SOLO QUIERO QUE ME RECUERDEN CON MI MUSICA

"La luna esta saliendo, no hay tiempo que perder
Es hora de empezar a beber.
Dile a la banda que toque un blues y yo pago los tragos".
Tom Waits

viernes, 31 de julio de 2015

0209. JOHNNY "GUITAR" WATSON - SHE MOVES ME

(Click en la imagen para escuchar)

John "Guitar Johnny" Watson Jr. nació en Houston, Texas el 03 de febrero de 1935. Su padre era un pianista que instruyó a su hijo en los rudimentos de la música, a los 11 años su abuelo le entregó una guitarra para que aprendiera a tocar gospel ya que era un predicador evangélico que desaprobaba el blues y le hizo el regalo condicionado a no tocar "la música del diablo". Pero Johnny no podía evitarlo. Influenciado por las guitarras de Robert Johnson y otros bluesmen del Delta y el blues surgido en la Postguerra fue lo primero que aprendió a tocar. Guitarristas negros que se habían trasladado a las ciudades en el norte y el oeste de sus hogares sureños encontraron audiencias en cantinas urbanas y salones de baile. Empezaron a tocar instrumentos eléctricos y rápidamente perfeccionaron sus habilidades, haciendo grandes saltos  tanto  en la destreza cono en la imaginación. 

De joven, Watson había oído la guitarra de blues de su compatriota tejano T- Bone Walker. También fue influenciado por el guitarrista Clarence "Gatemouth" Brown, un showman dado a estilos de interpretación de guitarra inusuales para esos años. Las raíces de Watson residían dentro de la escena del blues de Houston. Como adolescente, tocó con otros futuros grandes bluesman de Texas, Albert Collins y Johnny Copeland . En aquel entonces, su principal instrumento fue el piano; eso es lo que tocaba cuando grabaron con la banda de Chuck Higgins el single "Motorhead Baby" para Combo en 1952. Sus padres se separaron en 1950, cuando tenía 15 años su madre se mudó a Los Ángeles, y Watson se fue con ella. Trabajó como vocalista, pianista y guitarrista. Rápidamente se hizo un nombre por sí mismo juke joints de la Costa Oeste , donde por primera vez grabó para Federal Records en 1953. Fue anunciado como Young John Watson hasta 1954.

Watson comenzó a crear su propio estilo distintivo con un solo instrumental llamado "Space Guitar". Muy por delante de su tiempo, el registro contó con la experimentación de reverberación y la retroalimentación de los efectos con la guitarra y el joven guitarrista consiguió su primer éxito. Grabó para varios pequeños sellos de Los Angeles a través de la década de 1950, incluyendo RPM, propiedad de los hermanos Bihari. Un día, Watson y Joe Bihari fueron a ver la película de Sterling Hayden y Joan Crawford "Johnny Guitar " y adquirieron el apodo que lo acompañó durante el resto de su carrera. 

Con un estilo fanfarrón,una personalidad humorística, su gusto por la ropa llamativa y un talento excepcional para el espectáculo salvaje sobre el escenario fue ganando un espacio entre las presentaciones en clubes y circuitos del blues de la Costa Oeste. 
Durante 1955 realiza algunas grabaciones para RPM bajo la supervisión del saxofonista Maxwell Davis. "Hot Little Mama," "Too Tired," y "Oh Baby" quemaron las cuerdas de su guitarra sorprendiendo a propios y extraños. Su primer éxito con RPM fue el cover que hace del swamp ballads de Earl King "Those Lonely Lonely Nights" en 1955.

Su canción " Gangster of Love "fue lanzada por primera vez Keen Records en 1957. No aparece en las listas de éxitos de la época, pero fue re-grabado por Steve Miller en 1968 y más tarde se convirtió en un éxito en una nueva versión de Watson en 1978, convirtiéndose en su canción más famosa.

Durante estos años acompaño en varias presentaciones a Little Richard y adquiriendo una reputación propia en el escenario. "Yo tenía un cable de 1 50 pies y podía llegar a la cima del auditorio - esas cosas que luego hizo Jimi Hendrix empezamos a hacerlas antes con Little Richards".  Es muy posible que Hendrix siguiera el ejemplo de Watson, pues los dos músicos compartían orígenes y objetivos similares. Watson había tomado las posibilidades de la guitarra de blues hasta el borde, y esta ventaja fue el punto de partida de Hendrix. Ambos guitarristas estaban activos como acompañantes y músicos de sesión, a principios de la década de 1960.  Con la balada "Cuttin 'In" que editó King Records en 1962 Johnny alcanzó otro éxito en el mercado discográfico. 
Con sus deseos de explorar nuevos géneros y estilos, fue contratado por Chess Records durante el tiempo suficiente para editar un disco de Jazz en 1964. 
Con el vocalista Larry Williams , Watson sacudió Inglaterra en 1965. Su sociedad se trasladó a Estados Unidos donde compusieron varios singles y un LP para OKeh Records; entre sus logros como un dúo fue un éxito  "Mercy, Mercy, Mercy" en lanzado en 1967.

En 1972, mostrando una habilidad innata para incursionar por distintos géneros musicales , Watson firmó con  Fantasy Records con sede en California y realizó varios trabajos anclados en el soul urbano: su  nuevo estilo fue enfático:  los dientes de oro, sombreros de ala ancha, trajes llamativos, gafas de sol de moda y joyería ostentosa le hicieron una de las figuras más coloridas en la escena del funk y el soul de la Costa Oeste. 
El éxito llegó a gran escala en el camino de Johnny  cuando firmó con la etiqueta DJM Records de propiedad británica en 1976. Con el control creativo de su propietario, Dick James, Watson aceptó el reto con una serie de grabaciones en las que fusionó sus habilidades con la guitarra de blues con el estilo del funk emergente, que era rítmica y relajada. "Johnny siempre fue consciente de lo que estaba pasando a su alrededor", recordó Susan Maier Watson (quien más tarde se convirtió en la esposa del músico) en una entrevista (Collectables album The Very Best of Johnny "Guitar" Watson). "Estaba orgulloso de que podría cambiar con los tiempos y no quedar atrapado en el pasado". 

