0047. LEADBELLY - HOUSE OF THE RISING SUN

(Click en la imagen para escuchar)

El Rey de la guitarra de las doce cuerdas es uno de los artistas negros más legendarios del siglo XX. Debido a su estilo, así como a la variedad de su repertorio, Lead Belly (como prefería que le llamasen) era un auténtico songster y no puede ser catalogado únicamente como bluesman. Sesenta años después de su desaparición, su presencia todavía continúa inspirando a generaciones de todo tipo de músicos en todo el mundo, como William Styron, Ben Harper, Neil Young, Keb Mo, Dionne Farris, Nirvana de Kurt Cobain, Led Zeppelin o Eric Clapton.

Aunque los historiadores no parecen ponerse de acuerdo, Hudson “Huddie” Leadbetter nació cerca de Mooringsport (Louisiana), probablemente en enero de 1889. Era hijo de antiguos esclavos y se sabe que alrededor de 1915 acompañó como lazarillo al primer gran bluesman de la historia, Blind Lemon Jefferson. Su primer instrumento fue un acordeón, regalo de su tío, de quien se dice que también le enseñó a tocar la guitarra.

Inició su carrera musical haciendo grandes viajes desde Texas hasta Nueva York. Acompañaba su canto con una guitarra de doce cuerdas, utilizando la resonancia del instrumento para lucirse a la hora de tocar bases rítmicas de acordes y frases de bajo. Ocasionalmente también tocaba el piano y el acordeón, y sus canciones tenían frecuentes parajes hablados a modo de explicación o desarrollo del tema.

Provisto de un físico imponente era un joven fuerte y descarado, que estaba acostumbrado a hacer lo que le daba la gana. No tardó demasiado tiempo en tener problemas con la ley. En 1918 ingresó en la penitenciaría de Texas condenado a cadena perpetua por asesinato. Cuenta la leyenda que, en 1925, quedó sorprendentemente en libertad tras impresionar al gobernador con una canción en la que suplicaba perdón. La realidad parece indicar que su puesta en libertad se debió más bien a su buen comportamiento. Una vez libre, regresó a su casa en Louisiana, aunque por poco tiempo.

En 1930 volvería a estar en la cárcel. Esta vez se vio envuelto en un nuevo lío de faldas, siendo acusado de intento de asesinato y condenado a 30 años de prisión. Su destino esta vez fue la dura penitenciaría de Angola, Louisiana. Cumpliendo condena, su talento musical salió a la luz, distrayendo con sus historias e interpretaciones a prisioneros y guardianes. El blues representaba una pequeña parte de su repertorio. Conocía miles de canciones de todo tipo y tocaba desde espirituales, baladas folk, cantos de cowboys y versiones de canciones populares, hasta composiciones propias.

En 1933 su suerte cambió cuando los folcloristas John y Alan Lomax visitaron la prisión de Angola, con la intención de grabar música para la Biblioteca del Congreso. Cuando se encontraron con Leadbetter, quedaron totalmente fascinados. Su efecto en ellos fue tal que, tras muchas gestiones, consiguieron su libertad condicional, con el compromiso de garantizar su buena conducta.

Para comenzar su rehabilitación, lo contrataron como chófer y ayudante de John Lomax. De este modo, lo llevaba en coche a otras prisiones del Sur en busca de canciones tradicionales, y daba conciertos en los campus de las universidades en las que Lomax le conseguía actuaciones.

En 1935 se casó y se trasladó a Nueva York donde siguió dando conciertos, haciendo apariciones en la radio o participando en causas políticas o laborales. Con su amplio repertorio, se convirtió en el músico de referencia en la nueva corriente de folk urbano que comenzaba a dominar en la ciudad. Fue el primer artista de folk blues que hizo conciertos de esta música para un público blanco fuera del Sur.

Sus registros sonoros comenzaron lógicamente para la Biblioteca del Congreso, aunque posteriormente también grabaría para RCA Bluebird, Columbia y Capitol, pero ninguno de sus discos de 78 rpm consiguieron el éxito comercial esperado.

En los años cuarenta realizó sus mejores grabaciones para Moses Asch, un ingeniero radiofónico que había montado un pequeño sello discográfico, Asch Records. LeadBelly no estaba nada satisfecho con el trato recibido por la familia Lomax, y no desaprovechó esta nueva oportunidad.

Muchas de sus canciones se han mantenido como estándares a lo largo de los años. Entre sus temas más conocidos están “Goodnight Irene”, “The Midnight Special”, “Rock Island Line”, “Cotton Fields”, “The Grey Goose”, “Pick Bale Of Cotton”, “Mr. Tom Hughes´s Town”, "In The Pines", “The Burgeois Blues” o “Good Mornin´ Blues”.

En 1949, después de la Segunda Guerra Mundial, hizo una gira por Francia abriendo las puertas a Europa para otros músicos, como Big Bill Broonzy. Lamentablemente no pudo continuar ya que cayó enfermo, y se le diagnosticó esclerosis lateral amiotrófica. Se vio entonces obligado a abandonar el Viejo Continente y regresar a su país.

Un año después de su muerte, el 6 de diciembre de 1949, su composición “Goodnight Irene”, interpretada por los Weavers, alcanzó el número uno en la lista Billboard. Más tarde fue el británico Lonnie Donegan con “Rock Island Line”. Poco después los Beach Boys con “Cottonfields”, y así en una interminable lista que ha continuado hasta nuestros días. Ironías del destino, Leadbelly se habría convertido en millonario, pero la realidad fue muy distinta, vivió toda su vida al borde de la miseria.

