100. ERIC CLAPTON - BEFORE YOU ACCUSE ME

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A mediados de los años sesenta, debido a su habilidad con la guitarra y muy a su pesar, comenzó a hacerse famosa la frase "Clapton is God" (Clapton es Dios). Aunque dicha afirmación nos pueda parecer exagerada lo que sí es justo reconocer es que a lo largo de los más de cuarenta años de carrera, la influencia de Eric Clapton en la evolución de la música rock y de la figura del guitarrista es enorme. Durante todos esos años llenos de altibajos, siempre estuvo al lado de la música que más pasión despertó en él desde niño: el blues.

Eric Patrick Clapton nació el 30 de marzo de 1945 en Ripley (Inglaterra), hijo ilegítimo de Patricia Clapton y un soldado canadiense destinado en su país, Edward Fryer. Creció en la casa de sus abuelos convencido de que eran sus padres. No sería hasta los doce años cuando su madre reapareciera y descubriera la verdad. Con el paso de los años se mostró cada vez más interesado por las artes y comenzó a entusiasmarse por la música después de escuchar a gente como Elvis Presley o Buddy Holly y sobretodo, a músicos de blues como Muddy Waters, Howlin´ Wolf o Big Bill Broonzy.



Con dieciséis años ya dedicaba la mayor parte del tiempo a practicar con la guitarra. Dejó los estudios para trabajar en la construcción y cuando logró ahorrar una buena cantidad de dinero, compró una nueva guitarra y comenzó a tocar en clubs de folk por las noches.



Aunque su primera banda fue The Roosters, el éxito de verdad llegó cuando entró a formar parte de los Yardbirds a finales de 1963. Poco tiempo después, en 1965, desilusionado por el camino que estaba tomando la banda alejándose del blues, entró a formar parte del grupo de John Mayall, The Blues Breakers. Con ellos grabó un álbum que lo catapultó a la fama y que aun hoy sigue siendo uno de los discos más importantes del blues británico. Fue en este trabajo donde cantó por primera vez un tema en solitario, "Rambling On My Mind" de Robert Johnson.



Un año después, deja el grupo de John Mayall y forma junto a Jack Bruce y Ginger Baker el primer gran grupo de la historia del rock: Cream. Durante 3 años y después de varios discos y multitudinarios conciertos, el grupo se separó debido a las enormes tensiones existentes entre sus miembros.



En 1969 inició un nuevo proyecto bajo el nombre de Blind Faith junto a Steve Winwood, que tuvo como único fruto un disco y una gira americana. A comienzos de la década tocó en la banda de Delaney And Bonnie y grabó, por fin, su primer disco en solitario titulado "Eric Clapton".



En 1970 forma otro nuevo grupo al que llamó Derek And The Dominos. Con ellos publicó el mejor disco de toda su carrera, "Layla (And Other Assorted Love Songs)" dedicado a la mujer de George Harrison con la que se casaría más tarde. A pesar de su calidad musical en su día no tuvo el éxito que se merecía y pasó casi desapercibido. En este año, tras la muerte de su padre y de su amigo Jimi Hendrix, Clapton comenzó una adición a la heroína que lo tuvo apartado de la escena musical durante dos años.



En enero de 1973, tras una exitosa terapia, superó los problemas con las drogas y animado por músicos como Pete Townsend, reapareció en un concierto celebrado en el Rainbow Theatre de Londres.



En 1974 retoma su carrera en solitario con la publicación de "461 Ocean Boulevard" que lo llevaría a lo más alto de las listas americanas. A partir de este momento la personalidad artística de Clapton comenzó a afianzarse y de esta manera arrancó una producción propia con mayor o menor fortuna con discos como "There´s One In Every Crowd", "EC Was Here", "No Reason To Cry" y sobretodo "Slowhand" que llegó a vender 3 millones de copias. Eran los tiempos en los que precisamente su apodo más conocido, "mano lenta", cobraría mayor fuerza. Su estilo mitad rock mitad blues, enganchó a millares de fans que agotaban las entradas de cualquier ciudad donde tocase.



Sus siguientes trabajos hasta comienzos de los años ochenta mantuvieron firme su status, pero a lo largo de esta década, debido en parte a sus nuevos problemas (ahora con el alcohol) y al fracaso de su matrimonio, fue cuando perdió la referencia que lo había guiado en los años anteriores y comenzó a ser olvidado por el gran público.

 Sin embargo, en 1989 gracias a la publicación de "Journeyman" (que recibió varios premios incluyendo su primer Grammy) y del recopilatorio "Crossroads" (que llegó a ser disco de platino) la figura de Clapton consiguió volver a la de los mejores tiempos.



Cuando todo parecía ir bien, de nuevo se cruzaría la tragedia en su camino en 1991, cuando su hijo de tan sólo cuatro años muere tras caer al vacío desde una ventana de un rascacielos de Nueva York. Un año después, grabó un concierto acústico para la cadena de televisión MTV que se publicó en agosto bajo el título "Unplugged" y que contiene éxitos como "Tears In Heaven", dedicado a su hijo recientemente fallecido. Este álbum ganó 6 premios Grammy y vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en su trabajo de mayor éxito comercial.



En septiembre de 1994 publica "From The Cradle", su primer disco completo de blues. Este trabajo fue otro éxito rotundo y le valió para ganar un nuevo Grammy y vender más de 3 millones de copias sólo en los Estados Unidos, convirtiéndose en el disco de blues más vendido de la historia. Sin duda uno de sus trabajos clave dentro de su discografía.



