SOLO QUIERO QUE ME RECUERDEN CON MI MUSICA

"La luna esta saliendo, no hay tiempo que perder
Es hora de empezar a beber.
Dile a la banda que toque un blues y yo pago los tragos".
Tom Waits

martes, 27 de octubre de 2015

0259. CHARLIE MUSSELWHITE - MY ROAD LIES IN DARKNESS




Nacido en Mississippi y criado en Memphis, Tennessee, el armonicista Charlie Musselwhite perfeccionó sus habilidades aprendiendo de los virtuosos de la armónica blues de la post-Guerra. Fue uno de los primeros músicos blancos en integrar la legión de ejecutantes del folk blues urbano durante el resurgimiento del blues durante la década de 1960. Musselwhite es un ejemplo primordial en el arte de ejecutar la armónica en el género del blues. Después de años de problemas personales y de retrocesos en su carrera, sus discos y actuaciones en vivo le han traído elogios de la crítica y una nueva generación de oyentes.
Big Joe Williams dijo: "CharlieMusselwhite es uno de los más grandes armonicistas del country blues. Él está a la altura de Sonny Boy Williamson, y  ha sido mi armonicista favorito desde que Sonny Boy fuera asesinado."
Aunque muchos músicos blancos ya habían adaptado el blues al country, al rock 'n' roll, al jazz, o a estilos de música folk, Musselwhite se mantuvo siempre dentro de los parámetros del  blues, incluso mientras explora una variedad de géneros musicales de América y del mundo. Su dedicación lo convirtieron en un modelo a seguir, especialmente entre los ejecutantes de la armónica en la Costa Oeste.

Hijo de un fabricante de  mandolinas y guitarras y de ascendencia india Choctaw y sobrino de un artista callejero itinerante, Charles Douglas Musselwhite nació el 31 de enero de 1944 en Kosciusko, Mississippi. A la edad de tres años, se trasladó con su familia a Memphis - un centro de música floreciente donde escuchó los sonidos de blues, spirituals y  hillbilly. Como Musselwhite recordó en Blues Review Quarterly, "Cerca de mi casa había un arroyo donde me sentaba en la sombra durante las calurosas tardes de verano. Podía oír a la gente cantando en los campos y en la costa: eso sólo me llevaba a experiencias aún extrañas para mí. Su canto era exactamente  lo que sentía ".

Atraído por la música de inspiración afroamericana, Musselwhite tomó la armónica a los 13 años y comenzó a aprender  con un número de músicos de blues tradicional de Memphis, incluyendo a Willie Borum, Will Shade y Furry Lewis, todos los ex miembros de la Memphis Jug Band. Estos músicos le enseñaron a tocar la guitarra slide. Musselwhite fomentó su educación en el género por ver actos en roadhouses West Memphis. "Esta fue mi primera exposición real a los blues", comentó Musselwhite Blues Review Quarterly "Sólo estaba pasando el rato absorbiendo toda esta buena música. Nunca tuve intenciones de tocar para ganarme la vida. Eso era lo más alejado de mi mente. Me encantó y quería tocar para mí mismo."
"Yo también pasé el tiempo con Furry Lewis, Memphis Willie B., que tocaba la guitarra y la armónica en un estante - Willie Borum era su nombre, Earl Bell y Abe McNeil, que eran guitarristas, Ray Robey, que era un violinista y guitarrista. Él estaba con los Memphis Jug Band, también, " Charlie recuerda. http://www.bluesblastmagazine.com/featured-interview-charlie-musselwhite/
Fueron estas raíces rurales las  que lo diferencian de Paul Butterfield, y que aportaron a que décadas más tarde Musselwhite comenzenzara a incorporar  la guitarra en sus trabajos.

En 1962, Musselwhite se mudó a Chicago en busca de trabajo en las fábricas en el Norte industrial. Sin percatarse de la migración de los músicos de blues al sur de Chicago en la década de 1960, pronto se descubrió en una floreciente escena del blues en South Side de la ciudad. A través de las conexiones con Bob Koester de Delmark Records, un partícipe central de la escena del blues de Chicago, Musselwhite participa en presentaciones  con guitarristas como Robert Nighthawk, Johnny Young, y John Lee Granderson. 
En los clubes de South Side, Musselwhite a menudo, se sentaba  con la banda de Muddy Waters - una banda que incluía al pianista Otis Spann y al armonicista James Cotton. Pero fue el ex acompañante de armónica de Waters, Little Walter Jacobs, quien tuvo en él un impacto más profundo en su estilo musical.  "Tenía muchas ganas de aprender de Little Walter, debido a la forma en que tocaba", recordó Musselwhite.  

Después de su incorporación a la escena del blues del South Side, Musselwhite comenzó a realizar a tocar en el circuito blanco de los clubes populares en el North Side de la ciudad de los vientos, donde consiguió un trabajo en Fickle Pickle con el guitarrista de blues blanco Michael Bloomfield. En el club, que se mezclaba con el pianista Blind John Davis y los guitarristas acústicos nacidos en Tennessee,  Sleepy John Estes y Yank Rachell. Más tarde, Musselwhite y Bloomfield tocaron durante un año en el Big John, otro club popular North Side.

Aunque Musselwhite estaba rodeado de distinguidos talentos, sus primeros años en las calles de Chicago eran ásperas. En un comunicado de promoción para Alligator Records, describe la pobreza que experimentó durante su aprendizaje en la ciudad: "Mis pies estaban húmedos de caminar en la nieve ya que tenía grandes agujeros  en mis zapatos .... Una vez que has estado en esa situación, que no se te olvide ". Durante este tiempo, Musselwhite vivió en los sótanos de la Koester Jazz Record Mart y Record Store de Old Joe Wells con el amigo y compañero musical Big Joe Williams. Entre otros bluesmen que se hicieron amigo de Musselwhite estaban Otis Rush, JB Hutto, Johnny Shines, John Brim, y la leyenda armónica Big Walter Horton, que a menudo desafió a su joven protegido a duelos de armónica en el escenario. 

Charlie Musselwhite & Big Walter Horton

En 1965 Musselwhite trabajó con Vanguard Records que publicó el álbum "Chicago Blues Today!". La grabación la hizo con el nombre Memphis Charlie Musselwhite como  artista invitado de la Blues Harp Band  de Big Walter Horton y fue el único artista blanco para ser presentado en la serie de tres volúmenes que promocionaban el electric blues de Chicago. 

Después de realizar algunas grabaciones en Europa y obtener algunos éxitos con Paul Butterfield realiza su primer álbum como líder de su propia banda en 1966. "Stand Back! Here Comes Charley Musselwhite's Southside Band" con  el guitarrista Harvey Mandel en teclados Barry Goldberg, el bajista Bob Anderson, y en batería, Freddie Below. No está claro el motivo por el cual el álbum aparece con el nombre de "Charley Musselwhite" (estiman los estudiosos que la discográfica escribió mal el nombre, pero como era común utilizar distintos nombres para las grabaciones de la época, es probablemente otro el motivo). Cuando este trabajo debut se convirtió en un estándar en las radios de San Francisco, Musselwhite tocó en el Fillmore Auditorium y nunca regresó a la Ciudad de los Vientos. Ya en California, tocó en distintos escenarios con Harvey Mandel, Freddie Roulette, LutherTucker, Louis Myers, Robben Ford, Fenton Robinson y Júnior Watson. También se transformó en un partícipe constante en los escenarios y locales en San Francisco Bay Area y realizó distintas  giras nacionales con bajo perfil.
Fue durante ese período que Charlie llamó la atención de un joven Dan Aykroyd cuando se presenta en un club cerca de Kingston, Ontario, vestido como siempre lo hacía en ese momento con el pelo peinado hacia atrás, luciendo un traje negro, zapatos y gafas de sol puntiagudas. Esta imagen será reproducida tiempo después en la película "The Blues Brothers".


Definitivamente instalado en Costa Oeste, muchos de sus compañeros y amigos también hicieron el mismo camino. Entre ellos Paul Butterfield y Mike Bloomfield. En esos años se encontró nuevamente con John Lee Hooker, a quien había conocido en Chicago. Esta amistad duró años (incluso Hooker fue padrino de bodas de Charlie en 1981). Participó en distintos álbumes publicados por Hooker y en distintas presentaciones lo acompañó en el escenario.
El segundo álbum para Vanguard Records es de 1968, "Stone Blues", que no es un disco excepcional, pero contiene varios registros de blues bien ejecutados y covers de temas tradicionales que están excelentemente realizados. El disco se abre con una explosión en "My Buddy Buddy Friends", que se completa con una conducción de back-beat y buenas letras de AC Reed. La canción cuenta con uno de los mejores esfuerzos de Charlie en el trabajo vocal y armónica, la guitarra distinguida de Tim Kaihatsu, y las contribuciones de un grupo de trompetistas de estudio.
El último trabajo con Vanguard Records es "Tennessee Woman". Título basado en la creación del mismo nombre de Fenton Robinson. Un álbum en que se destacan trabajos de distintos bluesman ejecutados notablemente por Musselwhite. 


Después de grabar tres álbumes con Vanguard, Musselwhite se asoció con el guitarrista de blues y el saxofonista Robben Ford y publicaron en 1971, el álbum "Memphis Charlie" para Arhoolie Records. Luego le siguieron "Takin' My Time" (1974) y "Goin' Back Down South" (1975) un equilibrio entre ideas musicales progresistas y blues tradicional, las grabaciones marcaron el debut en la guitarra de Musselwhite en una versión acústica del tema de  John Lee Granderson,  "Taylor Arkansas."