Por lo visto, dominaba varios instrumentos: piano, violín, acordeón, guitarra y armónica, pero normalmente sus grabaciones se basan en su voz, una guitarra de doce cuerdas y su línea de 'walkin bass' sobre la armonía. Tenía tan controlada esta fórmula que compuso innumerables canciones del mismo modo y todas muy originales. Por ello es considerado uno de los pilares del blues-folk norteamericano. 

A muchísima gente le suenan canciones como Midnight Special, posiblemente su composición más emblemática, compuesta en la prisión y en la cual amenaza a todo aquel que le intente privar de ver pasar el tren de medianoche que iluminaba su celda y que fue versionada, entre otros muchos, por la Creedence Clearwater Revival, Paul McCartney, Van Morrison y ABBA, Cotton Fields (versionada por la Creedence Clearwater Revival y Harry Belafonte), Gallis Pole (pieza tradicional grabada por Leadbelly y versionada por Led Zeppelin con el título de The Gallows Pole), How Long (versionada, entre otros, por Eric Clapton), Goodnight, Irene (versionada por Jerry Lee Lewis, Van Morrison y Little Richard entre otros muchos), House of the Rising Sun (canción tradicional que Leadbelly fue de los primeros en grabar y que posteriormente fue versionada por innumerables cantantes, entre otros Bob Dylan, Nina Simone y The Animals) o Where Did You Sleep Last Night (versionada por Nirvana en su acústico y también versionada por Mark Lanegan de Screaming Trees, en su primer disco solista "The Winding Sheet" pero que casi nadie conoce a su compositor o, en el caso de las canciones tradicionales, su primer gran difusor. 

Y pese a esto, su peculiar manera de tocar la guitarra, marcando de una manera tan notoria el walking'bass, conllevó que creara un conjunto de riffs que posteriormente llegarían a ser arquetípicos del rock&roll (véase Roberta, Good Morning Blues, No Good Rider, Pigmeat...) 

En definitiva, puede decirse que, mientras Leadbelly vivió, su obra, a caballo entre el blues y el folk, pasó bastante desapercibida para el gran público, a pesar de alcanzar algunos éxitos. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XX, en paralelo con la difusión del blues, ha ido ejerciendo una influencia cada vez más intensa y persistente. Valga como muestra de ello estas dos anécdotas no por puntuales menos significativas 

Primera: la última canción que grabaron juntos John Lennon y Paul McCartney fue su 'Take this hammer'. 

Segunda: El programa especial que la BBC emitió la noche de Fin de Año del 2000 para dar la bienvenida al nuevo siglo se cerró con una interpretación irrepetible (en ella participaron, entre otros, Van Morrison, Lonnie Donegan, Brian Ferry, Ron Wood y Chrissie Hynde) de su Midnight Special.

DISCOGRAFIA SELECCIONADA

- King Of Twelve-String Guitar

- Midnight Special: The Library of Congress Recordings- Where Did You Sleep Last Night (Legacy Vol. 1)

- Bourgeois Blues (Legacy Vol. 2)

- Shout On (Legacy Vol. 3)

- Important Recordings 1934-1949 

- Live: New York 1947 & Austin Texas 1949

0046.DAN PICKETT & TARHEEL SLIM - BABY HOW LONG

(Click en la imagen para escuchar)

Dan Pickett no era realmente Dan Pickett sino que su nombre era James Founty. Nació, creció y murió en Alabama entre la primera parte del siglo 20 y hasta finales de los 60.

Nació en el condado de Pike, Alabama, en agosto de 1907 y murió en Boaz, Alabama en agosto de 1967.

Pickett como solista tiene muy pocas grabaciones. Hay otras versiones grabadas a nombre de Charlie Pickett, nombre con el que supuestamente registró algunas canciones. 

Lograron conocerse alrdedor de 20 canciones grabadas para el sello de Gotham, en Filadelfia.

La sesión de simples, sin embargo, se compila en "Pickett Country Blues" . Y como era de esperar, al leer algo sobre el cantante de blues, hay comparaciones con otros guitarristas, más conocidos. Tampa Red suele ser uno de ellos.

Entre tanta conjetura en cuanto a quién era Pickett y lo mucho que realmente dejó en la historia del Blues hay mucho  más por descubrir. . El legado de Pickett, no importa quién sea o haya sido o pudiera haber sido, es, seguramente, uno de los más importantes para conocer la tradición y los orígenes del Blues y country en Alabama.

0045. BOB BROZMAN - POOR ME

  (Click en la imagen para escuchar)

El multiinstrumentista, historiador, educador y etnomusicólogo Bob Brozman nació en Nueva York el 8 de marzo de 1954. Su tío Barney Josephson era el propietario del club Cafe Society, en la zona de Greenwich Village, uno de los primeros sitios de Nueva York en los que músicos blancos y negros compartían escenario.

Brozman estudió música y etnomusicología en Washington University en San Luis. Llegó a ser un maestro del blues clásico de los años 20 y 30, a la vez que un buen intérprete del temprano jazz y del ragtime. A mediados de los años 70, cuando todavía estaba en la universidad, hizo varios viajes al sur de Estados Unidos donde se encontró y entrevistó con viejas figuras del blues de la zona, a quienes admiraba.

Bob Brozman grabó muchos discos hacia mediados de la década de 1980 para los sellos Kicking Mule y Rounder, todos ellos de muy buena calidad, los cuales se han convertido para estudiosos del blues temprano y para guitarristas aficionados en piezas clave para detallar. Para destacar de esa época “Hello Central… Give Me Dr. Jazz” de 1985, “Devil’s Slide” de 1988 y “Truckload of Blues” de 1992.