Sus dos primeros álbumes para DJM, Ain't That a Bitch (1976) y A Real Mother For Ya (1977)  fueron certificados como discos de oro por las ventas de más de 500.000 ejemplares cada una. 
La pista del título del último álbum fue un gran éxito y proporciona una excelente ilustración de estilo de Watson en las grabaciones. El manejo de la voz, guitarra y bajo, coronó su fusión de blues-funk con una interpretación tensa, sardónica de letras que describen un conjunto de circunstancias difíciles; otros dos aspectos del estilo que  Watson le imprimía a sus nuevas creaciones parecían señalar el camino para el movimiento rap incipiente: interludios hablados en largas  grabaciones la nueva versión de " Gangster of Love" y un grupo de canciones que tratan abiertamente con la pobreza. 

En una entrevista de 1994 con David Ritz (The Funk Anthology) , se le preguntó si su canción "Telephone Bill" es un anticipo de la música rap . "¿Anticipo?" Watson preguntó. "Yo muy bien que la inventé! ... Y yo no era el único. La canciones habladas en frases con rimas es algo que  escuche en los clubes de todo el mundo,  de Macon a Memphis.  Cuando canto, estoy hablando en melodía. Cuando toco, estoy hablando con mi guitarra. Yo podría estar hablando basura, bebé, pero estoy hablando ".
La música de Watson fue de hecho un muestreo en los años 1990 ejecutadas por talentos como Ice Cube y Snoop Doggy Dogg. Sin embargo, las actividades de Watson se redujeron en la década de 1980, a pesar de una serie de apariciones en Europa donde fue  conocido como el "Padrino del Funk". 

La década de 1990 trajo un resurgimiento creativo de Watson con el lanzamiento del álbum Bow Wow en 1994, que fue nominada a un Grammy en 1995. En marzo de 1996 fue honrado con el Premio Pionero de la Fundación Rhythm & Blues, y su carrera artística parecía totalmente revitalizada. Sin embargo, sufrió un ataque al corazón mientras actuaba en un club de blues, cerca de Tokio. Murió en Yokohama, Japón, el 17 de mayo de 1996.

Sus restos fueron llevados a EEUU para el entierro en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery en Glendale, California.


0208. ROBIN TROWER - SHINING THROUGH

(Click en la imagen para escuchar)

Robin Trower Leonard (nacido el 09 de marzo 1945) es un guitarrista de rock Inglés y vocalista que alcanzó el éxito con Procol Harum durante la década de 1960, y luego de nuevo como el líder de la banda de su propio trío.
Trower nació en Catford , Londres pero creció en Southend-on-Sea , Essex.
Aunque las raíces de Robin Trower lo colocan profundamente en el corazón de soul y el R&B (con The Paramounts) y  Procol Harum), el guitarrista  fue un apasionado  por el blues y su último gran héroe, Jimi Hendrix.  Ha sido referencia para varias generaciones de guitarristas en el mundo del rock y del blues, destacando su uso de la distorsión, y su estilo hendrixiano de interpretación (se lo llamó y aún se lo conoce como el "Hendrix" blanco). Pese al reconocimiento de colegas y de la prensa especializada, no ha alcanzado grandes niveles de popularidad.

Pasó los años 60 tocando la guitarra en varios grupos con sede en Londres; el más exitoso es el grupo de R & B de The Paramounts , que lograron emitir varios singles entre 1963 y 1965 pero fue sino hasta 1967 que Trower recibió su gran oportunidad, cuando se unió a Procol Harum. The Paramounts fueron creados el año 1959 en Essex por unos entusiastas y jóvenes músicos, constituyéndose originalmente por el cantante Bob Scott, el vocalista y pianista Gary Brooker (nacido el 29 de mayo de 1945), el guitarrista Robin Trower (nacido el 9 de marzo de 1945), el bajista Chris Copping (nacido el 29 de agosto de 1945) y el batería Mick Brownlee.
Amantes de los sonidos americanos, en especial del blues y el rock’n’roll, la banda comenzó a actuar con profusión en directo reinventando las piezas de sus maestros con sus pujantes actuaciones en vivo. Representandos por Peter Martin, The Paramounts lograron firmar con Parlophone y editar su primer single en 1963, una versión del clásico de los Coasters “Poison Ivy”, tema que fue producido por Ron Richards, el productor de los Hollies.

No fue sino hasta 1967 que Trower recibió su gran oportunidad, cuando se unió a Procol Harum . El grupo había anotado un éxito mundial con "A Whiter Shade of Pale", pero el único problema era que el líder de la banda, el cantante / pianista Gary Brooker , no tenía una banda adecuada para respaldarlo. Brooker antes era  compañero de banda de Trower  en The Paramounts , y ofreció ser el guitarrista en su nuevo proyecto a su viejo amigo. Como resultado, Trower participó de los álbumes  Procol Harum  (1967), Shine on Brightly , (1969) A Salty Dog (1970) Home (1971) y Broken Barricades (1971).

Antes de lanzar su propia banda, se unió a la cantante Frankie Miller ,al bajista James Dewar , y al baterista ex Jethro Tull Clive Bunker para formar un grupo al que llamaron Jude. Esta formación no duró mucho tiempo y no registraron para ninguna discográfica. 