Después de la publicación de otros dos recopilatorios de su mejor etapa en los años setenta ("Crossroads 2" y "Blues") volvió de nuevo a sus raíces cuando, en el año 2000, consiguió cumplir uno de sus sueños: grabar junto a B.B. King. El disco llevó por título "Riding With The King".



Arropado más que nunca por el blues, en el 2004 publicó un nuevo disco bluesero esta vez homenajeando a uno de sus ídolos (Robert Johnson) "Me And Mr. Johnson", que tendría una secuela posterior en forma de cd y dvd titulado "Sessions For Robert J.".



La carrera de Eric Clapton aun sigue su curso. Una carrera en la que el sentimiento blues siempre estuvo y estará presente como parte de su personalidad. Como bien dijo en una entrevista, hace ya unos cuantos años: “Durante la mayor parte de mi juventud supe que iba a vivir acorralado y que la única forma de sobrevivir era la dignidad, la valentía y el orgullo. Eso fue lo que descubrí en la música, sobretodo en el blues, porque en el blues siempre habla un individuo que está solo. Es un hombre que se enfrenta al mundo nada más que con su guitarra. Es un hombre que está completamente solo. Es un hombre que no tiene otra alternativa que cantar y tocar para aliviar su dolor".

http://www.ericclapton.com/?frontpage=true#

CURIOSIDADES:

Corría el año de 1966 y Cream, banda inglesa conformada por Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton, ya demostraba ser una de las mejores bandas de rock de la historia: Ginger Baker era considerado el mejor baterista de jazz del mundo, Jack Bruce el mejor bajista de blues del mundo y Eric Clapton simplemente era considerado un “Dios” al tocar la guitarra. En septiembre de ese año, pero al otro lado del mundo, en Nueva York, Estados Unidos, Chas Chandler, ex bajista de la banda británica The Animals, se había convertido en representante de diversos artistas. Una noche acudió a un club neoyorkino y descubrió a un tipo “medio gro y medio irlandés”, Jimi Hendrix, un joven que tocaba sólo en bares del Greenwich Village, una área residencial en el lado oeste de Manhattan en Nueva York, y quien a pesar de no ganar mucho dinero, ya había logrado la aprobación del público al obtener un gran número de seguidores.

Cuando el staff, los productores y gente allegada a Cream se percató de que la petición de subir a tocar con la banda era enserio, se preguntaron quién era el americano que quería subir a tocar con los que, hasta entonces, eran los dioses de la música. Bruce cuenta que lo invitaron al escenario para que interpretara “Killing Floor”, una de las canciones preferidas de Clapton por la dificultad que tenía; dicen que fue sencillamente impresionante: Hendrix tocaba como nadie había visto, maniobraba su instrumento en la espalda, con los dientes… y la gente se entregó ante aquel tipo, Hendrix la tocó.

Al ver su presentación, cuentan que Clapton simplemente dejó de tocar, bajó su guitarra y abandonó el escenario; rendido, permaneció alucinado con los brazos caídos al ver como Hendrix interpretaba uno de los temas que consideraba de los más complicados; incluso cuentan que lo vieron nervioso detrás del escenario, en trance por lo que acababa de ver. Chandler afirma que al salir tras el guitarrista para saber si necesitaba algo, lo vio sentado tratando de prender un cigarro con las manos temblorosas, entonces Clapton lo miró a los ojos y dijo: “¿Realmente es así de bueno?”. con excesiva facilidad. Hendrix simplemente estaba alegre por haber tocado en una jam session con tres de los mejores músicos de la historia; historia en la que Jimi empezaba oficialmente su carrera, la que terminó con su muerte, cuatro años mas tarde. Pero a pesar de lo fugaz que resultó su paso por las notas de la música, aquel día lo recordarían como en el que Hendrix mató a Dios, Eric Clapton.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- John Mayall´s Blues Breakers With Eric Clapton

- Layla (And Other Assorted Love Songs)

- 461 Ocean Boulevard

- Slowhand

- Just One Night

- Crossroads

- Unplugged

- From The Cradle

- Crossroads 2: Live In The Seventies

- Blues

- Riding With The King

- Sessions For Robert J.

0099. BILLY BOY ARNOLD - WORK SONG

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"Arnold es un proveedor potente, innovador y maestro certificado del blues de Chicago, sonido creado por Muddy Waters y Little Walter. Combinando sus voces soul con riffs de armónica y conmovedoras canciones, la maestría musical de Arnold autentica su lugar entre los más destacados armonicistas de blues de la historia ". 

- Blues Revue

Con la publicación de Back Where I Belong, Alligator Records, Arnold se restableció firmemente como uno de los profesionales más destacados en los clásicos del blues de Chicago. El sollozo de su armónica y su voz soul son un complemento perfecto para su composición callejera. La combinación del Delta Blues con cierta elegancia urbana,  no sólo define el sonido de Arnold, sino  también que es  una contribución significativa para los día de formación del rock and roll.  Sus primeros trabajos con Bo Diddley y sus singles altamente influyentes en la década de 1950 (incluyendo I Wish You Would and I Ain't Got You ), le trajo un poco de atención local, pero nunca recibió el reconocimiento que justamente merecía. 

Con Eldorado Cadillac (1995) Billy Boy Arnold expone al público su gratificante sonido del blues tradicional. El álbum comienza con una reinvención de los éxitos de  Vee Jay, I Ain't Got You.  

