0135. ROOSEVELT SYKES - 44' BLUES

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"Forty-Four" or "44 Blues" es un blues standart  cuyos orígenes se remontan a principios de 1920 en  Louisiana.Sin embargo, fue Roosevelt Sykes , quien proporcionó las letras y  lo grabó en 1929, popularizando esta canción. "Forty-Four" or "44 Blues" a través de numerosas adaptaciones y grabaciones, permanece en la historia del blues, siendo interpretada por distintos artistas del género.

"Forty-Four" or "44 Blues" fue compuesta para el piano, como un "barrelhouse blues".  Little Brother Montgomery , al que se le atribuye el desarrollo de la canción, enseñó a otro pianista de blues, Lee Green, la música y la forma de tocar la canción, quien a su vez,  lo enseñó a Roosevelt Sykes. 

 Como Sykes explicó: " Lee Green fue el primer bluesman al que oí tocar "Forty-Four" or "44 Blues". Varias personas lo habían estado tocando a través del país, entre ellos - Little Brother Montgomery y varios otros, pero nadie la había registrado y la forma de tocarla y sus letras variaban bastante. Lee Green, se tomó un montón de tiempo para enseñarme a tocarla " 

 En el momento en que lo grabó en 1929 para el sello Okeh Records, Roosevelt Sykes le escribe la letra y llamó   a la canción "44 Blues": 

Well I walked all night long, with my .44 in my hand (2x)

Now I was looking for my woman, found her with another man

Bueno. Caminé toda la noche, con mi .44 en mi mano (2x)

Ahora yo estaba en busca de mi mujer, la encontré con otro hombre

Well I wore my .44 so long, Lord it made my shoulder sore (2x)

After I do what I want to, ain't gonna wear my .44 no more

Bueno,  he llevado  mi .44 tanto tiempo, que el Señor ha hecho que me duela el hombro (2x)

Después de hacer lo que quiero hacer, no voy a llevar mi .44 más.

Now I heard my baby say, she heard that 44 whistle blow (2x)

Lord it sounds like, ain't gonna blow that whistle no more

Ahora he oído decir mi bebé, que ella escuchó el golpe y el silbido del 44 (2x)

Señor , como suena, el golpe y el silbido, no más .

Now I got a little cabin, and it's number 44 (2x)

Lord I wake up every morning, the wolf be scratching on my door

Ahora tengo una pequeña cabaña, y es la número 44 (2x)

El Señor me despierta cada mañana,  y el lobo esta arañando la puerta de mi casa.

No fue hasta después que Sykes grabó "44 Blues" que Green y Montgomery registran sus versiones de "The Forty-Fours." 

Mientras que instrumentalmente eran similares a la versión de Sykes, el objeto y la letra eran diferentes. 

Lee Green grabó su versión, titulada "Number 44 Blues," dos meses después de Sykes (16 de agosto de 1929, Vocalion 1401). 

Alrededor de un año más tarde, Little Brother Montgomery grabó su versión titulada "Vicksburg Blues" (septiembre de 1930, Paramount 13006-A).  De los tres, la versión de Roosevelt Sykes  fue la más popular. 

Sykes juega con las diferentes interpretaciones de la frase "Forty Four": el tren número 44, el revólver calibre .44 y la pequeña cabaña con el número 44, presumiblemente una celda de prisión.

Debido a la popularidad de la canción, muchas versiones de "Forty-Four" or "44 Blues" aparecieron en los años siguientes, incluyendo algunas que se parecían muy poco a la original, excepto por el título. 

En 1954, cuando Howlin 'Wolf grabó su versión, "Forty Four" tomó una nueva perspectiva. Acompañaron a Wolf en la grabación, Hubert Sumlin y Jody Williams (guitarras eléctricas), Otis Spann (piano), Willie Dixon (bajo), y Earl Phillips (batería). Juntos transforman "Forty Four" en un blues de Chicago , con líneas de guitarra prominentes y un insistente "martial shuffle" en el tambor. Wolf mantuvo la referencia a la pistola que hace Sykes en su letra original y agrega "Well I'm so mad this morning, I don't know where in the world to go."

En 1968 "Forty-Four" or "44 Blues" fue llevado al blues-rock por Johnny Winter en su álbum The Progressive Blues Experiment. La versión de Winter tenía un ritmo más rapido un sonido más renovado (trío de guitarra, bajo y batería).