En 1973, Robin Trower convenció al bajista James Dewar, al baterista Reg Isidoro (luego sustituido por  Bill Lordan) para formar la Robin Trower Band. Editan en ese mismo año su primer álbum " Twice Removed From Yesterday" que recibió cierta buena crítica aunque el sonido de la guitarra de Trower sonaba muy similar a Jimi Hendrix. Robin no se hizo cargo de esa crítica y mantuvo su estilo que lo caracteriza hasta hoy. Quizás el más famoso álbum de Trower es "Bridge of Sighs" (1974). Este álbum, fue producido por su ex compañero de la banda Procol Harum, el tecladista Mateo Fisher. A pesar de las diferencias. En una  entrevista para la revista Guitar World , Robin Trower explicó cómo el álbum obtuvo su título. Robin dijo que había tenido la primera línea de la canción desde hacía años y un día vio en unas páginas deportivas  un caballo de carreras llamado Bridge of Sighs, lo que les dio la idea para el título del álbum. Aunque nunca descartó la influencia de Hendrix, este trabajo le da a Trower no sólo un renombre en EEUU, sino el estilo que lo caracterizaría en años posteriores. 

Con los aficionados al rock todavía aturdidos por la muerte de Hendrix unos años antes, el álbum sonaba extrañamente similar a los trabajos finales de The Jimi Hendrix Experience siendo su resultado estar entre los Top Ten de los EEUU.

Con esta banda, Trower realizó otros álbumes: For Earth Below (1975) (en este álbum Reg Isidoro había sido reemplazado por Bill Lordan),  Robin Trower Live! (1976) y  Long Misty Days,  In City Dreams (1977) y Victims of the Fury (1980). En general, estos álbumes van mostrando un trabajo de fusión entre el blues y el rock (propio de las bandas inglesas de estos años) con ciertas canciones que rozan el rock ballads.

A principios de la década de 1980, Trower se asoció con el ex bajista de Cream, Jack Bruce y sus bateristas anteriores Lordan e Isidoro, con el cual editaron  dos álbumes, BLT (Bruce, Lordan, Trower) y Truce (Trower, Bruce, Isidoro) (1982). Después de esos álbumes lanzó otro álbum con James Dewar en las voces titulado Back It Up en 1983. Luego de estos trabajos Trower abandonó Chrysalis Records y siguió su carrera como solista.
El resto de los 80 como solista, no fueron demasiado exitosos para Trower. Su trabajo de 1986, "Passion" (en guitarra Trower, con el vocalista Davey Pattison, el guitarrista / vocalista, Dave Bronce, y el baterista Pete Thompson) es un trabajo interesante pero lejos de aquellos álbumes de los '70. 
En 1991 Trower fue parte de una gira en Europa organizada por Sting y The Police. 
A finales de los '80 realizó algunos trabajos con Atlantic Records (TAKE WHAT YOU NEED (1988) y IN THE LINE OF FIRE (1990).

Durante la década del '90 retornó a su pasión por el blues. Grabó "20th Century Blues" (1995) con una mayoría de creaciones propias y un cover de "Reconsider Baby" de Lowell Fulson  y "Someday Blues" (1997) donde suenan con su estilo "Sweet Little Angel" de B B King, "Crossroads" de Robert Johnson y "Feel So Bad" de Chuck Willis. "Shining Trough" es parte de este trabajo.
El álbum de Trower, Living Out ​​of Time (2003), cuenta con el regreso de los compañeros veteranos, Dave Bronze en el bajo, el vocalista Davey Pattison (anteriormente con Ronnie Montrose) y Pete Thompson en la batería.
Con estos mismos integrantes Trower realizó un concierto en su cumpleaños número 60 en Bonn , Alemania. El concierto fue grabado por el canal de televisión alemana WDR . Y fue editado y publicado en DVD y posteriormente en CD en toda Europa y más tarde los EE.UU. bajo el título Living Out ​​of Time: Live.
En 2004 publica "Another Days Blues" otro trabajo signado por su pasión blusera con un grupo de artistas en los que se destacan Dave Bronze (Bass), Nicky Brown, (Organ), Hazel Fernandez (Vocals), Reg Isadore (Drums), Paul Page ( Bass, Keyboards), Davey Pattison (Vocals) Robin Trower (Composer, Cover Design, Guitar, Primary Artist, Vocals).

En 2013 edita “Roots And Branches”, donde mezcla algunos temas clásicos con varios originales, recayendo la responsabilidad en el tratamiento que le ha dado a las versiones, sin copiarse de otro artista ni repitiendo las líneas clásicas. Trower logra encajar las canciones propias, sin ninguna desventaja en cuanto a calidad, aplicando todo ese sonido que lo hecho merecedor de reconocimiento a nivel mundial: el sonido Trower.

"¿Alguna vez se enferma de ser comparado con Jimi Hendrix? 
En realidad no. En muchos sentidos, es un cumplido. Hice un montón de trabajos inspirado en la producción de Jimi. Es un honor ser comparado con uno de los más grandes guitarristas de la historia del Rock" (Guitar World) (30/01/2015)

jueves, 30 de julio de 2015

0207. LITTLE BLUE - COLD RAIN

(Click en la imagen para escuchar)

El tema es parte de una colección de blues que consta de 6 volúmenes. El volumen 5 contiene los siguientes temas:
Vol-5
1. TONY JOE WHITE - GOOD IN BLUES (5:09)
2. ROBIN TROWER - I WANT YOU TO LOVE ME (4:36)
3. PETER GREEN - BANDIT (2:50)
4. CAREY BELL - HARD WORKING WOMAN (4:32)
5. JUNIOR WELLS - USE ME (5:12)
6. GIL PARRIS - A RAINY NIGHT IN GEORGIA (5:54)
7. BILL SIMS - WHED DO I GET TO BE CALLED A MAN (3:20)
8. JONNY LANG - NICE & WARM (7:38)
9. ERIC CLAPTON - WONDERFUL TONIGHT (3:37)
10. B.B.KING - BLUES BOYS TUN (3:25)
11. JOHN MAYALL - ROT AT HOME (4:03)
12. THE ROBERT CRAY BAND - BACK HOME (5:56)
13. LITTLE BLUE - COLD RAIN (4:09)
14. JOHNNY WINTER - LIFE IS HARD (6:16)
15. ALVIN LEE - REAL LIFE BLUES (4:30)
16. LUTHER ALLISON - NIGHT LIFE (3:16)