También Brozman participó en diferentes proyectos con músicos de varias partes del mundo, incluidos “Remembering The Songs Of Our Youth” con The Tau Moe Family, “Mahima” con Debashish Bhattacharya, “Dig Dig” al lado de René Lacaille, “Jin Jin and Nankuru Naisa” con Takashi Hirayasu, “Ocean Blues” de Djeli Moussa Diawara, entre otros. Así mismo se mantuvo activo como solista, grabando en este siglo discos como “Live Now”, “Metric Time” y “Blues Reflex”.

Entre 2003 y 2004 Brozman viajó a Nueva Guinea para grabar y filmar con algunas bandas locales, todas ellas intérpretes de cuerdas, y el resultado fue “Songs of the Volcano”, un set de CD y DVD donde toca con más de 60 músicos, que apareció en 2005. Continuando con su versatilidad en la interpretación de la guitarra, siguió componiendo canciones en las que ponía en evidencia la influencia de varias culturas y grabó los discos “Lumiere” y “Post-Industrial Blues” en 2007 y “Fire In The Mind” en 2012. Su amor por la música, lo llevó a colaborar con artistas de todo el mundo, entre ellos de  la India, Australia, Guinea en África Occidental,Japón e Irlanda. 

Su esposa Haley Robinson ayudó a producir últimos álbumes de Bob, pero él comenzó a sufrir dolor de espalda extrema como resultado de un accidente de auto décadas antes, y ya le costaba tocar la guitarra. Se quitó la vida, en su casa de Santa Cruz, California,  en abril de 2013.

0044. KOKOMO ARNOLD - THE TWELVES

Kokomo Arnold (15 febrero 1901 -  8 noviembre 1968) . Músico de Blues de EE.UU.

Nació como James Arnold en Lovejoy Station, Georgia. Obtuvo su apodo en 1934 después de lanzar "Old Original Kokomo Blues" para la Decca Label ; eran cover del cantante Scrapper Blackwell,  quien vivía en la ciudad de Kokomo, Indiana, y en la cual existía una popular marca de café con ese nombre. La canción que le dio su nombre, 'Kokomo blues' fue adaptada por Robert Johnson como "Sweet Home Chicago". Un zurdo que tenía un estilo slide intenso de tocar y un estilo vocal  rápido que lo distingue de sus contemporáneos.

Habiendo aprendido los conceptos básicos de la guitarra de su primo, John Wiggs, Arnold comenzó a tocar en la década de 1920 como una actividad secundaria mientras trabajaba como peón en Buffalo , Nueva York, y como obrero metalúrgico en Pittsburgh, Pennsylvania . En 1929 se trasladó a Chicago y se dedicó al contrabando de licores, actividad que continuó a lo largo de la prohibición, conocida como La Ley Seca y que rigió en los EE.UU entre enero de 1920 y diciembre de 1933. En 1930 Arnold se trasladó al sur brevemente, e hizo sus primeras grabaciones, "Rainy Night Blues" y "Paddlin 'Madeline Blues", bajo el nombre Gitfiddle Jim para la Victor Label en, Memphis. Luego volvió a Chicago, a pesar de que se vio obligado a ganarse la vida como músico cuando se derogó la Ley Seca. Kansas Joe McCoy lo escuchó y le presentó a Mayo Williams que estaba produciendo registros para Decca Label.

Desde su primera grabación para Decca el 10 de septiembre de 1934, hasta su última, el 12 de mayo de 1938, Arnold hizo 88 sides, siete de los cuales permanecen perdidos. Arnold, Peetie Wheatstraw y Bumble Bee Delgado eran figuras dominantes en el Blues de Chicago. Peetie Wheatstraw y Arnold, en particular, también fueron importantes influencias sobre la música inicial del Delta, contemporáneos de Robert Johnson.

Entre las canciones que se incluyen en los trabajos de Kokomo Arnold esta "Sissy Man Blues"  con sus letras bisexuales, incluyendo la línea, "Señor, si usted no me puede enviar ninguna mujer, por favor envíame un hombre afeminado." ( "Lord, if you can't send me no woman, please send me some sissy man.") Esta pieza también pasó a ser registrado por otros músicos de blues de la época, incluyendo Josh White (Pinewood Tom) , George Noble y Rhythm Kings de Connie McLean.

En 1938 Arnold dejó la música y comenzó a trabajar en una fábrica de Chicago. Redescubierto por los historiadores del blues en 1962, no mostró entusiasmo por el regreso a la música.

 Kokomo Arnold en su casa en Chicago, en 1959.

Murió de un ataque al corazón en Chicago, 67 años de edad, en 1968, y fue enterrado en el  Burr Oak Cementery, en Alsip, Illinois. 

0043. WLLIE HARRIS & BUDDY BOY HAWKINS - NEVER DRIVE A STRANGER FROM YOUR DOOR

0042. CHARLEY PATTON - A SPOONFUL BLUES

(Click en la imagen para escuchar)

Nació entre 1887 y 1891, en Hinds County, Mississippi, pasando la mayor parte de su vida en Sunflower County, localidad situada en el Delta.

Si el Delta Blues tiene una fuente de surgimiento, ésta probablemente sería Charley Patton, su primera gran estrella. Su particular estilo vocal, su guitarra fluída y su rítmica lo convierten en el verdadero rey de este estilo. Mucho más que un músico itinerante, Patton fue una celebridad además de convertirse en la principal influencia de músicos a través de la zona del Delta. En vez de ir y venir de pueblo en pueblo, Charley Patton era llamado a tocar en los bailes de las plantaciones, los juke-joints y espacios similares, los cuales se atiborraban de personas para verlo. Era la imagen de un rockstar en la década de 1920: libertino, disoluto, provocador, capaz de consumir cualquier cantidad de comida y alcohol, mujeriego, con la guitarra guardada en su estuche, solo dispuesto a ser abierto siempre y cuando hubiera dinero de por medio. Sus grabaciones se escuchaban en los fonógrafos de todo el sur de Estados Unidos y, aunque no fue el primer bluesman del Delta en grabar, rápidamente llegó a ser el más popular.

