SOLO QUIERO QUE ME RECUERDEN CON MI MUSICA

"La luna esta saliendo, no hay tiempo que perder
Es hora de empezar a beber.
Dile a la banda que toque un blues y yo pago los tragos".
Tom Waits

lunes, 15 de junio de 2015

0105.CLARENCE 'PINE TOP' SMITH - PINETOP'S BOOGIE WOOGIE

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Clarence 'Pinetop' Smith grabó su influyente "Boogie Woogie del Pine Top" en 1928, uno de los primeros "boogie woogie" que dieron origen a este estilo musical derivado del blues. 
El boogie-woogie es un estilo de blues basado en el piano, generalmente de ejecución rápida y bailable. Se caracteriza por la ejecución con la mano izquierda de determinadas notas. Esta notas que construye la mano izquierda están escritas en corcheas, en compases de 4/4, constituyendo así el denominado eight-to-the-bar. Usualmente se empleaban dos tipos de figuras: la denominada "octava galopante" (inspiradora de los "bajos galopantes" o walking bass que caracterizarán después el rock and roll), así como los acordes rápidos conocidos como rocks.

0104. MAMIE SMITH - CRAZY BLUES



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Mamie Smith 

(1883-1946) fue la primera artista femenina afroamericana en registrar una vocalización de blues en 1920 con "Crazy Blues" . La canción fue escrita por Perry Bradford y fue grabado el 10 de agosto de 1920 por Mamie Smith & Her Jazz Hound) .

Mamie Smith fue la primera artista femenina afroamericana en producir un disco fonográfico, allanando el camino para que todos los clásicos del blues interpretados por mujeres de la década de 1920 tuvieran cierta difusión entre las discográficas. Aunque una de las grabaciones que más extendieron su fama fue la canción llamada " Crazy Blues " Smith estaba más asociada  con canciones populares de la época que con el blues. Su imponente manera de cantar y su forma de presentarse en los escenarios   influyeron en el desarrollo de blues en los  conciertos urbanos.

Sin relación con Bessie Smith o Trixie Smith, Mamie Smith nació Mamie Robinson en Cincinnati , Ohio , el 26 de mayo de 1883. Muchos tramos de su vida no están bien documentados, pero su desarrollo musical parece haber ocurrido en un ambiente un tanto diferente a los que tuvieron  Bessie Smith y Gertrude " Ma " Rainey.  Mamie Smith aprendió su oficio no en los espectáculos itinerantes a los que los confinaban la segregación del Sur, sino en los teatros y salones de baile del vodevil del norte.
Smith se fue de su casa a los diez años y se unió a la compañía de un grupo de danza blanco, The  Four Dancing Mitchells.

 Smith se dirigió a Nueva York y adquirió su apellido profesional cuando se casó con el cantante Guillermo " Smitty " Smith en 1912 - se casaría dos veces más en su vida. Ese año, también participa como  bailarina en la compañía Tutt-Whitney Smart Set mientras desarrollaba su habilidad como cantante en los clubes de Harlem .
La cantante Victoria Spivey,  describió Smith en el escenario, y en su descripción podemos intuir las características personales de la Emperatriz del Blues, Bessie Smith. " Wow! " Spivey recordó . " La señorita Smith salió en ese escenario y no se podía respirar por un minuto. Con esos grandes ojos chispeantes y  con esa sonrisa encantadora que muestra los dientes blancos nacarados logró cautivar al todo el público presente"

 Mamie Robinson nació el 26 de mayo de 1883, en Cincinnati, Ohio; y murió el 30 de octubre 1946 (algunas fuentes dan como fecha de 16 de agosto); casada con William " Smitty " Smith, cantante, en 1912


Smith comenzó a trabajar con Perry Bradford, un talentoso compositor, director de orquesta y director, que era un amigo del " Padre del Blues, " WC Handy. Después del final de la Primera Guerra Mundial, Bradford intentó que algunas discográficas se interesaran por esta blueswoman afroamericana . Columbia se negó rotundamente a grabar una cantante negra, y su competidor, Víctor, el antepasado de RCA Label moderna, se negó a una prueba para que Mamie Smith pudiera interpretar la canción escrita-Bradford llamada " That Thing Called Love. " .
Mamie Smith fue presentada  a los estudios de  OKeh Label  el 14 de febrero de 1920, para grabar el tema en cuestión y una nueva era se inició en la industria discográfica. Ese disco 78 rpm (con su otro lado con  " You Can 't Keep a Good Man Down " ) se vendió bien, y seis meses más tarde Smith fue llamada nuevamente al estudio para registrar  "Crazy Blues".
Originalmente titulado " Harlem blues," "Crazy Blues" se dice que ha vendido 75.000 copias en su primer mes de lanzamiento; que llegó a vender cientos de miles de copias. Curiosamente, esta canción  que hizo tanto para definir el blues como género musical americano más se parecía a lo que llamaríamos hoy el jazz; Smith estuvo acompañada por una pequeña banda con varios instrumentos de viento. Sin embargo, "Crazy Blues " abrió las puertas para grabaciones de otros cantantes de blues, principalmente mujeres, que traían el blues downhome del Sur a las  grandes ciudades.

