SOLO QUIERO QUE ME RECUERDEN CON MI MUSICA

"La luna esta saliendo, no hay tiempo que perder
Es hora de empezar a beber.
Dile a la banda que toque un blues y yo pago los tragos".
Tom Waits

miércoles, 17 de febrero de 2016

0266. STEVE JAMES - 66 HIGHWAY BLUES




La palabra que se nos viene a la mente para  describir a un músico de la talla de  Steve James es "ilimitado".
Ilimitado no sólo por que James pertenece a la categoría de esos artistas multirepertorio, capaz de tocar cualquier tipo de música que le soliciten, sino porque es capaz de ejecutar una amplia gama de instrumentos con los que eficazmente puede tocar esa variedad de estilos.

Mientras que James es un maestro en el desarrollo de la música blues (sus muchos libros y videos de instrucción dan fe de ello), también es un experto de los estilos populares . Después de haber tocado con la leyenda de la guitarra country Sam McGee,  Steve James es capaz de tocar un estándar de Nueva Orleans como un "blues de Buddy Bolden" o romper sutilmente tu corazón cantando una composición de  Ray Charles acompañado sólo por su guitarra.
En el mundo de la música acústica y roots, es donde se ha ganado su reputación con décadas de incansables giras internacionales, una pila de discos en solitario, una presencia en el escenario cinética y contundente y un estilo inconfundible de tocar y cantar.
Su  dominio y virtuosismo se extiende en una amplia gama de instrumentos. El material didáctico sobre el uso de la mandolina en el blues es formidable. Además, Steve es un maestro de la guitarra, tanto en el estilo flat-top estándar y un slide increíble. También es de resaltar su estilo para ejecutar el banjo y el slide con mandolina.

Steve James nació el 15 de Julio de 1950 en Manhattan, New York. En su juventud, se hizo amigo y aprendió de algunos de los maestros del blues acústico: Sam McGee y Furry Lewis. Como un joven adolescente en la ciudad de Nueva York, James escuchó las grabaciones en 78 rpm (propiedad de su padre) de Leadbelly ,Josh White , y Meade "Lux" Lewis. 
Después de la secundaria tuvo varios trabajos hasta que consiguió un empleo con el fabricante de guitarras Michael Gurian.
A principios de los '70 se trasladó a Tennessee, y se hizo amigo de McGee y Lewis . En 1977, se trasladó a San Antonio Texas, donde  amplió aún más sus horizontes musicales por necesidad, tocando con  la leyenda del saxofón Clifford Scott y con Bo Diddley . Durante este tiempo, él también compartió escenarios con John Hammond, Jr. y Dave Van Ronk cuando hacían presentaciones en Texas.

"Sam McGee y Furry Lewis fueron (y son) mis favoritos  desde el principio. Nacieron en la década de 1890 y su canto era muy original, con sus estilos de  guitarra y  repertorio que reflejan su exposición temprana a la música. Conocí a Sam McGee en 1975, cuando el folclorista y escritor Charles Wolfe me llevó a su casa en las afueras de Franklin, Tennessee, donde pasamos unas horas juntos, tocando y hablando. Murió pocos meses después. Un verdadero maestro de su arte. 
Furry Lewis era un artista principal en la escena musical de Memphis. Yo sabía que él tocaba realmente bien. A pesar de que estaba en sus 80 años en el momento en que lo conocí, todavía tenía grandes habilidades como cantante, instrumentista y narrador (un hombre muy divertido!).". http://www.bluesinlondon.com/interviews/int_steve_james07.html


Sus primeros álbumes solistas fueron con el sello Antone Records. "Two Track Mind "(1993) donde se dan cita estilos de Piedmont Blues, Ragtime, Hokum Country y el característico estilo de slide de James. El álbum contiene solo una canción original de James. El resto son versiones de clásicos (McGee, Big Bill Broonzy, Weaver, Lipscomb y temas tradicionales americanos.  American Primitive (1994) acompañado de una jug band con Danny Barnes en guitarra y banjo y con Gary Primich con la armónica en algunas pistas y Art & Grit (1996) con un excelente trabajo acústico, una calidad de grabación excepcionalmente viva, que captura el timbre distintivo de cada instrumento y haciendo de este álbum un exquisito trabajo musical reflejando  un período antiguo del blues sureño.

En 2000 graba su primer álbum para Burnside Records. "Boom Chang" de buena calidad acústica, y con canciones tradicionales (una característica primigenia en James) donde participan entre otros, Gary Primich, Alvin Youngblood Hart, y Mark Rubin. En 2003 y para este mismo sello publica "Fast Texas". Contiene una secuencia de canciones originales y clásicos de, sobre y para el estado de Texas (donde James ha vivido durante los últimos 25 años) con el necesario sonido agudo propio de James. 

En 2004, y en compañía del guitarrista y ejecutor del ukelele, Del Rey, publica "Tonight", un testamento musical del sonido tradicional americano reflejado en los estilos hillbilly/smarty-pants/country blues.

En 2005 edita "Greyghoste" y "Short Blue Stories" en 2009, un trabajo solista de James con temas clásicos de Frank Hutchison, Garfield Akers y Furry Lewis.

La guitarra, la mandolina y el slide característico de James,  pueden escucharse en grabaciones de James McMurtry , Angela Strehli , Ana Egge  y otros artistas que han recibido sus contribuciones. También ha grabado un video instructivo en la guitarra de blues acústico y contribuido con artículos de revistas en temas especializados. Su libro de instrucción, Roots and Blues Fingerstyle fue publicado Acoustic Guitar magazine.
Cualquiera que escuche las grabaciones de James podrá apreciar  su dominio en una variedad de guitarras. 

En 2014 conformó una banda de música dedicado al East Texas juke joint llamada The Camp Streeters junto a Pipp Gillette en batería y voz. Con esta formación, James sigue de gira a través de los EE.UU., Canadá, Europa y América del Sur tocando y cantando una mezcla embriagadora del East Texas blues, country y roots music. 


Publicaron un álbum en 2014 llamado "The Camp Streeters Live".

martes, 16 de febrero de 2016

0265. GARY PRIMICH - I CAN'T STAND YOU WHEN YOU'RE DRINKING




Dicen que tienes que sufrir para cantar el blues que cale los sentimientos. Dicen que tienes que llevar una pena muy profunda para que esta música te atrape y te conmueva. Y aunque este maestro de la armónica no se refugió con una escopeta en alguna cabaña del Delta del Mississippi o se atrincheró en una casa en South Side de Chicago, la autenticidad de su estilo constituye el soporte de la música blues del Siglo XXI. 