A pesar de que medía 1 metro 67 centímetros y pesaba 61 kilos, el energético estilo de Charley Patton para cantar lo hacían parecer del doble de peso y talla. Figuras como Sleepy John Estes lo calificaron como el cantante que más fuerte interpretaba el blues y los rumores decían que su voz era capaz de escucharse hasta 400 metros sin amplificación. En las grabaciones lograba dar el efecto de dos personas hablando una a la otra, lo cual al lado de su voz carrasposa y agotada se conviertieron en uno de los principales elementos para definer el estilo de uno de sus estudiantes, el joven Howlin’ Wolf. Su interpretación de la guitarra no era menos impresionante, con un sentido rítmico que dejó las semillas para el estilo que posteriormente desarrolló John Lee Hooker. Patton es visto como uno de los músicos que dio al blues un fuerte ritmo sincopado y su tono estridente se debía a que afinaba su guitarra un tono y medio más alto en lugar de usar cejilla.

Pero todo no se queda ahí. Las habilidades de Patton para componer también se destacaban, ofreciendo además toda una serie de temas como acompañamiento de fondo en una sola canción. Su trabajo con el slide fue muy inspirador para artistas como Son House o Robert Johnson, quienes tomaron como sello finalizar las frases vocals con el sonido del tubo metálico deslizándose sobre las cuerdas. Desarrolló además la técnica de golpear las cuerdas bajas de las guitarra, la cual fue tomada por los bajistas de funk 40 años después, utilizaba su guitarra como percussion y golpeaba el suelo con sus zapatos para reforzar el ritmo.

El Segundo aporte de Patton al blues es la inclinación hacia el entretenimiento. Una de las razones por las cuales Charley Patton era muy popular en el sur se debía a sus movimientos sobre el escenario, los ejercicios gimnásticos con la guitarra que hicieron famoso a Jimi Hendrix habían sido hechos años atrás por Patton pero con una guitarra acústica. Esas habilidades dejaron una huella imborrable en muchos de sus compañeros. Su música abarcaba blues, baladas, ragtime y gospel, siendo capaz de convertir de improviso una fiesta en un sermón, con solo interpretar un tema religioso y hacer que el público dejara de bailar como si estuviera embrujado.

En 1929 Patton grabó para el sello Paramount y en un año se convirtió en el artista de blues más vendedor y el más prolífico. Él también fue responsable de que sus amigos Willie Brown y Son House probraran suerte en la grabación. Cuando se escucha el legado de Patton, 60 canciones en total, se piensa en la injusticia cometida al desechar los máster de sus discos: muchos de ellos fueron vendidos como chatarra cuando Paramount quebró. Los discos de 78 revoluciones que quedaron tuvieron un uso pesado, haciendo que fueran casi en vano todos los intentos por reducir el ruido al remasterizarlos. Lo que si queda claro es que la música de Charley Patton muestra el primer florecimiento del Delta Blues, antes de que se homogenizara con vueltas y restricciones de 12 compases.

Falleció el 28 de abril de 1934, debido a una cardiopatía, en la plantación Heathman-Dedham, cercana a Indianola, Mississippi, siendo enterrado en Holly Ridge.

0041. BLIND WILLIE McTELL - MAMA, TAIN'T LONG FO DAY

Willie Samuel McTell fue uno de los más grandes guitarristas del blues y también, uno de sus mejores vocalistas. Una figura con muchos seguidores en Atlanta, desde 1920 hasta 1930, que grabó docenas de sencillos bajo gran cantidad de nombres, todos según el sello con el que trabajara. Blind Willie, Blind Sammie, Hot Shot Willie y Georgia Bill fueron algunos de sus seudónimos, pero el que era su preferido y también por sus amigos fue “Blind Willie”, con el cual es conocido en la historia del blues.

Mucho de lo que sabe de este músico fue recopilado años después de su muerte, gracias a algunos miembros de su familia, quienes indicaron que su apellido originalmente era McTear y no sabían el porqué de la transformación a McTell. Lo que está claro es que tanto el padre como la madre de Blind Willie tocaban guitarra, así como uno de sus tíos, y era pariente de Georgia Tom Dorsey, quien luego seria conocido como el Reverendo Thomas Dorsey.

McTell nació en Thompson, Georgia. Probablemente nació ciego aunque en alguna etapa de su vida pudo percibir algo de luz en un ojo. La ceguera nunca fue un impedimento, pues ayudó a desarrollar su oído y su tacto. Sus primeros instrumentos fueron la armónica y el acordeón, pero al tocar por primera vez la guitarra se dio cuenta de la gran aptitud que tenía para este instrumento. Comenzó con una guitarra acústica de 6 cuerdas pero para la época de sus grabaciones, interpretaba una de 12 cuerdas, con la cual mostró un estilo único, no en la parte rítmica sino desplegando un elegante uso del slide y de los punteos, con lo que daba un sonido como si fuera el de dos guitarras.

La carrera de grabación de Blind Willie comenzó en 1927 con dos sesiones para Víctor Records en las que grabó 8 temas, dentro de los que se incluía “Statesboro Blues”. Todas las grabaciones de esa primera época son ejemplos de su manera de contar historias acompañadas por un rico trabajo de guitarra, que evoca al ragtime y también a algunas líneas muy oscuras del blues.

