SOLO QUIERO QUE ME RECUERDEN CON MI MUSICA

"La luna esta saliendo, no hay tiempo que perder
Es hora de empezar a beber.
Dile a la banda que toque un blues y yo pago los tragos".
Tom Waits

miércoles, 10 de junio de 2015

0082- OTHA TURNER & THE RISING STAR FIFE & DRUM BAND - SHAKE 'EM

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La región montañosa ubicada en el este del Delta del Mississippi se consuma con pequeñas granjas que han sido el hogar de las mismas familias durante muchas generaciones.También es la fuente de una música descubierta a mediados del siglo 20 por artistas e investigadores que buscaron las raíces folclóricas de los orígenes del blues. Alan Lomax grabó Jessie Mae Hemphill´s grandfather donde se escucha el pífano y los tambores de fines de la década del '30 y otras creaciones de las melodías sureñas. 
Dave Evans, del Departamento de Música de la Universidad de Memphis nos trajo los boogies-juke RL Burnside y Jessie Mae.


Otha Turner nació en el condado de Jackson MS en 1907 en una familia pobre del sur norteamericano. Trabajando con su madre en el campo ayudaría a criar a sus hermanos. La música dio Otha la oportunidad de expresarse a sí mismo, primero con golpes de tin tub y, a continuación, usando una batería artesanal. Pero se encontró con el instrumento más cercano a su corazón cuando él aprendió a hacer un cane-flute (flauta de caña) o "pífano '. La caña crecía salvaje en la zona y Otha fue enseñado por un anciano llamado R.E Williams cómo hacer agujeros con un atizador al rojo vivo.En esa expriencia aprendió tonos y melodías con ritmos africanos añadiendo sonidos del gospel y el spiritual. Sin duda fue un entretenimiento popular en las fiestas, porque Otha fue capaz de ahorrar lo suficiente para comprar una granja en Senatobia, a las afueras de Como, donde vivió toda su vida con su esposa 'Moochie'.


The Rising Star Fife y Drum Band fue una experiencia a largo plazo de Otha y aunque interpretaron su música en distintos eventos tardaron más de 6 décadas en registrar sus creaciones. Otha sería anfitrión de una fiesta donde se cocinó una cabra y con su grupo entretuvo a los invitados, por lo que el disco que apareció en 1998 fue llamado 'Everybody Hollerin Goat siendo literalmente una "grabación de campo" dirigida por el productor Luther Dickinson. 
Otha tenía más de 90 años en ese momento, y The Rising Star Fife se había completado con su hija Bernice, sus nietos y sobrinos. 

Al año siguiente, Luther trabajó con músicos senegaleses para formar 'The Afro-sippi All Stars', donde pífano y tambor interactuaron con la percusión tradicional africana. Distintos reconocimientos tuvo Otha Turner y su familia en The Smithsonian Institute. Otha y Rising Star participaron en la serie de películas de Martin Scorsese 'The Blues' en 2003, y su canción 'Shimmy She Wobble' aparece en "Pandillas de Nueva York". También fue convocado para grabar con Corey Harris para su álbum 'Mississippi to Mali', pero por desgracia, Otha, con 95 años de edad, falleció una semana antes de la sesión.

0081. MOSE VINSON - BARRELHOUSE BLUES/CRYIN' WON'T MAKE ME STAY

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Mose Vinson (2 de junio o el 7 agosto 1917 - 16 noviembre 2002). Pianista, bluesman y cantante de los EEUU. Durante su larga carrera, Vinson trabajó con varios músicos como Booker T. Laury y James Cotton .

