente frenada. A partir de entonces y hasta 1959 Hopkins no volvió a realizar ninguna grabación, en gran medida a causa del advenimiento del rock and roll y de la sofisticación del blues urbano.

En 1959, Mack MacCormik y Samuel Charters redescubrieron a Lightnin´ y, aprovechando el revival del folk, le hicieron grabar con guitarra acústica en un estilo más folklórico y country. Lightnin´ no perdió tiempo en adaptarse a su nueva condición y llegó a ser uno de los más conocidos artistas del "blues revival", reemplazando a Big Bill Broonzy en el papel del "último artista de blues tradicional vivo".

 R. Eric Davis, Texas Johnny Brown and Milton Hopkins en la ceremonia a Hopkins el 13 de Noviembre de 2010.

A comienzos de los sesenta, la reputación de Hopkins como intérprete de blues se había consolidado, alcanzando finalmente el éxito y reconocimiento que merecía. Entre 1960 y 1966 hizo numerosas grabaciones para compañías muy diferentes, pero la mayoría de estas grabaciones no son en absoluto repetitivas o mediocres, porque Lightnin´ casi siempre improvisaba las letras de sus blues y casi nunca repetía los mismos textos. En 1962 la revista musical Down Beat lo eligió como el mejor vocalista del año y comenzó a hacer también giras, actuando en festivales de folk y campus universitarios en los Estados Unidos. En 1964 superó su miedo a volar, viajando a Europa como parte del American Folk Blues Festival.

En 1966 decidió abandonar su papel de líder del blues revival y se estableció permanentemente en Houston, tocando casi exclusivamente en el estado de Texas (con algunas escapadas a California o New York) y haciendo algunas grabaciones para la compañía de su amigo Chris Strachwitz, Arhoolie Records.

En 1970, como consecuencia de un accidente de circulación, su actividad comenzó a decaer considerablemente. En 1974 dejó de grabar y, en 1977, visitó Europa por segunda y última vez en su vida. 

En 1981 se le diagnosticó un cáncer de esófago, del que fue intervenido. Finalmente, esta fatal enfermedad acabaría con su vida el 30 de enero de 1982.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The Complete Aladdin Recordings

- The Gold Star Sessions (Vol. 1 & 2)

- Lightnin´ And The Blues: The Herald Sessions

- Lightnin´ Hopkins

- Po´ Lightnin´

- How Many More Years I Got

- The Complete Prestige/Bluesville Recordings

- Mojo Hand: The Anthology

- Texas Blues Giant

0066. SONNY BOY WILLIAMSON II - COOL, COOL, BLUES.

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Aleck "Rice" Miller (más conocido como Sonny Boy Williamson II) está considerado como uno de los tres o cuatro mejores armonicistas de la historia del blues, junto a grandes mitos como John Lee Williamson (el primer "Sonny Boy") o Little Walter. Además, como compositor y, sobre todo, como letrista, fue uno de los más brillantes e incisivos del blues de la posguerra. 

Entre las muchas fechas de nacimiento que se barajan las más probables pueden ser el 11 de abril de 1908 (la misma que figura en su lápida) o el 17 de marzo de 1897, en el corazón del Delta del Mississippi, en Glendonra. Rice (Así lo apodaron sus padres cuando era tan sólo un niño) vivió cerca de su madre Millie Ford y de su padrastro, Jim Miller, hasta los veinte años, edad en la que tuvo una violenta confrontación con él. En un principio solía tocar la armónica en la iglesia y en los descansos de su trabajo en las plantaciones, hasta que un día decidió hacer de ella su profesión. 


En los años treinta, recorrió el sur tocando sólo o con la colaboración de otros bluesmen, como Robert Johnson, Elmore James o Howlin´Wolf. En esta época Rice vivió básicamente de su ingenio (aficionado a la bebida, era un auténtico charlatán y un extraordinario hombre-espectáculo) y de los centavos que se buscaba en las esquinas de las calles. 

