SOLO QUIERO QUE ME RECUERDEN CON MI MUSICA

"La luna esta saliendo, no hay tiempo que perder
Es hora de empezar a beber.
Dile a la banda que toque un blues y yo pago los tragos".
Tom Waits

miércoles, 3 de junio de 2015

0022. BRUCE SUNPIE BARNES - SUNPIE´S ROMP & STOMP



Bruce "Sunpie" Barnes nació y se crió en Gravel Hill, Arkansas, y se trasladó a Louisiana en 1987 para trabajar como guardaparques en el  Parque Nacional Jean Lafitte Preserve. Desde 1999, ha sido un guarda parque interpretativo y archivero de la New Orleans Jazz National Historical Park. 

Combinando un amor por el blues, el zydeco, y la música de África Occidental, fundó Sunpie & Louisiana Sunspots en 1991 para crear y componer música inspirada en tradiciones de Africa y Lousiana. En 2010, y luego de contribuir  en la cultura musical del Blues trabajando en Nueva Orleans durante muchos años, comenzó a trabajar en proyectos de fotografía documental. Actualmente está trabajando en un álbum que es la culminación de las últimas dos décadas de su viaje musical, así como un libro sobre la educación musical con músicos de jazz y blues tradicional de Nueva Orleans, en asociación con The Neighborhood Story Project.


0021. OTIS RUSH - I GOT THE BLUES



Otis Rush llegó al Top 10 de los listados en 1956, con la aparición de “I Can’t Quit You Baby”, su primer single, estableciéndose desde ese momento como uno de los principales guitarristas del blues de Chicago. Rush también tiene el crédito de ser uno de los arquitectos del estilo del lado oeste, junto con Magic Sam y Buddy Guy, aunque tocaba en los clubes de la zona sur de Chicago durante el periodo de incubación de ese movimiento. De todas maneras, su estatus como uno de los primeros innovadores del blues en la ciudad de los vientos quedará asegurado para siempre gracias a su trabajo con la guitarra, llena de vibrato, y sus voces intensas, que se han convertido en un sello de fábrica. Si solo el talento fuera la fórmula del éxito, Otis Rush sería el líder del blues en Chicago pero el destino, la suerte y la idiosincrasia del artista han conspirado contra este objetivo en muchas ocasiones, cuando las oportunidades prácticamente rogaban para ser aceptadas.
Otis Rush llegó a Chicago en 1948 y con solo conocer a Muddy Waters se dio cuenta de lo que quería hacer el resto de su vida. Willie Dixon lo apadrinó y en 1956 lo llevó a firmar con Cobra Records, sello para el cual grabó “I Can’t Quit You Baby”, canción que llegó al puesto número seis en los listados de Rhythm and Blues de Billboard. Sus grabaciones para Cobra entre 1956 y 1958 incluyeron piezas clave para el blues como “Double Trouble”, “My Love Will Never Die”, “Three Times A Fool”, “Keep On Loving Me Baby” y “All Your Love (I Miss Loving)”.

Después de que Cobra cerró sus puertas, la mayoría de grabaciones de Rush fueron un fracaso. En 1960 registró con Chess otro clásico, “So Many Roads, So Many Trains” para luego moverse a Duke, Vanguard y Cotillion, sello con el que grabó el álbum “Mourning in the Morning”, un disco subvalorado, producido en 1969 por Mike Bloomfield y Nick Gravenites. Un claro ejemplo de la mala suerte de Otis Rush fue su disco “Right Place, Wrong Time”, grabado en 1971 para Capitol, el cual no fue tomado en cuenta por la gigantesca casa disquera a pesar de ser una obra excelente. Cinco años después, este álbum pudo ver la luz gracias al sello Bullfrog, levantando nuevamente al artista. “Cold Day In Hell”, una grabación para Delmark, más algunos trabajos en vivo sirvieron para mantener a Rush en el mercado durante las décadas de 1970 y 1980.
En 1986, Otis Rush se encaminaba para una sesión con el sello Rooster, en la cual iba a ser respaldado por músicos como Louis Myers, Lucky Peterson y Casey Jones. El amplificador de Rush no sonó debidamente, lo cual echó a pique el proyecto. Por esa época, Alligator Records había comprado los derechos de un disco que Otis Rush grabó fuera de Estados Unidos llamado “Troubles, Troubles”, nombre que fue profético para el registro realizado con Rooster: la casa disquera publicó el álbum “Lost In The Blues” en 1991 pero las guitarras fueron regrabadas por Lucky Peterson, cortando de tajo un trabajo de guitarra magistral.

Finalmente, en 1994, la carrera de esta leyenda del blues de Chicago comenzó a avanzar por el buen camino. Su disco “Ain’t Enough Comin’ In”, publicado por Mercury, obtuvo muy buenas calificaciones por parte de la crítica especializada y terminó en los primeros lugares de los listados. A pesar de ser un álbum de versiones, Otis Rush las presentó a su manera, con una guitarra demoledora de principio a fin. Algunos problemas personales amenazaron con poner fin al retorno triunfal de Rush, pero el guitarrista se mantuvo en buena forma, rodeándose de una banda que se comportó a su altura. Rush firmó para el sello House Of Blues, lo cual le dio un nuevo impulso a su carrera para intentar disputar el trono como rey del blues de Chicago.

0020. RAFUL NEAL - CALL ME BABY



Raful Neal fue uno de los arquitectos del blues en  Baton Rouge con una carrera que abarcó seis décadas. Con un estilo vocal relajado, detrás del golpe armónica, ganó seguidores devotos en la escena del Sur de Louisiana y se convirtió en un icono en la escena del blues internacional. Raful Neal nació el 6 de junio de 1936 en Baton Rouge, Louisiana. Él y su hermana Cora perdieron ambos padres a temprana edad. Crecieron con una tía y un tío en una granja, en Chamberlin, un pequeño pueblo en las afueras de Baton Rouge, donde se corta caña y se recoge algodón. Neal comenzó a tocar la armónica a los 14 años. A los 17 años, formó su primera banda, The Clouds, que originalmente incluía a Lester Johnson (más tarde conocido como Lazy Lester) en la guitarra. Lester fue reemplazado más tarde por un muy joven guitarrista llamado Buddy Guy. La banda tocó clubes Baton Rouge y algunos pueblos locales.. A los 22 años, Raful era lo suficientemente popular como para ser convocado por el sello Peacock Records (pionero en grabaciones de blues)  y registró su primer single, "Sunny Side Of Love." 
A través de la década de 1960 grabó para varios sellos de Louisiana, incluyendo The Louisiane & Whit.  
Después de escuchar Neal en Baton Rouge, Little Walter estaba tan impresionado que le invitó a ir a Chicago y tocar en conciertos locales.  Neal lo rechazó, ya que él  se había casado y estaba con su nueva esposa. Pero su forma de tocar la armónica era tan fuerte que se ganó el apodo de "The Little Walter de Louisiana."

El primer álbum completo de Neal fue "Louisiana Legends",  reeditado en Alligator Records en 1990. Nueve de los 11 hijos de Neal heredaron su destreza en la interpretación del blues. Raful Neal fue incluido en  Louisiana Blues Hall of Fame en 1995. Él continuó tocando  a nivel local sobre una base regular participando en distintos festivales hasta su muerte el 01 de septiembre de 2004. Hoy en día es reconocido como uno de los grandes del blues de Louisiana. 