"Cold Rain" es parte de un trabajo de este artista de blues llamado "Angels, Pirates y Horses". El disco cuenta con la participación de numerosos músicos. Entre ellos 
ArtistCredit
Peter AdamsOrgan, Piano, Vocals, Wurlitzer
Roscoe BeckBass
Marina BelicaVocals
Nancy BenderVocals
Julian CoryellGuitar
Joel DeroinViolin
Steve FarberAccordion
Robben FordGuitar
Jeff GolubGuitar
David GrissomGuitar
Don "Sugarcane" HarrisTrumpet
Warren HaynesGuitar
Steve HollyDrums, Percussion
Michael JudeBass, Vocals
Little BluePrimary Artist
Bob MalachSaxophone

0206. FENTON ROBINSON - CRYING THE BLUES

(Click en la imagen para escuchar)

A veces, un gran talento del blues desliza sus mejores producciones cuando éste género esta atravesando un tiempo lento y tiene sus mejores trabajos popularizados por otros artista.  Fenton Robinson fue llamado un "melow guitar genius" por los fans japoneses, y su sosegado y tranquilo estilo de guitarra-Jazz con voz de barítono lo ha transformado en parte esencial en la historia del bues.
Innovador guitarrista y vocalista Fenton Robinson es conocido por clásicos del blues como "Somebody Loan Me A Dime," "Tennessee Woman" y  "I Hear Some Blues Downstairs".
Se inspiró para tocar la guitarra en las grabaciones de T-Bone Walker. Combinó el oscilante estilo de Walker en el blues con cierto toque de guitar jazz  y las influencias del soul contemporáneo.


Fenton Robinson nació en Greenwood, Mississippi, el 23 de septiembre de 1935, en el corazón del Delta, donde se originaron los Blues. Al crecer con esta música a su alrededor, Fenton aprendió a tocar la guitarra y, cuando tenía 16 años, partió a Memphis en busca de fortuna.
Para entonces, B.B. King era una gran estrella nacional, pero otros 'Beale Streeters', como Johnny Ace, Bobby 'Blue' Bland, Júnior Parker y Rosco Gordon aún estaban tocando en la ciudad. B.B. fue una gran influencia en el estilo de Fenton y ambos hombres rendían homenaje a T-Bone Walker como una guía para sus trabajos. 
El pianista Rosco Gordon utiliza a Fenton como un acompañante  en una sesión de 1956, y luego Bobby 'Blue' Bland lo recomienda a la Bros. Bihari cuya etiqueta Meteor Records edita el disco single debut de Robinson "Tennessee Woman," al año siguiente. 

Fenton formó su propia banda The Dukes con el bajista Larry Davis. El éxito de "Tennessee Woman" le valió un contrato con el sello especializado en R&B, Duke Records. Para Duke, Fenton grabó una serie de singles que incluían la versión seminal de "As The Years Go Passing By" con James Booker en el piano (más tarde convertida en éxito por Albert King), "You've Got To Pass This Way Again" y "Mississippi Steamboat."  
En 1958 grabó "Texas Flood", un clásico del bajista Davis (más adelante convertida en éxito por Stevie Ray Vaughan).

En 1962, Fenton se trasladó a Chicago, donde se estableció rápidamente en la escena del los clubes de blues del Southside, toncando con Rice 'Sonny Boy II' Miller, Otis Rush, y Junior Wells, y grabando junto al  bluesman Hop Wilson y el  bajista Willie Kent.
Grabó para singles para la etiqueta Giant & Palos Records (donde por primera vez registró el famoso  "Loan Me A Dime" en 1967). Noche tras noche, Fenton se presentaba en club tras club, llegando a conseguir un concierto regular en el legendario  Peppers Lounge. La reputación del hombre no sólo descansa en una gran canción, sin embargo. Sus grabaciones clásicas han inspirado innumerables versiones. Albert King, Elvin Bishop, Eric Burdon, Maggie Bell y Charlie Musselwhite han registrado los primeros éxitos de Fenton.
Pero incluso un mayor reconocimiento llegó en 1969, cuando Boz Scaggs, junto con Duane Allman, grabaron la versión del blues"Loan Me A Dime", e introdujo Fenton a una nueva legión de fans del rock. Si bien este hecho trajo aparejado una serie de pleitos entre ambos artistas, comenzó para Robinson una nueva etapa.  Antes ser contratado por Alligator Records, Fenton escribió para Lowell Fulson y Larry Davis, e hizo trabajos  con Sonny Boy Williamson, Junior Wells, y muchas otras leyendas del blues.

En 1974 Fenton Robinson firmó con Alligator Records grabando el álbum  "Somebody Loan Me A Dime,"  con una nueva versión del clásico de Robinson, más otros cinco originales, mostrando lo más variado y prolífico de los compositores del blues de Chicago. El álbum fue aclamado por la revista Living Blues por su "poder absolutamente inolvidable." Robinson comenzó a recorrer todo el país, tanto por su cuenta y como miembro de la banda del armonicista Charlie Musselwhite. Grabó su segundo disco para Alligator en 1977, "I Hear Some Blues Downstairs,", con cuatro canciones originales y una nueva versión de "As The Years Go Passing By," uno de sus éxitos de radio del Southside.