Con Gary Primich lo que se obtiene es conseguir poner un pie  en la vieja escuela y el otro en el blues moderno, dice Jazz Times, y, junto con una composición de canciones [que] tiene algunos giros melódicos frescos y modulaciones, escucharlo es comprender el blues en toda su dimensión. Y su armónica, exquisita, fértil y de tonos descarados e insolentes, marcada por giros melódicos difíciles, y tan poderoso como una locomotora disparada a todo vapor.

La evidencia de estas palabras queda evidenciadas en el álbum "Dog House Music", el primero con Antone´s Records.  El álbum combina la sensación sudorosa de un club nocturno con el ambiente sonoro agudo del estudio, lo que resulta en un estilo de blues que es vivo y lleno de energía. Con los pies firmemente plantados en la tradición musical, Primich crea un estilo marcado por la musicalidad versátil, de composición inteligente, voces musculares y sugerentes, y el sonido potente de su armónica. 


"Nací en Chicago en 1958. Ahí es donde empecé a interesarme por el blues y la  armónica en general. En realidad, cuando yo era un niño, cuando pude tener algo de conciencia sobre el uso de la armónica, el Servicio Postal de Estados Unidos tenía una campaña publicitaria  "Utilice su código postal". El uso de los códigos postales era estar  a la vanguardia de la conciencia americana. Había un anuncio de televisión con Johnny Puleo bailando alrededor de un buzón de correo. En este comercial, Johnny era mi inspiración;  él era mi héroe. Yo quería ser Johnny Puleo. Era un niño de siete años".

El talento de Primich  le ha ganado elogios de todas las  leyendas del  armónica - blues. Primich se extiende y mejora el blues con el toque de un maestro moderno. Chicago's New City declaró su álbum "Mr. Freeze" como uno de los 20 mejores discos de blues de la década de 1990.

Gary Primich , nació en la capital del blues eléctrico, Chicago, el 20 de Abril de 1958 y se crió en un suburbio industrial de Gary, Indiana. Su familia era de clase media, pero el ambiente en que se crió era propicio para que Gary se iniciara con  el blues. "Mi escuela secundaria preparaba  a la gente para trabajar en US Steel, Bethlehem Steel y Inland Steel. Nadie fue a la universidad, por el amor de Dios", dice. 
Su primer contacto con la música blues fue cuando escuchó la versión de Dave Edmunds de "I Hear You Knocking" en la radio. Al mismo tiempo, el último gran éxito de Chuck Berry "Mi Ding A Ling" llevó Primich a escuchar las grabaciones de Berry para Chess.

Y a pesar de que no fue apadrinado por los maestros, una vez que Primich  recogió la armónica en su adolescencia, se fue directo a las fuentes para  dominar el oficio. Estudió y absorbió los estilos de Sonny Boy Williamson I y II, así como Little Walter y Big Walter. Empezó a ir a los clubes en el West Side y el South Side de Chicago, y pronto estaba tocando en bandas a lo largo de Maxwell Street, la calle principal de blues urbano, al terminar de obtener su título universitario de la Universidad de Indiana.

Después dejó la escena del blues de Chicago y partió a Austin, Texas. Para sobrevivir consiguió un trabajo en la Universidad de Texas como electricista. "Fui a la Antone's nightclub y escuché la banda de  Otis Rush, a quien había oído muchas veces en Chicago, pero él nunca había sonado tan bien como lo hizo esa noche. A finales de 1980, formó la banda The Boys Mannish con el ex baterista de Frank Zappa,  Jimmy Carl Black. 

Luego de dos álbumes con la banda para el sello Amazing Records: "A L'il Dab'll Do Ya" y "Satellite Rock". Terminada esta experiencia grupal, Primich continuó su carrera solista. 
En 1992 publica también con Amazing Records, "My Pleasure". El álbum cuenta con una mayoría de canciones de creación propia y combina notablemente el blues, el R&B y el boogie. Puro blues recto de Chicago en el increíble estilo de la armónica de Gary Primich. 
En 1993, estrena "Hot Harp Blues" (Amazing). Un interesante trabajo donde combina el tradicional blues de Chicago con versiones de R&B de New Orleans. 



En 1994 es contratado por Flying Fish Records, sello con el cual edita dos álbumes: "Travelin Mood" (1994) y "Mr. Freeze" (1995). Este último álbum entrega toda la potencia clásica de Gary acompañado por Steve James (guitarra) y Jeff Minnick (batería). 
Para 1997 es convocado por Black Top Records donde graba también, dos álbumes. "Company Man" (1997) y "Botheration" (1999). 

Al igual que Paul Butterfield, otro armonicista que perfeccionó sus dotes en la escena de Chicago y dejó su huella indeleble en el crecimiento y desarrollo de un estilo musical propio y colectivo, Primich filtra sus raíces de blues a través de su propia conciencia para crear algo que es fiel a sí mismo y su propia visión. 
Incluso si Primich no se mostró a sí mismo como un músico de blues desplomado y pesaroso, también ha visto tiempos difíciles y problemas propios de un ser humano. Y su dedicación, su estilo y su carácter se expresan desde el fondo de su alma.  "Es importante que la gente entienda que empecé a tocar esta música porque me encanta el blues. No fue porque oí Stevie Ray Vaughan o vi algo maravilloso en la televisión. Toco esta música porque me enamoré de ella. Y toco  el blues con la armónica porque me conquisto el sonido que soy capaz de extraer de ella". 



En 2002 publica con Antone Records "Dog House Music" y en 2006 "Riding The Darkhorse" (Electric - Fi Records).  Sobre este álbum Primich relata "Estoy muy orgulloso de éste trabajo. Fuimos a un pequeño estudio en el sur de Austin y tratamos de capturar ese sonido directo y en bruto que tanto amo y que supe escuchar en las grabaciones de Chess y Sun Records en los años 50 y 60". 

Y en la gran tradición del blues, Primich fue un clásico músico de carretera, que tenía más de 200 presentaciones al año entre América del Norte y Europa. "Cuando yo tenía 18 años de edad, si usted me hubiera dicho que cuando cumpliera 43 años  tendría mi furgoneta Ford blanca, y mi propia banda, y que yo iba a ir dando conciertos por todo el país, habría dicho , 'ese será un sueño hecho realidad'. Estoy haciendo lo que siempre he querido hacer, que es estar en la carretera y haciendo mi propia música de la manera que me gusta y tocar  donde quiera que el destino me lleve".

Y el destino quiso que el 23 de Septiembre de 2007, la muerte se lo llevara al sufrir una sobredosis de heroína que consumía para combatir la depresión.

En 2012, Old Pal Records, publica "Just a Little Bit More ... with Omar Dykes". Su familia a reunido, en dos álbumes, este tributo a Gary.