Smith y su banda, The Jazz Hounds hicieron 23 registros más para OKeh a principios de 1920. Algunas de sus grabaciones muestran instrumentistas que más tarde llegarían  a la fama en Nueva York,  especialmente el cornetista y trompetista " Bubber " Miley. En 1936 tuvo la oportunidad de realizar algunas presentaciones en Europa.  
Mamie Smith también fue parte de algunas películas como Estos incluyen Paradise in  Harlem (1939), Mystery in Swing (1940), Murder on Lenox Avenue(1941), Sunday Sinners (1941), y Because I Love You (1943). Mamie Smith murió en 1946 (la fecha que se da indistintamente como 16 de agosto y 30 de octubre) y sus contribuciones musicales fueron en principio,  poco recordadas. Pero a medida que su condición de pionera en la creación y promoción del blues creció, un grupo de músicos trabajó en 1964 para recaudar fondos para su sepultura en una tumba más adecuada que la  que originalmente había sido enterrada. Un grupo de aficionados alemanes, que habían conocido el talento de esta mujer incansable  durante su gira por Europa en 1936, envió una lápida en barco para la instalación durante su segunda ceremonia fúnebre.

Mamie Smith sigue siendo un hito de la historia musical del blues y del jazz. Una discográfica austríaca ha  reeditado sus grabaciones completas en la década de 1980.  Hay varias recopilaciones en las que se incluyen canciones interpretadas por Mamie Smth. 

CRAZY BLUES
Dicen que los mejores escritos brotan siempre a través de las grietas de un rasgado corazón. Es posible que mas de una de las canciones que cambiaron la historia de la música, la manera de verla, de entenderla, de cantarla fueran fruto de un corazón roto, de un alma en pedazos o de unos ojos siempre empañados por lágrimas. Es posible que Crazy Blues naciera así, o simplemente que solo fuera una antigua canción escrita por Perry Bradford en un momento de brillantez.  Crazy Blues que fue grabada el 10 de agosto de 1920, por la cantante estadounidense Mamie Smith con sus Jazz Hounds y editado ese mismo año para gramófono con el numero 4169 por Okeh Records, y se convirtió en leyenda, y se convirtió en historia. El famoso pianista Willie "The Lion" Smith aparece en las fotos asociadas a la sesión de grabación, sin embargo Perry Bradford afirma haber tocado el piano en la grabación, ¿quien sabe? fue hace casi un siglo. Lo que si se sabe es que en el plazo de un mes de su lanzamiento ya había vendido 75.000 copias. A pesar de que había muchas grabaciones de canciones con el blues en el título de la década anterior, Crazy Blues se considera como el primer tema blues jamás publicado.
El lanzamiento de Crazy Blues marcó en la historia una primera vez que una cantante negra se atrevía públicamente con el blues. Fue un gran éxito, vendiendo más de un millón de copias demostrando así que había un mercado para los y las cantantes negros. Ya pasados años y años en 1994 la canción se introdujo en el Grammy Hall of Fame en 1994 y en el episodio 10 de la primera temporada de la serie Boardwalk Empire aparecía la versión de Mamie Smith. En 2012 la cantante de jazz China Moses grabó su versión de la canción e igual nombró el álbum.

0103. PHINEAS NEWBORN JR. - MEMPHIS BLUES

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Phineas Newborn, Jr. (14 de diciembre de 1931, Whiteville, Tennessee – 26 de mayo de 1989, Memphis, Tennessee) fue un pianista estadounidense de jazz. El crítico de jazz Leonard Feather le consideró uno de los tres pianistas de jazz más importantes de todos los tiempos, junto a Bud Powell y Art Tatum.

Provenía de una familia musical. Su padre, Phineas Newborn, Sr., era  músico de blues y su hermano menor, Calvin, un guitarrista de jazz. Phineas estudió piano, trompeta y saxo barítono.
En sus primeros tiempos participaba de una banda de R&B de su familia. Su padre en batería, su hermano en guitarra y Tuff Green en bajo.  El grupo trabajó como banda de BB King en sus primeras grabaciones en 1949 y también las sesiones de Sun Records en 1950. 
Dejarían  West Memphis en 1951 para una gira con Jackie Brenston como The  Delta Cats" Sus primeras grabaciones, datan de la década de 1950 y son las de Sun Records con el armonicista de blues de Big Walter Horton, We Three (un trío liderado por el baterista Roy Haynes, junto con el bajista Paul Chambers), y su debut como solista en la RCA Victor, con Phineas 'Rainbow .

En 1950, Phineas se matriculó en la Universidad Estatal Industrial de  Tennessee en Nashville. Allí trabajó incansablemente en su repertorio clásico desarrollando  una afinidad particular por Franz Liszt.
Se trasladó de nuevo a Memphis y continuó estudiando música en Lemoyne College. En 1952,  pasó algún tiempo tocando con la orquesta de Lionel Hampton, y aprendió a tocar el vibráfono. Al año siguiente fue reclutado por el ejército y en  1955, se reincorporó al grupo de su padre realizando algunas presentaciones con el saxofonista Willis "Gator" Jackson.

Fue en 1952 en Memphis que William "Count" Basie oyó tocar a Newborn Jr. , y lo presentó al  legendario productor de  Columbia Records, John Hammond. Hammond había promocionado  las carreras de Basie, el clarinetista Benny Goodman, el guitarrista Charlie Christian y muchos otros.