Su enfoque introspectivo , su estilo jazz y melódico para ejecutar el blues no encontró el favor de las ventas de sus creaciones, a pesar de que fue bien recibido por multitudes de fans en festivales de blues y el público internacional. 
A fines de la década de 1970 fue detenido y encarcelado por homicidio involuntario en relación con un accidente de tránsito. Puesto en libertad condicional después de nueve meses, continuó tocando en clubes de la ciudad de los vientos.
Pero a fines de 1980, desalentado por una etapa en la que sus trabajos no obtenían el reconocimiento que esperaba, Fenton se trasladó a Springfield, Illinois. Allí participó de distintos programas escolares para promover la  educación del blues, y la enseñanza a los jóvenes de las raíces de esta música tradicional afroamericana como así también las técnicas instrumentales.
En 1984, Alligator editó otro trabajo de Robinson, "Nightflight" que no alcanzó un buen nivel en la crítica. 

En los últimos años de su vida, Fenton se casó y vivió en Rockford, Illinois. Siguió haciendo lo que más amaba: tocar blues e incluso efectuar una presentación en el 1995  en el Chicago Blues Festival ante más de 100.000 personas. Fue diagnosticado con cáncer en 1996. Murió en Rockford, Illinois,  el 25 de noviembre de 1997. El mundo del blues perdió a uno de sus artistas verdaderamente excepcionales.

0205. SONNY RHODES - BORN TO BE BLUE


-
La última Leyenda viva del Blues de Texas.Sonny Rhodes es un original músico de blues, quizás de los más grandes. Realiza una mezcla de blues antiguo y blues contemporáneo.

Durante las cuatro décadas pasadas ha recibido elogios de sus contemporáneos, y tiene fans repartidos por todo el mundo. Sonny es un bluesman tejano genúino, un gran instrumentista, un cantante con una verdadera pasión por la música que realiza, uno de los muy pocos artistas en la historia de blues que tocan la guitarra lap-steel en el regazo, un instrumento que da a su música un sonido único.
Es un artista único, un excelente guitarrista y uno de los pocos bluesmen que domina todos los recursos del Lap-Steel Guitar, instrumento parecido a la guitarra sin mástil y que se toca sentado, apoyando el instrumento encima de las rodillas. Este instrumento es mas empleado habitualmente por artistas de música Country lo que le da su sonido un carácter muy particular. De nombre real Clarence Edward Smith, nació el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, Texas. Comenzó a tocar a la edad de 12 años, aunque consiguió su primera guitarra cuando tenía 8 años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a formarse en Smithville y Austin a finales de los 50, durante su adolescencia. Durante estos años Sonny escuchó mucho a T-Bone Walker y así lo muestra en su música. Otros guitarristas que influyeron en él son, LC Robinson, Pee Wee Crayton, Percy Mayfield y B.B. King.

La primera banda de Rhodes, Clarence Smith & The Daylighters, tocaba en la  zona de los clubes de blues de Austin, antes de que Rhodes se uniera a la Armada norteamericana después de la graduación de la escuela secundaria. 
Estaba asignado a California , donde trabajó durante un tiempo como un hombre de radio en un circuito cerrado como disk jockey de un buque de la Armada, contando chistes subidos de tono y algunas canciones de blues para el entretenimiento de los marineros.  En 1958 grabó un single para Domino Records en Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong", y también aprendió a tocar el bajo eléctrico acompañando a  Freddie King y su amigo Albert Collins.

En 1963, Sonny tomó la Route Sunset a California, y después de un par de años tocando alrededor de la costa oeste, se asentó en Oakland, donde se reunió LC 'Good Rockin' Robinson.  Sonny llevó su lap-steel y lo utilizó con buenos resultados cuando grabó algunos singles para el sello local Galaxy Records. En 1966 grabó un single "I Don't Love You No More" e hizo algunos trabajos más para Galaxy. Disgustado con las compañías discográficas y con la poca difusión que habían alcanzado sus trabajos hasta que recorrió Europa en 1976.  El nuevo sonido tuvo un relativo éxito, y Sonny grabó tres álbumes allí ; ‘Don’t Want My Blues Coloured Bright''; a continuación, un trabajo en vivo "In Europa"  y, en 1980, el excéntrico ‘Forever and a Day’ con la Orquesta Sinfónica de París.  
A pesar de la falta de grandes ventas, Sonny es un guitarrista excéntrico e imaginativo. Arrancando blistering Blues licks con su lap-steel o una guitarra estándar, su ronca voz y su composición emocional lo marcaron como un gran talento y su presencia en el escenario, con su turbante rojo y traje brillante, hace que sus presentaciones sean inolvidables.
Entre sus presentaciones europeas, Sonny grabó con su propio sello, Rhodes Way -Records, "Cigarette Blues" en 1978 y "Just Blues" en 1985.
A finales de los '80 comenzó a trabajar con Ichiban Records y produjo dos buenos álbumes con ellos: Disciple of the Blues (1991) and Living Too Close to the Edge (1992).
Mediando la década de los '90 Rhodes firmó con Kingsnake Records con la cual no sólo mejoró la distribución de sus discos sino que realizó dos trabajos para este sello: Out of Control (1995) y Born to Be Blue (1997).
Posteriormente trabajó con el sello canadiense Story Plain y en el 2009 produjo "I'm Back Again" para EPM Musique. Para ese entonces, su turbante característico había sido sustituido por un sombrero de fieltro. Es un compositor imaginativo cuyas canciones cuentan historias, "las canciones fluyen en mi y tengo que escribirlas y ponerles música dándoles forma". Ha sido nominado en nueve ocasiones para los premios Blues Handy W.C., y el congreso americano le ha honrado con el título de Leyenda del Blues…y la historia continúa ...

miércoles, 29 de julio de 2015

0204. PAPA GEORGE LIGHTFOOT - MY WOMAN IS TIRED OF ME LYING





El rico legado de la música blues, jazz y gospel en Natchez menudo ha sido oscurecida por la trágica sombra del famoso incendio del Rhythm Club  que se cobró unas 200 vidas aquí en 1940. Alexander "Papa George" Lightfoot fue uno de los armonicistas de blues más talentosos de la post-Segunda Guerra Mundial en años posteriores Jimmy Anderson, Hezequiah Early, Elmo Williams, y los hermanos Theodis y YZ Ealey llevaros sus blues a distintos a públicos de todo el país y  el extranjero. 