Durante las próximas dos décadas Musselwhite apareció en varias etiquetas pequeñas, incluyendo Blue Horizon, Crystal Clear, Charlie y otras. Publicó en 1975 "Leave the Blues to Us" (Capitol), en 1978 "Times Gettin' Tougher Than Tough" (Crystal Clear) y  "Harmonica According to Charlie Musselwhite" (Kicking Mule), en 1984 "Where Have All the Good Times Gone?" (Blue Rock'It) y en 1986 "Mellow-Dee" (CrossCut) con una banda de respaldo de origen alemán. 
Por desgracia, Musselwhite, al igual que con muchos de sus compañeros, fueron víctimas de alcoholismo; por su propia admisión , nunca había estado en el escenario sobrio hasta después de haber dejado de beber en su totalidad en 1987. 
Johnnie Johnson, Roy Rogers, John Hammond Jr.,Charlie Musselwhite. front row left to right Albert Collins, Bonnie Raitt, John Lee Hooker, Robert Cray January 6, 1992

Luego de superar esta adicción firmó con el sello Alligator con sede en Chicago en 1990 y su primer álbum para la discográfica grabó el álbum "Ace of Harps" , lo que le valió el Premio W.C. Handy como el mejor instrumentista de  blues del año. 
En 1991 grabó "Signature", el segundo trabajo para Alligator. 


Para 1994, "In My Time", cuenta con su talento en la guitarra acústica e incluye dos números respaldados por el famoso grupo de cantantes gospel The Five Blind Boys of Alabama. Desde finales de 1980, Musselwhite ha aparecido como artista invitado en numerosos trabajos de distintos artistas de blues como "Longing in Their Hearts" de y "Spirit of The Century" de los Blind Boys of Alabama, ambos ganadores de premiso Grammy. También en el álbum "Mule Variations" de Tom Waits (1999) y con John Lee Hooker en su trabajo "The Healer".

Luego de publicar "In My Time", dedicó su tiempo a trabajar en giras y presentaciones a nivel local e internacional. Además siguió contribuyendo como acompañante en distintas publicaciones de artistas de blues siendo galardonado con distintas nominaciones a premios Grammy y WC Handy. Recién para 1997 vuelve al estudio como líder de banda de estudio grabando para Virgin Records el álbum " Rough News", fusionando elementos de jazz, gospel, Tex -Mex y acústicos blues del Delta.  El álbum marca el último paso en el viaje continuo de Musselwhite: la exploración de nuevas variables en la ejecución del blues. Aquí, en sus propias palabras, Charlie describe este trabajo. "Este álbum tiene una vuelta internacional para ello. Dos de las canciones fueron escritas por un amigo australiano,  y me he metido en un blues con arreglos brasileños: 'Feel It In Your Heart' . Grabé el disco en tres sesiones, todo con un fondo de blues, pero con diferentes sensaciones y arreglos. La sesión de Chicago refleja los años que pasé allí, lo que resulta en un sonido de duro blues urbano. La sesión de Los Ángeles tiene algunas variables de rock con un ambiente moderno y las canciones de la sesión de Nueva Orleans son swamp y relajadas". http://www.charliemusselwhite.com/rough-news

En 1998, Musselwhite apareció en la película "Blues Brothers 2000". Él proporcionó la armónica en el súper-ensemble The Louisiana Gator Boys, que también contó con muchas otras leyendas del rhythm and blues como BB King, Bo Diddley, Eric Clapton, Koko Taylor, Jimmie Vaughan, Dr. John y Jack DeJohnette.


En 1999, graba también para Virgin Records, el álbum "Continental Drifter ". Las canciones del álbum se dividen en tres secciones. La primera sección, cuenta con Charlie y su banda de gira. La sesión dos,  incorpora el sonido propio del blues delta  que muestra los orígenes musicales en los que Charlie creció. Para la tercera sección, "Las Sesiones cubanas," Charlie grabó cuatro canciones con su amigo y colega cubano, Eliades Ochoa y su grupo Cuarteto Patria. Estos sonidos cubanos y brasileños han influenciado mucho la música de Charlie en esos años. "Mi experiencia con los músicos cubanos y brasileños que he conocido y con los que he tocado han compartido mi emoción  por las posibilidades de la fusión de las culturas musicales, a veces sólo por el placer de tocar juntos, a veces con la esperanza de fomentar el entendimiento y la tolerancia entre nuestras culturas y nuestros pueblos. "

Dos accidentes graves han empañado la vida de Musselwhite entre 1999 y 2000. En diciembre de 1999, el coche de Musselwhite chocó contra un camión mientras estaba de vacaciones en México. El accidente dio lugar a una hospitalización durante  varias semanas con el resultado de varios huesos rotos y lesiones permanentes en bazo y riñones. En octubre de 2000, Henrietta, la esposa de Musselwhite, Henrietta,  fue mordida por un tiburón en las aguas de Maui (Hawai). Tanto Musselwhite y su esposa se recuperaron de sus lesiones, pero le implicaron un tiempo de reposo en sus presentaciones. 
También a principios del Siglo XXI recibió el Governor's Award: The Artist's Achievement Award 2000 en Mississippi.

En 2002 firmó para Telarc y publicó el álbum "One Night In America", una especie de resumen de sus raíces formativas en Memphis.  Musselwhite está acompañado con una banda esencial: Robben Ford en la guitarra, el vocalista de Texas, Kelly Willis, y el guitarrista / y ejecutor de la mandolina Marty Stuart. "Aunque algunas de estas canciones fueron escritas en los últimos años, todas ellas de alguna manera capturan el sentimiento de los momentos que recuerdan mi crecimiento musical en Memphis en los años 1940 y '50. Eran recuerdos de los momentos tristes y felices de aquellos años. Por supuesto, mi vida se ha ampliado mucho desde entonces, pero aún así sigo buscando esas necesaria inspiración en el pasado". El disco se completa con recuerdos a Jimmy Reed, Ivory Joe Hunter, y Johnny Cash.

En 2004 publica "Sanctuary", nominado para los premios Grammy. Musselwhite ha reunido una banda lujo para esta excursión: Junto con el guitarrista Charlie Sexton (antes parte de la banda de Bob Dylan), el bajista Jared Michael Nickerson, y Michael Jerome en la batería (Jerome también tocó con Five  Blind Boys of Alabama y  Ben Harper, invitados en el set). En el álbum explora los temas que que son la base del género blues: la soledad, la desesperación, el mal y la muerte. En su continua búsqueda de "la música que mueve el alma", conecta el la tradición el género con un estilo cercano al rock and roll. Su voz profunda y su  entrega calma evocan a Leonard Cohen o Lou Reed, pero con suficientes influencias de sus fuertes raíces sureñas y los recuerdos de Memphis. Los instrumentales también contribuyen significativamente a este viaje. El corto crudamente hermoso Route 19 - adecuadamente puesto al final del disco - evoca fielmente la carretera rural de Mississippi.  Esta y otras dos canciones,  ayudan a mantener un ambiente melancólico en el  álbum.

Después de una extensa gira mundial, regresó al estudio en el 2006 con "Delta Hardware", grabado en Mississippi. Contiene una mezcla de canciones escritas en los últimos años e incluye un excelente trabajo con sonidos tradicionales de en la canción "Clarksdale Boogie". Fiel a  una gama de emociones honestas e historias contadas a su particular manera, los temas  "The Invisible Ones" y "Black Water" están  inspirados por la devastación causada por el huracán Katrina,dibujando un homenaje honesto y cruda a los que sufren en y alrededor de Nueva Orleans. 

De nuevo con Alligator Records, en 2010 publica "The Well". Grabado en Los Ángeles len el egendario Sunset Sound con el guitarrista David Gonzales, el bajista John Bazz  y el baterista Stephen Hodges  y  producido por Chris Goldsmith, las canciones autobiográficas, reveladoras recuerdan eventos y lugares de la vida de Charlie Musselwhite. Su voz de conversación y el trabajo magistral con la armónica  están perfectamente adaptados a las historias que cuenta. Según el presidente de Alligator,  Bruce Iglauer, tener a Musselwhite de vuelta en la etiqueta es puro placer. "Estoy encantado de dar la bienvenida nuevamente a Charlie a la familia Alligator Records. Él es un verdadero icono de la música de raíces americana, un armonicista brillante y un verdadero narrador de historias como vocalista y compositor. Charlie es fantástico para trabajar que está ahí fuera complaciendo a los fans la noche tras noche".  En diciembre de 2005, la madre de Musselwhite fue asesinada en su casa de Memphis. En el tema "Sad and Beautiful World" cuenta lo que quería decir después de aquel trágico suceso. La canción es altamente emocional: mezcla una melodía muy dulce con trágicas letras.
Cyndi Lauper with Charlie Musselwhite - Live in New Orleans 2011

Para el primer semestre de 2011, Musselwhite estuvo de gira con la banda de blues acústico Hot Tuna. En la segunda mitad de 2011, se fue de gira con Cyndi Lauper contribuyendo a grabar el álbum Memphis Blues.

En 2012 fue homenajeado en el  Annual Blues Music Awards (antes W.C. Handy Awards) obteniendo dos premios: Mejor Instrumentista (armónica) y Mejor Artista Masculino de Blues Tradicional. 