Discografía: 
1990 Louisiana Legend (Alligator) 
1991 I Been Mistreated (Ichiban)
1998 Old Friends (Club Louisianne)

0019. TAJ MAHAL- CAKEWALK INTO TOWN



Una de las más importantes figuras del blues en el siglo XX y lo que va corrido del XXI es, sin lugar a dudas, Taj Mahal, quien ha jugado un papel enorme en la revitalización y la preservación de las tradiciones acústicas del blues. Además se tomado muy en serio su rol de musicólogo y se ha interesado por diferentes músicas y sus raíces, como el folk, el jazz, el góspel, la africana y la india, mencionando algunas, permitiéndose mezclarlas con el blues, presentándose así en un amplio contexto musical.
Henry St. Clair Fredericks nació en Nueva York, como ya lo dijimos, el 17 de mayo de 1942. Su padre era pianista y compositor de jazz, de origen jamaiquino, y su madre era profesora de escuela y cantante de góspel. Cuando era pequeño, su familia se trasladó a Springfield, en Massachusetts, donde se impregnó de gran cantidad de géneros musicales gracias al radio de onda corta de su padre. Dentro de los artistas que más le llamaron la atención estaban los bluesmen y los primeros artistas de rock’n’roll como Chuck Berry y Bo Didley.
Aprovechando su vida en el campo estudió agricultura y veterinaria, combinando estos estudios con la música. Un día tuvo un sueño del que surgió la idea de su nombre artístico: Taj Mahal y formó su primera banda, Taj Mahal & The Elektras, a comienzos de los años 60. A mediados de esa década se trasladó a Los Ángeles, California, y formó The Rising Sons al lado de Ry Cooder, grupo con el que grabó su primer disco el cual, debido a problemas legales, solo vino a ser publicado en 1992.
Frustrado por no poder publicar el disco con The Rising Sons, Taj Mahal decidió abandonar la banda y seguir su carrera como solista. En 1968 publicó su primer disco, llamado “Taj Mahal”, en el cual mostró su acercamiento hacia el viejo blues, y le siguió “Natch’l Blues”. Posteriormente publicó el disco doble “Giant Step”, en 1969, con una mezcla de blues eléctrico y acústico. Gracias a esos tres trabajos, Taj Mahal comenzó a construir su reputación como un auténtico bluesman moderno, ganando el aprecio de muchos colaboradores musicales.

Durante los años 70, Taj Mahal mostró varias aventuras musicales como la de 1971, “Happy Just To Be Like I Am”, disco en el que explora con ritmos caribeños, y al año siguiente llega con “The Real Thing”, con un tono muy cercano a Nueva Orleans.
En 1976 Taj Mahal terminó su contrato con Columbia y pasó a Warner Bros. Allí grabó tres discos, todos en 1977. Para los años 80, el clima musical cambió y esto llevó a un desinterés hacia el trabajo de Taj Mahal, por lo que permaneció alejado de los estudios de grabación. Regresó en 1987 con el álbum “Taj” en el que exploró con la música de Hawái. Al año siguiente comenzó una serie de grabaciones para niños, muy exitosa, dentro de la que se cuenta la banda sonora de la obra de teatro “Mule Bone”, escrita en 1930 por los grandes autores afroamericanos Langston Hughes y Zora Neale Hurston.

Taj Mahal entró a la década de 1990 con energía renovada y volvió a grabar y a salir de gira. Para Private Music registró álbumes exitosos como “Dancing The Blues” en 1993 y “Phantom Blues” de 1996, orientados hacia el rock y el pop. En 1997 Taj Mahal obtuvo un premio Grammy por el álbum “Señor Blues” y luego inició un ejercicio de acercamiento a la música del mundo, que trajo como resultado grabaciones como “Mumtaz Mahal” de 1995, acompañado por músicos clásicos de la India, “Sacred Island” en el que explora nuevamente con la música de Hawái al lado de la Hula Blues Band, en 1999 y 2005 se interna en la música africana con “Kulanjan” y “Mkutano” respectivamente, y su último disco, “Maestro”, apareció en 2008.

0018. KEB MO - HAND IT OVER





Keb’ Mo’ siempre fue comercializado como un músico de blues, un calificativo que no se adaptaba mucho a su estilo. Aunque él llamó la atención del público interpretando canciones de Robert Johnson en un musical de Broadway, lo cual le abrió las puertas a su carrera discográfica, siempre tuvo dentro de su disquera un grupo de compositores que oscilaban entre el pop, el soul, el rhythm & blues y el jazz.
Keb’ Mo’ supo mezclarse con el estilo del blues de Robert Johnson, logrando darle ciertos toques contemporáneos gracias a su sonido soul y a ese modo de narrar historias, muy similar al usado por los artistas de folk. Tiene mucha habilidad para la guitarra, particularmente para el slide, es un gran frontman y además un músico acompañante muy versado.

Keb’ Mo’ nació en Los Ángeles, California, el 3 de octubre de 1951, y su nombre es Kevin Moore. Creció con bastante exposición al gospel y a los 21 años de edad integró su primera banda, con la cual abrió conciertos para artistas como Papa John Creach, Mahavishnu Orchestra, Jefferson Starship y Loggins & Messina, lo cual ayudó bastante a ampliar su horizonte musical.
Cuando todavía era Kevin Moore, Keb’ Mo’ grabó en 1980 un álbum llamado “Rainmaker”. En 1983 se unió a la banda de Monk Higgins, donde conoció a un buen número de músicos de blues, quienes le permitieron incrementar sus conocimientos acerca de este género. Para 1990 interpretó a un bluesman en una obra de teatro y encarnó a Robert Johson en el documental “Can’t You Hear The Wind Howl?”, hechos que le abrieron la puerta grande en el blues. De esta manera publicó su primer disco como Keb’ Mo’, 13 canciones: 11 propias y 2 cóvers de Robert Johnson.
Si en su disco debut Keb’ Mo’ se presentó como solista, en su segunda producción se hizo acompañar de una banda con sólidas bases en el rock.

0017. ARTHUR ADAMS & B.B. KING - GET YOU NEXT TO ME




Arthur Adams (nacido el 25 de diciembre 1943) es un estadounidense, músico y cantante de blues de Medon, Tennessee. Inspirado por BB King y otros artistas se inició con la  música gospel antes de asistir a la Universidad. Se mudó a Los Ángeles, y durante los años 1960 y 1970 editó discos solistas y trabajó como músico de sesión. A partir de 1985 y luego de una gira como bajista de Nina Simons, también participó en recitales con B.B.King.
Un compositor prolífico, con un estilo de blues que incorpora una variedad de géneros, Adams es conocido por su colaboración con muchos músicos de la élite del blues.

Arthur Adams nació el 25 de diciembre de 1943 en Medon , Tennessee. A la edad de seis años, cantó en el coro de la iglesia, pero no comenzó a tocar la guitarra hasta que era un adolescente. A mediados de la década de 1950, aprendió el instrumento con su madre, copiando sus posiciones de los dedos. Fue inspirado por artistas como BB King , Howard Carroll, Elmore James y Muddy Waters , que escuchaba en la radio.

Adams formó un grupo con sus primos un grupo llamado The Gospel Trevelers , con el que recorrió  Tennessee y Arkansas. El grupo se disolvió cuando se mudó a Tennessee para asistir a la Universidad del Estado, donde estudió música
Comenzó a tocar el blues profesionalmente en un bar estudiantil local llamado el Club de Baron. Estuvo de gira con Gen Allison band 's cantante. Al final de una gira malograda, Adams abandonó el grupo  en Dallas. Allí permaneció entre febrero de 1959 hasta abril de 1964, trabajando en clubes nocturnos locales, y tocando  Lightnin 'Hopkins , Chuck Berry, Elmore James , y Lowell Fulson .

A principios de la década de 1960, produjo varios singles, incluyendo "If It Ain't One Thing It's Another"/"Willin' To Die", producido en Dallas por Al Klein.
En 1964, Adams se mudó a Los Ángeles, California. Ese mismo año, comenzó a trabajar como músico de sesión a tiempo completo, trabajando con Quincy Jones. Este hecho fue beneficioso ya que no sólo se hizo un nombre por sí mismo en los clubes de blues sino que se convirtió en un prolífico músico de estudio.
Contribuyó con las  bandas sonoras de cine y televisión, incluyendo El Show de Bill Cosby y Ironside.
A finales de 1960 grabó varios discos de rhythm and blues.
Durante los últimos años de la década de 1970, Adams cambió de estilo  y grabó discos solistas pero en la década de 1980 regresó a sus raíces de blues, en ocasiones trabajando como guitarrista para varios grupos, incluida su labor como bajista de Nina Simone.
En 1999, lanzó el álbum Back on Track , su primer lanzamiento solista en 20 años. Entre los temas del disco se incluyen dos duetos con el B B King ("Get You Next To Me" y "The Long Haul")  ambas compuestas por Adams y Will Jennings. 