El músico de blues estadounidense James Crutchfield grabó la canción para su álbum de 1985 Original Barrelhouse Blues. En 1998, The Derek Trucks Band grabó "44 blues" para el álbum Out of the Madness .

0134. THE SIMPSONS - BORN UNDER A BAD SIGN

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"Born Under a Bad Sign" 

Originally performed by Albert King; 

written by Booker T. Jones and William Bell

Homer Simpson

featuring B. B. King (guitar) and the horn section from Tower of Power.

Voice: Dan Castellaneta

Dan Castellaneta, nacido el  29 de octubre de 1957, en Chicago, Illinois es actor y voz de Homero Simpson de la serie animada Los Simpson (en la que también interpreta las voces de Abraham Simpson y Krusty el Payaso). 

The Simpsons Sing the Blues es un álbum de 1990 surgido como una creación de Los Simpson. El álbum contenía originariamente la música grabada que no aparecía en la serie salvo por la primera estrofa de la pista "Moaning Lisa Blues", presentada en el episodio Moaning Lisa el 11 de febrero de 1990.

"Do the Bartman", lanza el álbum como su primera pista y como el primer Single puesto en el mercado. Se trata de un éxito internacional, además de ser el único número uno del Reino Unido desde el 16 de febrero de 1991 y mantenerse ahí durante dos semanas después de la venta de más de 400.000 copias.Fue casi 5 años antes de que la serie actual se incorporase a la televisión británica, a pesar de que había se estrenado en el canal por satélite Sky One en 1990. 

El segundo Single editado, "Deep, Deep Trouble", también salió bien en el Reino Unido, alcanzando el número 7. Tanto "Do the Bartman" como "Deep, Deep Trouble" fueron editados  como vídeos musicales en 1991.

Diferentes actores del reparto prestaron sus voces para el álbum con material nuevo y para cubrir canciones. Hubo un notable número de músicos que aparecieron en el álbum, incluido BB King, DJ Jazzy Jeff, el Dr. John y Marcy Levy.

David Geffen , fundador de Geffen Records , tuvo la idea de grabar un álbum basado en Los Simpson , que se publicaría a tiempo para la Navidad de 1990. Los escritores escribieron letras humorísticas para los actores para llevar a cabo estas canciones de blues.  La voz actores de la serie grabaron el álbum en septiembre de 1990.  El título del álbum fue sugerido por el productor, James L. Brooks . 

"Nos encontramos con una variedad de estilos para el registro", admitió el creador Matt Groening en una entrevista de 1990. El disco contiene una mezcla ecléctica de viejos blues de canciones como "Born Under a Bad Sign", " Billie Holiday's God Bless the Child" y canciones originales, como" Deep Trouble Deep ", que fue producido por el rapero DJ Jazzy Jeff y escrito por Groening. 

El álbum The Simpsons Sing the Blues fue lanzado el 4 de diciembre de 1990, y fue un éxito, en EE.UU. y en Inglaterra.

El 14 de diciembre de 1990, el álbum obtuvo el disco de  platino, habiendo vendido más de 1 millón de copias en su primera semana de lanzamiento. 

The Simpsons Sing the Blues es hoy considerado como una novedad de Los Simpson en la  temprana popularidad. Poco después del lanzamiento del disco y el éxito, las compañías discográficas se apresuraron a la moda estrellas de la música de personajes animados. 

0133. KOKO TAYLOR & BUDDY GUY -BORN UNDER A BAD SIGN

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Para escuchar a las mujeres en el blues no bastan las expectativas o los manierismos en el dibujo de lo esperado. Ellas generan con sus historias ese placer impagable del desarrollo histórico argumentado y cifrado en sus intersticios creativos, en los relatos biográficos, en las obras conseguidas. En líneas generales, las mujeres en el blues no traicionan la poética del género, como muchos pudieran pensar; es más, le brindan un interés que trasciende las perspectivas habituales.

Si B.B. King es conocido como "El Rey del blues", la recientemente fallecida Koko Taylor, aunque diez años más joven que él, es considerada por los amantes del género como "La Reina del blues de Chicago". Dotada de una voz única, un sentido del ritmo extraordinario y una gran presencia en el escenario, Koko Taylor se consagró como una de las más importantes cantantes del blues de todos los tiempos.