"La familia del fallecido cantante de blues / armonicista Gary Primich ha anunciado la publicación de una recopilación homenaje de canciones propias ejecutadas por él en distintas presentaciones públicas.  ... con Omar Dykes, el entrañable amigo de Gary y que será comercializado por CD Baby. Para celebrar el lanzamiento del nuevo CD, se han previsto una serie de eventos especiales en Austin, incluyendo una actuación de muchos de artistas que acompañaron a Gary a lo largo de su carrera"..... (comunicado de prensa de la familia de Gary Primich). 



"Toda la música y los artistas que amo acaban encontrando su lugar en mi propio estilo. Todos los diferentes trozos y piezas que me gusta encontrar de ellos en mi propio estilo, logran generar este modo de tocar el blues. Es mi singularidad. Nunca he tocado igual que los demás. Mi objetivo es ser único. " (Vea la entrevista completa con Gary Primich Blues News Magazine No. 6-2006). 


lunes, 15 de febrero de 2016

0264. ROY GAINES - BLUESMAN FOR LIFE



Su hermano mayor es el saxofonista Grady Gaines, quien en los años 50 fue el director musical de la banda de Little Richard. T-Bone Walker lo presentó al escenario cuando tenía 14 años para tocar “Cold, Cold Feeling”. Ha hecho música para anuncios en la televisión y para bandas sonoras en el cine, “Bob, Carol, Ted & Alice” y “The Purple Color”. Ecléctico en su repertorio, ha cruzado las fronteras de todos los géneros, desde su pasión por T-Bone Walker a convertirse casi en un guitar hero, incluyendo sus incursiones en el jazz. Sus tres mitos de la guitarra han sido Charlie Christian, T-Bone Walker y Wes Montgomery. Importantísimo músico de estudio. Como sideman ha grabado con Big Mama Thorton, Little Junior Parker, Jimmy Rushing, The Jazz Crusaders, Ray Charles, Roy Milton, Albert King, Milt Buckner, Grady Gaines, Chuck Willis, The Prestige Blues Singers con Coleman Hawkins, Panama Francis, Bobby “Blue” Bland, Candye Kane, The Mannish Boys y recientemente con Elvin Bishop. Estuvo asociado con Billie Holiday, Brook Benton, Aretha Franklin y Big Joe Turner. Conmovedor en ocasiones, tal vez infravalorado y con gran dominio de la guitarra. Ladies and gentlemen, please welcome Mr. Roy Gaines !

Roy Gaines nació el 12 de agosto del año 1937 en Wascom, Texas, un pueblo a medio camino de la ciudad tejana de Marshall (lugar de nacimiento de Floyd Dixon y Omar Shariff) y Shreveport, Louisiana, lacuna de Leadbelly. En resumen, una región en donde siempre han surgido grandes bluesmen. Cuando tenía seis años toda la familia se fue a vivir a Houston. Fueron su madre y su hermano Grady quienes le animaron a que aprendiera a tocar el piano quedando enseguida fascinado por la música de Nat King Cole. Con 12 años Grady le había incorporado a su banda y enseguida Roy se percató de un hecho que le hizo abandonar el piano. Grady tenía un increíble sentido del espectáculo bajando desde el escenario a tocar el saxofón entre el público, lo que además le hacía tener muchísimo éxito entre las chicas. Roy se hizo su composición de lugar y llegó a la conclusión de que con un piano era improbable que pudiera repetir esa experiencia, por lo que se pasó a la guitarra. Desde su llegada a Houston repartía el diario “Houston Chronicle” por la mítica calle Lyons Avenue y se había hecho con unos ahorros. Con ese dinero se compró su primera guitarra, una KAY amplificada, llegando a su casa lleno de contento asegurando que iba a aprender a tocar la guitarra eléctrica como T-Bone Walker. Y qué acertado estuvo el chaval. El primer acorde que aprendió fue en Si Bemol con la ayuda de Clarence Holliman (músico también admirado por Johnny Winter) que trabajaba para Duke/Peacock como guitarrista de sesión. Más tarde recibiría unas breves lecciones de Steve Hester, un antiguo guitarrista de big band. 
En este aprendizaje le ayudó muchísimo el haber estudiado seis años piano por lo que en tres meses ya interpretaba canciones de los maestros tejanos T-Bone Walker y Clarence “Gatemouth” Brown, aunque poco a poco fue inclinando sus preferencias por el primero. En el nightclub Whispering Pines iba haciendo sus pinitos versionando tres o cuatro canciones de Walker. Cuando Roy tenía 14 años T-Bone Walker llegó a Houston. En esa época era el dios de la guitarra de blues. Iba acompañado de una gran banda y su presencia escénica era impresionante. Alguien le habló de un chiquillo de 14 años que tocaba como él, con la guitarra por detrás de la cabeza mientras cantaba. Roy se enteró y fue a ver su show al City Auditorium en el centro de Houston. Logró entrar saltándose la cola y divisó al maestro entre bastidores. Abriéndose paso se acercó y dijo: “Mr. Walker, Mr. Walker, me llamo Roy Gaines”. “Anda eres tú”, le respondió, “Quédate ahí y te haré subir al escenario cuando haya tocado dos o tres canciones”. Cuando le llamó le dijo “Vas a tocar con mi guitarra y yo voy a cantar. Me gustaría que tocaras la intro de Cold Cold Feeling”. Roy se sabía de memoria esa canción y cogiendo la Gibson entre sus manos temblorosas tocó sin más problemas. Esa actuación tuvo un gran impacto para Gaines ya que le salieron muchos trabajos en los que tocaba como T-Bone Jr. 

Dos años después, y siguiendo el ejemplo de Walker y otros tejanos como Amos Milbourn y Charfles Brown, se fue a vivir a Los Ángeles a casa de su hermana mayor. Allí ganó el Hunter Hancock Talent Show que le supuso un trampolín para su carrera ya que la cantante Mickey Champion le consiguió una prueba con Roy Milton para reemplazar a su guitarrista Junior Rogers. Así que con 16 años vemos a Roy Gaines en la carretera con la super banda de Milton y aprendiendo todos los trucos del oficio. Era una época en que podían hacer 30 o 40 shows seguidos en contraste con los tiempos actuales en que si el músico tiene trabajo 3 días a la semana es afortunado. Después de permanecer 2 años en Los Ángeles en los que llegó a coincidir con Johnny Guitar Watson, le surgió la oportunidad de desplazarse a Nueva York en donde tuvo la suerte de tocar con Billie Holiday, según Roy, uno de sus más bellos recuerdos.