Vinson nació en Holly Springs , Mississippi. Él aprendió a tocar el piano cuando era niño. En su adolescencia, Vinson comenzó a crear su propio estilo de barrelhouse boogie-woogie en locales y clubes de Mississippi y Tennessee, incorporando al blues y el jazz en su repertorio. En 1932, a raíz de un encuentro casual con Sunnyland Slim , se trasladó a Memphis.
Entre los años 1930 y 1940, Vinson continuó tocando en clubes locales en zonas de la comunidad rural. A principios de la década de 1950, Vinson encontró empleo como custodio en el Taylor Boarding Home, donde los artistas a menudo se quedaban durante las grabaciones de Sun Records Studios. En algunas grabaciones, Sam Phillips solicitaron ocasiones a Vinson que acompañara con su piano a diversos músicos músicos. Entre ellos James Cotton en "Cotton Crop Blues" (1954), y a Jimmy DeBerry sobre este último de "Take a Little Chance". Phillips también permitió a Vinson grabar algunas pistas de su propia creación, aunque éstos no fueron editados hasta la década de 1980. Grabó dos versiones de " Forty Four Blues ", uno retitulado " Worry You Off My Mind ", y el otro como "My Love Has Gone". Los músicos de estudio que acompañaron a Vinson en estas grabaciones incluyen Walter Horton , Joe Hill Louis y Joe Willie Wilkins . 

Después de un período de actividad musical menor, por la década de 1980, el Center for Southern Folklore había convocado a Vinson para llevar a cabo en varios eventos culturales, en salones y en escuelas locales. Se convirtió en un habitual del Center, donde tocó y enseñó durante veinte años. En 1990, su contribución al álbum Memphis Piano Blues Today se grabó en su casa.

En 1997, su primer LP recopilatorio de su trabajo fue lanzado a través del Center for Southern Folklore . Los problemas de salud lo retiraron de la escena y Mose Vinson murió de diabetes , en noviembre de 2002 en Memphis, a la edad de 85.

En 2007, Memphis Music and Heritage Festival fue dedicado a su memoria.

0080. WALTER FURRY LEWIS - FURRY'S BLUES

   (Click en la imagen para escuchar) (versión con Leon Russell en vivo en 1971)

   (Click en la imagen para escuchar) (Versión Original de 1927)

0079. ROSCO GORDON - DON'T HAVE TO WORRY ABOUT YOU NO MORE

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Rosco Gordon era un pianista Memphis que desarrolló un shuffle distintivo. Ese sonido pasó a ser muy influyente en el Ska y Reggae.  Como parte de la banda Beale Streeters, Rosco tocó con influyentes músicos de blues, aunque sin embargo no alcanzó la fama que tuvieron ellos.
Rosco nació en Memphis entre 1928 y 1934. Aprendió a tocar el piano con su madre y cuando terminó la escuela, aprendió saxo y batería. Rosco pasaba tiempo en Street Beale en Memphis, con otros jóvenes como BB King, Johnny Ace, Junior Parker y Bobby 'Blue' Bland.


Formaron bandas improvisadas para conciertos, fiestas y otras presentaciones  como The Streeters Beale. Cuando el trío de Rosco ganó un concurso de talentos en el Palace Theatre en 1951, MCRufus Thomas los invitó a tocar en su programa de radio. Grabaron una versión de la pista de Rosco Booted y las cintas fueron enviadas a Chess Records de Chicago. 
Mientras tanto Ike Turner tentó a Rosco para Moderna Label y grabaron algunas canciones para el sello.

En 1952, produjo un disco 'No More Doggin!' que tenía un estilo de piano distintivo que fue conocido como  'The Rosco Shuffle', que llegó a ser muy influyente en Jamaica a través de la obra del pianista Teófilo Beckford. También, entre 1955 y 1959 grabó para Sun Records y para Vee-Jay, consiguiendo algunos éxitos.

Rosco se trasladó a Nueva York donde grabó algunos temas para Columbia que nunca fueron editados. Él se retiró de la escena de la música para concentrarse en su negocio, y sólo después de la muerte de su esposa en 1982, empieza a actuar ocasionalmente en Nueva York. En 2000 Rosco editó un álbum para  Stony Plain Label con Duke Robillard, y a principios de julio de 2002 participó el documental 'The Road to Memphis ", que era un homenaje a Sam Phillips. 

Tristemente, Rosco murió de un ataque al corazón en Nueva York un par de semanas más tarde.

