0034. MISSISSIPPI FRED McDOWELL - FRED'S WORRIED LIFE BLUES

“Si prestan atención a lo que canto, también lo canta mi guitarra, y lo que dice mi guitarra, lo digo yo”. Mississippi Fred McDowell estaba seguro de una cosa: él no tocaba rock’n’roll. Así su música condujera inevitablemente a ese género, Fred McDowell fue uno de los más genuinos exponentes del blues del Delta, inclusive en épocas como los años 60, cuando el blues empezó a buscar otras voces para hacerse oír.

McDowell fue un músico soberbio, uno de los proveedores del delta blues más puro, que se puede igualar sin temor con Charley Patton o Son House gracias a su voz áspera y su estilo para interpretar la guitarra con el slide o con el cuello de una botella. Esto lo tenía claro Fred McDowell y por eso mientras muchos otros músicos diluyeron su sonido tratando de encontrar nuevas audiencias, él no cambio una sola nota. A pesar de que despreció el sonido amplificado del rock, no tuvo ningún problema para enseñar sus técnicas a los jóvenes que acudían para aprender de él.

De las cosas más impresionantes que tuvo la carrera de Mississippi Fred McDowell es que es que se convirtió en un músico profesional de tiempo completo a mediados de los años 60, haciendo parte de ese gran grupo de re-descubrimientos que ocurrieron en esa época. Pero el valioso repertorio de Delta blues que tenía Fred McDowell, particularmente canciones de la década de 1920 y 1930, era algo que no tenían los demás artistas, razón por la cual McDowell levaba ventaja.

Fred McDowell nació en 1904 en Rossville, Tenesí, y empezó a tocar la guitarra a los 14 años de edad. Luego de la muerte de sus padres, McDowell comenzó su vida viajera y hacia 1920 ya lo veían tocando por algunas monedas en las esquinas de Memphis o en Como, Misisipi, ciudad en la que vivió el resto de su vida y donde dividió su tiempo trabajando en el campo y tocando su música los fines de semana en picnics y fiestas. Este patrón no tuvo ningún cambio durante 30 años hasta que fue descubierto en 1959 por Alan Lomax, quien lo grabó por primera vez. A pesar de ello, McDowell siguió con su vida normal hasta que fue redescubierto por Chris Strachwitz, entusiasta del folk blues y dueño del sello Arhoolie. Cuando esto ocurrió, la vida del viejo bluesman dio un giro dramático.

McDowell grabó dos discos para el sello Arhoolie, los cuales tuvieron mucha repercusión fuera de la comunidad folk-blues. Mostraban a un bluesman con un estilo profundo, fuera de lo común, con mucha fuerza emocional, que parecía haberse escabullido de las grabaciones de campo de finales de los años 20 y comienzos de los 30. No tenía grabaciones de 78 revoluciones, no había historias románticas que hablaran de que se había perdido en el Delta o que había sido jugador o predicador. No. Mississippi Fred McDowell pasó su vida en el campo, disfrutando de su trabajo y de la música, y el mundo había ido a golpear a su puerta.

El éxito de las grabaciones para Arhoolie hizo que McDowell tuviera mucha demanda en los festivales folk, donde hechizó a más de un fanático. Pasó por muchos escenarios de distintos tamaños, desde Festival Folk de Newport, las cafeterías universitarias o el American Folk Blues Festival en Europa. En un par de años, Fred McDowell tuvo más anotaciones en su hoja de vida que en las tres décadas previas. Apareció en varios documentales y tuvo uno propio. Para finales de la década de 1960 firmó con Capitol Records y grabó el célebre álbum “I Do Not Play No Rock’N’Roll”, mientras que sus canciones fueron interpretadas por importantes figuras del rock, como el caso de The Rolling Stones que incluyeron “You Got To Move” en su disco “Sticky Fingers”.

Infortunadamente la carrera de Mississippi Fred McDowell no duró mucho. En 1971 le fue diagnosticado un cáncer y sucumbió ante la enfermedad el 3 de julio de 1972.

0033. SYLVESTER WEAVER - GUITAR RAG

EL GUITARRISTA OLVIDADO.

El 24 de octubre de 1923 en Nueva York, la cantante de blues Sara Martin, quien ya había grabado varios discos con su propia banda para el famoso sello discográfico Okeh , tuvo la ocurrencia de grabar una canción acompañada sólo por una guitarra.

El elegido para el trabajo fue Sylvester Weaver, guitarrista nacido el 25 de julio de 1896 en Louisville, Kentucky. El dueto grabó dos piezas: “Longing for daddy” (“Añorando a papi”) y “I’ve got to go and leave my daddy behind” (“Tengo que irme y dejar a mi papi atrás”).