Casi con total seguridad la primera grabación en la que figura Roy Gaines fue con Big Mama Thorton en el año 1955 en Houston para el sello Peacock de Don Robey. Los cuatro títulos fueron “How Come”, Laugh, Laugh, Laugh”, “You Don’t Move Me No More” y “The Fish” acompañados por la orquesta de Bill Harvey, al saxo tenor, y entre cuyos miembros se encontraba el trombonista Pluma Davis quien el año anterior también en Houston y para Peacock había compuesto y grabado con Clarence “Gatemouth” Brown el que sería el célebre “Okie Dokie Stomp”. 
Las dos siguientes sesiones en que intervendría a la guitarra Gaines fueron ese mismo año en la misma ciudad texana. Una de ellas fue con Bobby “Blue” Bland en la que se registrarían otros cuatro temas “It’s My Life Baby”, “Time Out”, Lost Lover Blues” y “Honey Bee”, acompañados de la Bill Harvey Orchestra y publicados por Duke, sello de Memphis del que había tomado el control Robey, Y entre el 22 y 26 de febrero grabó otras cuatro piezas con los Blue Flames de Little Junior Parker reemplazando a Pat Hare. Las canciones se titularon “Driving Me Mad”, “I’m Tender”, “Pretty Baby” y “There Better Be No Feet” en la que hay una voz femenina no identificada. Todavía realizaría una sesión más a su nombre en 1955 en Miami, con dos títulos para Chart.

Cuando aún estaba con Roy Milton, trabajaban para un promotor llamado Howard Lewis que les organizaba bastantes giras con la agencia Shaw de Nueva York. Entonces le invitaron a trabajar con Joe Turner, Ursula Reed y un trompetista llamado Joe Morris, primer trompeta en la big band de Lionel Hampton. Cuando Joe Turner estaba empezando a salir del circuito de los juke joint y los barrelhouses para fichar por Atlantic y empezar a darse a conocer en los grandes clubs, Joe Morris formó la primera orquesta para darle apoyo y allí se encontraba Gaines, en los inicios de la carrera del gran shouter. Fue también en Nueva York donde se asoció con el cantante de R&B Chuck Willis con el que grabaría para Atlantic en 1956 y 1957. Uno de los temas en que tocó la guitarra Gaines fue “C. C. Rider”, uno de los mayores éxitos de Willis y que era un remake del tema que había grabado Ma Rainey en 1924. Willis, que estaba en lo más alto de su carrera falleció en 1958 de una peritonitis. En esos años también fue el guitarrista de la banda de Brook Benton.

En los últimos años de la década de los 50 Roy Gaines continuó grabando en Nueva York con Herb Zane para De Luxe, Jimmy Rushing para Atlantic el LP “If This Ain’t The Blues”, Joe Benson para De Luxe,The Prestige Blues Singers con Coleman Hawkins para Swingville, Brownie McGhee para Savoy y a su propio nombre para De Luxe. Un amplio abanico de estilos en los que se encontraba Gaines como pez en el agua. Posteriormente en una entrevista Gaines explicaría cómo los músicos eran capaces de atreverse con cualquier género. “En esa época tocábamos la música creada por la comunidad: blues, gospel o jazz, así que conocíamos la música que hacían los otros. No era como hoy con todos esos estilos diferentes: cool jazz, cool blues y todo lo que tú quieras…. También los músicos de jazz podían tocar juntos. En el blues estaban los doce compases, los 8 compases y el A-A-B-A que es un blues con un puente. Todo el mundo podía tocar lo que quisiera y los ensayos eran un placer”. Roy Gaines también acompañó, de casualidad, a los Everly Brothers. Mientras residía en Nueva York tocaba con un grupo bastante popular en Nueva Jersey. El agente de esta banda les llamó porque los necesitaban para acompañar a los Everly Brothers a la parte francófona de Canadá donde tenían comprometidas unas fechas y no disponían de banda.


En 1961 participaría en Los Angeles en las sesiones que contribuyeron al primer LP de The Jazz Crusaders, “Freedom Sounds” todos ellos de Houston y amigos de la infancia. En 1964 actuó en el Monterey Jazz Festival acompañando a la sección de blues formada por BigMama Thorton, Big Joe Turner y Homesick James. Gracias a este festival conoció lo que él definió como la cara oculta de la música. Aprovechando el festival se matriculó en el conservatorio de Monterey. Anteriormente tocaba de oído aunque había escuchado mucha música de los discos y había tocado con Coleman Hawkins, Billie Holiday y Jimmy Rushing. Tras su aprendizaje en el conservatorio comenzó a trabajar de músico de estudio. Su función era, según sus propias palabras, como la de un mecánico que sólo intervenía si había problemas y además estaba muy bien pagado” por lo que no es de extrañar también fuera utilizado por Quincy Jones en sesiones para música de alguna película en el cine. Fue Quincy Jones quien le recomendó a Ray Charles que estaba buscando un guitarrista de blues. Gaines recibió un telefonazo de Joe Adams, el manager de Charles, para hacer una prueba en los estudios RPM, prueba de la que salió airoso. Ray Charles era muy meticuloso y quería saber lo que hacías, cuándo lo ibas a hacer y durante cuánto tiempo. Al ser ciego no se podía concentrar en el canto si intentabas eclipsarle y eso le ponía de mal humor. Es así que la recomendación que daba Roy Gaines a cualquier guitarrista que fuera a tocar con Ray Charles es que cuanto menos tocara mejor. Sólo tenía necesidad de alguien que supiera sentir y guardar el tempo, alguien muy atento y concentrado. El caso es que en el disco grabado en Los Angeles por Ray Charles en 1969 para ABC, “Ray Charles Doing His Thing”, Gaines fue el guitarra solista.

En los años 70 Gaines trabajó para la Tamla Motown con gente como Aretha Franklin, Marvin Gaye, Stevie Wonder y aunque asegura haber grabado algunas sesiones con estos músicos no ha sido posible seguir la pista exacta. Aseguraba haber grabado en el tema de Stevie Wonder “You Are the Sunshine of My Life” y en el LP de 1972 “Talking Boot” no figura su nombre al igual que tampoco hay constancia de que sea el guitarrista en el disco de Wonder de 1969 “My Chérie Amour”. Lo que sí está contrastado es que participó en algunos cortes de la banda sonora de la película de 1972 “Lady Sings The Blues” al igual que en el tema de Quincy Jones “I Need to Be Be’d With” para el film de 1969 “Bob, Carol, Ted and Alice”.