Con el apoyo de Hammond, Newborn Jr. para ser representado por la agencia Willard Alexander.


En 1958, Newborn Jr.  grababa Charles Mingus y Roy Haynes.  Su grabación con Mingus de "Nostalgia in Time Square" fue incluida en la película de John Cassavetes "Shadows". Inicia  una gira por Europa en una producción titulada Jazz From Carnegie Hall. Además de los miembros del trío que lideraba,  Jr., Pettiford y Clarke, la producción también incluyó  a saxofonistas Lee Konitz y Zoot Sims, a trombonistas JJ Johnson y Kai Winding, y a Red Garland.
Posteriormente se mudó a Los Ángeles y alrededor de 1960, grabó una serie de discos para Contemporany Label, "A World of Piano"  con Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones. También grabó un álbum en conjunto con el trompetista Howard McGhee y el saxofonista tenor Teddy Edwards. 
Después de un período de hospitalización en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo State , volvió a grabar en 1969 con el bajista Ray Brown.


Volvió a Memphis en 1971 lo que aceleró sus problemas emocionales y como resultado de un robo, le quebraron varios de sus dedos. Aunque continuó su carrera la magnitud de su producción nunca se recuperó.
En 1978 realizó algunas giras en  Nueva York, y volvió a tocar en  Village Gate,lo que le valió algunas críticas favorables en The New York Times. En 1978 participó del  Festival Internacional de Jazz de Montreux en Suiza, en espectáculos con  Jay McShann, Hank Jones y John Lewis, y un concierto de  tres piano con Herbie Hancock y Chick Corea.

En 1982,  se unió a Ray Brown y el baterista Dannie Richmond para una presentación en  Sweet Basil de Nueva York. El concierto encontró al pianista en un ambiente cómodo donde se destacaron las ejecución de piezas conocidas de su repertorio, incluyendo "A Night In Tunisia", "Lush Life" y "I'm Confessing".

En 1989 Phineas Newborn Jr. murió en su ciudad natal de Memphis de cáncer de pulmón.Le sobreviven su madre Rose, dos hijas, Shelly y Pamela; un hijo, Phineas III y dos nietos. En el momento de su muerte, según los informes, había estado trabajando en una serie de sonatas del compositor ruso Alexander Scriabin.
Newborn Jr. fue enterrado en el Cementerio Nacional de Memphis.

A pesar de sus reveses y los problemas por los que pasó Phineas Newborn Jr. , muchos de sus registros, como "The Great Jazz Piano of Phineas Newborn Jr." y Phineas 'Rainbow están muy bien considerados dentro de la música y ponen en evidencia la destreza técnica del pianista.  Leonard Feather dijo una vez de él "En su mejor momento, fue uno de los tres más grandes pianistas de jazz de todos los tiempos."

0102. W.C. HANDY - MEMPHIS BLUES

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WC Handy,  conocido como "The Father of Blues" fue el artífice de este tema clásico del blues de Memphis."The Memphis Blues" o simplemente "Memphis Blues" fue escrita en 1909 como una canción de campaña para la candidatura a alcalde de Edward H. Crump, quien se desempeñó como alcalde de Memphis desde 1910 hasta 1916. La canción - que se subtitula "Sr. Crump" - no se publicó hasta 1912 (por Handy mismo), pero comenzó una tendencia que siguieron muchas bandas de la ciudad. Hay quienes sostienen que fue la primera grabación de un blues tradicional aunque es casi imposible corroborarlo.
"Memphis Blues" ha sido interpretado por numerosas orquestas de jazz y otros tantos músicos de blues. Podemos citar a Nat King Cole, Duke Ellington, Louis Armstrong, Booker T., Arthur "guitar boogie" Smith y Doc Watson entre otros.
Esta versión original fue grabada en 1914 con acompañamiento de una banda militar por RCA Víctor. 

0101. DOC WATSON - MEMPHIS BLUES

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Trouble in Mind tiene una interesante historia: Si bien  Doc Watson , ha sido más conocido por su dedicación al bluegrass y música popular tradicional, también ha demostrado su calidad en el country blues.
 Tal vez el malentendido proviene de la larga tradición de dividir el blues entre los músicos afrodescendientes y los blancos que se incorporaban a la ejecución de esta música propia de los esclavos del sur norteamericano. Watson ,incluye en este trabajo piezas como  "Country Blues" que grabó en los comienzos de  su carrera en 1964. También incorpora blues tradicionales como "Worried Blues", "Never No More Blues" (Elsie Williams & Jimmie Rodgers)  y " Memphis Blues. " de W.C. Handy. Utiliza una variedad de instrumentos para hacer estas piezas. En "Rain Crow Bill Rain" toca un increíble solo de armónica; 
en "White House Blues" toca el banjo. La mayoría de los arreglos son simples, a menudo acompañados por su hijo Merle Watson en una segunda guitarra o banjo. 
Otra razón por la que muchos bluesman nunca han identificado Watson como intérprete de blues tiene t que ver con su estilo de tocar la guitarra. Su método fingerpicking tiene más en común con el estilo Piedmont de John Hurt que el estilo más familiar Delta de Robert Johnson . 
El estilo Piedmont, parece o se identifica mucho con la música tradicional sureña. Trouble in Mind es convincente y tiene argumentos que demuestran la capacidad de Watson como ejecutor del blues tradicional. 