Como ya lo habíamos mencionado, McTell grabó bajo variedad de nombres, algunas veces de forma simultánea para diferentes sellos, y también con muchos compañeros, como Kate Williams, Buddy Moss y Curley Weaver. De todas formas, su carrera de grabación no le dio todo el éxito que él hubiera esperado, particularmente porque su mejor trabajo apareció durante la época de la depresión económica. Por esta razón fue popular solo en Atlanta, donde vivió y trabajó, convirtiéndose en el único guitarrista de blues que permaneció activo en esa ciudad luego de la Segunda Guerra Mundial.

El público llegó a conocer a McTell en 1940, luego de que John Lomax lo grabara para la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Gracias a ese trabajo de Lomax, luego de la guerra se generó un interés por el blues acústico, y uno de esos afortunados músicos que volvieron a los estudios de grabación fue Blind Willie McTell, quien firmó contrato con el sello Atlantic en 1949. Ninguna de esas grabaciones se vendió y las mismas permanecieron casi 20 años sin ser escuchadas. En 1950, McTell hizo pareja con Curley Weaver para el sello Regal, pero ocurrió igual que con los registros de Atlantic.

Blind-Willie-and-Kate-McTell

                               

Blind Willie McTell comenzó a tocar prácticamente para quien quisiera oírlo y se volvió alcohólico. Fue redescubierto en 1956 y luego dejó la música, convirtiéndose en pastor de una iglesia local. Murió en 1959 de una hemorragia cerebral, aunque su fallecimiento fue tan inadvertido que muchas reediciones de su música, publicadas en los años 70, hacían referencia a que el músico seguía vivo.

McTell, como guitarrista y como cantante, fue un estudioso de la música que desarrolló habilidades que trascendieron tanto en el blues como en el ragtime, en el hilbilly y en la música popular. Podía leer y escribir música en braille, lo que le ayudaba a igualarse con músicos contemporáneos que podían ver. Fue un brillante improvisador en la guitarra, lo cual es evidente en sus grabaciones. Siempre dio buena cuenta de su trabajo, hasta el final de su vida, y por eso es uno de esos inolvidables gigantes del blues.

0040. BUKKA WHITE - SIC ' EM DOGS ON

Booker T. Washington White, más conocido en la historia del blues como Bukka White, nació en Houston (Mississippi) en 1906. Su primer contacto con la música fue a través de su padre, quien le enseñó algunas tonadas para violín. La instrucción para guitarra vino después, a pesar de las objeciones su abuela que impedía tocar en la casa “esa música del demonio”, como ella denominaba al blues. Desde los 14 hasta los 21 años de edad, Bukka White vivió en Clarksdale con un tío y utilizó su guitarra para seducir a las mujeres. En algún momento de este periodo tuvo contacto con Charley Patton, la leyenda del blues del delta, quien sin lugar a dudas le enseñó todas las técnicas para la improvisación.

En 1930, White conoció al vendedor de muebles Ralph Limbo quien era buscador de talentos para el sello Victor. Viajaron a Memphis donde se hicieron sus primeras grabaciones, cantando una mezcla de blues y gospel bajo el nombre de Washington White. Esta casa disquera sólo publicó 4 de los 14 temas grabados. Con la depresión económica avanzando, Bukka White no tuvo otra oportunidad de grabar sino hasta 1937, cuando Big Bill Broonzy le pidió que lo acompañara a Chicago pues grabaría con Lester Melrose. Para esa época, White le había disparado a un hombre y alegaba haberlo hecho en defensa propia. Mientras esperaba el juicio, viajó a Chicago donde grabó 2 cortes antes de ser aprendido y llevado de regreso a Mississippi para pasar 3 años recluido en la granja prisión de Parchman. En este tiempo su tema “Shake’em on down” se convirtió en éxito.

Cuando B.B. King quedó huérfano, tuvo la suerte de contar durante su adolescencia con el apoyo protector de Bukka White, su primo. Este guitarrista, muy reputado en la región, lo inició en la guitarra y le hizo descubrir la gran ciudad de la música, Memphis, donde vivió a partir de 1947.

En 1940 White salió de la cárcel y viajó a Chicago con 12 temas nuevos para Lester Melrose, que se convirtieron en la columna vertebral de su repertorio. Dentro de esas grabaciones encontramos “Parchman farm blues”, la cual no debe ser confundida con el tema del mismo nombre de Moose Allison“, Good gin blues”, “Bukka’s Jitterbug Swing,” “Aberdeen, Mississippi Blues”, (de la cual está el video abajo) y “Fixin’ to Die Blues”.

En 1961 Bob Dylan grabó “Fixin’ to die blues” en su álbum debut. En esa época ninguna persona del negocio musical sabía quién era Bukka White pero dos entusiastas del blues, John Fahey y Ed Denson, escribieron una carta dirigida a “Bukka White, viejo cantante de blues, oficina de correos, Aberdeen, Mississippi. Por suerte, un familiar de White trabajaba en esa oficina y le llevó la carta al músico en Memphis.

Para finales de 1963, Bukka logró un contrato de grabación con Arhoolie y compuso un nuevo tema llamado “1963 isn’t 1962 blues”, aunque nunca dejó a u lado su viejo repertorio. Bukka White era casi de la misma edad de otros sobrevivientes de las escenas blues del Delta y de Memphis de los años 20 y 30, pero no parecía venir de un ancianato: vestía muy bien, gozaba de buena salud, era un gran contador de historias y claramente lograba ser el centro de atención. Todo esto lo demostró en la mayoría de festivales y circuitos de bares en los que participo en la década de 1960.

Para los años 70, Bukka White comenzó a aburrirse de su estatus de celebridad del blues acústico. Siempre deseó tocar una guitarra eléctrica y liderar una banda, como lo habían hecho su viejo amigo Howlin’ Wolf o su primo B.B. King. Pero tan sólo le bastó mirar lo que le pasó a la carrera de su amigo Bob Dylan o lo que ocurrió con muchos artistas de folk blues que intentaron electrificarse y, más bien, se electrocutaron. Así que decidió permanecer en esos circuitos y festivales hasta el final de sus días, interpretando su guitarra de acero National.