0016. HENRY GRAY - HOW COULD YOU DO IT??



Henry Gray (19 de enero de 1925, Kenner, Louisiana ) es un cantante afro-americano de blues. Durante más de siete décadas, ha tocado con una multitud de artistas como Robert Lockwood Jr. , Billy Boy Arnold ,Morris Pejoe , los Rolling Stones , Muddy Waters y Howlin 'Wolf , entre muchos otros. Cuenta con más de 58 álbumes en su haber, incluyendo grabaciones para la Chess Records. 
Poco después de su nacimiento Gray, un hijo único, se trasladó con sus padres a una granja en Alsen, Louisiana, a unas pocas millas al norte de Baton Rouge , donde pasaría sus años de infancia. Gray comenzó a estudiar piano a la edad de ocho años con una mujer de barrio, la señora White. Gray también acredita los registros de radio y música en su casa que inspiraron su amor por la música a una edad temprana. Unos años más tarde, Gray comenzó a tocar piano y órgano en la iglesia bautista local, y su familia finalmente consiguió un piano para la casa. Su padre inicialmente había desaprobado los conciertosde blues de Gray, pero, después de ver la cantidad de dinero que estaba haciendo, terminó por apoyarlo. En 1943, Gray se unió al Ejército de los Estados Unidos y fue enviado al Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial. 
Regresó a los EE.UU. en 1946, donde pasó un breve tiempo en Alsen antes de trasladarse a Chicago, donde tenía parientes.


Chicago: 1946-1968
Después de llegar a Chicago,comenzó a pasar una gran cantidad de su tiempo en los clubes de jazz y blues de la posguerra. Se pasaba horas escuchando y tratando de aprender de los mejores pianistas de Chicago y de vez en cuando era contratado para pequeños conciertos. En uno de esos clubes conoció a Maceo Merriweather quien se hizo amigo Gray y tuvo un impacto importante en su desarrollo como músico de blues. Como resultado, comenzó a dar conciertos estables con grupos como Red Devil Trio y el guitarrista Morris Pejoe antes de grabar en estudio junto a Jimmy Reed , Bo Diddley , Billy Boy Arnold , Pejoe, y otros. Su primera sesión de grabación fue en 1952 con Jimmy Rogers Gray también trabajó ocasionalmente con Little Walter.

En 1956, Gray se unió a Howlin Wolf y fue su pianista principal durante doce años. También durante este tiempo, Gray se convirtió en un músico de sesión para numerosos artistas en grabaciones realizadas por Chess Records . Grabó con muchos iconos del blues incluyendo: Abb Lock , Sonny Boy Williamson II , Homesick James , Robert Lockwood Jr. , Billy Boy Arnold , Muddy Waters , Johnny Shines , Hubert Sumlin , Lazy Lester , Little Walter Jacobs , Otis Rush y Koko Taylor , entre otros. En 1963, Henry Gray tocó con Elmore James en la noche que James murió de un ataque al corazón. 

Louisiana: 1968-actualidad 
Gray dejó la banda Howlin' Wolf y abandonó Chicago en 1968 para volver a Alsen, Louisiana debido a la muerte de su padre y para ayudar a su madre con el negocio del mercado de pescado de la familia. Gray se convirtió en una parte importante de la escena musical de Louisiana, donde su gran sonido, se convirtió en parte del estilo "swamp blues" de la región.
Durante los últimos treinta años, Gray ha actuado en casi todos los festivales de Nueva Orleans Jazz & Heritage , tres Festivales de Blues de Chicago (1987, 1989 y 2005), en el Festival de Jazz de Montreal (1988) y muchos otros festivales de los Estados Unidos.

Henry Gray también ha viajado a Europa para tocar con frecuencia en festivales y conciertos, y se puede escuchar en varios filmes europeos.En 1990, grabó Louisiana Swamp Blues. En 1998, Gray recibió una nominación a los Premios Grammy por su álbum A Tribute to Howlin' Wolf. En 2003, fue presentado junto con Ray Charles, Dr. John, Pinetop Perkins y Dave Brubeck en "Piano Blues", de Clint Eastwood, que fue transmitido a nivel nacional por la televisión pública.

0015. RUTH BROWN - A GOOD DAY FOR THE BLUES




Ruth Brown tuvo una vida repleta, que narró en el libro Miss Rhythm.Ése fue su apodo en Atlantic, sello que creció durante los años cincuenta -antes de fichar a Ray Charles- gracias en buena parte a temas suyos como Teardrops from my eyes, I know, 5-10-15 hours, Wild, wild young men, (Mama) He treats your daughter mean, Oh what a dream, Lucky lips, Mambo baby o Don't deceive me. Atlantic transformó una cantante convencional en una excitante intérprete de rhythm and blues, aparte de gran escenificadora de baladas.
Era una mujer brava: nacida en Portsmouth (Virginia) en 1928, se había escapado de casa con un trompetista del que tomó el apellido Brown. Su vida amorosa fue intensa: se casó varias veces y tuvo un hijo con Clyde McPhatter, vocalista de los Drifters. Era tía de uno de los gigantes del hip-hop, Rakim.

En los sesenta, su estrella se eclipsó. Un accidente de coche, cuando se trasladaba a grabar a Nueva York, le había dejado secuelas y debió aceptar todo tipo de empleos, lejos de la música. Animada por el humorista Redd Foxx, volvió en 1975 y se labró una nueva carrera, como cantante y actriz en teleseries, obras de Broadway y películas (apareció en Hairspray, la comedia musical de John Waters).



Ruth siempre se lamentó de que no pudo rentabilizar sus años dorados: sus éxitos fueron más populares en versiones de estrellas blancas y Atlantic era tan tacaña con el pago de regalías como el resto de las independientes dedicadas a la race music. En 1987, inició la Rhythm and Blues Foundation, que buscaba aliviar la vejez de muchos veteranos de la música negra, que aparecían como deudores en los peculiares libros de contabilidad de discográficas ya integradas en multinacionales.

Alzó la voz, consiguió la complicidad de figuras como Bonnie Raitt y logró avergonzar a varias de estas empresas. Atlantic perdonó las "deudas" de aquellos artistas, pagó nuevos royalties y realizó una donación de dos millones de dólares para que la R&B Foundation materializara programas de ayuda. Como puntualizó Ruth, fue "un acto de justicia, no de caridad".

B.B. KING. RUTH BROWN. ZAKIYA HOOKER. JOHN LEE HOOKER

Por su parte, nunca dejó de trabajar, ya inclinada hacia el jazz. En tiempos recientes había grabado canciones para Honeydripper, el próximo largometraje de John Sayles, donde también tenía que actuar. No fue posible.

Debilitada por una operación, murió el viernes 17 de noviembre de 2006, en Las Vegas.

0014. ELMORE JAMES - LONG TALL WOMAN



El guitarrista Elmore James fue uno de los intérpretes de slide más influyentes en el periodo posterior a la segunda guerra mundial. A pesar de que su muerte temprana lo alejó de las mieles del blues revival de los años 60, como ocurrió con contemporáneos suyos como Muddy Waters o Howlin’ Wolf, James logró dejar un vasto camino que ha sido transitado por muchos guitarristas hasta nuestros días. Con su guitarra escribió páginas que luego fueron leídas por artistas como Hound Dog Taylor, Joe Carter, Homesick James y J.B. Hutto, mencionando algunos nombres.
Gracias a su trabajo en la reparación de radios, Elmore James aprovechó para fabricar los amplificadores de sus guitarras, haciéndolos sonar de forma cruda, distorsionada, un sonido que solo se volvió a escuchar cuando llegó el rock en los años 60. James aprovechó esta sonoridad para entregar toda su faceta emocional a través de la guitarra y su voz, entregándose siempre por completo en cada interpretación. Detrás de la figura de Elmore James, su guitarra y su voz, estaba una de las mejores bandas de blues de Chicago, The Broomdusters, en la que estaban Little Johnny Jones en el piano J.T. Brown en el saxo tenor y Homesick James, primo de Elmore, en la guitarra rítmica. En ocasiones este talentoso núcleo era aumentado por un segundo saxofón mientras que el baterista cambiaba con frecuencia. Pero fue esta la agrupación que luchaba codo a codo contra bandas como la de Muddy Waters o Howlin’ Wolf, robándose casi siempre el show.