0078. SLEEPY JOHN ESTES - JAILHOUSE BLUES


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De todos los grandes músicos que salieron del oeste de Tennessee, John Estes fue el que dejó una mayor huella por su exclusivo estilo de cantar el blues y, en trabajos posteriores, por sus percepciones y canciones de los acontecimientos y las personas de su entorno. Fue además el auténtico creador, junto a Hammie Nixon, del dúo de guitarra y armónica que hoy resulta tan familiar en el blues. Participó además de forma decisiva en la definición del futuro blues de Chicago de posguerra, estilo en el cual su alumno, John Lee “Sonny Boy” Williamson, figura como uno de los principales creadores.




John Adam Estes nació en Ripley (Tennessee) en 1899. Su padre, Daniel Estes, que tocaba la guitarra en los juke-joints, sería su primer profesor e inspiración, junto a un hermano mayor que solía tocar el banjo. Por aquel entonces llegaron a fabricarle un primitivo instrumento con cajas de cigarrillos, donde el joven John tuvo su primer contacto con la música.
En 1914, tras un desgraciado accidente en un partido de baseball, Estes perdió el ojo derecho. Su posterior aspecto somnoliento le valió el apodo de “Sleepy” con el que sería reconocido el resto de su vida.
En 1915 su familia se trasladó a Brownsville. Allí se unió a un veterano músico de los medicine shows, Hambone Willie Newbern, el cual ejercería de inspiración definitiva en su floreciente vida como músico. 
Años después, en 1919, Estes ya tenía su propia banda montada junto a varios jóvenes músicos locales: James “Yank” Rachell a la mandolina, junto a los guitarristas Son Bonds y Charlie Pickett.

 Más tarde llegaría a colaborar con ellos también un jovencísimo John Lee “Sonny Boy” Williamson. Juntos no desaprovechaban cualquier oportunidad de tocar como fuera y donde fuese. Todos estos músicos (salvo Sonny Boy) comenzaron a grabar abundantemente con Sleepy John Estes o como solitas para diferentes sellos de la zona.
A mediados de los años veinte conoció al que sería a partir de entonces su mano derecha, el armonicista Hammie Nixon. Nacido en 1908 al principio se convirtió en una especie de hijo adoptivo y, más tarde, formaría con Sleepy un dúo de guitarra y armónica que sería toda una excitante novedad para la época.

La creciente popularidad de Sleepy John Estes respondía a una serie de grandes cualidades que éste poseía: un original timbre de voz desfallecido, una cadencia entrecortada, textos llenos de humor y astucia, así como una gran cohesión en todo este conjunto.
A finales de la década hizo sus primeras grabaciones semi profesionales acompañado de Rachell y Jab Jones al piano. En éste período grabó algunos de sus primeras obras maestras. “Milk Cow Blues”, “Broken Hearted” o “Diving Duck Blues” se han convertido en clásicos absolutos versioneados por innumerables artistas, desde Muddy Waters y Elvis Presley hasta Eric Clapton. Sin embargo, la Gran Depresión truncó de golpe esta prometedora carrera cerrando lo estudios de grabación casi por completo y forzando a Estes, y muchos otros, a cambiar de aires. Sleepy decidió trasladarse a Chicago.
                          Sleepy John Estes, Hammie Nixon & Yank Rachell

A partir de entonces su asociación con Nixon se hizo fuerte. Su madre lo había dejado en sus manos para que se ocupase de su educación y posteriormente se convertiría en algo más que su acompañante: fue el apoyo atento y servicial de su líder, planeando alrededor de la guitarra de Sleepy, subrayando y prolongando su canto y realizando magníficos contracantos y solos. Los temas que grabaron juntos constituyen una de las cumbres absolutas de la historia del blues e influyeron a la mayoría de bandas de blues del Chicago de posguerra. “Someday Baby Blues”, grabado en 1935, es su tema insignia y uno de los clásicos inmortales del género. 
Hacia finales de los años cuarenta, Estes perdió totalmente la visión y no tuvo más remedio que abandonar su vida de vagabundo. Fueron malos tiempos para Sleepy. Malvivía en una cabaña miserable cerca de Memphis, sin agua ni electricidad.