 Billy Boy Arnold nació en Chicago el 16 de septiembre de 1935. A diferencia de los muchos artistas de blues que emigraron a Chicago desde el Sur, Arnold se encuentra entre la primera generación de músicos de blues  nacidos y criados en la ciudad. Él se enamoró del blues a una edad temprana y fue impresionado por los primeros registros de Sonny Boy Williamson. En 1948,  Billy se enteró de que Williamson vivía cerca de su hogar, y se dispuso a encontrarlo. "Para mí, esto era un deseo que quema; quería ser como Sonny Boy", recuerda Billy. Williamson quedó entusiasmado con el modo de tocar la armónica de Billy Boy. Poco después de su tercer encuentro, Williamson halló la muerte prematura.

 Pero las pocas visitas fueron suficientes para que Billy se decidiera a  convertirse en un músico de blues. En los años siguientes, Arnold se hizo amigo de muchos de los bluesman locales, y comenzó a aprender todo lo que pudo sobre la tradición del blues sureño. John Davis, Big Bill Broonzy, Memphis Minnie, Muddy Waters, Johnny Jones, Johnny Shines, Otis Rush, Little Walter, y Earl Hooker jugaron un papel en la educación musical de Arnold. En 1952, el adolescente Billy consiguió su primer contrato de grabación Cool Label de Chicago. Con su primer disco que se llamó "Billy Boy Arnold"  se dio percató  de que tenía un apodo. "No me gustaba al principio," recuerda Billy Boy, "yo quería ser un hombre."  Cuando todavía era un adolescente, Arnold conoció a un joven aficionado a la calle llamado Ellis McDaniel (Bo Diddley) a quien más tarde convocó para una audición para Chess Records. En 1955, grabaron juntos varias canciones que tuvieron cierto éxito.

El futuro parecía muy brillante, pero Billy no quería ser un acompañante. Él quería hacer discos bajo su propio nombre. Después de un malentendido con Leonard Chess (Bo Diddley a Leonard que Arnold no le gustaba), Arnold cruzó la calle a las oficinas de VeeJay Records, donde se firmó con prontitud. Grabó "I Wish You Would" , y rápidamente se convirtió en un éxito regional. 

Recorrió todo el sur de Chicago con  Little Walter y Junior Wells.  Incluso el gran Muddy Waters enalteció el trabajo de Arnold. "Hiciste un buen historial", dijo Waters.

Con sólo 20 años de edad, se había ganado el respeto de muchos bluesman que tenían éxito en Chicago.

 Su álbum debut en 1963 "More Blues From the South Side"  para  Prestige Label, sigue siendo un clásico. Cuando los conciertos comenzaron a decrecer consiguió empleo como conductor de autobuses de Chicago y más tarde como oficial de libertad condicional del Estado de Illinois. 

 A mediados de la década de 1960, la primera generación de bandas de blues británicos estaban aprendiendo de sus  singles editados por VeeJay. The Yardbirds y The Animals tenían entre sus éxitos canciones de Billy Boy. Más tarde, The Blasters y David Bowie también tocaron sus canciones. 

Este  interés llevó Billy Boy a realizar  giras por Europa teniendo especial participación en los conciertos del festival estadounidense durante durante los años 1970, 1980 y 1990. 

Con el lanzamiento de Back Where I Belong en 1992, Billy Boy Arnold disfrutó el mayor éxito de su carrera. "Muy recomendable", reconoció Time Jazz . "Triunfante", agregó Billboard . Opiniones favorables aparecieron en  revistas y periódicos de costa a costa incluyendo  Rolling Stone , Audio , CD Review , Living Blues , Blues & Rhythm , The Chicago Tribune y The Washington Post .

Después de seis años de calma en las grabaciones, grabó un homenaje a Sonny Boy Williamson, The blues soul of Billy Arnold, en 2014 y ese mismo año fue nominado al premio Blues Music Awards en la categoría "artista masculino de blues tradicional".

0098. JOHN MAYALL - A BIG MAN

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Como pieza fundamental del blues británico, John Mayall es mucho más conocido por su papel como líder de banda o como formador de otros músicos que como intérprete. A lo largo de los años 60, su banda fue como el acto de graduación de muchos de los grandes músicos de blues ingleses, como Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor entre otros, quienes luego pasarían a formar Cream, Fleetwood Mac y The Rolling Stones, respectivamente.

Nacido cerca de Manchester en 1933, John fue parte de la generación reclutada por el Ejército Británico para la Guerra de Corea. De vuelta en Manchester fue a la Escuela de Arte y armó una banda, The Powerhouse Four. El padre de John era  guitarrista y su extensa colección de discos de blues y jazz proporcionó semillas fértiles para el crecimiento musical del británico.

El personal de Mayall casi siempre ha opacado sus habilidades. Haciendo su mejor esfuerzo para interpretar el blues Chicago, Mayall ha escrito todo su material propio, ha variado infinidad de ocasiones de formación y constantemente ha experimentado con otros formatos de banda, destacándose sus trabajos acústicos de finales de los años 60.

Mayall se trasladó de Manchester a Londres en 1963, siguiendo el consejo de Alexis Corner. Allí comenzó la ruta de los Bluesbreakers, llegando a contarse cerca de 15 formaciones diferentes entre 1963 y 1970. El debut de Mayall fue a comienzos de 1964 y a finales de ese año tenía su primer disco, con un sonido más parecido al rhythm and blues de The Animals, pero luego dio un giro hacia el blues con la llegada de Eric Clapton en 1965, quien había dejado a los Yardbirds para tocar estrictamente blues y los Bluesbreakers le daban esa libertad.