Aunque tenía un sonido muy urbano, la raíz de la música de James vienen desde su ciudad natal, Canton, Misisipi, donde vio la luz el 27 de enero de 1918. A temprana edad tuvo su primer contacto con la música, creando un instrumento con una escoba y una cuerda, la cual templaba con una lata y tocaba pisaba con un cuello de botella. A los 14 años de edad ya se presentaba en algunos juke joints de la zona bajo nombres como “Cleanhead” o Joe Willie James y pudo tocar con músicos que itineraban por la zona como Robert Johnson, Howlin’ Wolf y Sonny Boy Williamson. Hacia finales de los 30 formó su primera banda pero el comienzo de la segunda guerra mundial interrumpió su trabajo, debido a que Elmore James fue llamado al ejército. Cuando dejó el servicio militar llegó a Memphis, donde estuvo con Eddie Taylor y su primo Homesick James. Elmore James fue uno de los primeros grandes artistas en presentarse en el popular programa de radio King Biscuit Time, transmitido por KFFA en Helena, Arkansas, y en otras emisoras del área.
A pesar de estar inseguro de sus habilidades, Elmore James aceptó una sesión de grabación para el sello Trumpet, en la cual registró “Dust My Broom”. La leyenda dice que James salió del estudio una vez grabó y que no escuchó cómo había quedado la canción así que mucho menos hizo un segundo tema. El sencillo, que tenía al otro lado al cantante Bobo “Slim” Thomas, fue éxito en 1951, entrando al Top 10 de las listas de rhythm and blues, abriendo así la puerta el estrellato a Elmore James. Después de eso, el guitarrista grabó para Flair y Meteor y luego se trasladó a Chicago donde grabó una sesión rápida para Chess. Durante este periodo de actividad, Elmore James unió a los Broomdusters y comenzó una serie de grabaciones para Modern Records, algunas de las cuales llegaron a los primeros lugares de los listados y se convirtieron en clásicos del blues.

James logró establecerse como cabeza de cartel en los principales clubes de Chicago y sus discos sonaban constantemente en la radio. En 1957, una vez finalizó su contrato con Modern, grabó para Chief, registros que luego fueron publicados por Vee-Jay Records. Algunos problemas cardiacos hicieron que Elmore James regresara a Jackson, Misisipi, donde dejó a una lado sus presentaciones en clubes para trabajar en la radio como disc-jockey o en su antiguo trabajo, reparando aparatos dañados. Regresó a Chicago para una sesión de grabación con Chess pero rompió su contrato para grabar con Fire, produciendo algunos de sus temas más conocidos. Volvió a Mississippi pero en mayo de 1963 llegó nuevamente a Chicago, con el propósito de reiniciar su carrera, debido a que sus discos estaban siendo reeditados por varios sellos hasta que el día 24 de ese mes sufrió el infarto definitivo. Elmore James fue acompañado hasta su última morada por cerca de 400 luminarias del blues. En 1980 fue incluido en el Salón de la Fama del Blues y posteriormente ocurrió lo mismo en el del Rock & Roll. Aunque no vivió para disfrutar de la recompensa del blues revival, su música e influencia siguen resonando.

0013. AL KOOPER - ALBERT'S SHUFFLE



A finales de los años cincuenta Nueva York se convirtió en un centro de numerosas evoluciones musicales, debidas sobre todo al pujante crecimiento del blues eléctrico y de su encuentro con los músicos más sensibles de la música rock. Uno de ellos es Al Kooper, un controvertido y extravagante personaje, nacido el 5 de febrero de 1944 en Brooklyn, Nueva York, que ha sido uno de los mejores artífices del movimiento rock-blues americano de los años sesenta. A los trece años tocaba el piano y la guitarra con The Royal Teens, autores en 1958 de un pequeño éxito americano titulado 'Short shorts'. Abandonó la banda un año más tarde y se inscribió en la Universidad de Bridgeport para un curso de composición musical.

 En 1965 cobró un tercio de los derechos por la composición de 'This diamond ring', de Gary Lewis y The Playboys, que había vendido un millón de copias, y convenció al productor Tom Wilson, que estaba trabajando en 'Like a roIling stone', de Bob Dylan, para que le dejase tocar la guitarra en el disco. Ante la noticia de que Mike Bloomfield ya había tocado esa parte, Al, nada enfadado, persuadió a Tom para que le dejase tocar el órgano. Se decidió que la parte de Kooper debía sonar al fondo para evitar tapar el trabajo ya realizado. Sin embargo, cuando Dylan escuchó la grabación, quedó impactado por el sonido particular que Kooper había sabido crear con un órgano abandonado en el estudio. Kooper fue requerido para permanecer como tecladista durante toda la grabación del álbum 'Highway 61'. Así nació la colaboración entre ambos: en el mismo período Kooper acompañó a Dylan en la discutida actuación en el Festival de Newport (1965); también colaboró como músico de estudio con Dylan en 1966, para el álbum 'Blonde on blonde', y en 1970 para 'New morning'. Gracias a la fama conquistada junto a Dylan, Al Kooper entró en 1966 a formar parte de Blues Project, llevándolos, en compañía de Steve Katz (ya con The Even Dozen Band), a ser el primer grupo neoyorquino de blues eléctrico. La banda se convirtió en un punto de referencia para todos aquellos que creían en el blues-rock. Sus tres conciertos en el Central Park de Nueva York (1966) contribuyeron a que fueran considerados como la mejor banda del año. Pero existía una novedad: el proyecto Blood Sweat & Tears.

 El grupo intentaba proseguir la unión de rock y blues, ya presente en Blues Project, mezclando a estos dos estilos el jazz más refinado: fue tarea de Kooper descubrir músicos capaces de producir un jazz adecuado a un público acostumbrado a escuchar rock. El primer álbum, 'Child is father to the man' a pesar de ser, en muchos aspectos, aún algo rudo resultó muy eficaz. Kooper, cada vez más inquieto y anhelante de nuevas experiencias, abandonó la banda para trabajar como productor en Columbia. Uno de sus primeros "experimentos" fue 'Supersession' (1968), un disco que documenta una jam session de Al con Mike Bloomfield, al que conoció en 1965 durante la sesión de grabación para Dylan, y con Stephen Stills. El disco se convirtió en seguida en uno de los más vendidos del año, ascendiendo rápidamente hasta la cima de las listas de éxitos. Como era lógico, Kooper y compañía aprovecharon la ocasión para presentarse ante el público en una serie de conciertos. Y al año siguiente Kooper y Bloomfield, sin Stills, repitieron la experiencia con 'The live adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper' (1969). AIgunos meses más tarde se publicó el primer álbum en solitario de Kooper, 'I stand alone' (1969), y poco después 'You never know who your friends...' (1969). Los dos álbumes, a pesar de la buena fama mantenida por Al en sus colaboraciones como músico de estudio con The Rolling Stones para el álbum 'Let it bleed' y con Jimi Hendrix para 'Electric ladyland', fueron prácticamente ignorados. Con el inicio de los años setenta, Al Kooper compaginó su trabajo como instrumentista, para B. B. King y Taj Mahal, con el de productor, para The Don Ellis Band. El mejor disco de la época es 'Easy does it' precedido en algunos meses, en 1970, por 'Kooper session', que ayudó a dar a conocer al público al guitarrista de quince años Shuggie Otis, hijo de Johnny Otis. En 1971 compuso 'Landlord', banda sonora de la película homónima de Hal Ashby, y publicó otro álbum en solitario, 'New York City (you're a woman)'. A finales de año, más inquieto que nunca, Kooper se trasladó a Atlanta y fundó una compañía discográfica especializada en nuevos grupos rock del sur, Sound of the South Records. Impulsado por esta nueva actividad, al año siguiente publicó el inmejorable 'Naked songs', que incluye el inolvidable 'As the years go passing by'. Kooper, recobrada la confianza en sí mismo, empezaba a resurgir: en 1973 se reunió para una gloriosa sesión con Blues Project y produjo el debut de Lynyrd Skynyrd, con los que permaneció durante los tres primeros álbumes. En estos años trabajó también como consejero en los trabajos de Mose Jones, de The Atlanta Rhythm Section, y de Wet Willie. En 1975 colaboró con Tubes en su primer álbum y con Nils Lofgren en 'Cry tough', poco tiempo después con Dylan y con Eddie & The Hot Rods. Kooper, ya convertido en un apreciado productor, en 1976 publicó 'Backstage Passes', su autobiografía, escrita con Ben Edmonds y un nuevo álbum en solitario, 'Act like nothing's wrong'. Después su nombre cayó en el olvido durante unos tres años, hasta que en 1979 salió a la luz '4 on the floor'. Con el inicio de los años ochenta Kooper volvió a dar que hablar por una tercera reunión de Blue Project y por su trabajo como instrumentista en el séquito de Dylan en la gira de 1981-1982. Algunos meses más tarde lo encontramos en el papel de consejero y productor con Joe Ely, David Essex, Johnny Van Zandt y Eddie & The Hot Rods. En 1982 volvió a grabar, publicando 'Championship wrestling'.