En esta época se empeñó en asegurar que él era el primero y auténtico "Sonny Boy". 

En 1941, con la compañía de Robert Lockwood, consiguió un programa de radio en la emisora KFFA de Helena (Arkansas) que podía oírse en un área bastante amplia del sur del país. Ese programa, el famoso King Biscuit Time, patrocinado por una marca de galletas, lo convirtió en la primera estrella radiofónica del blues, incluso llegaron a imprimir su rostro en algunas cajas de galletas.

 

En 1944 Rice Miller dejó el programa para poder tocar en otras ciudades, aunque lo recuperaba cada vez que pasaba por Helena. A pesar de su fama, no fue hasta 1951 cuando grabó por primera vez para el sello Trumpet de Jackson (Mississippi).

 

Después de la desaparición del sello en 1955 firmó con Checker (subsidiaria de Chess Records, en Chicago). Con ellos grabó su mejor material hasta 1965, con la compañía de músicos como Otis Spann, Willie Dixon, Fred Bellow o el mismo Lockwood.

 

Su primera grabación para Checker, "Don´t Start Me Talkin", fue un éxito rotundo y Miller se convirtió en uno de los puntales de la discográfica durante los 10 años siguientes. Canciones como "Help Me", "Your Funeral And My Trial", "Eyesight To The Blind" o "Mighty Longtime", hicieron que Bob Dylan dijese de él que era "uno de los mejores poetas que había producido los Estados Unidos".

 

En los años sesenta, viajando con otros músicos en la American Folk Blues Festival, extendió su reputación por Europa, llegando a grabar con grupos jóvenes ingleses admiradores suyos como The Yardbirds, The Animals o incluso Eric Clapton.

 

Desgraciadamente su salud se deterioraba con rapidez. En 1965, poco antes de morir (el día 23 de junio), volvió a Helena y reemprendió una vez más su ya legendario programa de radio. 

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA: 

- King Biscuit Time 

- The Chess Years 

- Bummer Road

- Keep It To Ourselves 

- Sonny Boy Williamson & The Yardbirds 1963 

- The Animals And Sonny Boy Williamson 

- This Is My Story 

- His Best 

- The Essential

0065. TAMPA RED - DENVER BLUES

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Tampa Red y Big Bill Broonzy eran buenos amigos, amigos que beben desde hace mucho tiempo y ambos abrieron la escena del blues de Chicago en la década de 1930. Ninguno de los dos tenía un problema de ego y ambos actuaron como mentores de las decenas de jóvenes músicos que llegan desde el Sur. El hogar  de Tampa Red se convirtió en un espacio de ensayo, y una especie de "bolsa de trabajo" para los músicos que buscaban hacerse un nombre en Chicago. Red, Big Bill y Memphis Minnie jugaron un papel muy importante en el desarrollo del sonido urbano que se desarrolló a partir de los blues que se componían en las ciudades del norte de EEUU. Red era un excelente  innovador con su slide escribiendo y componiendo canciones que luego se harían famosas.

Hudson Woodbridge nació en Smithville Georgia, el 8 de enero de 1904, pero sus padres murieron cuando era muy joven, así que se fue a vivir con la familia de su abuela, en Tampa, Florida. El joven fue enseñado la guitarra por su hermano Eddie. Red quería imitar el sonido de guitarra que escuchaba en las grabaciones con el uso del bottleneck en el dedo meñique. Cuando se fue a la ciudad en busca de fortuna, adoptó el nombre de Tampa Red.