Por eso elegimos de este álbum  el tema "Memphis Blues", interpretado de manera admirable por Doc Watson.

100. ERIC CLAPTON - BEFORE YOU ACCUSE ME

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A mediados de los años sesenta, debido a su habilidad con la guitarra y muy a su pesar, comenzó a hacerse famosa la frase "Clapton is God" (Clapton es Dios). Aunque dicha afirmación nos pueda parecer exagerada lo que sí es justo reconocer es que a lo largo de los más de cuarenta años de carrera, la influencia de Eric Clapton en la evolución de la música rock y de la figura del guitarrista es enorme. Durante todos esos años llenos de altibajos, siempre estuvo al lado de la música que más pasión despertó en él desde niño: el blues.

Eric Patrick Clapton nació el 30 de marzo de 1945 en Ripley (Inglaterra), hijo ilegítimo de Patricia Clapton y un soldado canadiense destinado en su país, Edward Fryer. Creció en la casa de sus abuelos convencido de que eran sus padres. No sería hasta los doce años cuando su madre reapareciera y descubriera la verdad. Con el paso de los años se mostró cada vez más interesado por las artes y comenzó a entusiasmarse por la música después de escuchar a gente como Elvis Presley o Buddy Holly y sobretodo, a músicos de blues como Muddy Waters, Howlin´ Wolf o Big Bill Broonzy.



Con dieciséis años ya dedicaba la mayor parte del tiempo a practicar con la guitarra. Dejó los estudios para trabajar en la construcción y cuando logró ahorrar una buena cantidad de dinero, compró una nueva guitarra y comenzó a tocar en clubs de folk por las noches.


Aunque su primera banda fue The Roosters, el éxito de verdad llegó cuando entró a formar parte de los Yardbirds a finales de 1963. Poco tiempo después, en 1965, desilusionado por el camino que estaba tomando la banda alejándose del blues, entró a formar parte del grupo de John Mayall, The Blues Breakers. Con ellos grabó un álbum que lo catapultó a la fama y que aun hoy sigue siendo uno de los discos más importantes del blues británico. Fue en este trabajo donde cantó por primera vez un tema en solitario, "Rambling On My Mind" de Robert Johnson.


Un año después, deja el grupo de John Mayall y forma junto a Jack Bruce y Ginger Baker el primer gran grupo de la historia del rock: Cream. Durante 3 años y después de varios discos y multitudinarios conciertos, el grupo se separó debido a las enormes tensiones existentes entre sus miembros.


En 1969 inició un nuevo proyecto bajo el nombre de Blind Faith junto a Steve Winwood, que tuvo como único fruto un disco y una gira americana. A comienzos de la década tocó en la banda de Delaney And Bonnie y grabó, por fin, su primer disco en solitario titulado "Eric Clapton".



En 1970 forma otro nuevo grupo al que llamó Derek And The Dominos. Con ellos publicó el mejor disco de toda su carrera, "Layla (And Other Assorted Love Songs)" dedicado a la mujer de George Harrison con la que se casaría más tarde. A pesar de su calidad musical en su día no tuvo el éxito que se merecía y pasó casi desapercibido. En este año, tras la muerte de su padre y de su amigo Jimi Hendrix, Clapton comenzó una adición a la heroína que lo tuvo apartado de la escena musical durante dos años.


En enero de 1973, tras una exitosa terapia, superó los problemas con las drogas y animado por músicos como Pete Townsend, reapareció en un concierto celebrado en el Rainbow Theatre de Londres.


En 1974 retoma su carrera en solitario con la publicación de "461 Ocean Boulevard" que lo llevaría a lo más alto de las listas americanas. A partir de este momento la personalidad artística de Clapton comenzó a afianzarse y de esta manera arrancó una producción propia con mayor o menor fortuna con discos como "There´s One In Every Crowd", "EC Was Here", "No Reason To Cry" y sobretodo "Slowhand" que llegó a vender 3 millones de copias. Eran los tiempos en los que precisamente su apodo más conocido, "mano lenta", cobraría mayor fuerza. Su estilo mitad rock mitad blues, enganchó a millares de fans que agotaban las entradas de cualquier ciudad donde tocase.



Sus siguientes trabajos hasta comienzos de los años ochenta mantuvieron firme su status, pero a lo largo de esta década, debido en parte a sus nuevos problemas (ahora con el alcohol) y al fracaso de su matrimonio, fue cuando perdió la referencia que lo había guiado en los años anteriores y comenzó a ser olvidado por el gran público.

 Sin embargo, en 1989 gracias a la publicación de "Journeyman" (que recibió varios premios incluyendo su primer Grammy) y del recopilatorio "Crossroads" (que llegó a ser disco de platino) la figura de Clapton consiguió volver a la de los mejores tiempos.


Cuando todo parecía ir bien, de nuevo se cruzaría la tragedia en su camino en 1991, cuando su hijo de tan sólo cuatro años muere tras caer al vacío desde una ventana de un rascacielos de Nueva York. Un año después, grabó un concierto acústico para la cadena de televisión MTV que se publicó en agosto bajo el título "Unplugged" y que contiene éxitos como "Tears In Heaven", dedicado a su hijo recientemente fallecido. Este álbum ganó 6 premios Grammy y vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en su trabajo de mayor éxito comercial.