Los años pasaron y, sin él saberlo, comenzó a gozar de una gran reputación entre los jóvenes aficionados del blues revival a comienzos de los años sesenta. Gracias a Big Joe Williams, el productor Bob Koester supo de su situación y, escandalizado e indignado, fue en su busca sacándolo de su reclusión. Juntos regresaron a Chicago para realizar algunos conciertos y organizar una grabación junto a algunos de sus viejos compañeros que todavía vivían como Yank Rachell y Hammie Nixon.
La idea no pudo tener mejor acogida y a partir de ese momento comenzaría una nueva carrera para Sleepy John. No dejaría de grabar para Delmark, Folkways, Vanguard, Southland, Storyville, Revival o Adelphi. Por supuesto también actuaría en los festivales más importantes del momento, como el de Newport, y realizó giras por todo el mundo, desde Europa hasta Japón.
Con sus primeros ingresos importantes decidió comprar una casa de ladrillo en un barrio de Brownsville, aunque no solía quedarse por allí más que de vez en cuando, y prefería volver a su sórdida cabaña en medio de los campos. Allí pasaría largos inviernos, donde dormía tapado únicamente con periódicos sobre un saco de paja en el suelo. 


Su salud se resentía, y una noche de 1977 el frío acabó con su vida.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:


Este disco fue grabado el 19 de julio de 1974, días antes de que el guitarrista Sleepy John Estes y el armoniquista Hammie Nixon hicieran su primera gira por Japón, siendo uno de los primeros viajes que a ese país hiciera un bluesista. Los conciertos por el país del sol naciente tuvieron tanto éxito que un tema de Estes logró entrar en el Top 100 de los listados musicales japoneses y, con esas ganancias, el guitarrista pudo comprar una casa mejor en Brownsville, Tennessee, su ciudad.

Conocido como “El poeta del blues de Tennessee”, Sleepy John Estes mostró en esta grabación por qué era una de las piedras fundamentales del country blues y por qué su redescubrimiento causó sensación en el mundo del blues, ya que de no haber sido por estas grabaciones de Delmark, se hubiera perdido para siempre esa calidez emocional de la voz y un sonido de guitarra que muestra algunos trazos de Big Bill Broonzy y que fue influencia para intérpretes posteriores.

Así como Sonny Terry y Brownie McGhee, Estes y Nixon fueron un dúo fiel a sus orígenes. En este disco encontramos esa sencillez que ofrecen un par de músicos enraízados con su estilo, la guitarra y la armónica juntas como el pan y el vino, haciéndonos degustar sabrosas interpretaciones que hacen recordar a esos viejos caminantes y que han servido, de una u otra manera, para que esa tradición no se acabe y continúe en músicos como John Cephas y Phil Wiggins.

- I Ain´t Gonna Be Worried No More 1929-1941
- The Legend Of Sleepy John Estes
- In Europe
- Brownsville Blues
- Sleepy John Estes & Hammie Nixon- On 80 Highway 
- Blues Live!
- The Essential




0077. ALBERT COLLINS - A GOOD FOOL IS HARD TO FIND

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Excelente guitarrista tejano que se ganó el apodo de "Iceman" (hombre de hielo) debido a los títulos de muchos de sus temas y por su técnica personal con la guitarra, de la cual extraía un sonido "helado", parsimonioso y sobrio pero, al mismo tiempo, incisivo y preciso. Un sello personal que lo identificaría inmediatamente y que no abandonaría en toda su carrera.




Albert Collins nació en Leona, Tejas, a comienzos de octubre de 1932. Desde muy joven aprendió a tocar la guitarra y, acompañado de diversos cantantes, comienza actuando en los alrededores de Dallas recorriendo bares y garitos. Durante años alterna la música con otros trabajos, ejerciendo desde capataz de un rancho hasta camionero.



A comienzos de los años sesenta graba para pequeños sellos tejanos sus primeros singles instrumentales. Temas como "Frosty", "Dyin´ Flu", "Frostbite", "Snow-Cone II" o "Ice Blue" aun hoy son considerados grandes clásicos. Su primer disco, "The Cool Sound of Albert Collins" (posteriormente publicado bajo el título "Truckin´ With Albert Collins"), recoge todos estas primeras grabaciones.