                                       Harry Muskee, Eddy Boyd, John Mayall           

                              

Para comienzos de 1966 la banda grabó con Decca lo que ha sido su principal trabajo, el cual estableció a Clapton como uno de los grandes guitarristas del momento. A mediados de ese año Clapton dejó la banda y formó Cream, ingresando Peter Green en su reemplazo, quien supo manejar el influjo de Clapton y se ganó el respeto del público. Pero ese talento no podía quedarse para un músico acompañante, así que Green abandonó el grupo en 1967 e integró Fleetwood Mac.

Entonces Mayall enlistó al joven guitarrista Mick Taylor, con quien los Bluesbreakers pudieron mantener su nivel de popularidad, a pesar de moverse hacia la fusión del blues, el jazz y el rock, con la adición de un grupo de vientos, orientándose también hacia un sonido acústico. Taylor, el último de los tres grandes guitarristas que tuvo Mayall, pasó a mediados de 1969 a los Rolling Stones. Justo en esa época el mercado de Estados Unidos comenzó a abrirle las puertas a los Bluesbreakers, haciendo que John Mayall se trasladara a Los Ángeles.

Ya en Estados Unidos, Mayall continuó con su popularidad. Su banda no ha sido estable, tanto que grandes músicos del blues de ese país han pasado por sus filas, como el guitarrista Harvey Mandel o el bajista Larry Taylor. Aunque en los años 70 grabó muchos discos, éstos no pudieron tener la misma calidad que los publicados en la década anterior. En los años siguientes vinieron algunas colaboraciones con artistas invitados, algunos de los cuales fueron miembros de los Bluesbreakers.

En varios álbumes Mayall explora fusiones con poco éxito  comercial, pero en 1982 Mayall partió  en una gira mundial con tres conocidos de Bluesbreakers, Mick Taylor, John McVie y el baterista Colin Allen. En 1985 constituyó una banda  simplificada con las guitarras de gemelas de  Coco Montoya y Walter Trouth, grabando 'Live Behind the Iron Curtain' en Hungría y luego el álbum de estudio 'Chicago Line'. Este retorno al blues clásico  se amplió con  'Wake Up Call" en 1993 y contó Buddy Guy, Mavis Staples y Mick Taylor. 

Otros trabajos  han incluido grabaciones con John Lee Hooker y Otis Rush.

 El álbum 2002 'Stories' se colocó entre los primeros en las listas de blues.

BIG MAN BLUES

Treinta y ocho minutos son suficientes para volverse a encontrar con la leyenda del blues británico, así sea en un disco que ha sido editado varias ocasiones con diferente nombre. Esa es la realidad, “Big Man Blues” es el mismo “The Adventures of John Mayall”, “Why Worry”, “Road Show Blues” o “John Lee Boogie”, ediciones en los que únicamente cambia el orden de las canciones y la foto de la portada, porque la calidad del sonido es exactamente la misma. Pero bueno, así es la vida, sobre todo en este mundo de la música en la que constantemente aparecen discos no oficiales.

En vez de despotricar de esa situación, echemos mejor un vistazo al material que encontramos en esta producción. Fue grabado en 1981 en Los Ángeles, con una banda que estuvo acompañando a John Mayall en gira durante cerca de un año y se curtió mucho del sonido que en esa época manejaba el músico inglés, que consistía en cierto alejamiento del blues tradicional, aunque esté presente su sonido, para incorporar muchos elementos del jazz, del pop y del rock, con los cuales Mayall solía experimentar en ese momento.

Ese sonido “contemporáneo” se percibe bastante en cortes como “México City”, en vivo, o “Lost And Gone”, en los que se esa búsqueda sonora en la que estaba Mayall, mostrándose como un gran líder de banda y usando todo su talento en la interpretación del piano, la guitarra y la armónica, último instrumento que se destaca en casi la totalidad del disco.

Algo que también hay que resaltar es que el disco no está a nombre de los Bluesbreakers, la tradicional banda de Mayall, pues en esa época el inglés estaba tratando de librarse un poco de ese influjo y estaba en constante cambio de acompañantes. En este disco participan James Quill Smith en la guitarra, Kevin McCormick en el bajo, Soko Richardson en la batería, Maggie Parker en voces y percusión, y Christiaan Mostert en la flauta y el saxofón.

Realmente vale la pena volver al Mayall de esa época, al Mayall que no le daba miedo experimentar ni cambiar, en un disco que ha vivido varios cambios de nombre.

0097. LITTLE MACK SIMMONS - THE SKY IS CRYING

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"Fue uno de los mejores armonicistas que ha dado el blues en Chicago. . . Bienvenido de nuevo, Mack"

Real Blues Magazine

En su notable carrera de 47 años, Little Mack Simmons, vocalista y armonicista, se ha convertido en uno de los más inagotables músicos del mundo del blues, como Robert Nighthawk, Sunnyland Slim, Eddie Boyd, Willie Mabon, Detroit Junior, Jimmy Dawkins , Lonnie Brooks, Luther Allison, Magic Sam, JB Lenoir y Howlin 'Wolf.

Malcolm Simmons nació el 25 de enero de 1933, en Twist, Arkansas, una pequeña comunidad donde predomina el cultivo de algodón. Él era un amigo de la infancia de James Cotton, quien se desempeñaba como aprendiz de Sonny Boy Williamson II (Rice Miller) en esos momentos.