Para algunos puristas del blues, lo que Bukka White grabó después de 1940 no es bueno. Sin embargo White fue un increíble intérprete, que dio mucho más de sí en su trabajo que otros artistas en cualquier disciplina musical. Los álbumes con Arhoolie son la recompensa al encanto de White y, particularmente, algunas grabaciones realizadas para Biograph en 1974.

A mediados de la década de 1970 su salud comenzó a resentirse y su actividad musical decrecería irremediablemente. Finalmente murió de cáncer el 26 de febrero de 1977.

Curiosidades: cuando Bukka White entró al pequeño estudio situado en el South Side de Chicago, lo hizo con una guitarra Gibson que le había prestado Big Bill Broonzy. El material que había preparado para las sesiones no fue del agrado del productor Lester Melrose, por ser demasiado parecidas a los típicos blues que todo el mundo conocía, y pidió a Bukka que se tomase un par de días de descanso en un hotel cercano. Dos días después, White se presentó ante él con un repertorio totalmente nuevo. El productor se quedó mudo ante el espectacular cambio. Como contaría años más tarde el propio Bukka: "Nunca antes me había ocurrido que un hombre, negro o blanco, me besara en plena boca, pero eso fue lo que hizo. Me dijo: "Tío, por Dios, los has hecho perfecto. Llevo treinta y cinco años en este trabajo y nunca había visto a nadie hacer lo que tú has hecho en dos días. ¿Cómo demonios lo has conseguido?. ¿De dónde lo has sacado?".

DISCOGRAFIA SELECCIONADA

- Aberdeen Mississippi Blues

- The Complete Sessions 1930-1940

- Parchman Farm Blues

- The Sonet Blues Story

- 1963 isn´t 1962

- Sky Songs

- Memphis Hot Shots

- Big Daddy

0039. STEFAN GROSSMAN - MEMPHIS JELLYROLL

Nació el 16 de Abril de 1945 en Brooklyn, Nueva York. Comenzó a tocar la guitarra a la edad de nueve años, cuando su padre le compró una Harmony f-hole, una guitarra acústica. Más tarde adquirió una archtop Gibson, con la que práctico la música hasta los 15 años.

El interés de Grossman en el revival folk fue provocado por asistir al  Washington Square Park "Hoots", comenzando a escuchar viejas grabaciones de artistas como Elizabeth Cotten , Big Bill Broonzy , Lead Belly , Josh White , Lightnin 'Hopkins , Rev. Gary Davis , Blind Willie Johnson , Blind Boy Fuller , Son House , Charlie Patton , Skip James , Blind Blake , Blind Lemon Jefferson y Woody Guthrie .

Tomó clases de guitarra durante varios años a partir de Rev. Gary Davis , a quien más tarde describió como " uno de los máximos exponentes del blues fingerstyle y gospel guitar playing y un genio increíble como profesor ".Pasó incontables horas de aprendizaje y documentación de la música de Davis.

El renacimiento del folk y el blues en los años '60 le permite acceder a viejos discos de 78 rpm de los años 1920 y 1930. Esto lo pone en contacto con otros coleccionistas, entre ellos John Fahey  y Nick Perls. Además En esos años, Grossman se reunió, se hizo amigo y estudió guitarra con Mississippi John Hurt , Son House , Skip James , Mississippi Fred McDowell y otros grandes artistas de blues .

En 1964, Grossman y un grupo de amigos formaron Even Dozen Jug Band . A pesar de que sólo se registraron un LP en el Elektra Records Label, los distintos miembros de la banda siguieron con éxito sus carreras musicales.  

Posteriormente Grossman pasó cerca de tres meses con The GUB y otros cuatro meses con una banda llamada Chicago Loop. Al mismo tiempo, sin embargo, estaba empezando su carrera como profesor de guitarra. Con su amigo Rory  Block y Mike Cooper, produjo y lanzó uno de los primeros LPs instructivos de guitarra. "How to Play Blues Guitar" y comenzó la publicación de una serie de cinco volúmenes de libros de instrucción con Oak Publications,  llamada el Oak Anthology of Blues Guitar . Estos se basaron en sus estudios con el Rev. Davis.

En 1967, Grossman viajó a Europa como un primer paso en un viaje planeado a la India que no se completó. En Londres se quedó en primer lugar con Eric Clapton a quien había conocido mientras estaba en la banda Chicago Loop y se reunió con los guitarristas y cantantes de la escena folk británico incluyendo Bert Jansch , John Renbourn , Davy Graham y Ralph McTell.   Comenzó a tocar en clubes populares en todo el país e hizo sus primeras grabaciones en solitario para el Philips / Fontana Label .

En 1987 Grossman regresó a vivir en los EE.UU.

Steve Katz y Grossman actuando en Passim café en Cambridge, Mass., El 22 de enero de 2012.

Grossman comenzó a adquirir imágenes y videos de conciertos de los viejos blues y artistas del país que habían sido redescubiertos en la década de 1960 y, a menudo habían hecho apariciones en televisión. Fue un gran avance para los que guitarristas más jóvenes   puedan ver a Big Bill Broonzy, Lightnin 'Hopkins, Rev. Gary Davis y muchos otros de estos artistas de blues. 

Stefan Grossman reanuda sus giras en 2006, y desde entonces ha tocado en Europa y Japón, así como los EE.UU.