En 1965 sustituyó ocasionalmente a un jovencísimo Jimi Hendrix en la banda de Little Richard. Años después, Hendrix diría: "hay un tío que debería conocer todo el país. Su nombre es Albert Collins. Debe de estar tocando por ahí en una banda de la calle en el sur profundo. Es bueno, muy bueno, un guitarrista muy fluido y melódico".



Albert emigró a San Francisco y comenzó a ganarse una reputación que le valió para grabar varios álbumes esencialmente instrumentales de funk-blues muy de moda entre la juventud negra en aquella época. La revista británica Blues Unlimited publicó varios artículos sobre él y despertó el interés del nuevo público internacional del blues. Todas las grabaciones de esta etapa están recogidas en la actualidad en "The Complete Imperial Recordings".
                                          Stevie Ray Vaughan & Albert Collins
 
Los años setenta fueron muy difíciles para Collins. Coronado como leyenda por los amantes y músicos del blues, pero desconocido para el gran público, se limitaba a actuar modestamente en los bares desde Houston hasta San Francisco. Afortunadamente a finales de esta década, Bruce Iglauer lo convenció para que cantase en serio por primera vez, lo llevó a Chicago, lo rodeó de los mejores músicos de la ciudad y le proporcionó la posibilidad de grabar para su sello Alligator. Aquí fue cuando Albert Collins, acompañado casi siempre por los llamados Icebreakers, desarrolló todo su potencial grabando lo mejor de su obra y dejando algunos de los discos de blues eléctrico más importantes de la historia. Los tres primeros, "Ice Pickin", "Frostbite" y "Frozen Alive", fueron nominados para el Grammy, premio que finalmente conseguiría en 1985 con "Showdown!" junto a Robert Cray y Johnny Copeland. En esta época, por fin fue reconocido internacionalmente, actuando por todo el mundo desde Japón hasta Montreux, donde enloqueció el público del legendario festival de Jazz.



Durante el revival del blues en los años ochenta, Collins fue una de las mayores estrellas llegando a formar parte del macrofestival "Live Aid" televisado en directo para todo el mundo.


 Jeff Beck Albert Collins B. B. King Eric Clapton and Buddy Guy Apollo Theater NYC 1993

En 1991, después de cinco años sin grabar ningún álbum, firmó un nuevo contrato con Pointblank, un sello más orientado al público de rock. Allí grabaría sus últimos discos: "Iceman" y "Collins Mix". Desgraciadamente esta fase final de su carrera se vio truncada cuando se le detectó un cáncer de pulmón. Finalmente falleció en Las Vegas, el 24 de noviembre de 1993 a los 61 años de edad.


Albert siempre fue muy popular en Europa llevando su estilo a todos los Festivales de Blues que se realizaban en ese continente. Ese sonido característico de la guitarra lo convirtió en un huésped bienvenido en álbumes de Bowie, Mayall, Robert Cray, BB King, John Lee Hooker, Gary Moore y muchos más. Varios álbumes en vivo mostraron la habilidad de Albert en su peculiar manera de tocar.

Un excelente disco póstumo, "Live 92/93", recoge grabaciones en directo desde el verano de 1992 hasta un mes antes de su muerte. Desde entonces, ocupa un puesto relevante en la historia de la música popular afroamericana y en la galería de los grandes guitarristas del siglo pasado.


DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The Complete Imperial Recordings
- Ice Pickin´
- Frostbite
- Frozen Alive
- Don´t Lose Your Cool
- Live In Japan
- Showdown!
- Cold Snap
- Iceman
- Live 92/93

0076. BIG JOE TURNER - DOGGIN' THE DOG

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Cuando la música blues hace la transición de sus raíces rurales del Delta al boogie-woogie urbano y al Jump-blues, nadie tenía una voz más grande que Big Joe . Un desaforado del Blues, con una voz ronca que podía gritar en una Big Band sin amplificadores, nacido en Kansas City, Big Joe cruzó muchas fronteras musicales un el transcurso de una carrera de casi 60 años.
Joseph Vernon Turner jr., más conocido como Big Joe Turner, nació en Kansas City el 18 de mayo de 1911. 
Joe trabajó en clubes nocturnos de Kansas City en los años veinte, ganando una reputación como The Singing Barman. Se asoció con el pianista de boogie-woogie Pete Johnson y pronto llamó la atención de John Hammond en Nueva York. Cuando Hammond organizó los "Spirituals to Swing", concierto en el Carnegie Hall en 1938, Big Joe y Pete estaban en el proyecto y como resultado, grabaron una versión atronadora de 'Roll' em Pete ', que fue utilizada muchas décadas más tarde en el estreno de la película de Spike Lee "Malcolm X".