Mack dejó la escuela y trabajó como recolector de algodón conduciendo un tractor a tiempo completo. A los 18 años, se fue a St. Louis, Missouri, donde vivió durante dos años mientras trabajaba en el ferrocarril. Fue aquí donde Simmons conoció el famoso Robert Nighthawk e hizo su debut en el escenario del club de este renombrado bluesman.

En 1954 se trasladó a Chicago, donde formó su propia banda y 1959 comenzó su carrera discográfica, inicialmente con CJ Label de Carl Jones, quien editó algunas grabaciones para Chess Records.

A finales de 1960, Simmons había redefinido su estilo musical, incorporando una intrigante mezcla de gospel, country western, funk, soul y las influencias del rock en sus blues. Desde mediados de la década de 1970 él también era dueño de un estudio y grabó para sus propias etiquetas: PM Records y Simmons Records.

Durante un tiempo dejó la música y se dedicó al ministerio religioso.

Su regreso a la música blues llegó con High & Lonesome (1995), que fue un éxito temprano de St. George Records , un sello discográfico independiente. Acompañado por Studebaker John editaron Come Back to Me Baby (1996), con John Primer, Willie Kent y Jake Dawson. 

Pero fue con su versión de 1997 Little Mack is Back donde su estilo y su forma de tocar la armónica se manifiestan de manera excelente, cosechando críticas entusiastas de todo el mundo.

Falleció de un cáncer de colon en su ciudad adoptiva de Chicago, el 24 de Octubre de 2000.

0096. BLIND BOY FULLER - PISTOL SLAPPER BLUES

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New York City, April 05, 1938

Blind Boy Fuller (vcl) (g), Sonny Terry (h)

En el Piedmont blues se destacaron de manera preeminente  hombres que habían perdido la vista y  que lograron sobrevivir tocando su música en las esquinas de pueblos y ciudades.  Ese fue el caso de Blind Blake, Blind Willie McTell y Gary Davis, y ninguno de ellos fueron tan exitosos para hacer una buena vida mientras estaban en su mejor momento. En el caso de Blind Boy Fuller no fue así pues tuvo una interesante carrera como artista de grabación, pero murió a la edad de treinta y tres años.

Fulton Allen nació en Wadeboro North Caroline en 1908, y aprendió guitarra al escuchar las canciones que escuchaba todos los días en el trabajo rural asimilando  melodías de blues y ragtime populares.

De adolescente comenzó a perder la vista y como él ya estaba casado y necesitaba dinero, Fulton comenzó a ejecutar su música a tiempo completo en las calles de Rockingham y más tarde en las ciudades más grandes de Winston Salem y Durham. 

Para 1928, Fulton estaba totalmente ciego, pero se había ganado una reputación como un músico versátil, con una voz potente y un buen oído para interpretar las canciones de Blind Blake. Tocaría en almacenes de tabaco después de la jornada laboral y era  invitado a tocar por dinero en las fiestas de fin de semana. En algunos de estos conciertos compartiría escenarios con armonicistas locales, entre ellos Saunders Terrell (Sonny Terry) y washboard George Washington, y a veces con Gary Davis, quien compartió su gran repertorio de canciones populares con sabor gospel y blues.

En 1935, el  propietario de una tienda de discos y cazatalentos JB Long, y contrató a Fuller, a Davis y Washington para los estudios en Nueva York de ARC Label en donde grabaron varias canciones, incluyendo 'Rag, Mama Rag'. Durante los próximos cinco años,  Fuller había  registrado 135 pistas, entre ellas "Step It Up and Go ', " I Want Some Your Pie"  " Truckin My Blues Away' y 'Get Your Ya-Yas Out '. En algunas de ellas fue  por alguna combinación de sus amigos Gary Davis y Sonny Terry.

En el concierto 'Spirituals to Swing ' en el Carnegie Hall en 1938, se debió a presentar Fuller, pero parece que él estaba en la cárcel por dispararle, por lo que Sonny Terry ocupó su lugar. Poco después, su compañero de conciertos,  Gary Davis comenzó sus estudios religiosos y  Fuller incluye en sus trabajos algunas canciones de gospel - blues influenciado por el Reverendo Davis.

El  13 de febrero de 1941, después de un envenenamiento  de la sangre por complicaciones de sus riñones, muere Blind Boy Fuller, en Durham.

 Después de su muerte, su protegido Brownie McGhee publicó 'The Death of Blind Boy Fuller'. 

0095. BIG MACEO MERRIWEATHER - TEXAS BLUES

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Big Maceo Merriweather (31 marzo 1905 − 23 febrero 1953)

A mediados de la década de 1930, se había producido un cambio significativo en la naturaleza del Piano Blues.  El piano blues y boogie-woogie de los pianistas de la "primera generación" tenían en su mayor parte  una serie de actuaciones solistas, y ocasionalmente eran acompañados por un guitarrista. El boogie era una música popular; centrado en, general en las ciudades del Norte y  estrechamente relacionada con el entorno urbano, pero conservaba ciertas notas que venían de sus orígenes del Sur. 

Los boogie-woogie con un estilo de piano lento era música  profundamente arraigada en la tradición del blues de doce compases, y sentaron las bases firmes sobre las que asienta esta nueva forma de interpretar la música tradicional afroamericana que surgió en el sur profundo. Y de estos pianistas ninguno era mejor intérprete que el  Major "Big Maceo" Merriweather.