No es de extrañar que un músico de este calibre acabara grabando en Francia en algún momento. Febrero de 1975 fue un mes muy especial ya que se encontraban en el país vecino David “Panama” Francis, Milt Buckner y Roy Gaines. “Panama” Francis era un baterista de jazz que fue de los primeros en traspasar la línea hacia el rock y el R&B, grabando con Ray Charles, Buddy Holly y Sonny Terry y Brownie McGhee mientras que Milt Buckner fue un pianista de jazz que trabajó largas temporadas con la big band de Lionel Hampton además de haber sido uno de los pioneros en utilizar el órgano. El 3 de febrero se grabó el disco “Panama Story” para Black & Blue en Besançon, figurando a nombre de Panama Francis y con Milt Buckner, Roy Gaines y el saxofonista Big Nick Nicholas. El 20 de febrero pero ya en París, en los estudios Barclay, tuvo lugar la sesión a nombre de Roy Gaines, con Buckner, Francis y Gene “Mighty Flea” Connors al trombón, un músico que había estado en la orquesta de Johnny Otis. “Superman” fue el primer LP que grabó Gaines a su nombre y en el que encontramos dos canciones de sus leyendas de la guitarra, de Wes Montgomery “Bumpin’ At The Sunset” y “Stormy Monday Blues” de Walker. Black & Blue aprovecharía temas de este disco con sabor a T-Bone con otros del disco “Feelin’ The Blues” de Walker para sacar un álbum recopilatorio. La magia continuó al día siguiente en los mismos estudios. El turno le correspondió a Milt Buckner cuyo disco se publicó con el título de “Green Onions”. Al año siguiente, Albert King vio publicado por Tomato su disco “Albert”, grabado en Hollywood, California, y en el que aparecen tres guitarristas, Greg Poree, Jay Graydon y Roy Gaines, aunque encierra una gran dificultad conocer en qué temas interviene Gaines. 



The After Six Club........1985 Reunion Top Row: Lloyd Collier, Andrew Johnson, Ted Owens, James Walker, Walter Sampson, Roy Gaines, J. M. Grant and Arlandus ...

El 22 de abril de 1977, en el estudio Condorcet de Toulouse, Francia, tuvo lugar una sesión con Roy Milton de la que salió el álbum “Instant Groove” para Black & Blue con Roy Gaines compartiendo guitarra con Billy Butler.
Roy Gaines grabaría en 1980 un álbum un tanto curioso, acompañado de miembros colaboradores de los Crusaders como el músico de sesión de jazz de San Francisco, Barry Finnerty (en 1971 se habían cambiado de nombre The Jazz Crusaders), titulado “Gainelining”. Esta grabación se realizó en los estudios Underhill de Londres siendo publicado por Red Lightnin’. 

Gracias a Quincy Jones entró a trabajar en los estudios de Hollywood para la película de Steven Spielberg “The Color Purple”, realizando un trabajo de investigación del período 1900 – 1943, la época de los Blind Lemon Jefferson, Big Bill Broonzy y Sleepy John Estes. Hay al menos dos temas de la banda sonora en que Gaines toca la guitarra, “Don’t Make Me No Never Mind” (compuesta por él y en la que interviene John Lee Hooker) y “The Dirty Dozen”. Cuando Spielberg y Quincy se acercaron a escuchar la banda sonora, Quincy le propuso a Spielberg que Gaines podría tener algún pequeño papel en el film. Y así fue, apareció en la escena del juke joint. Más adelante haría publicidad para la televisión en anuncios de Kentucky Fried Chicken, AT&T, Coors Beer y Porsche (en este anuncio el coche está bajo la lluvia y Gaines canta Stormy Monday). 

Participó en el disco de su hermano Grady Gaines & The Texas Upsetters, “Full Gain”, para Black Top y grabado en Houston en agosto de 1987 y febrero de 1988. 
En octubre de 1987 grabó su primer álbum de jazz y blues “Going Home To See Mama” en los estudios Sunnyside de Los Ángeles. Este disco solo se encuentra disponible en LP y está editado por su sello Black Gold. Tras esta sesión vino un paréntesis de casi diez años en los que Gaines sólo se ocupó de su night club y su restaurante en Los Ángeles, aunque apareció en cuatro temas del disco de Candye Kane para Antone’s “Home Cookin’” grabado en 1994 y que representó el primer álbum para la ex-actriz. Vivió casi como un recluso para muy pocos resultados en sus negocios porque parece ser que perdió todo. Entonces su hija le dijo: “deberías grabar para todas las compañías que puedas ya que vas con retraso”.

En 1996 grabó para Black Gold “Lucille Work For Me!” con músicos de los Jazz Crusaders, como Wayne Henderson, Joe Sample y Wilton Felder. Para Gaines este es el mejor disco de todos los que llevaba grabados ya que en ninguno había alcanzado tal grado de satisfacción. Mientras tanto, su hija Carolyn Washington London, quien administraba sus negocios (Black Gold Records, un estudio de grabación y el restaurante/nightclub Gainevislle), le había conseguido algunos dos contratos que le hicieron grabar un par de álbumes. Uno para el sello inglés JSP aunque las sesiones tuvieron lugar en Los Ángeles en el mes de abril de 1998 y se llamó “Bluesman For Life” producido por Jimmy Morello. Contaba Gaines que durante las sesiones de este disco le vino a la cabeza una conversación que había tenido muchos años atrás con Little Willie John (el intérprete original de hits como “Need Your Love So Bad” y “Fever” en los años 50). Roy le había preguntado: “Willie, dime cómo conseguir un éxito. Todos los discos que tienes son hits en dos semanas. Dime tu secreto, necesito tener un éxito”. Willie replicó: “Roy,me gusta tu voz y cómo tocas la guitarra pero eso no lo es todo. Tienes que seguir grabando y si la magia aparece en el grupo verás los resultados en dos semanas”. 

El segundo álbum se registró el 13 de diciembre del año siguiente en Tokyo, Japón, para el sello P-Vine. La gente de P-Vine eligieron a los mejores músicos japoneses entre los que se encontraba el guitarrista Mitsuyoshi Azuma. Según Gaines esta sesión fue excepcional porque se grabaron 14 títulos en 4 horas. El cd lleva por nombre “Guitar Clashers from Gainesville, Tokyo”. Entre estos dos discos, Gaines grabó el 11 y 12 de agosto de 1998 “I Got The T-Bone Walker Blues” Oceane Way / Record One en California y que se puede encontrar editado por Groove Note. Es un trabajo, como su propio nombre indica, homenaje a las canciones de su maestro T-Bone, en el que realiza dos versiones de “Stormy Monday” siendo una de ellas una delicia de acústico.

El 7 agosto de 2000 en los estudios Omega de Rockville, Maryland, David Earl de Severn Records juntó un puñado de músicos, entre ellos Steve Guyger, Steve Gomes y David Maxwell, para el disco de Roy “New Frontier Lover”. En noviembre de 2001 fue invitado al festival de blues Lucerna y gracias a Crosscut se publicaría el cuarto volumen de laserie “In The House” con gran parte del directo. Randy Chortkoff de Delta Groove también echó mano de Roy Gaines publicando con su sello en 2003 el disco “My First TB Album” poniendo a su disposición músicos de la talla de John “Marx” Markowski, Leon Blue o Mitch Kashmar. Aprovechando esta relación, Randy incluyó a Gaines en un tema del disco presentación de The Mannish Boys, “That Represent Man” de 2004.  