Tocando su guitarra  en una esquina de una calle de Chicago en 1928, este pequeño hombre joven  fue encontrado por su compañero de Georgia,  Tom Dorsey a quien acompañó en algunas presentaciones. Su segunda grabación para Paramount fue ‘Tight Like That’ un blues con letras sugerentes que abrieron paso al 'hokum'.Tom Dorsey y Tampa Red comenzaron a aparecer como The Hokum Boys con el cantante travesti Frankie 'Half Pint' Jaxon, produciendo canciones novedosas como "It's Red Hot 'y una versión escandalosa del tema de Leroy Carr, 'How Long, How Long Blues?. Dorsey también trabajó para una  sesión de Brunswick Records, tocando con Ma Rainey entre otros, pero en 1930 su estricta educación en la Atlanta Bautista lo hizo renunciar a los Blues y volverse hacia el evangelio donde compuso 'Precious Lord, Peace in the Valley', un clásico del gospel. Trabajó con  Mahalia Jackson y más tarde con sus canciones fueron grabadas por Aretha Franklin y Elvis Presley. Tampa Red estaba a punto de conseguir una nueva pareja. 

Red continuó tocando blues en solitario y muchos copiaban su estilo. Big Bill Broonzy y ambos salían a beber y tocar juntos en algunos bares. Red formó The Chicago Five. Algunas canciones tuvieron bastante éxito como 'Black Angel Blues' (cover de BB King conocido como ' Sweet Litle Ángel '),  "Love With a Feeling", y "It Hurts Me Too". 

Red continuó con algunos conciertos y grabando durante la Edad de Oro del Blues de Chicago, pero la muerte de su esposa Frances en 1954 fue un duro golpe para Tampa Red. Se retiró de la música y pasó algún tiempo en una institución mental, regresando en 1960 con dos álbumes para Bluesville Records pero la pasión había desaparecido. Pasó el resto de su vida en un asilo de ancianos hasta que falleció en Chicago en marzo de 1981.

Sus composiciones son el reflejo de un espacio determinado en el tiempo y, todavía, son un punto de referencia obligado para todos aquellos que están estudiando la guitarra en el blues.

0064. ARTHUR 'BIG BOY' CRUDUP - CRUDUP'S AFTER HOURS

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Arthur "Big Boy" Crudup fue un cantante potente y dinámico que escribió, '‘That’s Alright Mama’ la canción que demolió la idea racista de que la música tenía un color. Su recompensa fue pequeña y tardó en llegar, pero en cuanto a su vocalización y sus composiciones talentos como Arthur merecen mucho más que una nota al pie en la Historia del Blues.

Nacido y criado en Forest, Mississippi en Agosto de 1905, Arthur aprendió a cantar en coros de iglesias y grupos evangélicos. Él habría escuchado "plenty of field hollers " mientras trabajaba como obrero agrícola, y estas dos fuentes habían contribuido en gran medida su estilo vocal. Empezó a llevar la música más en serio a mediados de los años 30, cuando compró una guitarra, pero nunca fue más que un reproductor adecuado y  su forma de cantar y escribir canciones le fue marcando la fama, aunque no le trajo recompensa económica alguna.

En 1939 Arthur decidió probar suerte en Chicago, al igual que muchos artistas de blues de Mississippi, pero no fue fácil allí. Vivía tocando por monedas en las  esquinas cuando, en 1941, uno de los más poderosos productores de blues de la ciudad, Lester Melrose, lo escuchó  cantando en la acera y lo invitó a tocar en una fiesta en casa de Tampa Red 's. Big Bill Broonzy, Lonnie Johnson y Lil Green estaban allí, y los dejo  impresionados porque sus grabaciones rápidamente comenzaron a aparecer en la  Bluebird de la RCA.  Al año siguiente Arthur estaba grabando con una guitarra eléctrica, a menudo acompañada por el guitar slide Charlie McCoy (hermano de ley de Memphis Minnie) y el bajista Ransom Knowling. 

Sus registros menudo aparecían en los tramos más altos de las listas de éxitos, con ‘Mean old Frisco’, ‘Rock Me Mama’ y ‘Whose Been Foolin’.   Sin embargo, la versión de '‘That’s Alright Mama’  no fue un éxito nacional cuando salió en 1946. Fue re-lanzado por RCA Victor en 1949 como su primer R & B único en el nuevo formato de disco 45 rpm (en vinilo naranja!).  Durante los primeros años 50 y con la música como su forma de vida, fue de gira con Rice 'Sonny Boy II' Miller y Elmore James. 