En septiembre de 1994 publica "From The Cradle", su primer disco completo de blues. Este trabajo fue otro éxito rotundo y le valió para ganar un nuevo Grammy y vender más de 3 millones de copias sólo en los Estados Unidos, convirtiéndose en el disco de blues más vendido de la historia. Sin duda uno de sus trabajos clave dentro de su discografía.



Después de la publicación de otros dos recopilatorios de su mejor etapa en los años setenta ("Crossroads 2" y "Blues") volvió de nuevo a sus raíces cuando, en el año 2000, consiguió cumplir uno de sus sueños: grabar junto a B.B. King. El disco llevó por título "Riding With The King".



Arropado más que nunca por el blues, en el 2004 publicó un nuevo disco bluesero esta vez homenajeando a uno de sus ídolos (Robert Johnson) "Me And Mr. Johnson", que tendría una secuela posterior en forma de cd y dvd titulado "Sessions For Robert J.".


La carrera de Eric Clapton aun sigue su curso. Una carrera en la que el sentimiento blues siempre estuvo y estará presente como parte de su personalidad. Como bien dijo en una entrevista, hace ya unos cuantos años: “Durante la mayor parte de mi juventud supe que iba a vivir acorralado y que la única forma de sobrevivir era la dignidad, la valentía y el orgullo. Eso fue lo que descubrí en la música, sobretodo en el blues, porque en el blues siempre habla un individuo que está solo. Es un hombre que se enfrenta al mundo nada más que con su guitarra. Es un hombre que está completamente solo. Es un hombre que no tiene otra alternativa que cantar y tocar para aliviar su dolor".



CURIOSIDADES:
Corría el año de 1966 y Cream, banda inglesa conformada por Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton, ya demostraba ser una de las mejores bandas de rock de la historia: Ginger Baker era considerado el mejor baterista de jazz del mundo, Jack Bruce el mejor bajista de blues del mundo y Eric Clapton simplemente era considerado un “Dios” al tocar la guitarra. En septiembre de ese año, pero al otro lado del mundo, en Nueva York, Estados Unidos, Chas Chandler, ex bajista de la banda británica The Animals, se había convertido en representante de diversos artistas. Una noche acudió a un club neoyorkino y descubrió a un tipo “medio gro y medio irlandés”, Jimi Hendrix, un joven que tocaba sólo en bares del Greenwich Village, una área residencial en el lado oeste de Manhattan en Nueva York, y quien a pesar de no ganar mucho dinero, ya había logrado la aprobación del público al obtener un gran número de seguidores.

Cuando el staff, los productores y gente allegada a Cream se percató de que la petición de subir a tocar con la banda era enserio, se preguntaron quién era el americano que quería subir a tocar con los que, hasta entonces, eran los dioses de la música. Bruce cuenta que lo invitaron al escenario para que interpretara “Killing Floor”, una de las canciones preferidas de Clapton por la dificultad que tenía; dicen que fue sencillamente impresionante: Hendrix tocaba como nadie había visto, maniobraba su instrumento en la espalda, con los dientes… y la gente se entregó ante aquel tipo, Hendrix la tocó.

Al ver su presentación, cuentan que Clapton simplemente dejó de tocar, bajó su guitarra y abandonó el escenario; rendido, permaneció alucinado con los brazos caídos al ver como Hendrix interpretaba uno de los temas que consideraba de los más complicados; incluso cuentan que lo vieron nervioso detrás del escenario, en trance por lo que acababa de ver. Chandler afirma que al salir tras el guitarrista para saber si necesitaba algo, lo vio sentado tratando de prender un cigarro con las manos temblorosas, entonces Clapton lo miró a los ojos y dijo: “¿Realmente es así de bueno?”. con excesiva facilidad. Hendrix simplemente estaba alegre por haber tocado en una jam session con tres de los mejores músicos de la historia; historia en la que Jimi empezaba oficialmente su carrera, la que terminó con su muerte, cuatro años mas tarde. Pero a pesar de lo fugaz que resultó su paso por las notas de la música, aquel día lo recordarían como en el que Hendrix mató a Dios, Eric Clapton.



DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- John Mayall´s Blues Breakers With Eric Clapton
- Layla (And Other Assorted Love Songs)
- 461 Ocean Boulevard
- Slowhand
- Just One Night
- Crossroads
- Unplugged
- From The Cradle
- Crossroads 2: Live In The Seventies
- Blues
- Riding With The King
- Sessions For Robert J.

0099. BILLY BOY ARNOLD - WORK SONG

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"Arnold es un proveedor potente, innovador y maestro certificado del blues de Chicago, sonido creado por Muddy Waters y Little Walter. Combinando sus voces soul con riffs de armónica y conmovedoras canciones, la maestría musical de Arnold autentica su lugar entre los más destacados armonicistas de blues de la historia ". 
- Blues Revue

Con la publicación de Back Where I Belong, Alligator Records, Arnold se restableció firmemente como uno de los profesionales más destacados en los clásicos del blues de Chicago. El sollozo de su armónica y su voz soul son un complemento perfecto para su composición callejera. La combinación del Delta Blues con cierta elegancia urbana,  no sólo define el sonido de Arnold, sino  también que es  una contribución significativa para los día de formación del rock and roll.  Sus primeros trabajos con Bo Diddley y sus singles altamente influyentes en la década de 1950 (incluyendo I Wish You Would and I Ain't Got You ), le trajo un poco de atención local, pero nunca recibió el reconocimiento que justamente merecía. 
Con Eldorado Cadillac (1995) Billy Boy Arnold expone al público su gratificante sonido del blues tradicional. El álbum comienza con una reinvención de los éxitos de  Vee Jay, I Ain't Got You.  