Ben Harper And Charlie Musselwhite

En 2013 grabó junto a Ben Harper, el álbum "Get Up!", para Stax Records. Ben Harper y Charlie Musselwhite tienen mucho en común. Los dos se cruzaron por primera vez en 1997 durante unas sesiones de grabación con John Lee Hooker en California. Desde entonces, mantienen una relación de amistad y compromiso profesional que los llevo a trabajar juntos en algunas oportunidades. A lo largo de los años, ambos también mostraron que son músicos a los que no les gusta encasillarse. En el caso de Harper, grabó discos eléctricos, acústicos, junto a los Blind Boys of Alabama y Rickie Lee Jones. Mientras que Musselwhite combinó el blues en todas sus versiones con elementos del jazz y el tex-mex, y grabó con Mavis Staples y el cubano Elíades Ochoa, entre otros.
Este trabajo conjunto, grabado para el mítico sello Stax, era algo que ambos tenían que hacer. ¡Y por suerte lo hicieron! El álbum comienza con un blues profundo, Don’t think twice, inspirado en Blind Lemon Jefferson, con Harper cantando y tocando la guitarra acústica y Musselwhite soplando una armónica cromática entre irrupciones eléctricas ejecutadas por el resto de la banda: Jason Mozersky (guitarra), Jesse Ingalls (bajo) y Jordan Richardson (batería). Luego siguen con I'm in I'm out and I'm gone, con una estructura más similar a los blues de Chicago, pero con la voz de Harper entregando su espíritu más souleado. Harper dijo durante una entrevista que el solo de Musselwhite en ese tema “es uno de los mejores de la historia”. En enero de 2014, el álbum ganó un premio Grammy por Mejor Álbum de Blues.
Mike Phillips (Bass Guitar), June Core (Drums), Matt Stubbs (Guitar), Charlie Musselwhite

En 2015, publicó "I Ain't Liyin' " respaldado por Matt Stubbs en la guitarra, June Core en la batería y Steve Froberg en el bajo. Esta banda, aparentemente simple, minimalista ofrece los  blues en su máxima expresión. "Goodtime Charlie" ha cautivado al público de todo el mundo y ha ganado más premios y elogios de los que se pueden enumerar en una simple revisión. E la obra de un hombre que ama la música y su instrumento. Su tono rico y profundo llega directamente al corazón, dejando su huella indeleble en todo el mundo de la música. Si te gusta el blues, y si eres un fan de la armónica, este es un disco que no querrás perderte.

"Para mí, un blues, debe contener la sensaciones, sentimientos y una historia que te lleve a conectarte con la gente. Y el blues, si es real, se debe tocar con ese sentimiento. Y no se trata de la técnica, sea cual fuere, se trata de la verdad, la conexión a la verdad y la comunicación con aquellos que sienten que están viviendo esa experiencia ".



martes, 20 de octubre de 2015

0258- CLARENCE 'GATEMOUTH' BROWN - SOMEDAY MY LUCK WILL CHANGE





EL SUMO SACERDOTE TEXANO

Clarence Gatemouth Brown resistió ser encapsulado en los géneros de roots music  y estereotipos de distinto tipo durante toda su vida. Tocaba guitarra, violín, batería, armónica, viola, y  mandolina, siendo acompañado por  pequeños conjuntos hasta grandes bandas de varios instrumentos.Grabó más de 30 álbumes que desafiaban las etiquetas de género puro y tuvo la capacidad de fusionar el rhythm and blues, el swing , la big band, cajun,  jazz, rock 'n' roll, y country, entre otros estilos en lo que él llamó "su música". Brown lo único que confirmaba era que su música era completada con todo lo que Texas podía darle. 
"Lo que yo hago es tan poco ortodoxo, que mucha gente no puede entender  mi situación en lo que se refiere a cuestiones musicales", dijo Brown en una entrevista en 2001 para un artículo de Associated Press publicado por CBS News.  Sin embargo, y más allá de muchas de sus expresiones en ese sentido, fue el blues que se convirtió en el género dominante en su estilo. Brown admitió que su música esta arraigada  fuertemente en el blues. 

"Cuando comencé mi carrera musical tenía que hacer y probar todo tipo de géneros, y sonar bien, porque recién estaba empezando", explicó en una entrevista con Guitar Player Magazine  "Al principio, como yo era un recién llegado, estaba muy agradecido. pero después de un tiempo pensé: '¿Por qué tengo que ser uno de estos bluesman llorando y gimiendo sus desencuentros amorosos hablando mal de las mujeres? ' Por eso me detuve a incorporar a mi música otros estilos".  Los críticos musicales tuvieron no sabían como categorizar este estilo musical propio de Brown y era fácil introducirlo en el género blues. Al respecto Clarence decía: "La gente me llama un bluesman porque soy negro y porque yo toco la guitarra", según un reportaje para el Houston Chronicle realizado por Andrew Dansby. Pero Brown no estaba etiquetado como un músico de blues aunque fue honrado como uno de ellos. Él ganó su primer Grammy otorgado por sus trabajos en el blues tradicional, fue incluido en Blues Foundation Hall of Fame, ganó el premio Rhythm and Blues Foundation Award Pioneer, y fue galardonado con el WC Handy Awards, que honran a músicos de blues.  

Clarence Brown nació el 18 de abril de 1924, en Vinton, Louisiana, pero se crió en Orange, Texas. La familia Brown tuvo al menos tres hijos, pero pocos documentos incluyen mucho detalle sobre la vida temprana de Brown. Su padre trabajaba en el ferrocarril, y los fines de semana tocaba el violín y el banjo, y cantó en las bandas Cajun en las fiestas familiares. Brown, inspirado por el talento de su padre  contaba que fue  la persona que más influyó en su música. Para cuando tenía cinco años, Brown comenzó a rasguear una guitarra con la banda de su padre. "Si puedo hacer que mi guitarra suene como el violín, entonces yo sé que estoy haciendo las cosas bien", decía en una nota publicada por Associated Press. Como él aprendió a tocar distintos instrumentos, Brown también se dedicó a educar su voz. Tenía una voz distintiva: en la escuela secundaria se ganó el apodo de "Gatemouth" porque su profunda voz de barítono sonaba como escuchada en una puerta de entrada. Cuando jóvenes Brown y dos de sus hermanos, Bobby y James, interpretaban conciertos en la calle utilizando el consejo de su padre: "Afina tu instrumento, no exageres y toca un poco de todo pues nada tiene que quedar en una bolsa",contaba al Washington Post. Este consejo lo llevo consigo toda su vida. Aprendió country bluegrass, R & B, polka, Cajún y principios de jazz y swing que se oían en toda la región de la frontera entre Texas y Louisiana. 
Brown y su padre solían tocar juntos en diferentes clubes locales y fish fries alrededor de Texas lo que mantuvo a Brown en aprendizaje constante. Como  adolescente, Brown tocó en algunas pequeñas bandas que se habían formado en la zona, incluyendo "The Brown Skin Model". 
"Mi primera guitarra fue una vieja guitarra plana superior y empecé a tratar de tocar a los cinco años de edad. Conseguí mi primer violín que empecé a tocar cuando tenía diez años de edad. Todo esto ocurría en Orange, Texas, cuando yo era un niño muy pequeño."


Blues legends Clarence "Gatemouth" Brown (left) y "T-Bone" Walker.
Larry Willoughby Collection.

A los 16 años, Brown comenzó su propia historia musical, saliendo de su hogar  para tocar en el Chitlin' Circuit de locales de música negros concentrados en el sur y el este de los Estados Unidos. 
En 1945 Brown fue incorporado al Ejército de Estados Unidos, mientras tocaba  la batería en distintas bandas. Su paso por el Ejército fue breve. Cuando se le preguntó al respecto, Brown decía "5 meses y 10 días". Cuando se le preguntó por qué  fue licenciado  después de una estancia tan corta, Brown respondía: "No me importa ir a parar a la cárcel pero mi despedida con los militares fue un entendimiento mutuo. Sólo era honesto con el Coronel y le dije,' tiene que haber más que esto en mi vida. No me quiero quedar acá.' Así que me quedé 5 meses estando muy deprimido. El Coronel era un hombre honesto y condescendiente así que fui  y le dije: 'Yo no pertenezco a este mundo'. Yo pertenecía al mundo exterior, donde podía difundir y disfrutar de mi música".
Después de una baja honorable, Brown se mudó a Houston, Texas, y comenzó a buscar distintas maneras de hacer dinero reproduciendo música. Él era baterista en bandas como Howard Spencer and his Gay Swingers,  W.M. Benbo y The Brown Skin Models.

Su gran oportunidad llegó en 1947 en el Bronze Peacock en Houston. Cuando un malestar estomacal obligó a T. Bone Walker a abandonar el escenario durante una sesión, Brown dio un paso al centro del escenario y se colgó la guitarra de Walker por encima del hombro.
Entonces, como él le contó  a Neal Spitzer de la National Public Radio, "inventé una canción. "Las palabras salían de la nada". La canción después fue concocida como "Gatemouth Boogie". La leyenda dice que Brown hizo 600 dólares durante esos quince minutos en el escenario.
"Yo estaba sentado cerca de él y nadie sabía que yo tocaba la guitarra. T-Bone no se sentía bien y bajó a los vestuarios. Don Robey sabía que yo era un cantante y baterista. Él dijo: 'Ve hasta allí canta alguna una canción hasta que T-Bone se recupere'. Supongo que no había entendido bien y me fui hasta allí y tomé la guitarra simplemente de la nada y empecé a tocar un boogie woogie que después fue llamado "Gatemouth Boogie. Cuando Walker se enteró de lo que estaba sucediendo en el escenario, volvió y agarró su guitarra y me dijo 'Mientras yo viva y respire, nunca más tocarás mi guitarra de nuevo! ', Le contesté,' Lo siento Mr. Bone . No sé lo que me obligó a hacerlo".

Gatemouth en el Bronze Peacock - 1948. Courtest University of Houston 

El dueño del Club Don Robey quedó tan impresionado que se ofreció inmediatamente para gestionar la carrera de Brown. Así fue que realizó su primer contrato con Aladdin Records. Con esta discográfica realizó algunas grabaciones pero la mayoría no fueron publicadas. En septiembre de 1947 publica su primer single "Gatemouth Boogie" / "After Sunset".
Luego de esto y no conforme con el rendimiento en Aladdin, Robey creó su propio sello, Peacock Records, para promover y grabar a su artista preferido.
Entre 1949 y 1961 Clarence grabó innumerables singles para el sello fundado por Don Robey. Entre ellos varios que fueron éxitos como "Boogie Rambler," "Okie Dokie Stomp,", (un instrumental que se convirtió en "un punto de referencia para  Brown, y el blues de Texas", según The New York Times.) "Just Before Dawn" y "Dirty Work At The Crossroads".
Su primer single data de 1950, "My Time Is Expensive" / "Mary Is Fine". Después citamos a modo de ejemplo, Boogie Rambler, I've Been Mistreated, She Walk Right In, (1950); Pale Dry Boogie, Part 1, She Winked Her Eye, Too Late Baby, Justice Blues (1951); Hurry Back Good News (1953); Midnight Hour, Okie Dokie Stomp, (1954); y su último trabajo para Peacock, "Just Before Dawn" de 1959.