0012. BLIND LEMON JEFFERSON - HAPPY NEW YEARS BLUES



Nacido como Lemon Henry Jefferson en Texas, el 24 de septiembre de 1893, ciego de nacimiento, de ahí le vino su apelativo de “Blind”. Fue un destacado cantante y guitarrista de blues único en su categoría y uno de los más escuchados durante la década de los 20.
Su estilo musical era muy apasionado e individualista, y no tenía nada que ver con el típico blues de Texas de los venideros años 30. Su forma de cantar y tocar la guitarra parecía de manera espontánea y libre. Su irregular registro vocal y su ritmo de canto evocando a los trabajadores creaban una tensión entre la voz y la guitarra altamente imprevisible.


Empezó a tocar de adolescente en fiestas y comidas en el campo, después pasó a cantar en barberías y en las calles de Texas
Sus primeras actuaciones profesionales tuvieron lugar en Texas, hacia 1911-1912. Se trasladó a Dallas en 1917 donde se hizo popular en entornos difíciles. También estados como Mississippi y Alabama le pudieron conocer en directo.
En 1926 empezó a grabar en Chicago, a donde se había trasladado un año antes. Estuvo grabando para la discográfica Paramount hasta que se cambió a OKeh, se sospecha que por discrepancias en sus honorarios. En esta discográfica hizo sus últimas grabaciones que al mismo tiempo fueron sus hits más famosos “Matchbox Blues” y “The Black Snake Moan”.

Falleció el 19 de diciembre de 1929 por culpa de una miocarditis aguda, aunque siempre hubo rumores de otras posibles causas. Paramount Records, la firma discográfica para la que trabajó se hizo cargo de todas las honras fúnebres e hicieron que trasladaran su cuerpo desde Chicago hasta el estado que le vio nacer por tren y le enterraron en el “Wortham Black Cementery” hoy conocido como “Blind Lemon Memorial Cementery” en su honor.

0011. ALBERT KING - I'LL PLAY THE BLUES FOR YOU



Albert King es un verdadero rey del blues aunque quien tenga ese título sea B.B. King. Junto a B.B. y Freddie King, Albert es una de las principales influencias que han tenido los guitarristas de blues y de rock. Sin él, la guitarra en la música moderna no sonaría como lo hace, gracias a un estilo que ha influenciado desde Otis Rush y Robert Cray hasta Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan. Es importante anotar que aunque muchos guitarristas modernos caen infaliblemente en el cliché de B.B. King, Albert nunca lo hizo, él tuvo su estilo propio desde el comienzo.
Albert King era zurdo y tocaba la guitarra de esa manera, pero sin cambiar el orden de las cuerdas. Esto fue lo que generó sus diferencias tonales, ya que pulsaba hacia abajo las mismas cuerdas que los guitarristas diestros pulsaban hacia arriba cuando hacía los bends, lo que generó un gran impacto. Esta es la razón para que se pueda distinguir de inmediato a Albert King de otros guitarristas de blues.

King nació en Indianola, Mississippi, pero creció en Forrest City, Arkansas. Su verdadero nombre era Albert Nelson y fue autodidacta en la guitarra, instrumento que aprendió a tocar desde niño luego de construir una propia con una caja de tabacos. Comenzó acompañando grupos de góspel y luego de escuchar a Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson y otros músicos de blues, decidió inclinarse hacia esta música. En 1950 se unió a In The Groove Boys, banda base del T-99, club de Osceola, Arkansas.
Tras ganar algo de reputación con este grupo, se trasladó a Gary, Indiana, donde integró un grupo en el que estaban los guitarristas Jimmy Reed y John Brim, situación que forzó a Albert King a tocar la batería. Fue precisamente en esa época en que Albert dejó de llamarse Albert Nelson para asumir su nombre artístico Albert King, luego de escuchar el éxito de B.B. King “Three O’Clock Blues”. Conoció entonces a Willie Dixon, quien le ayudó a lograr una audición para el sello Parrot.
King aprobó la audición e hizo su primera grabación en 1953, sesión en la que registró cinco temas pero sólo se publicó un sencillo “Be On Your Merry Way”, que aunque tuvo un buen nivel de ventas no llamó la atención de los directivos de Parrot para considerar una nueva sesión.
En 1956, Albert se trasladó a San Luis donde se unió a algunas bandas locales llegando a ser cabeza de cartel en algunos clubes. Su popularidad empezó a crecer y fue en esa época en la que comenzó a tocar su Gibson Flying V, a la cual bautizó como Lucy, y logró un contrato con el sello Bobbin, haciendo una música más cercana al jump blues que al de Chicago. De toda maneras la fuerza de su guitarra fue muy notoria y los sencillos empezaron a ocupar los primeros lugares de los listados.

King dejó al sello Bobbin en 1962 y se unió a King Records en 1963, con un trabajo mucho más orientado al pop. Luego grabó para el pequeño sello Coun-Tree, lo sirvió para abrir el camino que lo llevaría hacia Stax Records.
En 1966 Albert King llegó a Stax Records, sello con el cual llegaría al estrellato tanto en el blues como en el rock. Todas sus grabaciones con Stax fueron hechas con la banda base de la casa disquera, Booker T. & The MG’s. De allí surgieron temas como “Laundromat Blues”, “Crosscut Saw”, “Born Under A Bad Sign”, los cuales el sonido de Albert King a oídos de Jimi Hendrix y Eric Clapton, quienes copiaron en cierta forma su estilo.
Albert King grabó su primer álbum en 1969, “Years Gone By”. Un año antes se había publicado “Born Under A Bad Sign”, pero era la recopilación de los sencillos grabados con Stax. Luego presentó un tributo a Elvis Presley llamado “Blues For Elvis: Albert King Does The King’s Things”, un jam session con Steve Cropper y Pops Staples, y ofreció un concierto al lado de la Orquesta Sinfónica de San Luis. En los siguientes dos años, King salió de gira por Estados Unidos y Europa, volviendo a grabar en 1971 y 1972, año en el que registró “I’ll Play The Blues For You”, disco enraizado en el blues pero con un sonido cercano al soul y al funk.
Para mediados de la década de 1970, el sello Stax tuvo problemas financieros que obligaron a Albert King a cambiar de casa disquera, llegando a Utopia, una filial de RCA. Grabó dos discos, tuvo algunos éxitos, pero en realidad este era un periodo de transición, en el cual descubrió que era mejor dedicarse estrictamente al blues y no a mezclarlo con el soul. Este cambió llegó al público con las grabaciones para Tomato en 1978 y luego con Fantasy en 1983.

A mediados de esa década Albert King anunció su retiro pero fue algo corto, ya que al poco tiempo volvió a participar en diversos festivales hasta que la muerte lo sorprendió el 21 de diciembre de 1992. Ese día el blues perdió a uno de sus más grandes ídolos.