 Billy Boy Arnold nació en Chicago el 16 de septiembre de 1935. A diferencia de los muchos artistas de blues que emigraron a Chicago desde el Sur, Arnold se encuentra entre la primera generación de músicos de blues  nacidos y criados en la ciudad. Él se enamoró del blues a una edad temprana y fue impresionado por los primeros registros de Sonny Boy Williamson. En 1948,  Billy se enteró de que Williamson vivía cerca de su hogar, y se dispuso a encontrarlo. "Para mí, esto era un deseo que quema; quería ser como Sonny Boy", recuerda Billy. Williamson quedó entusiasmado con el modo de tocar la armónica de Billy Boy. Poco después de su tercer encuentro, Williamson halló la muerte prematura.
 Pero las pocas visitas fueron suficientes para que Billy se decidiera a  convertirse en un músico de blues. En los años siguientes, Arnold se hizo amigo de muchos de los bluesman locales, y comenzó a aprender todo lo que pudo sobre la tradición del blues sureño. John Davis, Big Bill Broonzy, Memphis Minnie, Muddy Waters, Johnny Jones, Johnny Shines, Otis Rush, Little Walter, y Earl Hooker jugaron un papel en la educación musical de Arnold. En 1952, el adolescente Billy consiguió su primer contrato de grabación Cool Label de Chicago. Con su primer disco que se llamó "Billy Boy Arnold"  se dio percató  de que tenía un apodo. "No me gustaba al principio," recuerda Billy Boy, "yo quería ser un hombre."  Cuando todavía era un adolescente, Arnold conoció a un joven aficionado a la calle llamado Ellis McDaniel (Bo Diddley) a quien más tarde convocó para una audición para Chess Records. En 1955, grabaron juntos varias canciones que tuvieron cierto éxito.
El futuro parecía muy brillante, pero Billy no quería ser un acompañante. Él quería hacer discos bajo su propio nombre. Después de un malentendido con Leonard Chess (Bo Diddley a Leonard que Arnold no le gustaba), Arnold cruzó la calle a las oficinas de VeeJay Records, donde se firmó con prontitud. Grabó "I Wish You Would" , y rápidamente se convirtió en un éxito regional. 
Recorrió todo el sur de Chicago con  Little Walter y Junior Wells.  Incluso el gran Muddy Waters enalteció el trabajo de Arnold. "Hiciste un buen historial", dijo Waters.
Con sólo 20 años de edad, se había ganado el respeto de muchos bluesman que tenían éxito en Chicago.
 Su álbum debut en 1963 "More Blues From the South Side"  para  Prestige Label, sigue siendo un clásico. Cuando los conciertos comenzaron a decrecer consiguió empleo como conductor de autobuses de Chicago y más tarde como oficial de libertad condicional del Estado de Illinois. 
 A mediados de la década de 1960, la primera generación de bandas de blues británicos estaban aprendiendo de sus  singles editados por VeeJay. The Yardbirds y The Animals tenían entre sus éxitos canciones de Billy Boy. Más tarde, The Blasters y David Bowie también tocaron sus canciones. 

Este  interés llevó Billy Boy a realizar  giras por Europa teniendo especial participación en los conciertos del festival estadounidense durante durante los años 1970, 1980 y 1990. 
Con el lanzamiento de Back Where I Belong en 1992, Billy Boy Arnold disfrutó el mayor éxito de su carrera. "Muy recomendable", reconoció Time Jazz . "Triunfante", agregó Billboard . Opiniones favorables aparecieron en  revistas y periódicos de costa a costa incluyendo  Rolling Stone , Audio , CD Review , Living Blues , Blues & Rhythm , The Chicago Tribune y The Washington Post .

Después de seis años de calma en las grabaciones, grabó un homenaje a Sonny Boy Williamson, The blues soul of Billy Arnold, en 2014 y ese mismo año fue nominado al premio Blues Music Awards en la categoría "artista masculino de blues tradicional".


0098. JOHN MAYALL - A BIG MAN

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Como pieza fundamental del blues británico, John Mayall es mucho más conocido por su papel como líder de banda o como formador de otros músicos que como intérprete. A lo largo de los años 60, su banda fue como el acto de graduación de muchos de los grandes músicos de blues ingleses, como Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor entre otros, quienes luego pasarían a formar Cream, Fleetwood Mac y The Rolling Stones, respectivamente.
Nacido cerca de Manchester en 1933, John fue parte de la generación reclutada por el Ejército Británico para la Guerra de Corea. De vuelta en Manchester fue a la Escuela de Arte y armó una banda, The Powerhouse Four. El padre de John era  guitarrista y su extensa colección de discos de blues y jazz proporcionó semillas fértiles para el crecimiento musical del británico.