Durante esos años también  estuvo de gira con una big band de  23 instrumentos haciendo giras en los clubes de toda la Costa del Golfo. La guitarra de Brown es distintiva de su música. 
Guitarra de Brown jugando distingue su música más. Tocaba con un inusual estilo finger-picking, arrastrando sus dedos sobre las cuerdas, creando riffs intrincados sobre la base de ritmos percusivos y acompañamientos de horns.  John Nova Lomax escribió en el Houston Press que "los solos de guitarra horns de Gatemouth levantaban el juego para todos. Y el sonido de su violín en "Just Before Dawn" es uno de los paradigmas que muestran la versatilidad de Brown en la ejecución de este instrumento. Su ingenio se convirtió en la columna vertebral por donde se desarrolló el blues de Texas, con el  sonido Post - Segunda Guerra Mundial, que influyen en la talla de guitarristas como  Albert Collins y Johnny "Guitar" Watson. Los solos de guitarra de Brown durante esta década marcarían un punto de inflexión en la música blues". 

Arlene: Usted es conocido por su forma elegante para ejecutar los solos de guitarra. ¿Puede explicar su técnica de juego único?

Clarence "Gatemouth" Brown: Nunca tengo la certeza de que algo está hecho.  Yo sólo uso mi mano. Uso la parte de la carne de mis dedos, los cinco dedos, de la mano derecha. Entonces también recojo con mi mano izquierda para ciertos movimientos. Tal vez yo uso mi mano izquierda para hacer Pickin 'al mismo tiempo que toco con mi mano derecha. En general no uso el pickin'. La única vez que uso pickin' es si estoy tocando una mandolina, pero aparte de eso, yo uso mis dedos.

Arlene: ¿Qué violines usaste en el álbum y se puede describir su técnica de juego maravilloso en el violín también?

Clarence "Gatemouth" Brown: Uso siempre el mismo violín. Es una copia de un Stradivarius. Todos los violines son copias de Strads en lo que a mí respecta, pero cuanto más viejo es un violín, mejor suena.  Un violín se juega de una manera clásica".

Brown dejó la etiqueta Peacock Records a principios de 1960. Se trasladó por un tiempo  a Nashville. Durante estos años casi no tuvo participación en grabaciones de estudio. Tuvo cierto éxito con “May The Bird Of Paradise Fly Up Your Nose”  grabado para el pequeño sello Hermitage Records pero uso su tiempo trabajando con Hoss Allen, un productor de radio local, con el que participaba en un show de R&B para televisión llamado The Beat y liderar la banda de la casa en 1966 para el proyecto de ley "Hoss" Allen alojadas programa de televisión de R & B llamado "The !!!! Beat". Durante esos años fue perfeccionando no sólo su estilo musical sino escenográfico: botas de vaquero,  sombrero y camisas bordadas occidentales y algunas presentaciones tocando el country de Texas hicieron de su aspecto algo único.
Después se trasladó a Colorado y Nuevo México donde realizó distintos trabajos, incluyendo servir como ayudante de sheriff, que agigantaría su imagen de cow-boy adquirida durante esos años.


En la década de 1970 Brown fue capaz de reiniciar su carrera, esta vez apelando a la amplia gama de géneros que luego caracterizarían su estilo, incluyendo country, jazz, y Cajun, así como el blues y R & B que fueron parte de sus inicios.Durante esta década, Brown parte de gira por Europa, donde consiguió un contrato de grabación y desarrolló una fuerte base de fans. 

Brown compuso una canción llamada "Gate's Express ," y tanto le gustó el nombre que constituyó una banda con el mismo nombre  en 1971. Brown se convirtió en un embajador de la música americana nombrado por el  Departamento de Estado de Estados Unidos y participó de una serie de giras por Europa (12 veces), África Oriental y la Unión Soviética con su banda  durante la década de 1970. 
Registró nueve álbumes para sellos europeos. En 1972 publica "The Blues Ain't Nothin" con la etiqueta francesa Black & Blue, especializada en blues y con la que realiza dos trabajos más: "Cold Storage"  y "Sings Louis Jordan".  La banda estaba integrada por Clarence 'Gatemouth' Brown (guitarra y voz) , Jay McShann (teclados),  Roland Lobligeois (bajo),  Paul Gunther (batería), Al Grey (trombones),  Hal Singer (saxo tenor), Stan Hunter (órgano), Xavier Chambon (trompeta) y Michel Attenous (saxo alto). 

En 1973 también comenzó su trabajo con Barclays Records, otra etiqueta francesa, con la

que publicó tres álbumes 1973 Drifter Rides Again, 1974 Gate's on the Heat, 1974 Down South in Bayou Country. En 1976 publica con Sunnyside Records Bogalusa Boogie Man. 
Su regreso a la popularidad en el mercado de la música de Estados Unidos fue ayudado por apariciones en programas de  televisión populares como Hee Haw y Austin City Limits, así como una colaboración con la estrella del country Roy Clark en un álbum publicado en 1979 llamado "Makin' Music" , incluyendo canciones escribieron juntos como covers de temas de  Billy Strayhorn y Duke Ellington "Take the 'A' Train" y de Fleecie Moore "Caldonia."


Su trabajo fue cosechando seguidores y recibiendo buena crítica.  Brown publica su primer trabajo con Rounder Records en 1982. El álbum "Alright Again!". Con Larry Sieberth, (piano),  David "Fingers" Fender, (órgano hammond), Myron Dove (bajo),  Lloyd Herrman, (batería)  Bill Samuel, (saxo alto, saxo tenor)  Joe "Champagnski" Sunseri, (saxofón barítono),  Stanton Davis, Jr., (trompeta) y Jim McMillen, (trombón), construye un álbum con pistas originales y covers de canciones de  T-Bone Walker y Percy Mayfield, así como una canción de su protegido, Albert Collins. Ganó el primer premio Grammy como " Mejor álbum de Blues Tradicional." y fue nominado a cinco más. Incluyó una gran banda de sonido que recuerda sus primeras grabaciones. También recibió premios W.C. Handy Awards. 


El segundo lanzamiento con Rounder Records es de 1982. "One More Mile", junto con el relanzamiento de sus grabaciones anteriores con Peacock Records: "The Original Peacock Recordings" , le significaron no sólo elogios de su público y de la crítica sino también una serie de premios WC Handy Awards.
En 1987 publica con Rounder, "Real Life" antes de ser contratado por Alligator. 
El primer álbum publicado por Alligator Records es "Standing My Ground" (1989),un trabajo delicosamente ecléctico que pone de relieve casi todas las inclinaciones musicales de Gatemouth:  blues, jazz, país, incluso un cierto gusto a  "Louisiana Zydeco" - y una muestra reveladora de sus habilidades multi-instrumentales: toca la guitarra, violín, batería, y piano!. En 1992, su segundo álbum con Alligator, "No Looking Back", llena ese espacio sutil entre el jazz y el blues con cuatro boppish jazz jams ("Digging New Ground," "C-Jam Blues," "The Peeper" and the stomping "We're Outta Here").

Con Verve Records, publica en 1994, "The Man", donde mantiene esa imagen de versatilidad en cuanto a los géneros musicales se refiere; en 1996, "A long Way Home"un álbum de blues  ​​con músicos invitados como Eric Clapton, Ry Cooder, Amos Garrett, Sonny Landreth, John D. Loudermilk, María Muldaur y Leon Russell. Jazz ("The Blues Walk"), Boogie Blues ("Underhand Boogie"), y Country ("I'll Be There (If You Ever Want Me)", "Don't Think Twice") desfilan por este trabajo compartido; en 1997 "Gate Swings", volviendo a sus raíces del blues de guitarra en este fabuloso álbum, rodeado de una gran banda   que recuerda su paso hace medio siglo por la discográfica de Don Robey, Peacock Records y en 1999, "American Music Texas Style", integrado por un conjunto de 13 pistas que revelan su amor por el jazz. No solo incluye standard de Duke Ellington, Charlie Parker y Mercer Ellington, sino que incorpora a su banda músicos de jazz jóvenes como Wessell "Warmdaddy" Anderson y  Nicholas Payton.

Para 2001 publica el álbum "Back to Bogalusa" llevándonos a  través de su amada Louisiana. "Los últimos dos álbumes de Gatemouth hicieron hincapié en las big band , mostrando el Texas Style  de su música ", dice el co-productor (y director de Gatemouth) Jim Bateman. "Esta vez esta más orientado al swamp blues de Louisiana y el sur." Para este trabajo, Brown utilizó su banda regular con Harold Floyd (bajo), Joe Krown (teclados), David Peters (batería), y Eric Demmer (saxo), asistido por Mike Loudermilk en la guitarra eléctrica y acústica y una sección de vientos adicional.  Sonny Landreth y Zachary Richard son parte en varias canciones.Los temas centrales del álbum son   "It All Comes Back" y "Why Are People Like That,", compuestos por Bobby Charles.  "Bobby siempre ha sido uno de mis escritores favoritos," dice Gatemouth. Brown. La guitarra slide de Sonny Landreth, un artista fenomenal en su propio derecho, y el acordeón del maestro zydeco-cajun, Zachary Richard, acompañan fielmente  a Brown y aseguran  la integridad de las canciones Cajun de  Louisiana. Una sección de vientos de cuatro piezas y coros permiten añadir sin problemas, inflexiones de jazz y funk.