La música afroamericana en Natchez ha abarcado un espectro extraordinariamente amplio, que abarca grupos de pífano y tambor, bandas de cuerda, orquestas de baile, jazz, rhythm & blues, down home blues,  hip hop, gospel, y más. Entre los artistas más prominentes en los años de la Segunda Guerra Mundial encontramos al violinista Butch Cage, a la guitarrista femenina Geeshie Wiley, Bud Scott y su Syncopators, el pianista Tom Griffin, el guitarrista William "Cat Iron "Carradine y saxofonistas del estilo de  Earl Reed y Otis Smith. El evento más trágico y más recordado en la historia musical de Natchez fue el devastador incendio en el Rhythm Club, el 23 de abril de 1940. El director de orquesta de Chicago, Walter Barnes y la mayor parte de su banda pereció junto con casi doscientos residentes de Natchez. Cuando los historiadores de la Biblioteca del Congreso,  John A. Lomax y su esposa Ruby se detuvieron en Natchez, en octubre de 1940 para realizar sus grabaciones de campo, Ruby Lomax escribió: "Cualquiera de las canciones tradicionales, además de los spirituals son difíciles de conseguir aquí; ese terrible incendio del salón de baile ocurrido hace unos meses atrás ha puesto a la población negra y sus tradiciones en una situación crítica y no están en condiciones de cantar reels o worl'ly songs".  Aunque el proyecto de Lomax consiguieron algunas grabaciones en  Natchez con los guitarristas Lucius Curtis, Willie Ford y George Baldwin no quedaron conformes con lo obtenido.
1940, 23 de abril - Natchez, Mississippi, EUA (incendio de Rhythm Club)

Cuando los artistas de blues y otros géneros retomaron su estado habitual la música volvió a escucharse en los clubes los clubes y cafés de Franklin, Pine, y St. Catherine streets, y nuevos talentos surgieron en la décadas de 1940 y 1950. Entre ellos, se encontraba "Papa George" Lightfoot  quien se convirtió en uno de los más  conocidos intérpretes  de blues de Natchez después que apareciera en programas de radio nacionales y grabara para varios sellos discográficos importantes. 
Alexander "Papa George" Lightfoot nació el 02 de marzo 1924, Natchez, Mississippi, EE.UU. Sobre sus inicios como armonicista no hay muchos datos. 
Lightfoot realizó algunos trabajos durante 1949 para Peacock Records que nunca fueron emitidos ni publicados. Después, en 1950 hizo algunas de sus primeras grabaciones para Sultan Records, una empresa formada por una asociación interracial en Natchez.  Uno de sus socios, Jack Davis, también grabó con su banda de blues Blasters, que incluía a James Rowan en la trompeta y Joe Frazier en la batería. Durante los primeros años de la década del '50 recorrió Nueva Orleans acompañando a Jack Dupree en trabajos para King Label. Aunque el dominio de la armónica de Papa George Lightfoot todavía se recuerda hoy,  fue incapaz de sostener una carrera musical y fue recordado por muchos en Natchez como un vendedor ambulante de helados.
En 1952 grabó para Aladdin Records y en 1954 para Imperial Records en la cuál realizó “Wine, Women & Whiskey“, “Jump The Boogie“, “Mean Old Train” and “When the Saints Go Marching In“, que fueron piezas claves para los aficionados a la armónica en todas partes del mundo. 

Posteriormente realizó algunos singles para Savoy Records en 1955 y se retiró a Natchez para hacer otros trabajos. Con el advenimiento de los '60 y el redescubrimiento del blues rural, el nombre de Lightfoot volvió a los planos de las discográficas. El cantante de la banda Canned Heat, Bob Hite, persuadió a Liberty Records para emitir algunas grabaciones de George en su serie Masters de 1968. Durante 1969 el productor Steve LaVere le pidió hacer algunas grabaciones para Vault Records. Así nació "Natchez Trace". 
En 1970,  Papa Lightfoot actuó en el Festival de Blues de Arbor Ann. 

Por desgracia antes de que tuviera la oportunidad de recuperar cierta fama en el circuito de blues, murió en noviembre de 1971 por una insuficiencia respiratoria.  Las grabaciones fueron reeditadas en 1995 bajo el título "Goin' Back to the Natchez Trace".

0203. JOHN LITTLEJOHN - CATFISH BLUES



John Littlejohn era un músico de blues que adoptó el slide-guitar propio de la ciudad de los vientos. Nacido en el Delta su estilo tenía mucho en común con Elmore James, pero aunque su larga carrera lo llevo a viajar por el mundo nunca abandonó su ciudad adoptiva. 


Chicago blues man Johnny Littlejohn at the San Francisco Blues Festival, Fort Mason, 1982

Johnny Funchess nació en Lake Mississippi el 16 de abril de 1931 y Henry Martin, un amigo de su padre, le inspiró a tomar la guitarra con la que hizo presentaciones en las fiestas locales y fish-fries. Dejó su hogar en 1946 recorriendo Jackson, Mississippi, Arkansas, Rochester, New York para terminar asentándose en Gary, Indiana, en 1951. Hizo algunas presentaciones durante un tiempo hasta que se instaló en Chicago. Su estilo, influenciado por Elmore James, le permitió iniciar con buen augurio sus actuaciones en el South Side.
Una auténtica voz propia del country blues y su estilo slide guitar propio del Delta, lo encontraron al frente de su  propia banda en todo el lado sur, a menudo trabajando junto a   Jimmy Rogers. 