Cuando la versión de' Elvis '‘That’s Alright Mama’ 'fue lanzada en 1954 fue un acontecimiento que sacudió el mundo de la música, literalmente, pero no ayudo mucho a Crudup. Volvió a Mississippi abatido y cansado, y su estado de ánimo no mejoró cuando dos más de sus canciones fueron grabadas por Elvis, 'My Baby Left Me "y ‘So Glad You’re Mine’. En 1960, Arthur registró algunas versiones de sus viejas canciones para el sello FIRE, pero no recupero su carrera. 

El Promotor de Blues Dick Waterman lo ayudó  para ganar algunas regalías por sus canciones y, en 1968, Bob Koester lo convenció de volver a grabar para el sello Delmark, produciendo el álbum ‘Big Boy Meets the Master Blues Bassists’ con Willie Dixon y su viejo amigo Ransom Knowling.

El mercado del blues se había ampliado a mediados de los años 60, y como uno de los creadores, Arthur era demandado en el circuito de festivales.Su voz y su entrega eran todavía fuertes y recorrió  Estados Unidos y Europa, incluida la grabación del álbum 'Roebuck Man' en Inglaterra con músicos locales. Sus canciones fueron grabadas por grandes artistas como John Lennon, BB King, y Creedence Clearwater. Tristemente Arthur no gozaba de buena salud y murió de un ataque al corazón en su hogar adoptivo en Virginia en 1974.

0063. JOE CARTER - I'M WORRIED

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Nacido Joseph J. Carter en Midland , Georgia, el 6 de noviembre de 1927 aprendió a tocar la guitarra con Lee Willis. Se mudó a Chicago , Illinois en 1952, donde conoció a Muddy Waters . Formó su primera banda con Otis Smothers "Gran Smokey" en la guitarra y Lester Davenport en la armónica, aunque nunca grabó con esta banda. Se le ofreció un contrato de grabación con Cobra Records , pero lo rechazó porque hacía  más dinero con sus conciertos en vivo. 

Carter trabajó en la planta de embalaje de carne Hormel  durante muchos años cuando estaba inactivo como músico.

Carter no comenzó a grabar hasta 1976, cuando debutó con su álbum que  publicó el sello Barrelhouse Records. A principios de la década de 1990  había desarrollado cáncer de garganta y se vio obligado a recortar su carrera.

Carter murió en junio de 2001 en Chicago.

0062. LACY GIBSON - C.B. BLUES

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El famoso bluesman de Chicago murió el 11 de abril de 2011 a consecuencia de un paro cardiaco. Era conocido por su guitarra sofisticada, con mucha influencia del jazz, y por su gruesa voz. Grabó 13 discos y participó en muchos de otros artistas como Son Seals, Otis Rush, Willie Dixon, Jimmy Reed, Billy “The Kid” Emerson, Billy Boy Arnold y Sun Ra.

Gibson nación el 1° de mayo de 1936 en Salisbury, Carolina del Norte, y viajó con su familia a Chicago en 1949. En la escena blues de la Ciudad de los vientos, conoció a Willie Dixon, Matt “Guitar” Murphy, Sunnyland Slim y Muddy Waters, bebiendo directamente de esas fuentes. Para mediados de la década de 1960, ya era un cotizado músico de sesión, trabajando para el sello Chess y otras casas disqueras locales. En 1971 publicó su primer disco solista para el sello Saturn, propiedad de su cuñado Sun Ra.

Durante dos años participó como guitarrista de la banda de Son Seals y su calidad hizo que Bruce Iglauer, presidente de Alligator Records, lo llamara para grabar cuatro temas que formaron parte de “Living Chicago Blues” publicado en 1980.