Aunque a una edad donde la mayoría de las personas se jubilan, sobretodo si vienen sufriendo  una enfermedad del corazón y un enfisema, el inicio del siglo XXI encontró a Brown  con una programación estable de conciertos, entre 100 y 300 cada año, que incluían Africa, América del Sur, Australia y Europa. También se mantuvo fumando, aunque ya le habían prohibido hacerlo. Aún con el diagnóstico de un cáncer de pulmón en 2004, Brown se negaba a dejar de fumar y dejar de crear y tocar música. Decidió seguir con su estilo, con su optimismo, y el apoyo de sus fans acompañándolo. En 2004 pública su álbum para High Tone Records, "Timeless" , que sería su último trabajo; llamado "un álbum de su vida" por la revista Rolling Stone, un trabajo en el que la fusión entre el electric blues de Texas y el swing llenan al álbum de la pasión, el estilo y la capacidad de Brown para seguir fiel a sus raíces. 
Se casó y se divorció tres veces. Sus sobrevivientes incluyen tres hijas, Ursula Brown de Houston, Celeste Biles de Vista, California, y Renée Brown de Nueva Orleans.; un hijo, Dwayne Brown, de Oklahoma City; un hermano, Bobby Brown, de Orange; y seis nietos
B.B. King y Clarence Gatemouth Brown - 2005 New Orleans Jazz And Heritage Festival

Continuó viajando, portando su oxígeno con él en el escenario, pero cantando como si no lo necesitara. La última aparición de Brown delante de una gran multitud llegó el 28 de abril de 2005, en el New Orleans Jazz and Heritage Festival. Siguió participando en numerosas presentaciones en lugares más pequeños antes de que el huracán Katrina le obligara a evacuar su casa en aledaña al pantano Slidell en Louisiana, en agosto de 2005.
Brown salió de su casa en la orilla del lago Pontchartrain, cerca de Nueva Orleans, el 28 de agosto de 2005, y el fin de semana el huracán Katrina inundó su casa, destruyéndola junto con sus queridos instrumentos y objetos de recuerdo de su carrera. La noticia de su casa en ruinas devastó a Brown, que se había refugiado en casa de su hermano en Orange, Texas. Dos semanas más tarde, tuvo que ser hospitalizado en Port Arthur, Texas. Aunque le aconsejan permanecer en el hospital después de someterse a una angioplastia, Brown insistió en regresar a Orange, donde murió el 10 de septiembre de 2005. 
En 2008, otro huracán que azotó Nueva Orleans, el "Ike", inundó el cementerio Hollywood Community Cementery, donde fue enterrado y su ataúd se alejó flotando, aunque fue encontrado posteriormente. 

Brown es honrado como una leyenda de la música en el Museum of the Gulf Coast's Music Hall of Fame in Port Arthur. 


viernes, 16 de octubre de 2015

0257. HARMONICA FRANK FLOYD - DEEP ELLUM BLUES


EL PRIMER ROCKER

El blues infinitas veces nos revela extraños personajes con habilidades extraordinarias pero pocos tenían el talento que Harmonica Frank Floyd revelo a lo largo de sus composiciones. Cuando Miller Rice 'Sonny Boy Williamson II' sorprendía en sus giras internacionales durante los años 60 tocando un blues en un armónica atrapada en su boca como un cigarro, él estaba mostrando un tercio de un truco realizado regularmente por Frank, que hacía mientras toca la guitarra y canta sus canciones sin fin plagadas de  entretenimiento e ingenio, al mismo tiempo!


El Condado de Lafayette es región montañosa al este del delta del Mississippi, y Frank Floyd nació allí, en Toccapola en 1908. Los padres de Frank eran una pobre pareja blanca que  murieron cuando era él  muy joven, dejándolo con su abuelo agricultor, y cuando también murió en 1922, el ​​adolescente se quedó a vivir en su granja, solo y a la deriva.
Floyd tenía también ascendencia Cherokee; pero, a diferencia de Charlie Patton o Leadbelly, por ejemplo, él era blanco y en estas historias de los orígenes del blues esta condición era realmente importante. Esa indiscreción genética se presentaba como vergüenza leve en el catálogo de Chess Records. Hoy, que se da una interacción musical y creativa entre músicos blancos y negros, este hecho puede parecer menor, pero en aquellos inicios del siglo XX era poco común que un blanco siguiera esos caminos reservados exclusivamente para los afroamericanos. 

Otro problema de Floyd en los años 50 era su estilo arcaico. Algunos críticos, reconocían que su música era "una buena fusión de géneros musicales blancos (country) y negros (blues)", pero lamentaban que el estilo era típico de los años 20 en lugar de adaptarse a los cambios producidos en la década del '50. No es de extrañar, entonces, que su reconocimiento llegó con el  "redescubrimiento del blues en los años '70. El contaba con el hecho de haber fallado  en sus esfuerzos para convertirse en una estrella de la grabación por lo que no podía ser acusado de aprovecharse de la influencia de sus socios negros.
La biografía de Floyd no sólo es típica de un bluesmen, sino también, en cierto modo, un ejemplo extremo. 

Luego quedar sólo Frank trabajaba temporalmente en las granjas que poblaban la zona pero luego pasó la mayor parte de su vida como artista itinerante. Gran parte de su juventud la pasó con carnavales y espectáculos medicina (medicine shows), como obrero, payaso y músico. Sus habilidades circenses incluían distinto tipo de habilidades teatrales que le permitían no sólo ejecutar su música sino ganarse un lugar en estos espectáculos de carretera. Se especializó en sus creaciones humorísticas y con su propio estilo de tocar la armónica, la guitarra, cantar y fumar al mismo tiempo lograba captar la atención de numeroso público que acompañaba estas exhibiciones. Aprendió la guitarra bajo la influencia de los primeros registros de Jimmie Rodgers. Más de 30 años como músico nómada le permitieron conocer estilos de blues y country que proveían material para sus presentaciones. A mediados de 1932 comenzó a trabajar en algunas radios que buscaban material para sus emisiones. 
Entre esas presentaciones y su recorrido ambulante, llegó 1951 y fue contratado por Chess Records (una novedad para la época: un músico blanco grabando en un estudio conformado sólo para promover la música negra). Su primer single, "Swamp Root" y "Going Away Walkin' " son notables representaciones de la música tradicional del sur. 

Continuó con Chess hasta 1954 cuando Sam Philips lo contrato para Sun Records. A partir de allí, muchos de sus trabajos comenzaron a adquirir no sólo el sonido clásico del country blues sureño sino que incorporó el estilo rockabilly antes que otros músicos blancos lo llevaran al tope de los éxitos de la década del '50 y principios de los años '60. 
Quién sabe cómo Floyd y Phillips se encontraron uno al otro, pero en 1951, Phillips tenía algunas ideas dándole vueltas por la cabeza que no podía definir. "Dame algo diferente", dijo Phillips a Floyd en el pequeño estudio de  Union Ave. "Dame algo único." 
Phillips recogió las pistas de la  sesión para Chess Records, que fracasaron completamente. Esto era extraño, los singles de Floyd podrían haberse infiltrado entre el la cantidad de canciones tradicionales de  1920  que Harry Smith recogería al año siguiente en su antología American Folk Music, y habrían pasado como canciones grabadas en esa época. En la primavera de 1954, Phillips y Floyd intentaron de nuevo. El resultado "Rockin Chair Daddy"/"The Great Medical Menagerist", fue el sonido que Phillips había estado buscando: el primer y verdadero rock & roll, cantado por un hombre salvaje de 44 años de edad, que probablemente habría asustado a la mierda que la  mayoría de los adolescentes compraban y consumían en esa época. 

Después, Floyd,  formó su propia compañía discográfica con Larry Kenon, M & L Records publicando en 1958 el single "Rock-A-Little Baby" / "Love Monkey".

Las canciones de Harmonica Frank podían escucharse en algunas emisoras de radio y aunque él siguió siendo un músico itinerante sus trabajos se publicaban en muchas compilaciones de blues que se publicaban en los años de la décadas del '60 y '70. "Blues Classic Records Vol. 3", "Memphis & Delta - 1950's", "Memphis ....On Downthe post-war blues volume 2", citando algunas.

En 1972 fue "redescubierto" por Stephen C. LaVere que publicó trabajos de Floyd de los años '50 "The Great Original Recordings of Harmonica Frank 1951 - 58" y en los años siguientes grabó dos álbumes para las etiquetas de Adelphi y Barrelhouse, "Harmonica Frank Floyd" de 1976 y "Harmonica Frank Floyd:Blues That Made The Roosters Dance" de 1975 respectivamente.

En su libro de 1975 "Mystery Train: Images of America in Rock 'n' Roll Music" el autor Greil Marcus presenta una visión única de los orígenes de está música propia de  EEUU y  cómo se relacionan con las creaciones de  seis músicos tradicionales, uno de los cuales era la Harmonica  Frank.

Frank Floyd murió en Blanchester, Ohio, el 7 de agosto de 1984, debido a complicaciones de la diabetes tipo II (lo que le había costado la amputación de una pierna anteriormente) y cáncer de pulmón. 

Después de su muerte, distintos álbumes se fueron publicando con las creaciones de este olvidado precursor del rock and roll. Algunas fueron parte de compilaciones, "Step It Up And Go Memphis Rockabilly" de 1986 y otros álbumes completos que retratan toda la capacidad con que Frank Floyd inventaba sus propias historias relatadas en los medicine show, "Harmonica Frank:The Great Medical Menagerist" (1997) y "Harmonica Frank: The Missing Link" (2002) , un  conjunto de canciones, algunas grabadas en vivo en las escuelas de Memphis y otras en estudio durante 1979, hay una mezcla de country, blues y rockabilly  como "Deep Elum Blues" y la canción de Howlin' Wolf "Sittin' on Top of the World," junto con creaciones propias muy  regionales como "It Ain't Gonna Rain No Mo." 
Aquí es donde, definitivamente, se puede descubrir al verdadero Harmonica Frank Floyd un artista que aprendió cómo complacer a una multitud con humor, con ingenio, y con la capacidad aprendida de Noah Lewis y Gus Canon de tocar la armónica sin bastidor. 


jueves, 15 de octubre de 2015

0256- EARL HOOKER - GUITAR RAG





EL MAESTRO OLVIDADO
Gracias a su trabajo limpio y preciso con la guitarra, que hacía que cada nota sonara tan clara como una campanada, Earl Hooker se convirtió en uno de los guitarristas más puros que tuvo el blues de Chicago en los años 50 y 60. Un artista con mucha inventiva, que pudo llegar a ser una estrella de no ser por su escasa habilidad vocal y por la tuberculosis que se lo llevó a los 41 años de edad.