0038. ALLEN SHAW - MOANIN' THE BLUES

El músico de Memphis,  Allen Shaw sólo tenía dos títulos publicados bajo su propio nombre durante su carrera discográfica, y que datan de una sesión en la ciudad de Nueva York del 17 a 18 septiembre de 1934. Shaw tocó "I Couldn't Help It" en afinación estándar. La canción se muestra como una pieza en solitario, pero  Memphis Willie B., quien le secundó en "Moanin 'The Blues", segundo título de Shaw, logra que el sonido suene más acorde a las necesidades de Shaw.

Allen Shaw fue un cantante superlativo, con una fuerte voz de barítono con cierto parecido al de Son House. Tanto como cantante y guitarrista, un fraseo vocal  especialmente impactante. . El tercer verso de esta canción parece un elemento básico de los cantantes Memphis: 

Well, I whups my woman with a single tree, you might a heard her hollerin', 

"Don't you murder me!"

REFRAIN: God knows, I couldn't help it, God knows, I couldn't help it

God knows I couldn't help it, I mean, sure as you're born.

0037. PETE HARRIS - JACK O'DIAMONDS

Casi nada se sabe sobre la vida del guitarrista y cantante de Texas Pete Harris . Fuertemente influenciado por Blind Lemon Jefferson , Harris registró 13 pistas (incluyendo dos tomas de "Jack O'Diamonds") en Richmond, Texas, durante el mes de mayo de 1934. Entre los cortes grabó  "Blind Lemon's Song", que fue una versión de Jefferson ' "observa que mi tumba se mantenga limpia," y un compilado de las llamadas square dance calls. Con un registro vocal propio de los cantantes de blues texanos, la guitarra acompaña magistralmente las versiones sureñas de Pete Harris. Estas grabaciones pueden encontrarse en la Biblioteca del Congreso de los EEUU, como los primeros trabajos musicales de la historia del blues en Texas. The Rough Guide to Bottleneck Blues es una recopilación de estas grabaciones eternas de las leyendas del blues original y rinde homenaje a los maestros de la segunda generación Bottleneck Blues de la actualidad.

Entre los temas que encontramos en esta grabación se encuentran los siguientes:

1. Guitar Rag - Sylvester Weaver
2. Fred's Worried Life Blues - Mississippi Fred McDowell
3. God Moves on the Water - Blind Willie Johnson
4. Falling Down Blues - Furry Lewis
5. Jack O'Diamonds - Pete Harris
6. Moanin' the Blues - Allen Shaw
7. Memphis Jellyroll - Stefan Grossman
8. Country Farm Blues - Son House
9. Come on in My Kitchen - Robert Johnson
10. I Be's Troubled - Muddy Waters
11. Sic 'Em Dogs On - Bukka White
12. St. Louis Blues - Jim and Bob
13. Mama, 'Tain't Long fo' Day - Blind Willie McTell
14. Dance of the Inhabitants of the Palace of King Philip XIV of Spain - John Fahey
15. Spoonful Blues - Charley Patton
16. Never Drive a Stranger from Your Door - Willie Harris
17. Roll & Tumble Blues - Hambone Willie Newbern
18. Twelves - Kokomo Arnold
19. I Can't Keep from Crying Sometimes - Martin Simpson
20. Poor Me - Bob Brozman
21. You Just as Well Let Her Go - Casey Bill Weldon
22. Baby How Long - Dan Pickett

0036. WALTER 'FURRY' LEWIS - FALLING DOWN BLUES

Furry Lewis fue el único cantante de blues de la década de 1920 que logró captar la atención de los medios en los años 60 y 70. Su fama se debió, básicamente, a la fortaleza que ofrecían sus primeras grabaciones, con una forma muy particular de narrar historias, además de ser un excelso guitarrista que se adaptaba fácilmente al blues y al ragtime, con un estilo discreto en lugar de extravagante.

Lewis nació en Greenwood, Mississippi, en algún momento entre 1893 y 1900. No hay una precisión ya que el mismo artista se encargó de variar en muchas ocasiones el año de nacimiento. Su familia se trasladó a Memphis, ciudad en la Lewis permaneció el resto de su vida. Cuando era niño y otros de su edad le habían puesto el sobrenombre “Furry”, peludo, Lewis construyó su primera guitarra con algunos desperdicios que encontró en su hogar. En algunas entrevistas dijo que su mentor había sido un músico que vivía en su calle, al que conocía como Blind Joe, y quien le enseñó varias de las canciones tradicionales que grabó.

Lewis entró al mundo de la música en 1917 debido a la pérdida de una de sus piernas en un accidente de tren. Como en Memphis no había empleo para negros analfabetas y mucho menos inválidos, comenzó a tocar la guitarra en la calle Beale para luego pasar a viajar en los shows de medicina, donde empezó a improvisar muchos trucos para interpretar su instrumento.

La carrera de grabación de Furry Lewis comenzó en abril de 1927, al lado de su amigo Landers Waller. Eso fue en Chicago, ciudad en la que registraron 5 canciones para el sello Vocalion, en las cuales se podía apreciar la naturalidad de Lewis, acercándose al micrófono de igual manera en la que cantaba a las personas en vivo. En octubre de ese mismo año grabó 6 canciones más, pero esta vez sin músico acompañante, solamente él y su guitarra.

A pesar de que Lewis tenía un sonido muy atractivo, dado que no cambiaba mucho del vivo al estudio, sus discos no se vendieron bien por lo que escasamente pudo desarrollar una pequeña carrera en Memphis.

Debido a la depresión económica en los años 30, Lewis dejó su carrera musical ya que el mercado musical se vio reducido. Encontró un trabajo con el gobierno municipal de Memphis, en el cual estuvo hasta la década de 1960. Durante esos años tocaba su música para amigos y familiares, sin buscar intentos por revivir su profesión. A finales de los años 50, Lewis fue descubierto por el investigador Sam Chartes, quien logró persuadirlo para que volviera a la música. Para esa época, Furry Lewis era el único músico vivo de aquellos que se habían establecido en Memphis durante los años 30, siendo el eslabón para unir con ese mundo moderno todo un rico pasado musical.