El personal de Mayall casi siempre ha opacado sus habilidades. Haciendo su mejor esfuerzo para interpretar el blues Chicago, Mayall ha escrito todo su material propio, ha variado infinidad de ocasiones de formación y constantemente ha experimentado con otros formatos de banda, destacándose sus trabajos acústicos de finales de los años 60.
Mayall se trasladó de Manchester a Londres en 1963, siguiendo el consejo de Alexis Corner. Allí comenzó la ruta de los Bluesbreakers, llegando a contarse cerca de 15 formaciones diferentes entre 1963 y 1970. El debut de Mayall fue a comienzos de 1964 y a finales de ese año tenía su primer disco, con un sonido más parecido al rhythm and blues de The Animals, pero luego dio un giro hacia el blues con la llegada de Eric Clapton en 1965, quien había dejado a los Yardbirds para tocar estrictamente blues y los Bluesbreakers le daban esa libertad.
                                       Harry Muskee, Eddy Boyd, John Mayall           
                              
Para comienzos de 1966 la banda grabó con Decca lo que ha sido su principal trabajo, el cual estableció a Clapton como uno de los grandes guitarristas del momento. A mediados de ese año Clapton dejó la banda y formó Cream, ingresando Peter Green en su reemplazo, quien supo manejar el influjo de Clapton y se ganó el respeto del público. Pero ese talento no podía quedarse para un músico acompañante, así que Green abandonó el grupo en 1967 e integró Fleetwood Mac.

Entonces Mayall enlistó al joven guitarrista Mick Taylor, con quien los Bluesbreakers pudieron mantener su nivel de popularidad, a pesar de moverse hacia la fusión del blues, el jazz y el rock, con la adición de un grupo de vientos, orientándose también hacia un sonido acústico. Taylor, el último de los tres grandes guitarristas que tuvo Mayall, pasó a mediados de 1969 a los Rolling Stones. Justo en esa época el mercado de Estados Unidos comenzó a abrirle las puertas a los Bluesbreakers, haciendo que John Mayall se trasladara a Los Ángeles.

Ya en Estados Unidos, Mayall continuó con su popularidad. Su banda no ha sido estable, tanto que grandes músicos del blues de ese país han pasado por sus filas, como el guitarrista Harvey Mandel o el bajista Larry Taylor. Aunque en los años 70 grabó muchos discos, éstos no pudieron tener la misma calidad que los publicados en la década anterior. En los años siguientes vinieron algunas colaboraciones con artistas invitados, algunos de los cuales fueron miembros de los Bluesbreakers.

En varios álbumes Mayall explora fusiones con poco éxito  comercial, pero en 1982 Mayall partió  en una gira mundial con tres conocidos de Bluesbreakers, Mick Taylor, John McVie y el baterista Colin Allen. En 1985 constituyó una banda  simplificada con las guitarras de gemelas de  Coco Montoya y Walter Trouth, grabando 'Live Behind the Iron Curtain' en Hungría y luego el álbum de estudio 'Chicago Line'. Este retorno al blues clásico  se amplió con  'Wake Up Call" en 1993 y contó Buddy Guy, Mavis Staples y Mick Taylor. 
Otros trabajos  han incluido grabaciones con John Lee Hooker y Otis Rush.
 El álbum 2002 'Stories' se colocó entre los primeros en las listas de blues.

BIG MAN BLUES

Treinta y ocho minutos son suficientes para volverse a encontrar con la leyenda del blues británico, así sea en un disco que ha sido editado varias ocasiones con diferente nombre. Esa es la realidad, “Big Man Blues” es el mismo “The Adventures of John Mayall”, “Why Worry”, “Road Show Blues” o “John Lee Boogie”, ediciones en los que únicamente cambia el orden de las canciones y la foto de la portada, porque la calidad del sonido es exactamente la misma. Pero bueno, así es la vida, sobre todo en este mundo de la música en la que constantemente aparecen discos no oficiales.
En vez de despotricar de esa situación, echemos mejor un vistazo al material que encontramos en esta producción. Fue grabado en 1981 en Los Ángeles, con una banda que estuvo acompañando a John Mayall en gira durante cerca de un año y se curtió mucho del sonido que en esa época manejaba el músico inglés, que consistía en cierto alejamiento del blues tradicional, aunque esté presente su sonido, para incorporar muchos elementos del jazz, del pop y del rock, con los cuales Mayall solía experimentar en ese momento.
Ese sonido “contemporáneo” se percibe bastante en cortes como “México City”, en vivo, o “Lost And Gone”, en los que se esa búsqueda sonora en la que estaba Mayall, mostrándose como un gran líder de banda y usando todo su talento en la interpretación del piano, la guitarra y la armónica, último instrumento que se destaca en casi la totalidad del disco.
Algo que también hay que resaltar es que el disco no está a nombre de los Bluesbreakers, la tradicional banda de Mayall, pues en esa época el inglés estaba tratando de librarse un poco de ese influjo y estaba en constante cambio de acompañantes. En este disco participan James Quill Smith en la guitarra, Kevin McCormick en el bajo, Soko Richardson en la batería, Maggie Parker en voces y percusión, y Christiaan Mostert en la flauta y el saxofón.
Realmente vale la pena volver al Mayall de esa época, al Mayall que no le daba miedo experimentar ni cambiar, en un disco que ha vivido varios cambios de nombre.