En 2005 aparecería una recopilación de canciones que Gaines sacó en single en los años 50. El disco se llama“Rock-A-Billy, Boogie Woogie Blues Man” (Black Gold).
En 2005 también se reedita  el álbum "Going Home to See Mama" (Black Gold) que fue grabado en 1988.

El último trabajo registrado por Roy Gaines es "Tuxedo Blues" (Black Gold). En sus notas personales, con sus 73 años, Roy Gaines explica que se generó una deuda económica considerable haciendo este álbum . Invirtió todo lo que tenía que realizar su sueño de elaborar un gran disco de blues con su banda.
De la docena de canciones que componen el trabajo , la mitad fueron escritas o co-escritas por el propio Gaines. Aparte de una parte instrumental en "Rock With You" de Rod Temperton (originalmente popularizada por Michael Jackson), Gaines canta cada canción. 
Roy Gaines en el Central Avenue Jazz Festival. (2007) 

Para terminar,  unas palabras que están escritas por Roy Gaines en su disco “Lucille Work For Me!” y que parecen crípticas y un tanto enigmáticas.
"El Negro y el Blues son algo indestructible. El Blues posee silencio y el Negro goza de profundidad. El Blues tiene la paz y el Negro ostenta el conocimiento. Los dos llevan todo lo que llegaste a pensar que te pertenecía. El Blues te conduce completamente hasta dentro de lo desconocido mientras que el Negro lo hace dentro de lo misterioso. Para mí el Blues es uno de los más grandes misterios de la existencia, mucho más que cualquier otra forma musical que imagines. Aquéllos que temen al blues nunca podrán profundizar dentro de su propio ser. Darán vueltas, rodeos, mas nunca se alcanzarán a sí mismos. Y tiene que ser Negro y Blues, no Luz y Blues ya que la luz viene y va. Una vez que hayas descubierto el Negro y el Blues dentro de ti, habrás atrapado algo que es eterno, algo que es más de lo que conoces de la vida. Y la existencia está constituida de esta sustancia básica". 
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viernes, 12 de febrero de 2016

0263. JIMMY BURNS - JUKE, JUKE, JUKE




Cantante, guitarrista y compositor, Jimmy Burns es un músico de blues contemporáneo que combina sus raíces del Delta con R & B y el soul para llegar a un sonido únicamente suyo. Artista carismático con un expresivo y emotivo registro de voz y un estilo de guitarra melódico propio y original.

Con un agudo sentido de su herencia musical Burns ha creado un estilo optimista que ha sido bien recibido tanto en el país como en el extranjero. James Olin Burns nació en la plantación Hilliard,  cerca de Dublín, Mississippi el 27 de febrero de 1943, y fue atrapado por la música desde el principio. Amaba a los sonidos que salen de la iglesia, y el blues que escuchaba en las calles. Siendo el menor de doce hermanos Burns cantaba en la iglesia y aprendió a tocar la guitarra cuando aún estaba en el Delta, en la plantación de algodón Hilliard. Uno de sus favoritos en particular fue Lightnin 'Hopkins, que conoció a través de su hermano mayor, reconocido músico de blues de Detroit,  Eddie Burns,quien también tocó con John Lee Hooker durante dos años antes de comenzar su carrera solista. El padre de Burns, era un agricultor que a menudo realizaba presentaciones en show medicinales. 

Cuando Burns tenía 12 años  su familia se trasladó a Chicago. Al año estaba cantando con un grupo de gospel llamado The Gay Lites. La música secular también hizo una seña. Viviendo  la zona del North Side, se vio envuelto en la música de The Impressions and Major Lance que ensayaba en un parque cerca de su casa. En 1959, y en compañía en ocasiones de algunos de sus hermanos, cantaba en las esquinas de las calles con grupos vocales emulando los éxitos del momento de gente como The Spaniels, The Moonglows o The Del-Vikings, todos ellos grupos de R & B y doo-woop. No deja de ser curioso que Jimmy recibiera de un vecino suyo, llamado Zack Pierce y cantante de gospel, algunas clases de armonía y canto en lugar de intentar buscar ayuda para la guitarra. Sus buenas maneras con la voz le hicieron incorporarse  a un grupo vocal de doo-woop llamado The Medallionaires y con los que realizaría su debut discográfico para Alan Records  También colaboró con algunas grabaciones de John Lee Hooker. 

Con The Medallionaires dió soporte vocal al single que Jimmie Lee Robinson grabó en 1962 para el sello de doo-woop Bandera Records. Los dos temas del sencillo fueron “"Times Getting Harder" y "Twist it Baby". En aquellos años los grupos de Doo-Woop se jactaban de la novedad de su sonido aunque no eran tan diferentes a los músicos de blues que les habían precedido, dominaba mucho eclecticismo en ambos estilos. The Medallionaires, en concreto, no solo se dedicaban al doo-woop sino que actuaban en clubs con músicos de la talla de Brenda Lee, Count Basie o Anita Bryant. Poco a poco Jimmy Burns fue adaptándose a los nuevos estilos vocales que estaban creciendo en importancia. Su voz áspera y a la vez melodiosa de cantante soul encajaba perfectamente con la de gente como Odetta o un joven Richie Havens que empezaban a gozar del favor del público tras el redescubrimiento del folk blues. Jimmy Burns se convirtió en el pilar de salones como el Fickle Pickle y el Gate of Horn.

En 1964 llegaría la primera grabación a su propio nombre realizada en Chicago en los estudios Universal para el sello Tip Top aunque licenciado a USA Records. El single traía las canciones “Forget It” y “Through All Yor Faults” que actualmente se encuentran disponibles en CD en la recopilación “USA Records Blues Story” editada en 2002 por Fuel 2000 / The Orchard. 
El siguiente single sería para Tip Top en 1965, con “Give Her To Me” y “Powerful Love” y al año siguiente para el mismo sello grabaría otro single como Jimmy Burns & The Fantastic Epics, formación compuesta por Jimmy Burns, voz y guitarra, Bob Symek, teclados, Martin Dumas, guitarra, Bruce Butler al bajo y Lamont Turner a la batería. Los dos temas del disco se titularon ”You're Gonna Miss Me When I'm Gone” y “It Used To Be”. 