Bajo la dirección de Sam Charters, Lewis vovió en 1961 a los estudios de grabación y registró dos discos, en los cuales se notó que el músico no había perdido su forma, manteniendo una voz y una manera de tocar la guitarra deslumbrantes. Esto ayudó a que Furry Lewis emergiera como una de las grandes estrellas del movimiento “blues revival”, apareciendo en festivales, periódicos, programas de televisión y de radio. Se convirtió en una figura pública que contaba a sus audiencias historias de su vida, divertidas y reveladoras, proclamándose como inventor de muchos estilos de tocar la guitarra.

Para la década de 1970, Lewis era una celebridad del blues. Aunque su material grabado no era tan vital como sus primeros registros, por lo menos le sirvieron para obtener una recompensa económica por su esfuerzo. El mundo del blues despidió a una de sus estrellas más brillantes en 1981, la cual no se ha apagado pues día a día son más los fanáticos del blues que son atraídos por su música.

0035. BLIND WILLIE JOHNSON - GOD MOVES ON THE WATER

Blind Willie Johnson es uno de los grandes intérpretes del slide. Sin embargo, el evangelista callejero es conocido mucho más por su áspera voz que por sus habilidades con la guitarra. Johnson en ocasiones cantaba con voz baja, ronca, y a veces la llevaba hasta su tenor natural con un volumen que podía ser bien escuchado a pesar de los sonidos de la calle. Grabó un total de 30 canciones en un periodo de tres años y muchas de ellas llegaron a ser clásicos, como “Jesús make up my dying bed”, tema con el que abrimos este programa, o “God don’t never change” y la más famosa “Dark was the night, cold was the ground”. Los historiadores del blues están de acuerdo en que Johnson nació en una pequeña población cercana a Waco, Texas, en 1902. Su madre murió cuando era bebe y su padre volvió a casarse. Cuando tenía 7 años, su padre y su madrastra pelearon. Ella le arrojó ácido muriático al padre, pero cayó en los ojos del niño, dejándolo ciego de inmediato. Cuando Johnson creció, se empezó a ganar la vida tocando su guitarra, una de las pocas formas en que un hombre ciego podía vivir. En lugar de tocar el slide con un cuello de botella, lo hacía con una navaja de bolsillo. Tocaba la guitarra afinada en Re, llevando la melodía con notas sencillas, mientras usaba el slide y tocaba la línea de bajo con su pulgar. Fue conocido, sin embargo, por tocar en diferentes afinaciones y en raras ocasiones, por hacerlo sin slide. A pesar de su excelente técnica y sonido, Johnson nunca quiso ser bluesista, pues era un apasionado creyente de la Biblia. Comenzó a cantar gospel e interpretar los “spirituals” negros. Llego a ser pastor bautista y llevó su música y sermones a las calles de los suburbios. Cuando estaba en Dallas, conoció a una mujer llamada Angelina y se casó con ella en 1927. Angelina sumó algunos himnos del siglo 19 al repertorio de Blind Willie Johnson y juntos comenzaron a cantar en el área de Dallas y Waco. 

Johnson grabó el 3 de diciembre de 1927, seis canciones para Columbia Records, las cuales se conviertieron en unas de sus más poderosas grabaciones: “If I had my way”, sobre la historia de Sansón y Dalila; “Mother’s children hace a hard time”, conocida después como “Motherless children”; “It’s nobody fault but mine”, “Jesus make up my dying bed”, “I know his blood can make me whole” y el más aclamado “Dark was the night, cold was the ground”, acerca de la crucifixión de Cristo. Después de esta sesión, Johnson no volvió a los estudios durante un año. Su segunda visita fue en 1928 con su esposa Angelina, quien hizo la voz de soporte. Grabaron 4 temas que incluyeron “I’m gonna run to the city of refuge” y “Lord, I just can’t keep from cryin’”. Algunos meses después, Willie y Angelina Johnson conocieron a Elder Dave Ross y fueron con él a Nueva Orleans, donde Blind Willie Johnson grabó otras 10 canciones para Columbia, dentro de las cuales estaban “God don’t never change”, “Let your Light shine on me” y “You’ll need somebody on your bond”. Aunque Blind Willie Johnson fue uno de los artistas más exitosos de Columbia, sólo grabó una vez más para este sello, en abril de 1930, después de lo cual nunca se volvió a escuchar algo suyo. La última sesión tuvo lugar en Atlanta, nuevamente con su esposa Angelina, quien hizo la voz líder en algunos temas. Nuevamente fueron 10 canciones como ““Can’t Nobody Hide From God”, “John the Revelator”, y una versión de “You’re Gonna Need Somebody on Your Bond”. Estos 2 últimos temas fueron editados en un disco que fue retirado del mercado poco tiempo después de su lanzamiento. A pesar de no grabar después de 1930, Blind Willie Johnson continuó cantando en las calles de Texas durante los años 30 y 40. Infortunadamente en 1947, la casa de los Johnson se incendió. Blind Willie pescó una neumonía y murió una semana después de que su casa fue destruida. Angelina, su esposa, trabajó como enfermera en los años 50. Durante muchos años, diferentes artistas han realizado versiones de los temas más famosos de Blind Willie Johnson, incluyendo a Bob Dylan, Eric Clapton y Ry Cooder. “If I had my way” fue famosa en los años 60 gracias a la interpretación de Peter, Paul and Mary. Su música, además de estar completa en un álbum doble, aparece también en diferentes compilaciones de country blues y guitarra slide.