Durante la mayor parte de la historia de esta música, aparentemente han sido pocas las mujeres que han formado parte de dicha comunidad. En el pasado, una mujer decidida a no dejarse intimidar por el ambiente duro con frecuencia tuvo que pagar precios tendentes a ponerla en su lugar: la pérdida de respetabilidad (familiar y pública) encabezaba la lista, además de la desaprobación general y a veces el ostracismo.

La suya es la historia del blues de Chicago, tanto a nivel musical como personal. La hechicera garganta de Koko Taylor era torrencial y aulladora, un rudo rugido forjado en los clubes de una ciudad que había recibido más de un millón de emigrantes negros del sur de EEUU entre 1910 y 1960, personas que huían de la pobreza y la semiesclavitud en busca de trabajos en la industria automovilística.

Cora Walton (que ostentaba el apodo de “Koko” por su afición al chocolate) nació el 28 de septiembre de 1935 en Memphis en una familia de agricultores. Tras la pronta muerte de su madre fue criada por su padre y comenzó a cantar gospel en las iglesias, pero también cantaba el blues que había descubierto escuchando la radio.

 Considerada al morir, la máxima representante del blues contemporáneo en su rama tradicional, se enfrentó a todos esos avatares y más. Su familia aparcera la apoyó como cantante de gospel, pero al elegir el blues que era lo que más le gustaba –influenciada por Bessie Smith y Big Mama Thornton–;le retiraron el apoyo con el que había contado tras quedar huérfana. La comunidad cristiana del lugar en el que había nacido y en cuya iglesia cantaba (Shelby, Tennessee, 1928), hizo lo mismo. Así que cuando su futuro marido, el camionero Robert “Pops” Taylor, le propuso irse a Chicago no lo dudó. Primero Sra. Taylor, luego Cocoa y finalmente Koko Taylor. De ese modo pasó a convertirse en Koko Taylor en 1952.

La llegada a la modernidad tuvo que pagarla haciendo la limpieza de casas ricas durante el día, pero al llegar la noche se presentaba en los escenarios de pequeños tugurios donde el blues eléctrico comenzaba a labrarse su camino entre el campo y la urbe. A la resistencia general a las mujeres en el blues, durante aquellos años cincuenta, se le podía agregar una buena proporción de temor masculino ante el aumento en la competencia económica, puesto que en el blues de antaño los empleos eran muy apreciados y relativamente pocos.

Asimismo, las escasas intérpretes –en el caso de Koko quizá la única por entonces en Chicago– debían tener un carácter fuerte para hacer frente a los espesos ambientes de aquellos centros nocturnos, al acoso sexual, a los tiránicos horarios, al alcohol, las drogas y demás tentaciones del camino. Taylor lo supo sobrellevar y eso le permitió encontrarse finalmente con Willie Dixon en 1962. Cuando esto sucedió, ella ya tenía un estilo propio forjado en las brasas de los podios más ríspidos y brumosos y en la escucha de músicos como Muddy Waters, Sonny Boy Williamson y Howlin’ Wolf.

Dixon era una celebridad como contrabajista, arreglista y compositor, así que cuando se le acercó a Koko para decirle que “nunca había escuchado a una mujer cantar el blues como ella” y ofrecerle presentarla en la Chess Records, la intérprete vio colmadas sus aspiraciones artísticas. Pero ése era sólo el inicio. Dixon no sólo la descubrió, sino que la afincó estilísticamente en el terreno de los shouters y le proporcionó el material para su primer disco, así como el exitoso sencillo que sería, desde entonces, su tema de presentación: “Wang Dang Doodle”.

A partir de ahí la cantante vio desfilar piezas y piezas a las que les insufló vida; a la banda Blues Machine que la acompañaría en los doscientos conciertos que brindaba en el mundo por año en promedio; a la desaparición de Chess; al surgimiento de Alligator Records, de la que formó parte del elenco; a los premios y reconocimientos de la industria y de la cultura (Grammys, Salón de la Fama en varios rubros y su arte elevado a la condición de Patrimonio Nacional Viviente); a los epítetos de “Leyenda” y “Reina del Blues”, cuando en realidad todo lo había considerado como un reto de vida al que hizo frente con una actitud y una voz que unidas eran una desatada fuerza de la naturaleza.