A lo largo de las década de 1980 y 1990 Gibson continuó tocando en clubes locales de Chicago, en ocasiones con su propia banda y en otras apoyando a Billy Boy Arnold o Big Time Sarah. En 1983 publicó su segundo disco, “Switchy Titchy”, con el sello Black Magic. En 1996 grabó su último disco, “Crying For My Baby” para el sello Delmark, que fue la primera edición de unas grabaciones realizadas en 1970.

Gibson siguió haciendo presentaciones mientras su salud se lo permitiera. Uno de sus últimos conciertos fue en 2004, en el Festival de Blues de Chicago.

Junto con su esposa Ann, Lacy fundó Ann’s Love Nest, clud de blues en el lado oeste de Chicago.

0061. BUDDY GUY - TEN YEARS AGO

 (Click en la imagen para escuchar) (74' concert - Montreux)

Creador del llamado "West Side Sound" de Chicago a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta (junto a Otis Rush y Magic Sam) Buddy Guy es considerado uno de los mejores y más influyentes guitarristas de la historia del blues.

George Guy nació en Lettsworth (Louisiana) el 30 de julio de 1936. Admirador incondicional de Guitar Slim no sería hasta el año 1957 cuando llegaría a Chicago dispuesto a hacer de la música su vida. Poco tiempo después ya se había forjado una notable reputación como guitarrista y comenzó a grabar para pequeños sellos hasta fichar por la compañía de los hermanos Chess, donde participó en grabaciones de Muddy Waters, Howlin´ Wolf, Little Walter, Sonny Boy Williamson o Willie Dixon, llegando a grabar también con su propio nombre. En esta etapa, entre los años 1960 y 1965, grabó algunos temas clave de su discografía como "First Time I Met The Blues”, "Let Me Love You Baby", "Stone Crazy" o "My Time After Awhile".



En 1967 pasó a Vanguard, compañía con la que publicó algunos de sus discos más destacados. La trilogía "The Man And The Blues", "This Is Buddy Guy" y "Hold That Plane" (todos recogidos en el triple cd "The Complete Vanguard Recordings") son de lo mejor de toda su carrera. Fue en esa época cuando comenzó su asociación con el armonicista Junior Wells. El dúo fue bastante famoso y, aunque sin llegar a hacerse ricos, no les faltó trabajo durante muchos años actuando tanto en su país como en Europa. Juntos grabaron algunos discos excelentes como "Buddy Guy & Junior Wells Play The Blues" o el inspirado "Drinkin´ TNT And Smokin´ Dynamite". Buddy Guy grabó también muchísimo material durante esa etapa como músico de sesión y se convirtió en pieza clave para el triunfo de esas grabaciones por sus solos espectaculares e inspirados.



Pero donde Buddy mostraba realmente sus mejores virtudes era en directo. Junto a sus innegables dotes como guitarrista, era un tremendo showman en el escenario y tuvo durante años uno de los mejores directos que podían verse. Esta energía en vivo consiguió plasmarla muy bien a comienzos de la década de los ochenta cuando grabó para el sello Alligator otro de sus mejores trabajos: "Stone Crazy". Desde ese momento y afectado por la caída de popularidad del blues, en los años siguientes su carrera se estancó y parecía no ser capaz de encontrar el camino adecuado.



En 1991 cuando el nuevo blues revival estaba en pleno auge y cuando su figura parecía estar olvidada, gracias a la ayuda y recomendación de Eric Clapton, firmó un contrato con Silvertone que dio un nuevo impulso a su carrera. Su estilo cambió considerablemente y ya con su primer disco, "Damn Right I´ve Got The Blues", que contó con la colaboración de estrellas como Mark Knopfler, Jeff Beck o el propio Clapton, consiguió ganar el premio Grammy el mejor disco blues del año. A este primer trabajo le siguieron otros que obtuvieron, también en su mayor parte, un considerable éxito y que confirmaron su status de héroe de la guitarra eléctrica entre el público blanco de rock.