Es posible imaginar que un  guitarrista de la talla de BB King, Buddy Guy, y Albert King sería al menos tan bien conocido como ellos. Se podría pensar que un precursor en el uso del pedal de wah-wah, y que fue reconocido como su maestro por Jimi Hendrix,  llevaría consigo una alta estima popular. Debería darse por sentado que alguien que cambió la técnica de la guitarra slide y, que fuente de inspiración para la canción "Whole Lotta Love" de Zeppelin merecería una mención particular en cualquier historia del rock estándar. Sin embargo, al margen de sus compañeros y de los cultores y estudiosos del blues, Earl Hooker apenas fue recordado. Aunque el hecho de que su primo, John Lee Hooker, tenga mayor reconocimiento que él  no ha ayudado a que su nombre integre la lista de famosos bluesmen. 
Earl Hooker fue el epítome del músico de blues de trabajo. La pobreza, la mala salud,  y la poca recompensa crítica o financiera caracterizan su vida. Nació en la miseria rural en el delta del Mississippi en 1929, creció en la pobreza urbana en Chicago, desarrolló un tartamudeo severo, nunca aprendió a leer ni escribir, sufrió de tuberculosis la mayor parte de su vida adulta y murió en 1970. En medio de todo esto se estableció como premier guitarrista de Chicago en una carrera que incluía  conciertos constantemente y muy pocas grabaciones. Esta es una historia de arte que se reconoce en medio de la adversidad y el sufrimiento. Este es el blues.

Earl Hooker tocó y vivió el blues. Tocó en un estilo Delta adoptado en gran parte de Robert Nighthawk con un toque de T-Bone Walker, pero lo hizo con un estilo y extravagancia incomparable que lo distinguió de cualquiera de sus contemporáneos. Formó parte de la escena de Chicago, pero su estilo no era simplemente un sonido de Chicago, ya que tenía una afición por el West Country y cierta inclinación hacia el jazz. Experimentó con cualquier nueva tecnología que podía conseguir. Nadie le podía emular en la precisión o control de la guitarra. Como dijo BB King de él:  "Para mí es el más grande. Siempre sabía lo que estaba haciendo. Por ejemplo como un  conductor de camión - le dices que tiene que estacionar al lado de la acera y él sabe exactamente dónde colocar la plataforma. Así es como Earl Hooker tocaba ... "

La falta de reconocimiento dependía  de muchos factores, entre ellas su mala suerte, el enfoque de la industria discográfica y su preferencia por la vida itinerante en particular. También fue principalmente un instrumentista en un género en el que el vocalista es central. Su reputación en general dependía de sus actuaciones en vivo y muchas veces tocaba en los bares fuera de los circuitos comunes colocándose fuera del mercado discográfico.  
El retrato detallado de su  vida y  su carrera es testimonio de una pieza minuciosa de la "historia oral". Sobre la base de innumerables entrevistas con aquellos que conocieron y trabajaron con Hooker, se puede rastrear una carrera rica en detalles e intrínsecamente interesante que logra reconstruir la vida afroamericana en los turbulentos años de la posguerra. 
La historia de Earl Hooker puede anclarse a la de artistas menos renombrados como Andrew Odom, Big Moose Walker, y Mel London que fueron  las más importantes en la carrera de Hooker. 
Earl HOOKER and Clifton CHENIER and MAGIC SAM

El ambiente económico-social en que Earl desarrollo su historia era duro y su legado fue la la enfermedad y una personalidad desconfiada. Hooker era un hombre difícil con los demonios en abundancia. Él era un músico independiente, sospechoso de contratos a largo plazo y con poca comprensión de la importancia de la grabación de su música. La pobreza y la inseguridad de su entorno lo llevó muchas veces a ser un ladrón y un estafador. 
Ese medio social  se presenta en toda su crudeza, en toda la poesía y la humanidad de Hooker. Los trabajadores negros pasaban los fines de semana escuchando a uno de los suyos, aunque se tratara de los recolectores de cosechas estacionales en la Florida o los trabajadores del acero en los pueblos del norte. Amaban a Hooker - él era el rey del Juke Joint y de los pequeños clubes. Chicago fue su casa pero su carrera fue realmente en lugares como El Cairo, Waterloo, Gary, y un sinnúmero de ciudades que salpicaban el mapa  en los estados del sur. Aquí es donde perfeccionó su talento, añadió nuevo material, encontró lo que funcionó, y lo mezcló con un talento para el espectáculo artístico preciso.
Hooker grabó esporádicamente a lo largo de su carrera, pero sobre todo en los dos últimos años de su vida (exponiendo casi 30 años en la carretera). 

1929-1946: CHICAGO - INFLUENCIAS
Earl Zebedee Hooker  nació el 15 de Enero de 1929 en Quitman County, Mississippi. 
De una creatividad apabullante supo conjugar perfectamente las raíces del blues del Delta con el blues urbano y la maestría a la slide transmitida por su mentor Robert Nighthawk, con las innovaciones que poco a poco fue adoptando a mediados de los años 60, como el uso del pedal wah-wah, algo no muy habitual en el blues, la utilización de guitarras de doble mástil y la incorporación del órgano al blues, herencia del maestro de los años 50, Jimmy Smith. No es casualidad que músicos tan dispares expresaran lo siguiente sobre Earl Hooker.
Jimi Hendrix lo calificó como “el maestro del pedal wah-wah”, Buddy Guy dormía con un slide de Hooker debajo de la almohada para ver si se le pegaba algo , B.B. King afirmó en repetidas ocasiones que fue uno de los mejores guitarristas que había escuchado y Junior Wells, un amigo de su infancia, dijo “no sabía leer, no sabía escribir, pero su música lo decía todo”.
Eddie Boyd, B.B. King, Miss Hi-Fi, Earl Hooker, Louis Myers, B.B’s Drummer – Robert’s Show Lounge in Chicago, Illinois – 1958 (http://bobcorritore.com/)

Con las secuelas de la crisis desatada por el crack bursátil de 1929 que conllevaría a una caída espectacular en los precios del algodón, los padres de Earl decidieron emigrar a Chicago al año siguiente. El hogar que encontraron para vivir fue en la zona del West Side, en un entorno paupérrimo no muy alejado de Maxwell Street y con una tasa de delincuencia muy elevada. El barrio era conocido como “Bloody Maxwell”, por lo que a instancias de su madre se mudaron al South Side. Cuando Earl tenía 10 años, su padre harto de ver que Chicago no era la tierra prometida que había esperado encontrar se marchó a Kansas City dejando abandonada a su familia. Fue aproximadamente en esas fechas cuando Earl decidió aprender a tocar la guitarra. En principio continuaba yendo a la escuela pero entre la falta de entusiasmo de los profesores, que eran blancos y abominaban trabajar en escuelas con una mayoría de estudiantes negros, y que estos establecimientos estaban saturados de alumnos, su interés por la música se incrementó en la misma medida que decrecía su interés por asistir a la escuela. Se sabe que Earl Hooker solo aprendió a leer y escribir de un modo muy elemental. Compañeros de colegio con los que compartía sus mismas ganas por la música fueron Ellas McDaniels, su gran amigo Vincent Duling y probablemente Sam Cooke. Acabaría dejando de asistir a clase, sin que en un primer momento su madre se enterara, y se dedicó a tocar por las calles con Vincent. Callejeando, haciendo música y bebiendo vino barato conocieron a Louis Myers quien se convirtió en otro de sus buenos amigos. Todos hablaban maravillas de la técnica de Vincent pero curiosamente nunca alcanzó el reconocimiento de los demás.
Su familia estaba llena de historias musicales (John Lee Hooker era su primo), y Earl escuchaba la música que se reproducía en su casa a una edad muy temprana.Cerca de los diez años, empezó a tocar la guitarra. El fue un autodidacta y recogió todas las experiencias de las personas que lo rodeaban. Aunque Hooker fue ganando habilidad en la guitarra, no fue igual en su interés en el canto. Él tenía un impedimento en el habla, un tartamudeo pronunciado, que lo acompañó toda su vida. Contrajo tuberculosis cuando él era joven. Aunque su condición no llegó a ser crítica hasta mediados de la década de 1950, requería un control periódico que lo obligaba a concurrir a los hospitales asiduamente.


En este período, el blues recibía en Chicago las influencias de estilos country, swing y jump que ofrecían infinidad de variantes al uso de la guitarra eléctrica.
Durante 1942 T-Bone Walker estuvo actuando en el Rhumboogie Club (club que se sostenía gracias al apoyo económico del boxeador Joe Louis). A Earl le encantaba T-Bone y fue una de sus primeras influencias. Nunca dejó de recordar su deuda con él cuando tocaba la guitarra con los dientes o por detrás del cuello aunque jamás intentó emular el estilo de voz de Walker pero por un motivo muy particular y que explica por qué casi nunca cantó: la tartamudez que era un defecto de familia y que su primo John Lee Hooker logró superar.
Otra de las influencias que absorbió Earl fue la música hilbilly, el country & western, ya que Chicago era desde los años 20 un centro importantísimo para este estilo, no solo por su actividad de grabación sino por los programas de radio, pues hasta que no se llegó a finales de la década de los 40, los medios eran propiedad de los blancos y los intereses de la audiencia blanca prevalecían. Por Chicago llegó a circular una anécdota que decía que Gene Autrey fue uno de los primeros fans de Earl Hooker. Otro maestro ocasional que tuvo fue Muddy Waters. Earl contaba con unos 15 o 16 años y Muddy iba a su casa a pedir permiso a su madre para llevarle a los clubs a tocar con él a cambio de cuidarle. Quien solía llevárselo de gira por Tennessee era John Lee Williamson, Sonny Boy I, pues eran casi vecinos.