El extraordinario álbum "I Got What It Takes", acompañada por el gran guitarrista Sammy Lawhorn, la subió a la cima. Siguieron otros discos que mantuvieron un alto nivel y que le aseguraron la supremacía en el blues femenino, acumulando premios de todo tipo incluidos varios Grammy, W.C. Handy Award, Blues Music Award e incluso su inclusión en el Salón de la fama (Hall Of Fame) en 1997.



Tras la muerte de su marido, en 1988, se vio muy afectada y pasó una etapa muy difícil aunque consiguió recuperarse y volvió a grabar y actuar dos años después. Su actividad musical estuvo intacta casi hasta el final cuando, el 3 de junio del 2009, falleció víctima de una hemorragia gastrointestinal producida por complicaciones posteriores a una operación a la que había sido sometida recientemente.

Uno escucha las canciones de blues cantadas por ella no sólo para saber cómo argumenta su historia personal sino para disfrutar y comprender la construcción de esa historia. Esta es una manera de defender un género, desde su esencia, en el panorama creativo. Es decir, las mujeres como Koko Taylor han tenido en el blues el mismo problema que los hombres: la necesidad de un público que realmente las escuche.

Algo parecido se podría decir de sus personalidades, un filón de literatura, ensayo o biografía inagotable en sus caracteres y en toda esa pátina de claroscuros con que suelen estar muchas de ellas construidas. Sumergirse en esas historias, adentrarse en sus territorios musicales, implica la ruptura de esos límites con los que se señala lo que recibe el nombre de “normal”. Ellas trascienden los arquetipos y los clichés o fomentan unos nuevos encarnados en la concreción de sus estilos, en los que el tiempo pierde toda consistencia y no impone su rígido orden.

FORCE OF NATURE

La Reina del Blues, una cantante de voz potente y áspera garganta, descubierta en los clubes de Chicago por Willie Dixon.

En sus comienzos formo banda con Littie Walter y Hound Dog Taylor, grabando para los Chess Records y  más tarde par Alligator Records.

Ha conquistado hasta 24 premios de la música blues, e influenciado a grandes cantantes como Bonnie Raitt, Janis Joplin y Susan Tedeschi.

Este disco de autentico blues de Chicago con arreglos extraordinarios te sumerge en los clubes del “south side” con la colaboración de su inseparable colega Buddy Guy a la guitarra y Carey Bell a la armónica. Destacan temas como “Mother Nature “ o “Hound Dog” 

 El track “Born Under a Bad Sing”, en dueto con Buddy Guy donde como un taladro en la base rítmica, despliegan todo un derroche de fuerza de interpretación.

0132. CREAM - BORN UNDER A BAD SIGN

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Cream fue un trío de power rock fundado en Londres, en 1966, por el bajista y vocalista Jack Bruce, el baterista Ginger Baker y el guitarrista y vocalista Eric Clapton. Su sonido se caracterizaba por ser un híbrido de blues, rock psicodélico y pop. Cream es a menudo considerado como el primer supergrupo de éxito y a pesar de haber estado en actividad apenas dos años, ha vendido más de quince millones de copias en todo el mundo hacia 2011, según la revista Rolling Stone. La banda tuvo un impacto significativo en la música popular de la época y, junto a Jimi Hendrix, popularizó el uso del pedal wah-wah.

Después de grabar cuatro álbumes de larga duración — Fresh Cream, Disraeli Gears, Wheels of Fire y Goodbye —, el grupo se separó a finales de 1968 debido a la mala relación entre Baker y Bruce. La banda se reunió posteriormente en 1993 con motivo de su ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame, y en 2005, para unas actuaciones en el Royal Albert Hall y el Madison Square Garden.

A pesar de su corta trayectoria, Cream ha influenciado a un gran número de grupos posteriores, y ha sido incluido en la lista de los «100 mejores artistas de todos los tiempos» de la revista Rolling Stone. En 2006, el trío recibió un Grammy honorífico en reconocimiento a su carrera artística.