0010. JOHN LEE HOOKER - TIME IS MARCHING



John Lee Hooker, uno de los más importantes bluesistas de todos los tiempos, falleció plácidamente mientras dormía en la mañana del 21 de junio de 2001, en su casa en San Francisco, a la edad de 83 años. Hooker influenció a incontables generaciones de músicos e inspiró a fanáticos musicales alrededor del mundo durante sus casi 60 años de carrera. Fue bien amado por millones de personas y lo extrañaremos enormemente. 
Fue amado alrededor del mundo y conocido como el rey del boogiee, una genuine super estrella del blues cuyo estilo hipnótico fue tanto ultra primitivo como sin tiempo alguno. Pero John Lee Hooker será recordador en muchos más estilos en una carrera que duró más de medio siglo.
“The hook” fue un nativo del Mississippi que llegó a ser el principal artista del circuito blues de Detroit en los años posteriores a la segunda Guerra mundial. Las semillas de su particular sonido de guitarra fueron plantadas por su padrastro, Will Moore, mientras Hooker era un adolescente. Hooker había cantado gospel anteriormente pero fue tocado por el blues y. simplemente, se dejó llevar. Algunos visitantes de su casa marcaron también importante huella. Hablamos de Blind Lemon Jefferson, Charley Patton y Blind Blake quienes conocían a su padrastro.

Cuando todavía estaba en su juventud, Hooker sintió el llamado de Memphis, pero no pudo hacer mucho en esa ciudad. Se trasladó a Cincinnati donde vivió 7 años antes de realizar su gran movida hacia Detroit en 1943. Los trabajos fueron variados pero Hooker se dedicó a vagabundear por diversos bares con tal de tocar su particular forma de abordar el blues.
En 1948 Hooker se encontró con el productor Bernie Besman, quien le ayudó con sus primeros sencillos “Sally Mae” y “Boggie Chillen”. No había un blues más primitivo como ese en el mercado. La voz gutural de Hooker era acompañada solo por su guitarra fuertemente amplificada y un insistente golpe de tacón. Estos esfuerzos fueron rápidamente recompenzados. Modern Records, un sello de Los Angeles, editó estas grabaciones y “Boggie Chillen” llegó a ser uno de los principales atractivos de los listados de rhythm and blues.
El sello Modern publicó algunos de los principales éxitos de “el hijo del boggie” como “Hobo blues”, “Hoogie boggie”, “Crawling king snake blues” y uno que llegó a los primeros lugares de las listas: “I’m in the mood”, en el cual Hooker sobrepuso su voz 3 veces en un crudo intento de multipista.
Pero Hooker nunca permitió que in contrato le impidiera hacer grabaciones para otros sellos. Su catálogo tempranero se mueve por diferentes disqueras y es tan complejo que es imposible de seguir.
Volviendo al tema de las grabaciones, al mismo tiempo que Hooker trabajó con Modern, también grabó para King bajo el seudónimo Texas Slim; para Regent como Delta John; con Savoy se hacía llamar Birmingham Sam & His Magic Guitar; el nombre Little Pork Chops fue utilizado en Danceland; para el sello Staff era Johnny Williams; para Gone firmó bajo el nombre John Lee Booker; en Acorn fue conocido como The Boogie Man; pasó por otras casas disqueras hasta que en 1955 se estableció en Vee-Jay con su propio nombre. Hooker se convirtió entonces en el punto de referencia para la creciente escena blues de Detroit durante su increíblemente prolífico periodo, llevando al guitarrista Eddie Kirkland como su frecuente compañero de dúo.
Una vez firmado el contrato con Vee-jay, el áspero sonido de Hooker como solista se adaptó a formato de banda. Hooker grabó con varios combos pero nunca con alguien tan versátil como el guitarrista Eddie Taylor o el armonicista Jimmy Reed, quienes lo acompañaron en su comienzo con Vee-jay, produciendo temas como “Time is marching” y “Mambo chillum”.

En 1956 surgieron 2 temas clásicos de Hooker: “Baby Lee” y “Dimples”. Sin embargo también se presentaron inconvenientes con los miembros de la banda, pues el sentido de los tiempos de Hooker era muy propio y, por ser marcado con los tacones de sus zapatos, requería que sus compañeros tuvieran grandes orejas.
El sello Vee-Jay presentó a Hooker en diferentes formatos durante los primeros años 60. El tema “No shoes” fue, sorpresivamente, un éxito en 1960 mientras que “Boom boom” lo hizo en 1962. Estas interpretaciones se acercaban a las canciones bailables del rhythm and blues, beneficiándose por la presencia de algunos músicos pertenecientes a la casa Motown. Pero también había momentos acústicos para acercarse a la naciente fanaticada del folk-blues y también algunos intentos de actualizarse con el rhythm and blues, llegando hasta a presentar coros femeninos y estructuras que, en ocasiones, eran extrañas para Hooker.
A comienzos de los años 60, algunas bandas británicas como The Animals o The Yardbirds, conviertieron a Hooker en ídolo. En 1964 The Animals realizó un cover de “Boom boom” que hizo que las ventas de la grabación original se dispararan en los Estados Unidos.
En 1964 Hooker grabó una de sus joyas con el Vee-Jay: “Big legs, tight skirt”, que fue uno de los últimos registros para esta casa disquera. Posteriormente hace un extenso recorrido por diversos sellos: Verve-Folkways, Impulse, Chess, and BluesWay fueron su hogar entre 1965 y 1966. La reputación de Hooker creció en los Estados Unidos, especialmente dentro del público roquero luego del álbum “Hooker’n’Heat”, de 1970, al lado de Canned Heat.
La fórmula del boogie eterno creció increíblemente. Muchos de los temas de Hooker grabados en los años 70 se encontraron con una base rítmica my rockera. En los años 80, Hooker tuvo una pequeña participación cinematográfica en la película “Blues brothers”. Sin embargo “el hijo del boogie” no se hallaba a sí mismo. Con la ayuda del productor Roy Rogers, Hooker grabó el álbum “The healer” en 1989, que fue el primero de sus últimos trabajos llenos de la presencia de grandes estrellas como Santana, Bonnie Raitt o Robert Cray entre otros.
Algunos sellos importantes comenzaron a tener noticia de la creciente demanda de discos de blues y Pointblank firmó con Hooker para lanzar “Mr. Lucky”, que en esta oportunidad presentaba la colaboración de Albert Collins, John Hammond, Van Morrison y Keith Richards entre otros. Una vez más Hooker descansó en los laureles dejando que sus invitados pusieran la mayor parte en la grabación. Ante el éxito de “Mr. Lucky”, otro álbum de Pointblank venía en camino: “Boom boom”.
Hooker disfrutó de una buena vida en los años 90. Buena parte de ese tiempo fue en un semi retiro, adquiriendo muchas propiedades en la costa de California. En ocasiones se divertía haciendo comerciales para gaseosas, cervezas y marcas de ropa. También grabó otros 2 álbumes: “Chill out” en 1995 y “Don’t look back” en 1997. Todo esto ayudó a mantener su estatus de leyenda viva y permanecer como un ícono de la música americana.

0009. LONNIE JOHNSON - I CAN'T SLEEP ANYMORE



La guitarra en el blues no se habría desarrollado de la forma en que lo hizo, de no haber sido por el prolífico trabajo de Lonnie Johnson. Él ayudó a definir el futuro del instrumento en el blues a la vez que trazó el futuro del género mismo desde sus inicios, gracias a su concepción melódica que estaba muy avanzada para la época del blues anterior a la guerra mundial. Durante más de 40 años, Johnson interpretó blues, jazz y baladas, siendo uno de los grandes creadores del género, cuya influencia se nota fuertemente en los siguientes inmortales del blues.

La amplia versatilidad de Johnson se debe, en buena parte, a que musicalmente creció en Nueva Orleans, ciudad con gran variedad musical. El violín fue el primer instrumento que cautivó a Lonnie Johnson, pero la guitarra fue su pasión, desarrollando un estilo muy fluido, haciendo que cualquier acompañamiento pareciera superfluo. Sus primeras grabaciones son de 1925 y entre ese año y 1932 llegó a registras 130 canciones. Dentro de esos temas se encuentra algunos con los Hot Five de Louis Armstrong y la orquesta de Duke Ellington.
Debido a la gran depresión económica, Johnson se trasladó a Chicago para una nueva vida de grabaciones con el sello Bluebird, esto en el año 1939, dentro de las cuales se encuentra uno de sus álbumes más conocidos: “He’s A Jelly Roll Baker”. En 1947 firmó con King Records, casa para la cual grabó “Tomorrow Night”, tema que en el año 1948 permaneció durante 8 semanas en el tope de los listados de rhythm and blues.
En los años 50, Johnson se convirtió en conserje de un hotel en Filadelfia, lugar donde fue descubierto por Elemer Snowden y Chris Albertson, músicos que lo motivaron a grabar nuevamente, con lo cual volvió a tener nombre y fue llamado para participar en el American Folk Blues Festival. Durante una gira en Canadá, en 1969, Lonnie Johnson fue atropellado por un carro y murió un año después como consecuencia de las heridas del accidente.
La influencia de Lonnie Johnson en el blues fue masiva, tocando a muchos artistas desde Robert Johnson hasta Elvis Presley.