0097. LITTLE MACK SIMMONS - THE SKY IS CRYING

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"Fue uno de los mejores armonicistas que ha dado el blues en Chicago. . . Bienvenido de nuevo, Mack"

Real Blues Magazine

En su notable carrera de 47 años, Little Mack Simmons, vocalista y armonicista, se ha convertido en uno de los más inagotables músicos del mundo del blues, como Robert Nighthawk, Sunnyland Slim, Eddie Boyd, Willie Mabon, Detroit Junior, Jimmy Dawkins , Lonnie Brooks, Luther Allison, Magic Sam, JB Lenoir y Howlin 'Wolf.
Malcolm Simmons nació el 25 de enero de 1933, en Twist, Arkansas, una pequeña comunidad donde predomina el cultivo de algodón. Él era un amigo de la infancia de James Cotton, quien se desempeñaba como aprendiz de Sonny Boy Williamson II (Rice Miller) en esos momentos.
Mack dejó la escuela y trabajó como recolector de algodón conduciendo un tractor a tiempo completo. A los 18 años, se fue a St. Louis, Missouri, donde vivió durante dos años mientras trabajaba en el ferrocarril. Fue aquí donde Simmons conoció el famoso Robert Nighthawk e hizo su debut en el escenario del club de este renombrado bluesman.

En 1954 se trasladó a Chicago, donde formó su propia banda y 1959 comenzó su carrera discográfica, inicialmente con CJ Label de Carl Jones, quien editó algunas grabaciones para Chess Records.

A finales de 1960, Simmons había redefinido su estilo musical, incorporando una intrigante mezcla de gospel, country western, funk, soul y las influencias del rock en sus blues. Desde mediados de la década de 1970 él también era dueño de un estudio y grabó para sus propias etiquetas: PM Records y Simmons Records.
Durante un tiempo dejó la música y se dedicó al ministerio religioso.
Su regreso a la música blues llegó con High & Lonesome (1995), que fue un éxito temprano de St. George Records , un sello discográfico independiente. Acompañado por Studebaker John editaron Come Back to Me Baby (1996), con John Primer, Willie Kent y Jake Dawson. 
Pero fue con su versión de 1997 Little Mack is Back donde su estilo y su forma de tocar la armónica se manifiestan de manera excelente, cosechando críticas entusiastas de todo el mundo.


Falleció de un cáncer de colon en su ciudad adoptiva de Chicago, el 24 de Octubre de 2000.

0096. BLIND BOY FULLER - PISTOL SLAPPER BLUES

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New York City, April 05, 1938
Blind Boy Fuller (vcl) (g), Sonny Terry (h)

En el Piedmont blues se destacaron de manera preeminente  hombres que habían perdido la vista y  que lograron sobrevivir tocando su música en las esquinas de pueblos y ciudades.  Ese fue el caso de Blind Blake, Blind Willie McTell y Gary Davis, y ninguno de ellos fueron tan exitosos para hacer una buena vida mientras estaban en su mejor momento. En el caso de Blind Boy Fuller no fue así pues tuvo una interesante carrera como artista de grabación, pero murió a la edad de treinta y tres años.
Fulton Allen nació en Wadeboro North Caroline en 1908, y aprendió guitarra al escuchar las canciones que escuchaba todos los días en el trabajo rural asimilando  melodías de blues y ragtime populares.

De adolescente comenzó a perder la vista y como él ya estaba casado y necesitaba dinero, Fulton comenzó a ejecutar su música a tiempo completo en las calles de Rockingham y más tarde en las ciudades más grandes de Winston Salem y Durham. 
Para 1928, Fulton estaba totalmente ciego, pero se había ganado una reputación como un músico versátil, con una voz potente y un buen oído para interpretar las canciones de Blind Blake. Tocaría en almacenes de tabaco después de la jornada laboral y era  invitado a tocar por dinero en las fiestas de fin de semana. En algunos de estos conciertos compartiría escenarios con armonicistas locales, entre ellos Saunders Terrell (Sonny Terry) y washboard George Washington, y a veces con Gary Davis, quien compartió su gran repertorio de canciones populares con sabor gospel y blues.

En 1935, el  propietario de una tienda de discos y cazatalentos JB Long, y contrató a Fuller, a Davis y Washington para los estudios en Nueva York de ARC Label en donde grabaron varias canciones, incluyendo 'Rag, Mama Rag'. Durante los próximos cinco años,  Fuller había  registrado 135 pistas, entre ellas "Step It Up and Go ', " I Want Some Your Pie"  " Truckin My Blues Away' y 'Get Your Ya-Yas Out '. En algunas de ellas fue  por alguna combinación de sus amigos Gary Davis y Sonny Terry.

En el concierto 'Spirituals to Swing ' en el Carnegie Hall en 1938, se debió a presentar Fuller, pero parece que él estaba en la cárcel por dispararle, por lo que Sonny Terry ocupó su lugar. Poco después, su compañero de conciertos,  Gary Davis comenzó sus estudios religiosos y  Fuller incluye en sus trabajos algunas canciones de gospel - blues influenciado por el Reverendo Davis.

El  13 de febrero de 1941, después de un envenenamiento  de la sangre por complicaciones de sus riñones, muere Blind Boy Fuller, en Durham.

 Después de su muerte, su protegido Brownie McGhee publicó 'The Death of Blind Boy Fuller'.