Formación y Fresh Cream (1966)

Hacia julio de 1966, Eric Clapton era reconocido como uno de los mejores guitarristas de blues en el Reino Unido debido a su trayectoria con The Yardbirds y John Mayall & the Bluesbreakers. Sin embargo, este abandonó el grupo de Mayall para crear una nueva banda. Ese mes, el guitarrista se reunió con Ginger Baker, batería de The Graham Bond Organization, y conversaron sobre la posibilidad de crear un nuevo proyecto. Clapton comentó más tarde: «Siempre me había gustado Ginger [Baker]. Vino una vez a verme tocar con John Mayall & the Bluesbreakers y después del concierto me trajo de vuelta en su coche a Londres donde me comentó que quería formar un nuevo grupo, algo en lo que yo también había pensado».

Clapton aceptó formar un nuevo proyecto con la condición de que Baker contratara a Jack Bruce, su compañero en The Graham Bond Organization, como bajista. El guitarrista había conocido a este cuando tocó con John Mayall & the Bluesbreakers en noviembre de 1965 y había trabajado con él en Powerhouse, un proyecto de corta duración. Por otra parte, Baker y Bruce habían tenido fuertes discusiones cuando eran parte de la banda de Bond, lo que llevó al batería a despedirlo. Cuando el bajista cuestionó su derecho a tomar tal decisión, Baker le amenazó con un cuchillo Sin embargo, por el futuro del nuevo grupo, ambos dejaron de lado sus diferencias.

El trío eligió como nombre Cream debido a que los tres se consideraban la «crème de la crème» entre los músicos de jazz y blues de la escena musical británica. Inicialmente el grupo era llamado The Cream (con el artículo), pero a partir de lanzamiento de su primer trabajo se le conoció simplemente como Cream.  Antes de decidirse por tal nombre, también se barajó la posibilidad de llamarlo Sweet 'n' Sour Rock 'n' Roll. De los tres, Clapton era el que mayor reputación tenía en el Reino Unido, pero en Norteamérica era casi desconocido; había dejado The Yardbirds antes de que el sencillo «For Your Love» alcanzara los diez primeros lugares del Billboard Hot 100.

Cream hizo su debut oficial en el Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival el 3 de julio de 1966.  Al ser un grupo nuevo y con pocas canciones propias, el trío tocó algunos temas clásicos de blues. En octubre, la banda permitió a Jimi Hendrix que se le uniera para improvisar durante una actuación. Hendrix acababa de llegar a Londres y era un aficionado de la música de Clapton. Ambos se conocieron por la intervención de Chas Chandler, bajista de The Animals y mánager del guitarrista norteamericano.

Entre julio y octubre, Cream grabó su álbum debut, Fresh Cream, que salió a la venta de diciembre. El disco alcanzó la sexta posición en la lista de Reino Unido y la trigésimo novena en la estadounidense. Fresh Cream se divide entre versiones de los temas «Four Until Late», «Rollin' and Tumblin», «Spoonful», «I'm So Glad» y «Cat's Squirrel», y canciones compuestas por Baker, Bruce y la esposa de este, Janet Godfrey. El sencillo «I Feel Free», aunque no fue incluido en la versión británica del álbum, llegó al puesto once del UK Singles Chart. 

Disraeli Gears (1967)

Fotografía de Cream de 1967. De izq. a der.: Baker, Bruce y Clapton.

Cream realizó su primera visita a los Estados Unidos en marzo de 1967 para tocar nueve noches en el RKO Theater de Nueva York. Entre el 11 y el 15 de mayo, el trío regresó a dicha ciudad, concretamente a los estudios Atlantic, para realizar la grabación de su segundo álbum de estudio, Disraeli Gears, que salió a la venta en noviembre y que llegó a posicionarse entre los cinco álbumes más vendidos tanto en Estados Unidos como en Reino Unido. El productor del mismo fue Felix Pappalardi, quien convenció a Clapton para que también grabara temas como vocalista principal, algo que no fue del agrado de Bruce.  Disraeli Gears fue el primer álbum de Cream formado principalmente por canciones compuestas por el grupo, y a diferencia de su antecesor, incluye en su mayoría temas originales, a excepción de «Outside Woman Blues» y «Mother's Lament» que son arreglos de canciones de blues. El sencillo principal, «Sunshine of Your Love», llegó a situarse entre los cinco primeros puestos en Norteamérica y consiguió un disco de oro otorgado por la RIAA.