0008. LITTLE WALTER - BLUE LIGHTS


        

¿Quién es el rey de todos los armoniquistas del blues de la posguerra en Chicago y otras ciudades? Sin duda alguna, el virtuoso Little Walter es quien ocupa ese lugar. Su embrujador sonido llevaron al órgano de boca a posibilidades que nunca fueron imaginadas por sus antecesores. Sus innovaciones con el instrumento fueron refrescantes, asombrosas y muy avanzadas para la época, con una sensibilidad muy cercana al jazz, sonando frente a las guitarras y ritmos de swing perfectamente encajados en esos pioneros intentos de Walter.


Marion Walter Jacobs abandonó su natal Louisiana a los 12 años de edad y se fue a Nueva Orleans. Su talento lo llevó del campo a la ciudad. Gradualmente, Walter fue encaminándose hacia el norte de Estados Unidos, deteniéndose en Helena, Arkansas, donde tuvo la oportunidad de tocar con Sonny Boy Williamson; pasando por Memphis y San Luis hasta llegar a Chicago, en 1946.

La calle Maxwell fue el sitio donde el joven fenómeno encontró lugar. Tuvo buena acogida por parte de la realeza, halamos de Tampa Red y Big Bill Broonzy, y debutó en el acetato ese mismo año, 1946, en compañía de Jimmy Rogers y Othum Brown con la canción “I just sep loving her”. Walter unió fuerzas con Muddy Waters en 1948, con un resultado estilístico que puso a temblar todo el estamento del blues en Chicago. Junto con Jimmy Rogers y Baby Face Leroy Foster, esta reunión de jóvenes fue conocida como The Headhunters, porque ellos se paseaban tranquilos por los clubes del lado sur de la ciudad, subían al escenario y procedían a cortar la cabeza de cualquier artista que hubiera tocado antes en ese lugar.

Para 1950, Walter era el armoniquista de Muddy Waters, inclusive después de que se separó de la banda, Leonard Chess lo convocaba para que acudiera a las sesiones de grabación de Waters. Así fue como en 1952 Walter grabó el súper éxito “Juke”, tema instrumental que fue interpretado al final de una de las sesiones de grabación. Después de eso Little Walter se convirtió en una estrella, combinando su talento con los de Louis y David Myers y el baterista Fred Below en el grupo The Aces, avanzando otros años luz en la concepción de la armónica blues en cada sesión que hacía para Checker Records.

Desde 1952 hasta 1958, Walter tuvo 14 temas dentro de los 10 primeros lugares de los listados de R&B, incluyendo “Sad Hours”, “Mean Old World”, “Tell me mama”, “Off the wall”, “Blues with a Feeling”, “You’re So Fine”, “You Better Watch Yourself,” “Last Night” y “My Babe”, un tratamiento secular a “This train”, un tema gospel compuesto por Willie Dixon. A lo largo de estás grabaciones podemos encontrar la forma en que Little Walter alternaba sus temas instrumentales con una voz casi gangosa, por lo cual, en ese campo, no era bien mirado. Obviamente él no era ni Muddy Waters ni Howlin’ Wolf, los inigualables de la época.

Walter utilizó la armónica cromática, la que tiene 12 agujeros y permite tocar todas las notas sin utilizar ningún efecto, de maneras que nunca habían sido vistas. En 1959 llegó la última visita de Little Walter a los listados con “Everything Gonna Be Alright”. El blues de Chicago empezó a convertirse en una entidad no comercial, excepto por el caso de Jimmy Reed.
Trágicamente los 60 vieron como el genio de la armónica comenzó a pasearse por los caminos del alcohol y lo que en una época fue un rostro atractivo, empezó a llenarse de cicatrices. En 1964 hizo una gira por Inglaterra con los Rolling Stones pero aquellas prodigiosas destrezas de sus comienzos, ya eran vacilaciones. Ese triste hecho fue más evidente en un álbum de 1967 llamado “Super blues Band”, grabado al lado de Bo Diddley y Muddy Waters para Chess, en el que sus nuevas versiones de éxitos como “My babe”, dejan poco que desear.
El mal genio fue siempre una constante en Little Walter y eso lo llevó a su violento final en febrero de 1968. Se vio envuelto en una riña callejera y murió por los efectos posteriores. Walter tenía 37 años. Su influencia es inneglable en la actualidad, no existe en este momento un armoniquista que no haya interpretado las canciones de Walter o haya basado su interpretación en la forma en que Little Walter tocaba.


0007. MUDDY WATERS - BABY, PLEASE DON'T GO

https://www.youtube.com/watch?v=_EOwNItKOyo
         

Muddy Waters fue el artista más importante que surgió del blues durante el periodo posterior a la segunda guerra mundial. Un cantante sin par, un dotado compositor, gran guitarrista y, sobre todo, el líder de una de las bandas más fuertes que ha tenido el género y de la cual surgieron gran cantidad de músicos que con el paso del tiempo se convirtieron en leyenda. Muddy Waters absorbió la influencia del blues rural del profundo sur y la llevó a la ciudad, donde le inyectó a su música fuerza, energía y electricidad siendo el pionero del estilo de Chicago, que dominó el mundo musical desde la década de 1950 hasta 1970. La profunda influencia de Waters se nota en el rock y el blues, convirtiéndose en un incalculable aporte para estos géneros.
Muddy Waters fue bautizado como McKinley Morganfield y muchos historiadores han argumentado acerca de algunos detalles de su vida temprana. Se sabe que nació cerca de Rolling Fork, en Mississippi, el 4 de abril, algunos afirman que en 1915 otros que en 1913, de acuerdo con documentos encontrados en la plantación Stovall. Tomaremos esta fecha, 1913, a partir de la biografía publicada por Robert Gordon en 2003, uno de los libros más completos publicados acerca de Muddy Waters.
Morganfield quedó huérfano a los 3 años de edad y fue criado por su abuela Della Grant en la plantación Stovall, en Clarksdale, Mississippi. Fue ella quien lo apodó “Muddy “, porque le gustaba mucho jugar en el barro, nombre al cual le juntó la palabra “Water”. En principio McKinley Morganfield fue conocido como Muddy Water, sin la letra ese al final, la cual se le adicionó tiempo después. El campo, en el sur de Estados Unidos, fue el caldo de cultivo para el blues en los años 20 y 30, y el joven Muddy se encantó con sus sonidos gracias al fonógrafo de un vecino, quien constantemente hacía sonar discos de Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson y Tampa Red.
En la medida en que Muddy fue introduciéndose en el blues, comenzó también a dar sus primeros pasos con la música, primero como intérprete de armónica. A los 13 años ya tocaba en las fiestas y picnics, en ocasiones acompañado por el guitarrista Scott Bohanner, quien vivía y trabajaba en Stovall. Durante su juventud, Muddy conoció la música de artistas contemporáneos como Son House, Robert Johnson y Charley Patton, quienes inspiraron a Waters a cambiar de instrumento y tomar la guitarra, aprendido a tocar el estilo slide. Desde los 17 años de edad siguió su carrera solista o con una banda de cuerdas, The Son Simms Four. Posteriormente abrió un juke-joint en los terrenos de Stovall, donde sus amigos agricultores podían disfrutar de la música, comer, beber y jugar.
Waters llegó a ser una figura reconocida en el Mississippi, compartiendo espacios con Big Joe Williams y Robert Nighthawk. Una tarde del verano de 194, el folclorista Alan Lomax y el profesor John Work III llegaron con su equipo de grabación portátil a Mississippi con la esperanza de hallar a Robert Johnson pero lo que encontraron fue que el famoso músico había muerto hacía tres años. Decidieron entonces grabar talentos locales, siendo altamente impresionados por Muddy Waters, a quien grabaron en su juke-joint. Dos de esas canciones fueron publicados en un disco de 78 revoluciones y cuando Waters recibió dos copias de ese sencillo y 20 dólares que le había enviado Lomax, comenzó a pensar seriamente en tomar la música como su profesión. En julio de 1943, Alan Lomax volvió y grabó más canciones de Muddy Waters, las cuales fueron publicadas en 1966 en el disco “Down On Stovall’s Plantation” y reeditadas en 1994 como “The Complete Plantation Recordings”, obteniendo un premio Grammy.