Major Merriweather nació en las afueras de Atlanta el 31 de marzo de 1905 en la granja de su familia. Era uno más de once hermanos que componían la familia.Su rápido crecimiento físico  y su contextura corporal hicieron que obteniera como apodo "Big". En 1920, la familia se trasladó a la sección de College Park de la ciudad y el joven Major desarrolló una afinidad por el piano. Comenzó a trabajar a los cafés y Honky Tonks ubicados en Harvard Street, como asi también en clubes y fish-fries de  toda la ciudad. En 1924, a la edad de 19 años, su familia se trasladó a Detroit.

Hattie Spruel conoció Maceo cuando ella lo contrató para que ejecutara el piano en su casa. Pronto se casaron y la pareja se mudó a Chicago en 1941, donde conoció a prominentes guitarristas como  Big Bill Broonzy y Tampa Red. Ella les presentó a Maceo y los dos se quedaron impresionados con sus habilidades. Lo llevaron al productor principal de la RCA, Lester Melrose, y dentro de unas pocas semanas Maceo estaba grabando para  Bluebird Label. La primera sesión demostraría ser muy fructífera para Big Maceo, como le llamaban sus amigos. Se registró un total de 14 lados, con el primer sencillo que se convertiría en el más importante de su carrera: "Worried  Life Blues".

Major Merriweather se bastaba con el piano y su estilo poderoso no tenía necesidad de apoyo instrumental, pero en realidad son pocas las interpretaciones solistas: el acompañamiento de una guitarra era casi una constante. En Tampa Red encontró un guitarrista cuyo estilo era favorable a su propia obra.  Juntos hicieron un equipo ideal, y tocaron  en numerosos clubes y cabarets.

A diferencia de otros  pianistas de boogie Merriweather era un maestro en el uso de los tiempos. La mayor parte de las grabaciones bajo su nombre estaban en slower tempos, y todos son notables por la solidez pétrea de los bajos. Los pasajes agudos eran generalmente simples y su voz tenía más valor decorativo que otra cosa. Sus improvisaciones de blues ha reflejado sus inherentes sentimientos. Como acompañante de otros cantantes Maceo sobresalió resaltando la categoría de los otros artistas que eran parte de sus shows.

Junto a Tampa Red, registrarían 16 lados juntos antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial. En ese momento, los materiales utilizados para la fabricación de los registros comenzaron a escasear y Maceo se trasladó a Detroit, regresando frecuentemente a Chicago.

Al término de la guerra, Melrose volvió a citar a su troupe de artistas de blues al estudio y  Maceo reanudó su trabajo con Tampa Red, grabando también cuatro canciones con Big Bill Broonzy en 1945. Desafortunadamente, la carrera de Big Maceo fue interrumpida después de haber sufrido un derrame cerebral en 1946 que lo dejó casi completamente paralizado en su lado derecho. En los próximos años, se trataría de grabar varias veces más a pesar de su discapacidad. 
 Entre los artistas que intentaron ocupar el lugar de Maceo, estan Eddie Boyd en 1947 ,y Otis Spann, quien idolatraba Gran Maceo.

Big Maceo se retiró en 1949 tras otro accidente cerebrovascular. La mala salud y una vida de consumo excesivo de alcohol, finalmente, condujo a un ataque cardíaco fatal. Murió el 23 de febrero de 1953 en Chicago.

Grabaciones dispersas de Big Maceo para Bluebird Label fueron rescatadas en un doble álbum "Chicago Breakdown", en 1975,y es un testimonio fidedigno  de la forma de tocar el piano en las creaciones de la música blues.

0094. PINK ANDERSON - MY BABY LEFT ME THIS MORNING

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Pink Anderson es un excelente ejemplo de como se componía y se reproducía la música blues original de los inicios del siglo XX. La vida dura de los trabajadores rurales afroamericanos, los espectáculos itinerantes, circos, carpas y shows medicinales eran comunes en este sur de los albores del siglo pasado. Todos estos pueblos y ciudades tenían cantores y músicos errantes que difundían el Delta Blues desde Memphis hasta Texas, desde el Mississippi hasta el corazón de los Estados Unidos. Durante la Post Guerra (2da.Guerra Mundial) muchos seguían cumpliendo su historia original, entre ellos, Pink Anderson.

    Pink Anderson y su hijo

Pinkney Anderson nació en 1900 cerca de Spartanburg, South Caroline , y a la edad de 14 años fue a tocar la guitarra para entretener a la gente que había ido  a comprar el "curalotodo del Dr. Kerr" una medicina casera común en las zonas del sur norteamericano. Se asoció con un guitarrista ciego llamado Simmie Dooley, y fueron tocando por las  calles y  esquinas de Carolina del Sur, mientras, seguían con sus 'show medicinales'. 

Trabajaron un enorme repertorio de folk, Piedmont Blues y canciones Ragtime, ya que mientras ambos iban llevando su música por todo el sur, aprendían nuevos ritmos para sus creaciones. cantaron su camino en todo el Sur, y sus actuaciones fueron puestas en un disco grabadas en un campo de Atlanta, por Columbia Records, en 1928.

Mientras continuaban con sus "shows medicinales" por las zonas rurales hasta los años 60 y ya separado de Simmie, Pink solía salir con 'Chief Thundercloud Travelling Show', a veces en compañía de Peg Leg Sam Jackson. 