Pese a que el álbum está considerado como uno de los mejores trabajos de la década de 1960, nunca tuvo una gran representación en sus conciertos. A pesar de que el trío interpretó con asiduidad los temas «Tales of Brave Ulysses» y «Sunshine of Your Love», varias canciones de Disraeli Gears fueron excluidas de su set list a mediados de 1967 en favor de largas improvisaciones.  En agosto, la banda realizó sus primeras actuaciones como cabeza de cartel en Estados Unidos en la sala Fillmore West de San Francisco.

Wheels of Fire (1968)

Actuación del trío para la televisión holandesa en 1968.

Entre julio de 1967 y junio 1968,  Cream grabó varias canciones en los estudios IBC (Londres) y Atlantic que, junto a algunos temas grabados en directo en el Filmore West y en la sala Winterland Ballroom, formaron parte de su tercer trabajo, Wheels of Fire.  El álbum, publicado en agosto, fue editado también de manera separada bajo los títulos Wheels Of Fire - In The Studio yWheels Of Fire - Live At The Fillmore,  aunque sólo uno de los temas («Toad») había sido grabado en dicha sala.

Wheels of Fire fue su único número uno en el Billboard 200 y en el Canadian Albums Chart. El álbum destaca por el uso de diversos instrumentos orquestales grabados por el productor Felix Papppalardi.  El sencillo «White Room» fue su mayor éxito en Australia, donde llegó a la primera posición de la lista se sencillos.

Tras completar Wheels of Fire a mediados de 1968, los miembros de la banda decidieron que ya habían tenido suficiente y querían seguir sus carreras por separado.  Baker comentó en una entrevista para la revista Music Mart en 2006: «Llegó un momento en que Eric [Clapton] me dijo: 'Ya he tenido bastante' y le dije que yo también. El último año de Cream fue agónico. Tuve problemas de salud y todavía hoy tengo problemas de audición debido al alto volumen con el que tocábamos. Originalmente, la cosa no empezó así; cuando fundamos la banda fue genial y realmente una maravillosa experiencia musical». Las tensiones entre el batería y Bruce volvieron a aparecer,6 lo que obligó a Clapton a actuar de mediador.
 El guitarrista además había leído una mordaz crítica realizada por  para la revista Rolling Stone, publicación que admiraba, en la que le calificaba como «maestro del cliché del blues».  A raíz de este artículo, Clapton quiso poner fin a su etapa con Cream y tomar un rumbo musical diferente.

Goodbye (1969)

Una vez anunciada su separación, el grupo volvió a reunirse para la realización de su cuarto y último álbum. El disco, titulado Goodbye, fue grabado en octubre de 1968 y salió a la venta en febrero del año siguiente, cuando la banda ya se había separado oficialmente. Goodbye contiene seis canciones: tres en directo grabadas el 19 de octubre en un concierto en el recinto The Forum (Los Angeles) y tres grabaciones de estudio nuevas. Entre los temas incluidos destaca «Badge», compuesta por Clapton y George Harrison; este último además, participó como guitarrista rítmico acreditado como L'Angelo Misterioso. El álbum fue su único número uno en el UK Albums Chart y llegó a la segunda posición del Billboard 200.

La gira de despedida de Cream consistió en veintidós conciertos en diecinueve recintos en los Estados Unidos, entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968 y dos actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres, el 25 y 26 de noviembre. Su último concierto en los Estados Unidos tuvo lugar en el Rhode Island Auditorium (Rhode Island), pero como el grupo llegó con retraso al estadio sólo pudo interpretar dos canciones: «Toad» y una versión de más de veinte minutos de «Spoonful».

Las dos actuaciones en el Royal Albert Hall fueron filmadas para un especial de la BBC y editadas posteriormente en vídeo bajo el nombre Farewell Concert. Ambos conciertos agotaron las entradas y atrajeron más atención que cualquier otro de Cream.  Sin embargo, Baker no tuvo una opinión positiva: «No fueron buenas actuaciones... Cream era mejor que eso... Sabíamos que se había acabado. Simplemente estábamos acabando con ello, pasando el mal trago». El batería añadió también que «la banda empeoraba a cada minuto». Los teloneros de la gira fueron Taste (con un joven Rory Gallagher), la recién formada Yes y en tres actuaciones, Deep Purple.  Tras su disolución, Cream consiguió una nominación al Grammy en la categoría de mejor nuevo artista, aunque el ganador fue José Feliciano.