Como Jimmy Burns & The La-Casics también Tip Top también les publicó, en 1966 otro single, “I Don't Need (Your Help)” y “R & B”. A finales de los años 60, el sello Minit le editó otro single con los temas “I Tried” y “Did It Ever Cross Your Mind”

Entrada la década de los 70 y de nuevo con el nombre de Jimmy Burns & The Fantastic Epics vería publicadas las canciones “Can't Get Over” y “Where Does That Leave Me”, en esta ocasión por Dispo Records en 1971 y, por último, al año siguiente y para el sello británico ERICA, aparecería el single con los títulos “I Really Love You” y “I Love You Girl”.
                           Jimmy & Eddie Burns

Jimmy Burns aseguró siempre que nunca había recibido ninguna gratificación económica por  estos trabajos, salvo  250 dólares que le pago un DJ británico por el ejemplar de uno de sus primeros singles. Tras algunas incursiones en el campo del soul regresó al blues en los años 70 trabajando como artista en los clubs como solista a media jornada ya que con solo los ingresos que la actividad musical le proporcionaba no podía sostener a su familia. Alguno de estos clubs fueron el mítico Pepper’s Lounge y el salón del que era propietario el armonicista Little Mac Simmons. A finales de los 70 montó una banda con Larry Taylor, hijo de Eddie Taylor. Es de destacar su faceta de compositor que viene desarrollando en esos años 70 en los que no dejó de tocar en los clubs del West side y del North side. Las nuevas generaciones de aficionados eran más eclécticos y no les importaba tanto escuchar incursiones en el soul, el funky o, incluso, el doo-woop, y ahí se encontraba Burns. 

En los 80, además de regentar un restaurante barbacoa en el West Side, conoció y unió sus fuerzas con la banda del guitarrista Glen Davis y en los años 90 entró en contacto con la banda del joven Rockin’ Johnny Burgin & The Lazy Boyz que acostumbraban a tocar en los clubs de negros de Chicago. Rockin’ Johnny Burgin  que había actuado y / o grabado con Jimmie Lee Robinson (“Chicago Jump” y “The Lonely Traveller”), Tail Dragger, Jimmy Dawkins y John Brim. De esa manera Jimmy regresó a la música de un modo profesional. 

"Hay algo con la guitarra y el blues que está muy ligado, que no sé cómo explicar. Claro que hay gente que toca otros instrumentos y que hace muy buenas canciones de blues, pero la guitarra es la reina. Y mi estilo es bien sencillo. Yo soy el ancla que mantiene todo estable, y dejo que los demás hagan solos". 

En 1995 estaban tocando en el Smokedaddy Barbecue del North Side y Bob Koester de Delmark Records llegó a un acuerdo con ellos para grabar un disco con la formación base que actuaba regularmente en el club, entre los que se incluían el armonicista Martin Lange y el bajista Sho Komiya, miembros antiguos de The Lazy Boyz. El álbum se tituló “Leaving Here Walking”y se grabó en abril de 1996 utilizando parte del equipo antiguo de los viejos estudios Chess así como la técnica, ya pasada de moda, de grabar un par de tomas de cada canción eligiendo la más potente para su publicación. De ese modo se capturó el ambiente y el espíritu de sus actuaciones habituales. El álbum tuvo muy buena acogida y críticas y tuvo dos nominaciones para los W C Handy Awards, lo que animó a Jimmy Burns a grabar un segundo disco lleno de imaginación y creatividad, con 10 de los 14 títulos composiciones propias incluyendo un tema reminiscencia de la época del doo-woop. 
El álbum se llamó “Night Time Again” (Delmark) siendo grabado en diciembre de 1998 y enero del siguiente año. En esta ocasión el segundo guitarrista fue el antiguo miembro de los Teardrops, Michael Dotson. 

En el número de la revista Living Blues correspondiente a marzo-abril de 2001 apareció en portada una foto de Eddie y Jimmy Burns con la definición de The Real Blues Brothers. Bob Koester, de Delmark Records, reunió a los dos hermanos y en septiembre de ese año grabaron el disco “Snake Eyes” que tampoco supuso ninguna novedad en su música aunque incluyeron un tema unplugged con sus guitarras. 

En octubre del año siguiente Jimmy Burns entró de nuevo en el estudio para publicar su tercer trabajo para el mismo sello, “Back To The Delta” un disco bastante parecido en concepto a los dos anteriores ya que su música está basada en los aromas del Mississippi y el estilo urbano de Chicago en ocasiones con unas pinceladas de soul ya que no puede renunciar a sus tiempos pretéritos. El disco se compone de 16 canciones con dos secciones rítmicas diferentes, en los nueve primeros temas Ron Lasken al bajo y Greg Haar a la batería hacen el backline junto con Kevin Shanahan a la segunda guitarra y en las restantes Nick Charles, que fue bajista de la última banda de Valerie Wellington y el sobrino Larry Taylor a la batería. 

En 2005, Blue Suit Records de Toledo, Ohio, que en 1989 había publicado a Eddie el álbum “Detroit” reunió también a los dos hermanos para grabarles en la ciudad de Holland del mismo estado el CD “2nd Degree Burns” con la compañía de Frank Bryant al bajo, Bobby Welch a la batería y Joe Hunter antiguo mimebro de la legendaria banda de estudio de la Motown, The Funk Brothers.

A Jimmy Burns le faltaba un disco en directo y siguiendo la tradición que ha puesto en práctica Delmark, el 13 de agosto de 2006 se grabó en el B.L.U.E.S., club mítico que lleva operando desde 1979, lo que sería el álbum “Live At B.L.U.E.S.” con una formación distinta y Jesse Fortune como invitado especial a la voz en el tema “Three O’Clock Blues”. Burns hace un repaso a sus temas más elocuentes de los discos anteriores destacando sobre todo “Leaving Here Walking”, canción autobiográfica y de las primeras que escribió. 

En 2011 grabó para VelRone Records, el álbum "Stuck In The Middle". La canción más conmovedora en el álbum, “Reach for the Sky” , fue escrita por Félix Reyes, como una oda a su difunto amigo y protegido, Sean Costello. Jimmy dedica la canción a su esposa, Dorothy, que murió de cáncer en 2010. El patetismo y la seriedad de la voz de Jimmy se compensan exquisitamente por el acompañamiento rítmico de Herrero en la guitarra acústica y Parker en las congas.

En Octubre de 2012 visitó por primera vez Argentina volviendo luego otra vez en 2014.
En diciembre de 2012 falleció su hermano Eddie de un paro cardiorespiratorio. 

En 2015 publica su quinto álbum con Delmark. “It Ain’t Right” nos ofrece su extensa capacidad para interpretar blues y soul con sonidos muy afincados en la tradición del profundo Mississippi, recorriendo en una serie de versiones un camino interesante y testimonial. Estas canciones son relevantes, reveladoras e inspiradoras, cargadas con un gran sentido colectivo. Aunque un músico pueda interpretar una melodía escrita por otra persona, tiene que saberle dar su enfoque y en esto Jimmy Burns lleva las de ganar, sabe cuál es el mensaje, lo tiene claro y sabe difundirlo. “It Ain’t Right” muestra el considerable talento de Jimmy Burns, aunque tiene un par de descaches, es una buena adición a su genial catálogo. La grabación es de primera clase por su calidad de sonido. El orden de las pistas está bien considerada, con la pista de cierre, "Wade in the Water" un buen gospel tradicional. 