En 1943, Muddy Waters decidió trasladarse del Mississippi a Chicago con la esperanza de seguir su carrera musical. En las mañanas manejaba un camión y en las noches luchaba por hacerse nombre en la escena tocando en los bares que lo requirieran. Big Bill Broonzy lo encontró y le ayudó a conseguir mejores giras. Recientemente Muddy se había cambiado a la guitarra eléctrica para que su música pudiera ser escuchada mejor en los clubes ruidosos, lo que añadió un poder nuevo a su trabajo con el slide.
Para 1946 Waters llamó la atención de Okeh Records, quien lo llevó a los estudios de grabación pero decidió no publicar el resultado. Ese mismo año grabó un tema para 20th Century Records, que terminó siendo el lado B del lanzamiento de James “Sweet Lucy” Carter. Sin embargo fue con el sello Aristocrat, fundado por los hermanos Leonard y Phil Chess que las cosas cambiaron. En 1947 los hermanos Chess grabaron a Muddy y aunque el primer sencillo al lado de Sunnyland Slim no tuvo éxito, fue el segundo disco con los temas “I Can’t Be Satisfied” y “(I Feel Like) Goin’ Home”, el que tuvo un éxito significativo y lanzó a Muddy Waters al estrellato en la escena de Chicago.
Inicialmente los Chess grabaron a Waters con músicos locales pero para su trabajo en vivo, Muddy reclutó una banda que incluía a Little Walter en la armónica, Jimmy Rogers en la guitarra y Baby Face Leroy Foster en la batería, quien luego fue reemplazado por Elgin Evans. Este grupo se ganó la reputación en Chicago como el más poderoso de la ciudad, con la voz y la guitarra de Waters como eje principal.
Para comienzos de la década de 1950, Aristocrat Records cambió su nombre por el apellido de sus propietarios. Los hermanos Chess empezaron a usar a la banda de Muddy Waters en el estudio y Little Walter empezó a ganar favoritismos dentro de los fanáticos del blues. El piano de Otis Spann llegó en 1953 y se convirtió en el polo a tierra del grupo hasta los años 60, después de que Little Walter y Jimmy Rogers dejaran la agrupación para seguir sus carreras solistas. En los años 50, Muddy Waters grabó las canciones más poderosas y que generaron mayor influencia en la historia del blues eléctrico, como “Rollin’ and Tumblin”, “I’m Ready”, “I’m Your Hoochie Coochie Man”, “Mannish Boy”, “Trouble No More”, “Got My Mojo Working” y “I Just Want to Make Love to You”, los cuales ayudaron a que Muddy Waters tuviera una presencia permanente en los listados de éxitos.
Hacia finales de los años 50 Muddy Waters estaba haciendo su mejor trabajo pero su carrera tuvo un bajón. El surgimiento del rock & roll hizo que los focos se concentraran en esta nueva música y dejarán a un lado al blues tradicional. En 1958, Muddy hizo su primera gira por Inglaterra, la cual no fue bien recibida pues los fanáticos ingleses esperaban a Waters con su guitarra acústica y se sobresaltaron con la ferocidad de la guitarra eléctrica. Muddy retomó sus raíces del Delta en los años siguientes, llegando inclusive a grabar un álbum llamado “Muddy Waters: Folk Singer” en 1964, no sin antes sentar un precedente y golpear con fuerza al público de raza blanca tras su presentación en el Festival de Newport en 1960. Lo curioso es que la invasión británica estaba preparando su asalto a Estados Unidos con artistas animados, en su mayoría, por el sonido eléctrico de Muddy Waters. Un buen número de acólitos suyos se convirtieron en estrellas internacionales como Eric Clapton, John Mayall, Alexis Korner y un modesto grupo de Londres que decidió llamarse como uno de los grandes éxitos de Muddy Waters en la década de los 50: “Rollin’ Stone”.
A finales de los años 60, mientras Muddy Waters lideraba una de sus mejores bandas, dentro de la que estaban Pinetop Perkins en el piano y James Cotton en la armónica, el sello Chess se orientaba más hacia el mercado del rock y del soul. Buscando acercarse al público blanco en 1968 publica “Electric Mud”, un disco en el que Muddy Waters alterna con una banda de rock sicodélico, trabajo que no fue muy bien recibido en su momento pero que hoy goza de buena crítica por parte de los conocedores. Un año después llegó “Fathers And Sons”, siguiendo la misma línea, pero con la participación de Mike Bloomfield y Paul Butterfield. 1971 vio la llegada de “The London Muddy Waters Sessions”, menos impresionante pero mostrando un gran trabajo de guitarra por parte de Rory Gallagjer y contribuciones inspiradas de Steve Winwood, Rick Grech y Georgie Fame.
Chess Records ayudó a Muddy Waters a hacer algunos de los mejores discos de blues de los años 50 y 60 y, curiosamente, fue la desaparición del sello la que permitió su renacimiento creativo. En 1969 los hermanos Chess vendieron su disquera a General Recorded Tape y el sello, luego de un largo y lento declive comercial, cerró en 1975. Ese año Waters grabó su último disco para Chess: “The Woodstoock Album”, en los estudios de Levon Helm, baterista de The Band. En los años siguientes, Waters fue uno de los tantos artistas de Chess que demandaron al sello por regalías no pagadas en años anteriores.
Muddy Waters deslumbró a sus fanáticos el Día de Acción de Gracias de 1976, cuando apareció sobre el escenario del Winterland de San Francisco durante el concierto de despedida de The Band, gracias a la invitación hecha por Levon Helm. Muddy entregó una gran version de “Mannish boy”, que se convirtió en uno de los mejores momentos de la película “The Last Waltz”, dirigida por Martin Scorsese, presentada en 1978 y que documenta ese concierto.

Johnny Winter, fanático de la música de Muddy Waters, escuchó que el músico no tenía un contrato de grabación y logró que Blue Sky Records, una filial de CBS, lo contratara. Se encargó de la producción del primer disco de Waters para ese sello, “Hard Again”, y compartió guitarras con los miembros de la banda de gira de Muddy, en la que estaban Bob Margolin en la guitarra, Willie “Big Eyes” Smith en la batería, James Cotton en la armónica y Pinetop Perkins en el piano. En 1977 Muddy Waters volvió a su tradicional sonido crudo, convirtiendo a “Hard Again” en uno de los mejores discos grabados en su carrera, por el cual ganó un premio Grammy.
Gracias a sus tres últimos discos, Muddy Waters tuvo un gran impluso en su carrera y se encontró de nuevo realizando giras de conciertos ante audiencias entusiastas, compartiendo escenarios con artistas como Eric Clapton o The Rolling Stones. La salud de Waters comenzó a debilitarse debido a un cáncer de pulmón y en el otoño de 1982 hizo su última aparición en un concierto de Eric Clapton. Luego se retiró a su casa en Westmont, Illinois, donde murió el 30 abril de 1983.
Tanto Westmont como Chicago tienen sendas calles llamadas Muddy Waters, la figura de la leyenda del blues apareció en una estampilla del correo de Estados Unidos, hay una placa conmemorativa en el sitio donde pasó su infancia en Clarksdale, fue llevado a la gran pantalla por el actor Jeffrey Wright en la película “Cadillac Records” y se han publicado innumerables discos, uno de los últimos el año pasado, una grabación en vivo al lado de The Rolling Stones en el Checkerboard Lounge de Chicago, propiedad de Buddy Guy.