Big Joe y Pete se establecieron en Nueva York, junto con Albert Ammons y Meade "Lux" Lewis, como resultado de la nueva moda del boogie-woogie, y las versiones de Big Joe de 'Cherry Red', 'Piney Brown Blues' y 'Careless Love' todos exitosos.

En 1941 Big Joe se mudó a la costa oeste, de gira con Duke Ellington´s Jump for Joy.  Big Joe grabó para muchos sellos de la Costa Oeste en la década de los 40, y compartió escenarios con  Lowell Fulson y Pee Wee Crayton. 
Por 1951 Big Joe se había mudado a Nueva York y cuando estuvo con The Count Basie Orchestra conoció a Ahmet Ertegun de Atlantic Label. Grabó algunos éxitos como "Sweet Sixteen" y "Honey Hush '.  Big Joe se encontró con un gran momento en 1954 con 'Shake Rattle and Roll'. 
                                         Big Joe Turner y Pete Johnson

Big Joe regresó a los Blues en los años 60, haciendo equipo con Pete Johnson para una gira por Europa. En estas décadas Pablo Label editó muchos álbumes con Big Joe . Co-protagonizó con Count Basie en Kansas City la película "Last of the Blue Devils 'en 1979.


Por la década de 1980 gran Joe estaba luchando con la artritis y la diabetes, pero continuó sus apariciones Festivales de Blues y en 1983 se editó el álbum 'Blues Train' con la banda de New England, Roomfull Blues .

Big Joe falleció en Inglewood, California, en 1985, y aún se puede escuchar su eco en distintos grupos de blues y rock. El swing, el jump blues, el boogie-woogie, el rock y el blues encontraban lugar en las creaciones de Big Joe, aunque es mejor conocido como 'The Boss of the Blues'.

0075. BIG MAMA THORNTON - HOUND DOG

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Hablar de "Big Mama" Thornton es hablar de una de las mejores voces femeninas de la historia del blues, y una de las pocas mujeres del género en los años cincuenta y sesenta. Fuera de los círculos del blues será recordada por dos canciones: "Hound Dog" (escrita para ella por Jerry Leiber y Mike Stoller y que luego sería nº1 en la versión de Elvis Presley) y "Ball And Chain" (escrita por la propia Thornton y popularizada por Janis Joplin). Fue además una excelente armonicista que desprendía un feeling especial encima de un escenario.

Willie Mae Thornton nació en Montgomery (Alabama) un frío 11 de diciembre de 1926. Era hija de un ministro de la Iglesia y compartío hogar con 6 hermanos. Siguiendo los pasos de su madre (que cantaba en el coro de la parroquia), despuntaría muy pronto en las corales religiosas durante su infancia.

A los catorce años, tras ganar un concurso para aficionados, abandonó el hogar para unirse a un grupo itinerante (Hot Harlem Revue) con el que estuvo durante siete años, adquiriendo experiencia en los duros escenarios del sur. Utilizando su voz y su ya impresionante talla, intentaron convertirla en una nueva Bessie Smith.

En 1948 se trasladó a Houston (Texas) donde aprendió a tocar la armónica y la batería y empezó a componer su propia música. En 1951 firmaría un contrato discográfico con Peacock. En esta compañía trabajó frecuentemente con el acompañamiento de John Otis y su banda, que trabajaban para el mismo sello. Con ellos grabaría una serie de temas más o menos brillantes, entre los que destacaba "Hound Dog", que vendió más de dos millones de copias alcanzando el nº 1 de las listas de R&B, pero que no le reportaría mayores beneficios económicos. En un mundo dominado por los hombres, Willie Mae se abría hueco como podía gracias a su talento, su potente voz, su armónica y su buen hacer sobre el escenario.