                                             Buddy Guy, Pappo y B B King

A comienzos del nuevo milenio, cansado de oír que su música estaba pasada de moda y que era demasiado previsible, viajó al corazón del Mississippi para grabar “Sweet Tea”, un excelente álbum que captura un sonido crudo y directo totalmente diferente a lo que había publicado hasta la fecha. Este cambio de dirección se confirma en el 2003 con la publicación de “Blues Singer”, un disco acústico que nos transporta al estilo folk-blues característico de los años sesenta y en 2005 “Bring’em In”, un regreso a sus primeros álbumes con Silvertone Records: una brillante producción llena de estrellas invitadas. En 2008 llegó “Skin Deep” en el cual Buddy Guy es acompañado por artistas como Susan Tedeschi, Derek Trucks, Eric Clapton y Robert Randolph. El año pasado, el gran BG presentó “Living Proof”, trabajo por el que obtuvo nuevamente un premio Grammy en la categoría Mejor álbum de blues contemporáneo, completando así seis gramófonos en su historia.Nadie niega que Buddy Guy sea el Rey del blues de Chicago y que desde su trono ubicado en el Legends, el club de blues más visitoso de la Ciudad de los Vientos, gobierna a sus anchas, dándole la oportunidad a muchos artistas de tocar a su lado y de comenzar a proyectar su carrera.

                                                          El Rey y su sucesor

Con más de setenta años, Buddy Guy aun hoy sigue grabando y actuando por todo el mundo.

“Rhythm & Blues” se titula el nuevo disco del legendario Buddy Guy, un disco que impacta desde su portada, con el guitarrista vistiendo una camisa negra con bolas blancas, al igual que el cuerpo de su Fender Stratocaster, en una expresión de aquella promesa que hizo a su madre de volver a su pueblo en un Cadillac negro con pepas blancas. Lamentablemente la mamá de Buddy Guy murió antes de que el pudiera cumplir lo prometido y por eso, en honor a ese pacto, es que sus guitarras siempre son así, negras con bolas blancas o al contrario, blancas con bolas negras. Pero dejando lo anecdótico a un lado, pasemos a lo musical, con esta nueva producción Buddy Guy sigue en la línea de los discos conceptuales, que comenzó con aquel bello “Sweet Tea”, una exploración por el blues profundo, pasando por el acústico “Blues Singer” hasta llegar al autobiográfico “Living Proof”. “Rhythm & Blues” es un disco doble, con un set llamado Rhythm, dedicado al soul, y el otro set llamado “Blues”. Llama la atención el disco dedicado al soul, porque muestra a Buddy Guy grueso, gigante, dejándose acompañar por una sección de vientos, sintiéndose un poco como intentando emular al recientemente fallecido Bobby Bland, luchando contra la rítmica mientras su guitarra corre por la canción. Por su parte, el disco dedicado al blues trae como novedoso la participación de Aerosmith en uno de los temas, en el que la voz de Buddy Guy se escucha muy joven en comparación con la de Steven Tyler, mientras que dicta una lección de guitarra como a lo largo de esta segunda parte de su nuevo disco, que es una muestra de que la edad no le ha hecho perder potencia a Buddy Guy.

                                                  Buddy Guy y Stevie Ray Vaughan

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The Complete Chess Studio Recordings

- A Man And The Blues

- This Is Buddy Guy

- Hold That Plane

- Stone Crazy

- DJ Play My Blues

- Damn Right I´ve Got The Blues

- Feels Like Raín

- Slippin´ In

- Live! The Real Deal

- Can´t Quit The Blues [box set]

- Sweet Tea

0060. CHUCK BERRY - JOHNNY B. GOODE

  (Click en la imagen para escuchar)

http://www.chuckberry.com

Pregunta: ¿a quién acudieron The Beatles y The Rolling Stones con el fin de encontrar las canciones de sus primeros discos? Respuesta: a Chuck Berry. Y ¿quién es, aún hoy, definido como el "santón" del rock'n'roll? También Chuck Berry, naturalmente. ¿Quién habría podido oscurecer la fama de Presley, si hubiera nacido con la piel color leche y no color café? También Chuck Berry, por supuesto.