                                        Pink Anderson & Peg Leg Sam Jackson

En 1950, Paul Clayton registró siete baladas de Pink en 'Carolina Street Ballads" que aparecieron luego en 'Gospel, Blues & Street Songs'  con Riverside Label.

A fines de los '50 y principios de los '60, Sam Charters grabó varios álbumes con la música y las creaciones  de Pink para Prestige / Bluesway Label  'Medicine Show Man' es el más conocido. 

Pinkey apareció en la película documental 'The Bluesmen' de 1963. A fines de los años '60, sufrió un derrame cerebral que pusieron fin a su carrera. Pink Anderson falleció en su ciudad natal de Spartanburg en 1974.   

Pink era un guitarrista con estilo y con una voz con estilo propio,  una rica herencia de canciones tradicionales y sin embargo su nombre está inmortalizado en otra forma. En 1965 el joven Syd Barrett estaba buscando un título para su banda en Cambridge, Inglaterra, y eligió combinar  el nombre de Pink con el de otro guitarrista Carolina, Council Floyd: así nació Pink Floyd. 

0093. REVEREND GARY DAVIS - WEST COAST BLUES

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Durante los '50, la búsqueda de los sonidos tradicionales del blues y el folk llevaron a la fama muchos artistas veteranos como Mississippi John Hurt y Skip James, a personajes como Furry Lewis y tesoros ocultos como Libba Cotten. Pero tal vez el más influyente de todos fue el Reverendo Gary Davis. 

Este brusco viejo guitarrista evangélico tenía un estilo fascinante para tocar la guitarra, y un repertorio de canciones sagradas y seculares que se ejecutan a varios volúmenes.

Gary Davis nació en Larens South Caroline en 1896, pero poco se sabe sobre su vida temprana. Hay historias sobre sus siete hermanos que mueren antes de la edad adulta; su padre está trabajando por High Sheriff de Birmingham; su madre lo deja al cuidado de su abuela paterna; y no sé conoce si ha nacido ciego o perdió la vista en la infancia. 

En cualquier caso, la Primera Guerra Mundial lo encuentra tocando la armónica en las calles de Larens, y por su forma de tocar la guitarra y el banjo, consiguió contratos en bares y fiestas fish-fries. La familia se mudó a Greenville, donde Gary habría oído la guitarra de bluesmen locales Willie Walker y Sam Brooks. 

A mediados de los años 20, Gary se traslada a Durham, donde el trabajo en la industria del tabaco. Allí conoció a Blind Boy Fuller que se encontraba entre los varios músicos locales que tocaban en la zona. Gary perfeccionó su técnica fingerpicking usando sólo los dedos pulgar e índice, basándose en gran medida en el trabajo de Blind Blake y Blind Lemon Jefferson, y fue considerado el mejores intérpretes de ragtime, folk y blues tradicional.

Con estas habilidades de Gary Davis, claramente influenciado por Fuller, fue llamado por éste para grabar en ARC en Nueva York. Allí participó de los registros de Fuller que se vendieron muy bien aunque una disputa económica con el productor de la compañía impidieron a Davis producir algo durante dos décadas. 

En 1937, Gary fue ordenado como ministro en la iglesia Bautista y su repertorio, ya contenía muchas canciones Gospel-blues que fueron ejecutadas en la Iglesia. 

En 1940 se trasladó a Nueva York, donde había un grupo de músicos de Piedmont music como Sonny Terry y Brownie McGhee y Josh White, que se radicaban el el bohemio Greenwich Village. el Reverendo Gary vivió allí durante el resto de su vida.

El renacimiento / Blues Folk de mediados de los años 50 encuentra al Reverendo Gary Davis grabando algunas pistas para Stinson Label y Riverside Label. 

Moisés Asch editó un del Smithsonian en 1959 donde se registraba la aparición de Gary Davis en el Festival de Newport de 1956. Estas canciones suenan con su voz grave y su guitarra virtuosa donde se retratan sus sermonising (sermones evangélicos cantados en gospel-blues).

Produjo y editó varios álbumes de estudio seguidos con Hellfire, como ‘Death Don’t Have No Mercy’ y ‘Samson and Delilah’, y también algunos covers de Blind Willie Johnson: 'If I Had My Way, I’d Tear That Building Down'.

El Reverendo Gary era un maestro de la guitarra de 6 cuerdas y mostró un excelente estilo en el banjo, la armónica e incluso el piano. Participó de algunas presentaciones con Bob Dylan e instruyó a futuras estrellas de la música acústica, como Stefan Grossman y Jorma Kaukonen. El legado del reverendo Gary también se puede escuchar en los trabajos de Dave Van Ronk, Ry Cooder, Eric Bibb y muchos otros.

 El reverendo fue a encontrarse con su creador en 05 de mayo 1972.

0092. SIDNEY MAIDEN - I'M GOIN' BACK HOME

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La vida de Sidney Maiden sigue siendo un misterio. Aunque algunas grabaciones han llegado hasta nosotros permitiéndonos escuchar su forma de tocar la armónica hay muy poco que pueda saberse de su historia.

Se sabe que nació en 1923 en Monroe o en Mansfield , Louisiana . Su padre muere o desaparece cuando era muy pequeño . Criado por su madre, que trabaja en una plantación de algodón, comienza el aprendizaje de la armónica con músicos locales, y su mayor influencia es  la de John Lee " Sonny Boy " Williamson.