En 1957 Thornton rompió con Peacock y se trasladó a San Francisco. Sin banda y sin contrato de grabación estable, sobrevivió actuando en los clubes de los suburbios de la zona y realizando algunas grabaciones para pequeños sellos discográficos. Eran malos tiempos para Big Mama.

Sin embargo, como muchos otros artista negros, el blues revival de los sesenta la devolvió al lugar que, como mínimo, se merecía. De esta forma viajó a Europa participando en el American Folk Blues Festival de 1965 y en el Festival de Jazz de Monterrey en 1966.

Atraídos por el dinamismo que derrochaba en sus actuaciones, ficharía con Arhoolie, para los que grabaría lo mejor de todo su catálogo discográfico. Contó además con la presencia de acompañantes de la talla de Muddy Waters, Buddy Guy, James Cotton, Otis Spann, Lightnin´ Hopkins o Fred McDowell. "Ball N´Chain" es un disco recopilatorio fundamental de estas grabaciones, que no tiene desperdicio.

En esta época nos dejó para el recuerdo excelentes interpretaciones de clásicos del género o temas propios como "Sweet Little Angel", "Little Red Rooster", "Wade In The Water", "Sometimes I Have A Heartache", nuevamente la mencionada "Hound Dog" o "Ball And Chain" que, como comentaba anteriormente, fue retomada por Janis Joplin y se convirtió en un éxito multitudinario y que, al menos, le valió para conseguir más conciertos y grabaciones para el futuro.

Desgraciadamente el abuso del alcohol y las drogas fueron acabando con su salúd y la dejaron poco a poco escuálida y demacrada. A pesar de todo en los años setenta Thornton siguió grabando para Vanguard, Mercury y otros pequeños sellos, y trabajando en el circuito de los festivales del blues hasta poco antes de su muerte. De esta etapa, "Jail" (grabado en directo) y "Sassy Mama!", son discos todavía muy meritorios.

Fallecería finalmente de un ataque al corazón el 25 de julio de 1984, el mismo año que fue incluída en el Blues Hall Of Fame.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- Hound Dog: The Peacock Recordings
- In Europe
- With The Muddy Waters Blues Band 1966
- Ball N´Chain
- Jail
- Sassy Mama!
- Complete Vanguard Recordings

0074. RAY CHARLES - GUITAR BLUES

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Ray Charles Robinson; Albany, 1932 - Los Ángeles, 2004) Cantante, instrumentista y compositor estadounidense, una de las figuras más relevantes de la música negra del siglo XX. En su repertorio puede hallarse desde el blues más tradicional o el gospel hasta el jazz o el soul, estilo en el que desarrolló una vertiginosa carrera. Es difícil catalogar sus cientos de grabaciones, quizá por el eclecticismo que siempre le caracterizó. Durante su larga carrera fue galardonado con doce premios Grammy.

Ciego desde los siete años, Ray Charles aprendió a leer y componer música en el sistema Braille. Estudió en Florida, en un Instituto de San Agustín, y desde muy niño participó en distintos eventos musicales. Por influencia de su ídolo King Cole, fundó en Seattle, en 1948, un trío llamado McSon Trio (también conocido como Maxim Trio). En 1950 se asoció con Lowell Fulson, cantante y guitarrista de blues y acaso su mejor revulsivo, con quien inició una serie de giras por el país. También participó en las bandas de T-Bone Walker y de Joe Turner, que figuraban entonces entre los abanderados del blues.

Su trayectoria discográfica se inició en 1953, cuando fue contratado por el agente Ahmet Ertegun, que le introdujo en la compañía Atlantic Records. A partir de entonces Ray Charles sería conocido como una de las figuras señeras e imprescindibles del rhythm & blues. Vivió sucesivamente en diversas ciudades (Nueva Orleans, Texas) y, tras unirse a Ruth Brown, formó una banda en la que también se integraron David Newman (saxo) y Joe Bridgewater (trompeta). A mediados de la década de los años cincuenta Ray Charles creó esa suerte de magnífica fusión entre el blues, el gospel y el swing, e impuso a su música también lo frenético del rock & roll.