(Charles Edward Berry; San José, California, 1926) Guitarrista, cantante y compositor de rock and roll. Considerado el "padre" del rock, fue él quien dio el paso del rhythm and blues al rock and roll en los años cincuenta. Autor de clásicos como Sweet Little Sexteen o Johnny B. Goode, del que se han realizado gran cantidad de versiones, logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo, y tuvo una gran influencia posterior, tanto en compositores (Bob Dylan, The Beatles), como en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton). Su manera de tocar nerviosa, frenética, casi histérica, era un estilo único que subió su cotización espectacularmente y en muy poco tiempo.

Pasó parte de su adolescencia en un reformatorio como consecuencia de un robo que cometió. A principios de los cincuenta lideraba un trío de jazz y blues que tocaba por el circuito local. Su carrera discográfica comienza en 1955, cuando Muddy Waters le envía a ver a Leonard Chess y graba Maybellene, que sería uno de los primeros éxitos del Rock And Roll. En 1956 publica cinco singles más, pero sólo Roll Over Beethoven llegó a obtener repercusión, siguiendo su carrera en línea ascendente, aunque nadie podía imaginar entonces la influencia que iba a ejercer en años posteriores. Actuó en vivo con frecuencia en todos los rincones del mundo e intervino en numerosos films.

En 1959 fue encarcelado por espacio de dos años, al haber sido encontrado culpable de cargos de inmoralidad contra una empleada de su night-club. Cuando salió de prisión, sus temas eran más conocidos que los de las nuevas bandas que por aquel entonces iban surgiendo (sus temas fueron versionados por los Beatles y los Rolling Stones en sus primeros álbumes) y recogió buen número de éxitos hasta 1965, cuando cambió de sello y fichó por Mercury, para el que editó tres álbumes con poca incidencia entre el público.

Volvió a Chess Records en 1970; el regreso le dio un número uno a ambos lados del Atlántico, y volvió a ser admirado por otra nueva generación de aficionados. Grabó esporádicamente y siguió actuando a lo largo de los setenta, siendo encarcelado de nuevo (esta vez por cien días) por evasión de impuestos. Su actividad en los ochenta se redujo a actuaciones y apariciones esporádicas en films y a la publicación de su autobiografía.

En la historia del Rock & Roll quedarán anotados para siempre un sinfín de magníficos temas (Maybellene de 1955, Sweet little sixteen y Johnny Be Goode,ambas de 1958, You Never Can't Tell de 1964, My Ding-A-Ding de 1972), además de su original paso del pato (con el que cruzaba el escenario de un lado a otro) y su proverbial tacañería (sus músicos le acompañaban por unos pocos dólares).

Declarado el compositor más influyente del primer rock and roll y guitarrista con estilo copiado por infinidad de colegas de varias generaciones, "Arquitecto", —según el mismo— del rock and roll, compuso e interpretó clásicos del rock como 'Roll Over Beethoven', 'Rock'n Roll Music' y 'Johnny B. Goode'. Sus solos de guitarra, mezclados con la energía de sus bailes, estremecían al público. El 'duck walk' en el que se agachaba mientras andaba y tocaba la guitarra, se convirtió en legendario. Entre su discografía destaca Chuck Berry's Greatest Hits (1964), Golden Decade(1967) y Chuck Berry at the Fillmore Auditorium (1967).

Fue galardonado con varios premios, entre ellos un Grammy (1984), por su vida dedicada a la música. En agosto de 2014, a los 88 años, fue galardonado con el Polar Prize, un premio sueco que recompensa las contribuciones excepcionales a la historia de la música, si bien por razones de salud Chuck Berry no viajó a Estocolmo para recogerlo. El fallo del jurado destacó su condición de "pionero del rock and roll" y por convertir la guitarra eléctrica en instrumento principal de este género, influyendo en "millones" de grupos que vinieron después, además de ser un "excelente" autor de canciones. La reina Silvia de Suecia declinó asistir a la ceremonia, por su compromiso con la infancia. La reina ha creado la asociación World Childhood Foundation. Los motivos de su boicot fue por su condena a prisión por haber transportado a través de varios estados estadounidenses a la adolescente de 14 años con la que habría tenido relaciones.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-8757-2013-04-14.HTML

HISTORIA DE UNA CANCION: JOHNNY B. GOODE

"Johnny B. Goode" es una canción escrita e interpretada por Chuck Berry en 1958. Forma parte del disco Chuck Berry is on Top publicado en 1958.