No fue en los clubs, sino en las calles del Southside a principio de los años 40, donde Earl Hooker conoció a su mentor y principal fuente de influencia: Robert Nighthawk, uno de los primeros músicos en pasarse a la guitarra eléctrica en Chicago, siguiendo el camino que habían emprendido anteriormente T-Bone Walker, Memphis Minnie, Big Bill Broonzy o Tampa Red. Nighthawk le cogió simpatía al muchacho y le enseñó como tocar en Mi, Re o Sol abierto. Incluso Hooker adoptó algo del carácter de su mentor, la despreocupación y la inquietud.

Desde muy temprana edad, Earl fue un trotamundos. Con 13 años se escapó por primera vez de casa, y siempre encaminaba sus pasos al sur, principalmente al Delta, donde tenía parientes y en caso de necesidad le podían prestar ayuda. Lo único que le obligaba a regresar a casa era la enfermedad que arrastraba desde niño, la tuberculosis, contraída probablemente en esos insalubres apartamentos donde transcurrieron los primeros años de la familia Hooker en Chicago.

Entre estancias en el hospital y sus viajes al Delta el resto del tiempo lo pasaba tocando por las calles e intentando que le contrataran en algún club. En esos tiempos fue cuando conoció a un jovencito llamado Amos Wells Blackmore que acababa de llegar con su madre desde Memphis. Traía consigo una armónica barata y como ya su voz era buena decidieron unir sus fuerzas comenzando de esa manera una amistad que duró toda su vida. Junior Wells siempre recordaba la ambición, el fuerte carisma, la confianza en sí mismo y la determinación de su amigo. Earl quería ser uno de los grandes y ganar mucho dinero. Cuando a veces la policía se acercaba a preguntarles que hacían en la calle (Junior Wells tenía 10 años), Hooker les respondía tartamudeando: “Vamos camino de la escuela”. Su talento natural, a pesar de su juventud, le permitía participar en ocasiones con Sunnyland Slim, J.T. Brown o Big Bill Broonzy.

1946- 1952. EL SUR PROFUNDO
Con el final de la II Guerra Mundial las cosas cambiaron en Chicago con una mayor afluencia de población negra desde el sur, consecuencia de la mecanización en el cultivo del algodón y el regreso de los blancos al hogar desde los campos de batalla. En cuanto a los músicos, se añadía el problema de que las pequeñas compañías no habían emergido aún y continuaba el monopolio ejercido por Columbia / RCA-Victor de Lester Melrose. En 1946 Earl Hooker regresó al Delta. Dos años más tarde, cuando estaba ya construyéndose una reputación por el sur, le llegaron las noticias de que su amigo John Lee Williamson había fallecido asesinado una noche del mes de Junio.

Alrededor de 1946, Earl Hooker viajó a Helena, Arkansas, donde actuó junto a Robert Nighthawk. También hizo presentaciones  con Sonny Boy Williamson II, incluyendo algunas de sus canciones en el programa de radio de la emisora KFFA llamado King Biscuit Time. Hooker luego recorrió el Sur como miembro de la banda de Nighthawk durante dos años. Esta fue su introducción a la vida de músico de blues itinerante. En 1949, Hooker intentó establecerse en la escena musical de Memphis, Tennessee, pero no tardó en volver a la carretera al frente de su propia banda. A principios de la década de 1950 regresó a Chicago y tocaba regularmente en los clubes locales. Esto creó un patrón que se repitió durante la mayor parte de su vida:. Extensa gira con varios músicos intercalados estableciéndose en distintas ciudades antes de regresar a la escena del club de Chicago. Durante este tiempo, formó una banda con el baterista y vocalista, Kansas City Red. 
A principios de los años 50 trabajó con la banda de Ike Turner, Kings Of Rhythm Band grabando algunas canciones para Sun Records.

1952-1959: LOS AÑOS EN CHIEF RECORDS
Entre 1952 y 1959 Earl Hooker comenzó a grabar en distintas compañías discográficas independientes. Sus primeros singles datan de 1953: "Race Track" y "Blue Guitar Blues" para King Records.  Otras canciones fueron grabadas con distintos artistas de blues y       
R & B entre ellos Johnny O'Neal, Sam Davis, Boyd Gilmore, Pinetop Perkins, The Dells, Arbee Stidha y Harold Tidwell con etiquetas como  Rockin ', Argo, Veejay y CJ (varias de estas grabaciones, incluyendo mucho material original, no eran publicadas en el momento). 

Entre estos primeros singles encontramos también interpretaciones vocales registradas por Hooker entre ellos el blues clásico "Black Angel Blues". Aunque su voz era más que adecuada, carecían de la potencia asociada  con los cantantes de blues.  "Sweet Angel" de Hooker (1953 Rockin ' Records) se basó en la canción de 1949 "Black Angel Blues" de Robert Nighthawk  (BB King más tarde tuvo un éxito en 1956 con su interpretación," Sweet Little Angel " también asociado a estas dos composiciones.) Uno de los singles más exitosos  durante este período fue "Frog Hop", grabado en 1956 (Argo Records ). La canción, un tema instrumental optimista, mostró la influencia ejercida por T-Bone Walker en la creación de su propio estilo.
Earl Hooker, Cleveland Chenier, Magic Sam, Carey Bell, John Jackson,
Robert St. Judy, Willy Leiser (in headlock). Front Row L to R: Juke Boy Bonner, Clifton Chenier, Mac Thompson, ‘Whistling’ Alex Moore.

A pesar de un ataque de tuberculosis importante en 1956 que requirió hospitalización, Earl Hooker volvió a actuar en clubes de Chicago y recorrer el sur. A finales de 1959, Junior Wells trajo Hooker al grupo de sellos Chief/Profile/Age, donde comenzó uno de los períodos más fructíferos de su carrera discográfica. Su primera grabación juntos, "Little By Little" (Profile Records), fue un éxito al año siguiente cuando  alcanzó el número 23 en el Billboard Hot R & B Sides.  Con este éxito y su relación con el propietario y productor de Chief Records,  Mel London, Hooker se convirtió en guitarrista estable de la discográfica.


De 1959 a 1962, participó en cerca de cuarenta grabaciones para Chief, incluyendo singles para Wells, Lillian Offitt ("Will My Man Be Home Tonight", "Shine On") , Magic Sam, A.C. Reed ("This Little Voice"), Ricky Allen, Reggie "Guitar" Boyd, Johnny "Big Moose" Walker, y Jackie Brenston. Él apareció en casi todas las publicaciones de Wells, incluyendo "Come on in This House", "Messin' with the Kid", y "It Hurts Me Too" que permaneció en el repertorio de Wells a lo largo de su carrera. Hooker trabajó regularmente con Wells para el resto de 1960 y la mayor parte de 1961.

Para Chief, Hooker produjo varios instrumentales, incluyendo  "Calling All Blues" (1960 Chief 7020) que contó con la guitarra slide de Hooker y "Blues in D Natural" (1960 Chief 7016), donde se cambia entre trastes y slide guitar. 
Sin embargo, fue la oportunidad de grabar antes de una sesión de grabación que capturó tal vez la canción más conocida de  Hooker aunque no tuvo el titulo con la que luego se publicó. Durante la previa que precedió a una sesión programada para mayo de 1961, Hooker y su banda tocaron un improvisado blues lento que contó con la guitarra slide de Hooker. La canción se reproduce una vez y Hooker no era consciente de que estaba siendo grabada. El productor Mel London guarda la cinta y en la búsqueda de materiales para liberar la primavera siguiente, publicó el trabajo como "Blue Guitar" (Age Records). "La canción vendió excepcionalmente bien para ser un blues instrumental".
Earl Hooker & Junior Wells

1961-1970: EL TRABAJO DE UN GENIO
Conociendo el potencial comercial de "Blue Guitar" de Hooker, Leonard Chess (de Chess Records) comunicó a Mel London un pedido para que Hooker participara de un trabajo de Muddy Waters. Se llegó a un acuerdo y en julio de 1962, Waters junto con Earl Hooker publican "You Shook Me", con letra de Willie Dixon. La canción fue un éxito y Chess contrató a Hooker para grabar varios trabajos con Muddy Waters. Una de las canciones, también con letra suministrada por Dixon, titulada "You Need Love" fue también bien recibida por el público. Más tarde, bandas de rock como Led Zeppelin podrían lograr un mayor éxito con sus adaptaciones de las grabaciones de Earl Hooker y Muddy Waters "You Shook Me" y "You Need Love".
Durante su tiempo Chief Records, Hooker también registró trabajos solistas y acompañando a Bobby Saxton y Betty Everett.
Para 1964  terminó su asociación con Chief/Profile/Age Records que según muchos críticos representan el mejor trabajo de Hooker.

Hooker continuó de gira y comenzó a grabar para Cuca Records, Jim-Ko, CJ, Duplex, y Globe. Varias canciones grabadas por Cuca entre 1964 y 1967 fueron puestos en libertad en su primer álbum "The Genius of Earl Hooker" publicado en 1967. El álbum se compone de temas instrumentales, incluyendo "The End of the Blues" y algunas canciones que incorporan las últimas tendencias de la música popular inclusive el funk. 
Hooker experimentó un gran ataque de tuberculosis a finales del verano de 1967, y fue hospitalizado durante casi un año.