Tras la separación

Tras la disolución de Cream, Clapton y Baker formaron Blind Faith.

Poco después de la disolución de Cream, Clapton fundó el supergrupo Blind Faith con el miembro de Traffic Steve Winwood y al que se uniría también Rick Grech y el propio Baker. Su único trabajo de estudio, titulado de manera homónima y publicado en agosto de 1969, llegó a la primera posición del Billboard 200 y del UK Albums Chart.  A pesar del éxito, Blind Faith se separó ese mismo año. Clapton pasó entonces a formar parte de Delaney & Bonnie, antes de crear el grupo Derek and the Dominos, que sólo lanzó un trabajo de estudio, Layla and Other Assorted Love Songs.
 En 1970, el guitarrista comenzó su carrera en solitario. Tras formar parte de Blind Faith, Baker fundó el proyecto Ginger Baker's Air Force junto a Winwood, Grech, Graham Bond y Denny Laine, guitarrista de Moody Blues. Por su parte, Bruce comenzó su trayectoria solista con el lanzamiento del álbum Songs for a Tailor en 1969.

Reuniones

Rock and Roll Hall of Fame (1993)

En enero de 1993, Cream fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En el evento, el trío interpretó «Sunshine of Your Love», «Crossroads» y «Born Under a Bad Sign». En su discurso tras aceptar tal reconocimiento, Clapton comentó que el ensayo realizado un día antes de la ceremonia había sido la primera vez que la banda tocaba junta en veinticinco años. A pesar de que los tres hablaron sobre una posible gira de reunión, la idea no se concretó debido a que cada uno estaba ocupado con sus distintos proyectos. Sin embargo, Bruce y Baker se juntaron posteriormente para realizar un álbum junto a Gary Moore.

Conciertos en el Royal Albert Hall y el Madison Square Garden (2005)

Cream se reunió para una serie de conciertos el 2, el 3, el 5 y el 6 de mayo de 2005 en el Royal Albert Hall de Londres, el mismo lugar donde el trío realizó sus últimas actuaciones. A pesar de que la banda decidió no hacer comentarios sobre los espectáculos, Clapton afirmó más tarde que esta se había vuelto más «generosa» con respecto al pasado y que la salud física de Bruce y Baker fue un factor importante. El bajista había recibido un trasplante de hígado después de haber sido diagnosticado con cáncer y el baterista sufría artrosis.

Las entradas para los cuatro conciertos se agotaron en apenas unos minutos. Esta reunión supuso la primera vez que el grupo tocaba en directo los temas «Badge» y «Pressed Rat and Warthog». En octubre de 2005 salió a la venta Royal Albert Hall London  en formato CD y DVD, y que recopila las mejores interpretaciones de sus cuatro actuaciones en dicha banda. La edición en vídeo del álbum consiguió cinco certificaciones de platino de la RIAA.

Tras los espectáculos en el Royal Albert Hall, Cream decidió seguir con su reunión esta vez por los Estados Unidos donde actuó en el Madison Square Garden de Nueva York entre el 24 y el 26 de octubre de ese mismo año. En febrero de 2006, Cream recibió un Grammy honorífico por su carrera artística. Aunque hubo planes de que la banda se reuniera en más ocasiones, Bruce anunció en 2010 que «Cream está acabada».

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Miembros

                                               Eric Clapton /Guitarra y voz

                                                         Jack Bruce (bajo y voz)

                                                   Ginger Baker (Batería)

El 25 de Octubre de 2014 se dio a conocer la noticia del fallecimiento de Jack Bruce, a los 71 años, en la página oficial del bajista.

“Es con gran tristeza que nosotros, la familia de Jack, anunciamos el fallecimiento de nuestro amado Jack: esposo, padre, abuelo y gran leyenda. El mundo de la música se verá empobrecido sin él pero él vive en su música y en nuestros corazones por siempre”.

El músico, quien formara parte de la legendaria agrupación Cream, al lado de Eric Clapton y Ginger Baker, padecía una enfermedad en el hígado y falleció en su casa en Suffolk, Inglaterra, según confirmó su publicista, Claire Singers por medio de un comunicado.