Es considerada por muchos criticos musicales como una de las primeras canciones derock and roll puro de las que se tiene constancia.

La canción puede interpretarse como la versión musicalizada en rock and roll del sueño americano ya que nos relata la historia de un joven de campo que vive en la pobreza y tiene el sueño de convertirse en una estrella a base de arduo esfuerzo y su destreza tocando la guitarra (como dice el tema, el joven podia "tocar una guitarra como si fuera una campana")

Aunque en varias partes de la letra se puede notar un toque autobiográfico, Berry ha mencionado tambien que parte de la inspiración tambien vino de Johnnie Johnson que era el pianista y compositor en varias canciones del musico estadounidense que fue influencia en muchas bandas de rock que vinieron con el tiempo.

Se dice que Johnson estaba algo "pasado de copas" junto a Chuck Berry y que en esa junta el guitarrista le respondía siempre a su amigo con la frase "Johnnie be good". Al acordarse de esas llamativas palabras, empezó a escribir la canción.

A pesar de que Johnny Johnson colaboró en ideas para este tema junto a Chuck Berry, quien tocó el piano en la grabación fue Lafayette Leake, se deconoce el por qué no participó Johnnie.

Chuck ha dicho que al principio escribio el tema con la frase 'coloured boy' ( en español "chico de color") en vez de 'country boy' (que viene siendo "chico del campo"), pero los hermanos Chess (que eran los productores del disco) decidieron que eso no vendería y tambien podria traer problemas raciales lo cual traeria la censura en los medios.

Otro dato sobre el tema: Como una posible fuente para el apellido del personaje de la canción, se ha señalado que viene del lugar donde nació Berry, especificamente Goode Avenue en St. Louis.

El sonoro riff de guitarra que se escucha en la apertura de "Johnny B. Goode" puede ser considerados como uno de los riffs más famosos de la historia de rock and roll. Es esencialmente basado en el riff de una canción de Louis Jordan's publicada en 1946 titulada "Ain't That Just Like a Woman" que fue interpretado por el guitarrista Carl Hogan.

Este clasico del rock and roll fue elegida como uno de los logros más grandes de la humanidad dentro de la colección de obras culturales que se mandaron en la sonda espacial Voyager I.

Además, esta canción fue colocada en el puesto 7 dentro del ranking de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la perspectiva de la revista Rolling Stone, y el puesto número uno en la lista de Las 100 canciones de guitarra más grandes de todos los tiempos, hecho por la misma revista.

De hecho ,consciente de la importancia de la canción a su fama y su imagen como musico, Berry ha escrito dos canciones sobre su personaje Johnny, "Bye Bye Johnny" y "Go Go Go", hasta le hizo un álbum instrumental titulado como "Concerto in B. Goode".

Otra de la apariciones clasicas de esta canción es la que se hizo en la famosa pelicula Regreso al futuro, donde el personaje principal Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, tocó esta canción en un baile de instituto de manera magistral. De hecho en la cinta se infiere que fue McFly quien inspiró a Chuck Berry ya que mientras tocaba un musico llamaba a "Chuck" para contarle el nuevo sonido que estaba deleitando sus oidos. En ese tono humoristico se da a conocer que el nacimiento de los ritmos siguientes de las piezas de rock, y eventualmente la aclamada Johnny B. Goode vienen del protagonista y con el sentido que la película imprime, o sea al concepto de los actos y consecuencias a través del viaje en el tiempo.