Jimmy Reed utiliza la guitarra de Johnny en algunas grabaciones en 1956, pero no fue hasta 1968 que Arhoolie lanzó su álbum debut, "Chicago Blues Stars" (Arhoolie Records, 1968).
Al año siguiente grabó cuatro canciones para Chess Records con Mighty Joe Young en 'segunda' guitarra.  Johnny continuó en los escenarios del club local, haciendo algunos trabajos como músico de sesión de vez en cuando hasta 1977 cuando edita  su álbum en vivo 'Dream', con colaboradores de mucho tiempo como  Aaron y Larry Burton. 
Un segundo álbum en solitario 'Sweet Little Angel' siguió al año siguiente, y John contribuyó con cuatro pistas para el álbum 'Sultans of Slide', junto con Robert Nighthawk y Earl Hooker.

Una gran cantidad de festivales y presentaciones en giras surgieron de estas grabaciones, tanto en los EE.UU. y en el extranjero, pero Johnny nunca lo hizo como un front-man  a pesar de algunos grandes shows en vivo como el que grabó en Japón con Carey Bell en 1982. En 1985 en el álbum "So-Called Friends", su guitarra fue consumida por  los horns y en todo este tiempo sus problemas de salud comenzaron a afectarlo. 

El 1 de Febrero de 1994 falleció por insuficiencia renal.

0202. J.B.HUTTO - THAT'S THE TRUTH




El slide guitar distorsionado de Elmore James sumado al blues eléctrico propio de Chicago de principios de los años 50, y dejaron una secuela que se pudo escuchar en los trabajos de una generación de bluesmen entre los que se destacan inevitablemente  "Hound Dog" Taylor y J.B. Hutto. Ataviado con trajes y sombreros brillantes y el uso de un cable de guitarra de 50 pies, y la salvaje y particular actuación de Hutto hizo de sus presentaciones un espéctaculo inolvidable. Sus voces casi incomprensible y su enfoque en la intensidad de la puesta en escena, significaban que cada concierto J.B. fuera un evento emocional espiritualmente cálido.

Joseph Benjamin Hutto nació en Blackville South Carolina, el 26 de Abril de 1926 pero poco después de su nacimiento la familia se trasladó a Augusta, Georgia. Cantó con sus seis hermanos y hermanas como The Golden Crown Gospel Singer, pero no fue hasta J.B. se mudara a Chicago a finales de los años 40 que tomó contacto con los Blues. JB trabajó como baterista en una banda de bar y aprendió algo de armónica, pero luego de escuchar y reunirse con Elmore James, se interesó por la guitarra. Poco después de ese acontecimiento determinante, formó The Hawks con otro guitarrista.  Tocaron en infinidad de bares y clubes de blues locales  antes de conseguir un contrato discográfico en 1954 con la filial de Chess Records,  Chance, pero ninguno de los singles vendieron bien y un J.B. desilusionado decidió renunciar a la música para trabajar como conserje.

Con la muerte de Elmore James en 1963, J.B. fue tentado a recoger su guitarra otra vez, y con otra versión de The Hawks se convirtió asiduo artista de la casa de blues Turner's Lounge.  Grabó algunas canciones para el álbum de 1966 'Masters of the Modern Blues' con el apoyo de Shakey Horton y Fred Below, y luego hizo varios trabajos más para la serie 'Chicago / The Blues / Today' . En estos años en qué el blues se renovaba con la incorporación de nuevas técnicas y nuevas bandas que hacían sus primeras experiencias en el rock J.B. Hutto elabora una puesta en escena original: con ideas como trajes brillantes y cables de guitarra largos tomados de Guitar Slim, y blistering slide-guitar licks crackling genera una atmósfera novedosa para los artistas de blues. Su álbum de 1968 'Squat Hawk' para Delmark deja claro cuan esencial ha sido su presencia en los orígenes del Electrical Chicago Blues.

El disco cuenta con la participación de J.B. Hutto (guitar, vocals, performer) Lee Jackson (guitar) Maurice McIntyre (tenor sax) Herman Hassell, Dave Myers, Junior Pettis (bass) Sunnyland Slim (organ, piano) y Frank Kirkland (drums). 
J.B. siempre fue un invitado popular en el circuito de festivales, pero fue en los clubes, donde podía tomar su espíritu anárquico en que realmente se destacó. Su álbum de 1973 'Slidewinder' vendió bien pero JB se sorprendió cuando su amigo y compañero  'Hound Dog' Taylor murió en 1975. Los integrantes de la banda de Taylor,  ​​' The Houserockers', Brewer Phillips y Ted Harvey, citaron a JB como su vocalista durante un tiempo para mantener el espíritu de 'Hound Dog' vivo, y grabaron un par de pistas en el evento del Tea Party de Boston en 1977. Hutto hizo de Boston su nueva casa y formó The New Hawks allí, registrando dos buenos álbumes:  'Slideslinger" y "Slippin' & Slidin" .

 Estos discos de principios de los '80  muestran que J.B. nada había perdido de su energía aunque  pasaran los años, pero lamentablemente él murió de cáncer en Harvey, Illinois, el 12 de junio de 1983. Su legado se lleva a cabo por su sobrino, Li'l Ed Williams.