"No es que no toque blues, sí lo hago, pero ese estilo no es excluyente en mi identidad como músico. Si escuchas mis discos, te darás cuenta que hay mucho R&B y soul. Mi disco, Stuck in the middle, es un buen ejemplo de eso. Por otra parte, el `sonido Chicago` consta básicamente de unos músicos del delta del río Mississippi que grabaron sus discos en esa ciudad. Ese es el sonido de Chicago. En realidad, es imposible tocar blues sin tener como referencia la música del delta. No hay atajos"  

jueves, 11 de febrero de 2016

0262. SMOKEY WILSON - DIMPLES




Smokey Wilson es considerado como uno de  los tesoros más valiosos e irremplazables de los Estados Unidos. Nacido en Glen Allan, Mississippi en 1936, Robert Lee "Smokey" Wilson aprendió los blues al lado de las leyendas  Elmore James, Jimmy Reed, Howlin 'Wolf y BB King.
Su infancia transcurrió en Lake Village, Arkansas. Cuando niño, tuvo que conformarse con una guitarra armada con un palo de escoba y algunos alambres  hasta que su madre le compró su primera acústica a los trece años, para satisfacer el deseo ardiente de Smokey de dedicarse a tocar blues. Él pronto sería conocido como "Smokey Mississippi" alrededor de su ciudad natal. Estando cerca de Greenville (lugar que fue un semillero de actividad de músicos de blues)  dio inicios a su carrera como "bluesman". Artistas como Little Milton, Frank Frost, Sam Carr, Big Jack Johnson, junto con Smokey, se nutrieron en los juke joints alrededor de Greenville. Smokey tocó la batería y el bajo en la banda de su hermano mayor, hasta que pudo superar a su hermano en la guitarra. En 1961, conformó una banda que se llamó  "Little Robert and the Soul Searchers"  y recorrió los juke joints y los clubes del Sur con Roosevelt "Booba" Barnes en la armónica.

Después de la muerte de su madre en 1970, Smokey partió al oeste de Los Ángeles, donde la escena del blues seguía creciendo sustancialmente. 
Tocó en varios clubes y se convirtió en uno de los dueños del Casino Club, donde realizó presentaciones regularmente.

                    En el Pioneer Club, durante 1981

Después (1972)  abrió el Pioneer Club, en las afueras de Watts y Smokey recuerda con orgullo que lo mantuvo lleno durante veinte años. Entre los artistas destacados que regularmente concurrían al club se incluyen Big Joe Turner, Pee Wee Crayton, Shakey Jake, Big Mama Thornton, Percy Mayfield, Johnny Dyer, Albert Collins y George "Harmonica" Smith. El Pioneer Club también proporciona un campo de pruebas para muchos artistas jóvenes, aspirantes a "bluesman" como Rod Piazza, William Clarke y Hollywood Fats.

Antes de comenzar una fructífera asociación con Rod Piazza, Smokey Wilson grabó un par de álbumes con  el sello Big Town Records (que luego fueron reeditados por P-Vine): "Blowin 'Smoke" (1977) y "Sings the Blues" (1978). 
Hizo su show en el "San Francisco Blues Festival ' en 1978.

La asociación con Rod Piazza lo llevó a un contrato de grabación con Murray Bros.Records que lanzó un álbum titulado "88ª Street Blues" en 1983. Ese álbum fue reeditado en CD, con tres temas inéditos, por el sello  Blind Pig Records, en 1995. Producido por Rod Piazza, cuenta con algunos covers de temas de John Lee Hooker, Elmore James y Howlin' Wolf y las creaciones  de Smokey. 

Realizó tres presentaciones  en el 'Long Beach Festival Blues' (  1980, 1981 y 1999) 
En 1990 grabó el álbum ""Smokey Wilson With the William Clarke Band" que fue publicado después de la muerte de Clarke. Ambos tocaban con frecuencia juntos en el Pioneer Club y su estrecha amistad se refleja en la interacción de ambos, recuperando el roots music del sur del Mississippi.

En 1993 fue contratado por Rouder/ Bullseye Blues Records, grabando con el sello tres álbumes: "Smoke N' Fire" (1993), expresando en sus canciones la tradición del downhome blues del Mississippi; "The Real Deal" (1995) incorporando algunas sesiones de swamp y "The Man from Mars" (1997), con ocho canciones de creación propia. Las letras de Smokey son sencillas y directas, haciendo hincapié en el simple dolor y placer de la vida. Este álbum centra toda su atención en el  electric blues. No se encontrarán baladas de soul, no hay rock-blues, hay blues-board. Una línea recta hacia el blues del Delta. Blues lentos en Louise, Black Widow y Doctor Blues. Y temas arraigados en la pura tradición blusera como Too Drunk To Drive, You Don't Drink What I Drink, y Don't Want To Tangle With Me. Este trabajo obtuvo varias nominaciones al Handy Awards de 1997.
En diciembre de 1996 hizo su primera aparición en Francia, Bagneux, en sustitución de Joe Hughes que se retiró una semana antes del concierto, lo que reportó una interesante difusión entre grupos de blues novatos de Europa.
      En Francia, en diciembre de 1996, con Jaques Perin

El estilo de Smokey Wilson es difícil de clasificar. Poseedor de una voz poderosa, que puede bramar como lobo o destilar tranquilidad como BB King, la guitarra de Smokey es igualmente diversa recorriendo el blues a  través de los estilos de Elmore James y Jimmy Reed ,  luego pulidas en el blues urbano. 
Los años de éxito de Smokey en el Pioneer Club no ayudaron a que su reputación musical se extendiera fuera de la  Costa Oeste. Ese trabajo lo imposibilito de realizar giras y exponer su talento como bluesman.  Sin embargo, fue capaz de alejarse del club el tiempo suficiente para constituir lo que fue el Long Beach Blues Festival y participar en una presentación en los especiales de "PBS" (televisión) junto a John Lee Hooker y Robert Cray.

En 1999 publica un álbum grabado en Japón, "Smokey Stack Lightnin", y el 2003, P-Vine Records, recupera las grabaciones (publicadas e inéditas) que Wilson había grabado con Big Town. 
También en el 2003, y aunque estuvo alejado de los estudios durante bastante tiempo, Andy T. recupera en el álbum "Ready to Roll", el resultado de una serie de sesiones de grabación realizados con  " The Andy T. Band".


Smokey Wilson, sin ser un innovador y un estilista, fue un músico de blues genuino, con una presencia en el escenario irresistible y una gran humanidad. Murió en su cama durmiendo,  8 de septiembre de 2015.