Ya con su canción I got a woman (1954) se situó en lo más alto de la música negra. No obstante, esto fue sólo el principio. Después llegarían otros grandes éxitos comoHallelujah o I love her so, en los que introdujo como novedad el piano eléctrico en bandas de rhythm & blues. Estas bandas, por otro lado, se asemejaban ya a grandes orquestas, en las cuales era posible encontrar a trompetistas como Joe Hunt o Marcus Belgrave, saxos como Hank Crawford, David Newman o Don Wilkerson, y contrabajistas como Edgar Willis, además de algún que otro coro femenino (las llamadas Raelets) con cantantes tan sobresalientes como Mary Ann Fisher o Marjorie Hendrix.

Durante los años cincuenta, que fueron mayormente de proyección internacional, participó en proyectos de músicos de jazz muy reconocidos, como es el caso de Milt Jackson (con quien grabó el famoso Soul brothers), Betty Carter, Oscar Pettiford, Kenny Burrell o Billy Mitchell. También triunfó en algunos festivales carismáticos como el de Newport (1958) o en el templo del jazz, el conocido Carnegie Hall (1959). En 1960 visitó Europa y triunfó con su éxito Georgia in my mind; en el viejo continente, en los años ochenta, sería incluso más reconocido que en Estados Unidos.

Ray Charles fue uno de los mitos del rhythm & blues. Su estilo, personalísimo y eficaz, influido en primera instancia por Louis Jordan, Charles Brown y el inefable Nat King Cole, siguió ganando adeptos durante medio siglo y ha hecho de él uno de los personajes más carismáticos de la historia de la música. Su fusión de variados estilos musicales resultó un hallazgo. Conjugó a la perfección rhythm & blues y rock & roll, sin olvidar sus guiños al jazz (por ejemplo, en su colaboración con Benny Carter) u otros estilos tales como el country, la opereta, el gospel o el pop.

Dueño de una voz singular y reconocible por todos, su figura trajeada se convirtió en uno de los iconos más representativos de la música del siglo XX. Su voz rota, marcada y trágica una veces, melodiosa y dulce otros, e instalada en la frontera de sus propios recursos interpretativos, constituyó una de sus mejores dotes, y puede parangonarse con las de Louis Armstrong, Nat King Cole o Bessie Smith. Colaboró también con Frank Sinatra o Ella Fitzgerald, así como con Stevie Wonder.

Como pianista, su estilo también marcado y percusivo fue casi insuperable dentro del estilo del blues negro. Acordes superpuestos, ritmo frenético o melodías suaves y cadenciosas en las baladas son los rasgos musicales más características de Ray Charles al piano. Tocaba también, aunque muy anecdóticamente, el saxo. Su inmensa popularidad lo llevó a incursionar en el cine: algunas de sus películas fueronSwingin’ alone, de Charles Barton (1960), o Ballad in blue, de Paul Henried (1964). En 1978 publicó su autobiografía, Brother Ray.

Una enfermedad hepática, que arrastró durante mucho tiempo, no le impidió, pocas semanas antes de su muerte, celebrar su concierto número 10.000 en el Teatro Griego de Los Ángeles, todo un hito en el mundo de la música. Su funeral, al que acudieron 1.500 personas dentro del recinto religioso y cientos de admiradores en el exterior, contó con las sentidas aportaciones musicales de otras leyendas de la música, como B.B. King, Steve Gander o Willie Nelson. 

La última grabación que hizo en vida, un disco de duetos titulado Genius loves company (en el que participaron entre otros Norah Jones, Van Morrison y B.B. King) fue un auténtico éxito de ventas que se colocó en el número 2 de las listas de los más vendidos de Estados Unidos. En febrero de 2005, el disco fue galardonado con ocho premios Grammy en la 47ª edición de este certamen, entre ellos el de mejor álbum, al que hay que añadir el dúo que formó con la cantante Norah Jones, que fue merecedor de otro premio a la mejor grabación del año. En enero de 2005 se estrenó un largometraje sobre su vida titulado Ray, dirigido por Taylor Hackford e interpretado por Jamie Foxx, quien ganaría por su papel el Oscar al mejor actor.