Reclutado por el ejército, se encuentra en California, donde una vez liberado decide quedarse trabajando en los astilleros. Allí conoce al guitarrista  K C Douglas y como ambos tenían una actitud purista hacia el blues rural, congeniaron enseguida. Así es que tocaron juntos en varios bares frecuentados por los recientes inmigrantes negros que venían del Sur.

En 1948, graban para Down Town Label un par de simples: Mercury Boogie y  Eclipse of the Sun, que sería el primero y único hit de Sidney. Forman una pequeña banda, The Blues Blowers con los que recorrerían la bahía de Oakland. En 1952, en una sesión para Imperial Records graban dos títulos (Thinking  the Blues y Honey Bee Blues). 

Tres años después, en Los Angeles, registra junto al guitarrista Cool Papa Sadler una canción llamada Hurry Hurry Baby.

Por estos años se radica en Fresno donde vive del trabajo en granjas que producen distintas variedades de fruta. Allí comparte escenarios y bares con Al Simmons y Guitar Slim Green, registrando Hand Me Down Baby.

Se reencuentra con su viejo amigo KC Douglas quien lo lleva a los estudios de Arhoolie Records, de Chris Strachwitz donde componen un álbum completo junto a la pianista Mercy Dee Walton, en 1961. Este disco no fue puesto a la venta pública y a partir de allí los rastros de Sidney desaparecen. Algunos dicen que volvió a Fresno y siguió tocando en bares y clubes de blues, otros dicen que volvió a Louisiana para cuidar a su madre enferma. Según los investigadores murió en Monroe, en 1970.

Prestige Bluesville Records reedita en un álbum, en 1995, las canciones grabadas por este bluesman de Lousiana. 

0091. DOC WATSON - DEEP RIVER BLUES

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En la segunda mitad del Siglo XX citamos tres guitarristas que ganaron la atención de los músicos emergentes de EEUU: Merle Travis , Chet Atkins y Arthel "Doc" Watson. 

A diferencia de los otros dos, Watson estaba en la mediana edad antes de ser reconocido como un guitarrista de élite. Distintos artistas de blues y country blues reconocen su gran deuda con este juglar ciego que rescató muchas canciones tradicionales americanas.. Mientras que Travis y Atkins comenzaron con guitarras acústicas y siguieron con la eléctrica, Watson continuó con su tradición. 

Arthel Lane "Doc" Watson nació en Deep Gap, Carolina del Norte, el 3 de marzo de 1923 . Según Watson, se puso el apodo de "Doc", durante un programa de radio en vivo cuando el locutor comentó que su nombre de pila Arthel era extraño y que necesitaba un apodo fácil.

Una infección ocular hizo que perdiera su visión a una edad temprana. Sus padres le enseñaron a  trabajar duro y cuidar de sí mismo. Asistió a  la escuela para discapacitados visuales en Carolina del Norte. 
Las primeras influencias musicales para Doc fueron los creadores de roots music y las composiciones tradicionales de los afrodescendientes, entre ellos la familia Carter y Jimmie Rodgers. 
En sus inicios tocaba el banjo y la armónica. Con Olin Miller aprendió el fingerpick (particular modo de tocar la guitarra)
En 1947, se casó con Rosa Lee Carlton, la hija del violinista Gaither W. Carlton .Aunque su padre le enseñó una serie de canciones tradicionales, Doc no tocó ningún material tradicional en público durante los años 40, prefiriendo concentrarse en desarrollar otros trabajos para mantener la familia, entre ellos,  afinador de pianos. Se unió a la banda de  un pianista que trabajaba en el ferrocarril, llamado Jack Williams en 1953, donde aprendió los usos de la guitarra eléctrica.

La invitación para actuar en Nueva York era una indicación de que el auge popular de los años 60 estaba empezando a ganar impulso, y Doc se convirtió en uno de los principales benefactores de este resurgimiento. Estudiantes universitarios jóvenes comenzaron a seguir su música y volvió a la guitarra acústica siguiendo el consejo de Ralph Rinzler . Durante 1961, Watson hizo su debut discográfico en Clarence Ashley 's Old Time Music, una actuación que le valió la aclamación considerable. Dos años más tarde, su lugar individual en el Newport Folk Festival se robó el show; y ese mismo año produjo su primer álbum solista, Doc Watson & Family . En 1964, comenzó a dar conciertos acompañado por su hijo Merle en la segunda guitarra. A partir de ese momento, Doc y Merle eran colaboradores constantes y  artistas populares en el circuito folk y música tradicional. Incluso cuando al final de los '60 decaía el auge por la música tradicional y el folk blues,  Watson retuvo su audiencia, y cuando editó, en 1972,  con The Nitty Gritty Dirt Band 's , el  álbum   The Circle Be Unbroken , obtuvo otra generación de nuevos fans. En 1974, su álbum Then & Now ganó el Grammy por Mejor Grabación étnica o tradicional.

Doc y Merle continuaron grabando con éxito durante los años 80, dando numerosos conciertos cada año y ganando otros premios Grammy.
En 1985, Merle murió trágicamente en un accidente con un tractor en la  finca casa. Tras la muerte de su hijo, Doc dejó de actuar durante un corto tiempo, sin embargo, hizo una reaparición apoyado por el guitarrista Jack Lawrence y el bajista T. Michael Coleman.
Durante los '80 y los '90  ganó dos Grammys más  al Mejor Tradicional Folk  así como un Premio en Carolina del Norte. Murió en mayo de 2012 tras una cirugía en un hospital de Winston-Salem, Carolina del Norte, a los 89 años de edad.