That's The Truth forma parte del álbum Slideslinger del año 1982, de Blue Jay Records.
Entre los temas que componen el álbum están, además los siguientes:

Tracklist

I Feel So Good
Written-By – Big Bill Broonzy 4:46
Lulabelle's Here 3:37
Leave Your Love In Greater Hands 3:03
That's The Truth 4:38
My Heart Is Achin' To Love You 4:07
J.B.'s Crawl 2:13
Please Help 6:05
Angel Face 5:04
Tell Me Mama
Written-By – Walter Jacobs 5:19
Lone Wolf
Arranged By – J.B. HuttoWritten-By – Traditional


0201. BLIND MISSISSIPPI MORRIS - JUNKYARD DOGS




Blind Mississippi Morris (nacido Morris Cummings el 6 de abril de 1955, en Clarksdale, Mississippi, Estados Unidos) es un artista de blues estadounidense. Cummings perdió la vista a la edad de cuatro años, pero eso no le impidió aprender el blues. Morris se ha convertido en un popular artista de blues que ha desarrollado sus creaciones  sobre Beale Street. Morris y su banda, The Pocket Rockets se reconoce como "auténtica de Beale".


Blind Mississippi Morris (Harmonica/Vocals)
Don Cook (Guitar/Vocals)
Frank Monteleone (Guitar/Vocals)
Calvin King (Drum)
Chiemi (Bass)
 Morris tiene una trayectoria de talentos familiares. Sus primos, Robert y Mary Diggs, lideraron The Memphis Sheiks, y su tía, Mary Tanner, tocó la armónica en Melody. También es un primo del fallecido Willie Dixon. Morris es la encarnación misma del bluesman del Delta. Ha sido llamado un nuevo discípulo del blues del Delta, y fue calificado como uno de los 10 mejores armonicistas del mundo por la revista Bluzharp. 

Ha tocado con músicos como BB King, Rufus Thomas, Muddy Waters, David Porter y muchos otros artistas de Memphis, Tennessee.

martes, 28 de julio de 2015

0200. MAURICE JOHN VAUGHN - I DON'T CARE

               (Click en la imagen para escuchar y descargar)


Maurice John Vaughn es un músico norteamericano de blues nacido el 10 de mayo de 1952 en Chicago, Illinois. Guitarra, el saxofón y voz son los instrumentos con los que Maurice  Vaughn se vale para componer y ejecutar innovadoras canciones que retratan su experiencia en el blues de Chicago. Sus voces estilo soul genera en sus creaciones un convencimiento de estar ante un gran intérprete de la música tradicional pues  significa y personifica lo que canta. Al salir a las calles de Chicago, Vaughn se reconoce influenciado en Muddy Waters, Howlin 'Wolf" y James Brown. Al igual que los grandes precursores que han llegado antes que él, Maurice incorpora  diversas tradiciones en un blues y R & B que le otorga un estilo que es completamente propio. 

Vaughn comenzó su carrera musical mientras asistía a la escuela Juliet Low en el South Side de Chicago, tocando la batería, la guitarra y clarinete en la banda de la escuela. Él pasó varios años tocando covers de bandas y artistas de blues reconocidos. 
 En 1968, se concentró en el saxofón con el fin de unirse a un trío de jazz local."Querían un saxofonista, y yo quería estar en la banda," recuerda. Hizo su primera grabación con un grupo de R & B llamado The Chosen Few para Chi-Sound Records en 1976. Pero poco después de que los trabajos con el saxofón fueron cansandolo,  Vaughn retomó su atención a la guitarra. Ecos de Albert King, Albert Collins, John Lee Hooker y BB King se pueden escuchar en el estilo de la guitarra  de Vaughn. En 1979, entró en el mundo del blues después de que Phil Guy - hermano del legendario guitarrista Buddy Guy -  convocó a Vaughn para una  banda de soul.  Después del concierto, Guy invitó Vaughn  para unirse a él para una próxima gira canadiense. Pronto Vaughn estaba tocando con los mejores bluesmen de Chicago: Luther Allison, Son Seals (con quien realiza una gira por Europa) y AC Reed (cuya grabación de Alligator Records, "I'm in the Wrong Business!" , cuenta con la participación de Vaughn en la guitarra). 

La visión musical de Maurice y su carrera autoguiada le ayudaron a ser convocado por Alligator Records. En 1986, Maurice tocó, produjo, grabó y financió su propio álbum solista. Estaba "cansado de esperar en la cola por los productores para que me llamaran" por lo que formó su propio sello Reecy, y editó "Generic Blues Album" en 1984. Sorprendido por la fuerza de esta grabación, el presidente de Alligator Records, Bruce Iglauer, invitó Vaughn al estudio para grabar una pista para el álbum recopilatorio The New Bluebloods. Alligator luego trabajó en un acuerdo de distribución para "Generic Blues Album", reeditando el trabajo con una pista adicional. Guitar World lo catalogó com el "álbum de blues del año". Además de escribir las canciones de blues urbano a Vaughn le fascinan los trabajos en vivo. Un espectáculo típico de Vaughn implica una relación estrecha con el público. Su estilo es cómodo e inclusivo. Él va a hablar con el público como si estuvieran todos sentados en su sala de estar.

También es proclive a tocar en las escuelas para los niños que nunca han oído hablar de la música blues. En ese aspecto, tiene la idea de actualizar el trabajo de Sonny Boy Williamson, "Help Me".  Su abundante talento y la experiencia lo colocan a la vanguardia del mundo del blues contemporáneo. Sus canciones innovadoras, el canto apasionado, el modo de tocar la guitarra y el saxofón marcan su música como trabajo un visionario.

El último trabajo de Vaughn para Alligator es In The Shadow Of The City (1993) (AL 4813), y contiene una colección de canciones en su mayoría originales que cubren todas las bases emocionales.  Maurice muestra su visión musical singular. Se mueve sin esfuerzo desde el funk en (Everything I Do) Got to Be Funky al blues acústico en solitario en Treat Me So Bad.