Cuando Hooker fue dado de alta en 1968, reunió a una nueva banda y comenzó a actuar en los clubes de Chicago y de gira por distintas ciudades de EEUU, en contra del consejo de su doctor. La banda, con el pianista Pinetop Perkins, el armonicista Carey Bell, el bajista Geno Skaggs, el vocalista Andrew Odom, y guitarrista Freddie Roulette, fue "ampliamente aclamada " y considerada [como] una de las mejores que Earl había llevado consigo alguna sobre los escenarios. Sobre la base de una recomendación de Buddy Guy, Arhoolie Records grabó un álbum de Hooker y su nueva banda. "Two Bugs And A Roach" fue publicado en la primavera de 1969 e incluyó una mezcla de temas instrumentales y vocales en el estilo de Odom, Bell y Hooker. Para uno de sus temas vocales, Hooker eligió "Anna Lee", una canción basada en la creación de Robert Nighthawk de 1949,  "Annie Lee Blues". Como había hecho antes con "Sweet Angel", Hooker no sólo reconoció la influencia de su mentor, sino que se extendió más allá de la versión de Nighthawk para crear su propia interpretación. "Two Bugs And A Roach  fue muy bien recibido por la crítica y el público y se coloca hoy como parte del mejor legado musical de Hooker musical.

El año 1969 fue un año importante en la carrera de Earl Hooker. De nuevo se asoció con Junior Wells y trabajó bastante en distintas presentaciones en clubes y locales universitarios que fueron beneficiosos en el aspecto económico para Earl. En mayo de 1969, y después de armar una nueva banda (Jeff Karp [actually Jeff Carp] en armónica y voz, Boots Hamilton en teclados; Paul Asbell, en guitarra; Gino Skaggs, en bajo; Roosevelt Shaw, en batería), Hooker graba un trabajo que fue puesto en libertad más tarde por Blues On Blues Records como "Funk. Last of the Late Great Earl Hooker". 

También en mayo, después de ser recomendado por Ike Turner (con quien había realizado una gira en 1952), se fue a Los Ángeles para grabar el álbum "Sweet Black Angel"  para Blue Thumb Records con arreglos y piano de Turner.  El álbum incluyó interpretaciones de Hooker de varios clásicos de blues, como "Sweet Home Chicago" (con Hooker en voz), "Cross Cut Saw", y "Catfish blues". Mientras estaba en Los Angeles, Hooker visitó los clubes y locales de blues y se sentó con Albert Collins en el Ash Grove en varias ocasiones y también con Jimi Hendrix. 

Después de la sesión de grabación con Blue Thumb, Earl Hooker y su banda fueron acompañantes de su primo John Lee Hooker en una serie de fechas de presentaciones en California; después, John Lee utilizó las grabaciones  para su trabajo en  Bluesway Records. El álbum resultante, "John Lee Hooker whit Earl Hooker - If You Miss 'Im ... I Got 'Im",  fue la introducción de Earl Hooker a la etiqueta Bluesway, una subsidiaria de ABC y el hogar de BB King. 
Esta participación llevó a Earl  a grabar para Bluesway junto a distintos artistas entre ellos: Andrew Odom, Johnny "Big Moose" Walker, Charles Brown, Jimmy Witherspoon, Brownie McGhee y Sonny Terry. 

Estando en la Bahía de San Francisco en julio de 1969, tocó en  clubes y locales universitarios, así como locales de rock, como The Matrix y el Fillmore West. En Berkeley, él y su banda, The Earl Hooker & Chicago Blues Band, actuó en Mandrake's, un club local, durante dos semanas, y grabó un segundo álbum para Arhoolie Records, llamado "Hooker & Steve", junto con Louis Myers en la armónica, Steve Miller en teclados, Geno Skaggs en ​​el bajo, y Bobby Robinson en la batería. Hooker comparte las voces con Miller y Skaggs. El álbum fue publicado en 1975.  

De regreso a Chicago, Hooker estuvo muy atareado preparando su próximo y primer tour por Europa con el American Folk Blues Festival cuya responsabilidad estaba ese año a cargo de Strachwitz y los habituales promotores alemanes Horst Lippmann y Fritz Rau. Rumbo a Londres, Hooker facturó en el aeropuerto su nueva guitarra Univox adquirida en su último viaje a California, decorada con flores autoadhesivas y su nombre en grande, así como su corpulenta guitarra Gibson de dos mástiles.

El concierto inaugural se celebró en el Royal Albert Hall el 3 de octubre, actuación que al año siguiente saldría en LP editado tanto por CBS como por L+R. Cuatro fueron las canciones que se editaron a nombre de Earl Hooker en las que estaba acompañado de Carey Bell, Mack Thompson al bajo y Robert St. Julien a la batería. En una entrevista que le hicieron para Soul Bag le preguntaron sobre sus músicos favoritos, citando a los guitarristas Paul “Guitar Red” Johnson, Matt Murphy, Albert King, B. B. King, Wayne Bennett y un teclista llamado Ironing Board Sam cuyo gusto por los instrumentos extraños y los sonidos fuera de lo corriente cautivaban a Hooker. Las condiciones de trabajo que los organizadores imponían a los músicos eran agotadoras, 20 conciertos en 23 días en 9 países y la salud de Hooker se iba deteriorando y a pesar de ello su carácter jovial no se resentía siendo siempre el más divertido en los largos trayectos en autocar, carácter que no gustaba al irritable Clifton Chenier. Hooker se reía de él imitando su acento louisianés y provocando la ira del susceptible acordeonista. Su venganza llegó cuando llegaron a los países de habla francesa. En un restaurante en París Chenier hizo de intérprete al encargar la comida a cada uno de los músicos, incluído Hooker, el cual no salió de su asombro al ver que en lugar del bistec muy hecho que había encargado le habían servido pescado crudo. No volvió a meterse con Chenier.

A su regreso a Chicago Hooker estaba completamente orgulloso del éxito cosechado y no dejaba de recordárselo a todos los allegados con los que conversaba asegurándoles que esperaba con impaciencia el siguiente viaje. A pesar de la abundancia de proyectos que tenía en mente la enfermedad le iba debilitando y aunque hizo algunas apariciones por los clubs durante el mes de noviembre y principios de diciembre, cada vez pasaba más tiempo en casa de su madre. Incluso recibió la propuesta de Dick Waterman, el agente de Junior Wells, para poner en práctica la idea de organizar un “Festival de la Slide” en la intervendrían estilistas del Mississippi como Johnny Shines, Fred McDowell y Son House, además del propio Hooker y J. B. Hutto. No se sabe si dio su consentimiento porque no vivió lo suficiente.

El invierno de 1969-1970 fue extraordinariamente riguroso en Chicago y en diciembre tuvo que ser hospitalizado por una neumonía, permaneciendo ingresado durante 3 meses. Abandonó el hospital en marzo pero era plenamente consciente de que su vida había llegado a un punto en el que no había marcha atrás, ya no tenía ganas de seguir luchando contra una enfermedad que le iba consumiendo, aunque Hooker siempre demostró coraje y dignidad hasta el fin de sus días. Como lo cuenta Sebastian Danchin, premonitorias y espeluznantemente pesimistas fueron las últimas estrofas de “Anna Lee” cuando las cantó con un tono completamente sombrío y desgarrador en uno de los dos conciertos que dio en Gothemburgo con el American Folk Blues Festival:

Anna Lee, this is my last time to cry, Anna Lee

Anna Lee, this is my last good bye, Anna Lee

Well, now you say you gonna be mine, just hang around and see

El lunes 6 de abril ingresó en la unidad de cuidados intensivos del hospital municipal de tuberculosos de Chicago, algo que no le gustó pues hubiera preferido ser internado en el hospital estatal donde ya era conocido. Dos semanas después de su ingreso fallecería a las siete y media de la mañana del martes 21 de abril de 1970. El mundo del blues fue golpeado nuevamente tres días más tarde con la defunción de Otis Spann. Ambos tenían la misma edad. El funeral por Hooker se celebró el 25 de abril y la iglesia era muy pequeña para albergar la gran multitud de amigos que se habían congregado, incluída su mujer Bertha y otras tantas mujeres que aseguraban ser sus viudas lo que provocó una gran conmoción.

Probablemente, el tributo más emotivo rendido por un músico fue obra de Memphis Slim. Residía en París y estaba trabajando en un ambicioso proyecto llamado “Blue Memphis Suite”. Cuando entró en el estudio en el mes de junio decidió dedicar un blues lento a Otis Spann y Earl Hooker.

“So good bye Earl Hooker and Otis too

You will now get all the credit that you were always due

But I know everybody must pay their debt

So sad how quick your friends forget”

El cementerio donde fue enterrado se halla situado en Worth, un suburbio al sudoeste de Chicago. La lápida, muy sencilla y de tamaño mediano, recuerda al mundo la existencia de un maestro de la guitarra de blues, Earl Zebedee Hooker.

La vida de Earl Hooker fue retratada fielmente por el estudioso Sebastian Danchin, en un libro publicado por la Universidad de Mississippi en 2001 llamado "Earl Hooker: Blues Master". Confiando en decenas de entrevistas en profundidad y la investigación exhaustiva de fuentes secundarias, que retratan los inicios del guitarrista en la escena del blues de Chicago, rastrea minuciosamente sus paseos a través de los clubes y juke joints del sur profundo, Florida, Missouri, Arkansas, California,y su retorno a la Ciudad de los Vientos.
“La vida de Earl Hooker, como la de muchas figuras míticas, está llena de inconsistencias históricas que simultáneamente contaminan la historia y ayudan a fraguar auténticas leyendas. En el caso de Hooker los problemas comienzan muy pronto con la verdadera fecha y localización de su nacimiento.” De esta manera comienza la más detallada, completa y única biografía que se ha escrito sobre la figura de Earl Hooker, realizada por el francés Sebastian Danchin (Earl Hooker Blues Master – University Press of Mississippi 2001).