Nueve días después de esa primera grabación, Weaver entró al estudio nuevamente para registrar dos canciones más: “Guitar blues” y “Guitar rag”.

Tanto las grabaciones con Sara Martin como las suyas de solista fueron lanzadas por Okeh en discos de acetato de 78 RPM que fueron muy bien recibidos por el público, lo que motivó a la disquera a pedir más tanto del dueto como del guitarrista.

En los días en que la vida corría más despacio y tal vez con pocos conocimientos en mercadotecnia, la disquera anunciaba a sus artistas de esta manera: “Sara Martin tuvo la brillante idea de hacer grabaciones con un acompañamiento de guitarra, y los primeros discos de este tipo lanzados han causado notable impresión en todas partes del país.”

“Sylvester Weaver –continuaba el anuncio– toca su guitarra en una manera muy original, que consiste principalmente en deslizar un cuchillo de arriba abajo de las cuerdas, mientras toca con la otra mano.”

Así, el dueto grabó varias piezas más que se convirtieron en éxitos discográficos. El guitarrista por su cuenta también se anotó varios éxitos lo cual le valió cierto reconocimiento dentro del medio musical. En 1925 y pese a ya tener cierta fama, Weaver regresó a su natal Louisville; entró a trabajar como empacador en una fábrica de ropa y tiempo después, tomó un oficio como conserje.

Dos años después, en abril de 1927, volvió a Nueva York para grabar con Sara Martin, y unas cuantas piezas más como solista. Además hizo dueto con el guitarrista Walter Beasley, con quien grabó en noviembre de ese año.

Tras esas grabaciones, el guitarrista se retiró de la música. Nuevamente regresó a su pueblo natal para convertirse en el chofer y mayordomo de una familia acaudalada, viviendo una vida tranquila.

El miércoles 4 de abril de 2015 se cumplieron 55 años de la muerte de Sylvester Weaver, quien el 24 de octubre de 1923 se convirtió en el primer guitarrista de la historia en grabar una canción de blues.

Tras su muerte, fue olvidado por la industria discográfica, el público y por la gran mayoría de sus compañeros músicos.

0032. STEVIE RAY VAUGHAN - THE SKY IS CRIYING

Con su impresionante forma de tocar la guitarra, Stevie Ray Vaughan –SRV- fue el encargado de iniciar la recuperación del blues en los años 80. Tomando elementos de bluesmen como Albert King o Muddy Waters, y de músicos de rock como Jimi Hendrix, a la vez que integrando algunos toques de jazz, Vaughan creó un estilo propio.

SRV nació el 3 de octubre de 1954 en Dallas, Texas. Es el hermano menor de Jimmie Vaughan, reconocido guitarrista de blues, líder durante mucho tiempo de The Fabulous Thunderbirds. En 1961, cuando tenía 7 años de edad, adquirió su primera guitarra.

Uno de los primeros músicos que influenció a SRV fue Lonnie Mack, cuyo álbum “Wham” de 1963, fue el primer disco que compró. Lo escuchaba en el tocadiscos de su padre continuamente y así fue descubriendo ese amor por el sonido blues. Por esa época, SRV tuvo su primera guitarra eléctrica, la cual fue en parte arreglada por su hermano Jimmie. Al poco tiempo, SRV formaría su primera banda, The Chantones.

En el año 1966, SRV conoció al guitarrista Doyle Bramhall, músico que sería una pieza fundamental en su desarrollo músical y vocal.

Corría el año 1970 y SRV se ganaba la vida en varios oficios, combinando sus actividades con la música. Fue un accidente laboral el que lo hizo tomar definitivamente la opción como músico: trabajando en un local de comidas rápidas, cayó dentro de un barril lleno de aceite. Formó entonces al grupo Blackbird, con el cual estuvo hasta 1972.

En 1971 SRV tiene sus primeras sesiones de grabación. A los 17 años de edad trabaja con la banda Cast of Thousands en un álbum compilatorio de agrupaciones escolares que se llamó “A New Hi”. Las dos canciones registradas en esa producción muestran el floreciente talento de Vaughan. Hacia finales de ese año, SRV se retira de la escuela y se muda a Austin, Texas, con su banda Blackbird. Durante los siguientes 7 años, Vaughan muestra todo su talento en los diferentes escenarios de blues en esa ciudad.

En 1972 SRV forma parte de la banda de rock Krackerjack. Allí conoce a Tommy Shannon, quien luego sería bajista de Double Trouble, la banda con la que SRV grabó todo su material en estudio.

Hacia 1973, SRV integra The Nightcrawlers, agrupación que grabó un disco que aun no se encuentra publicado. Este banda presentaba dentro de su formación a Doyle Bramhall II, con quien SRV entabló una relación musical y de composición que duró hasta su muerte.

Un año más tarde, SRV consigue una destartalada guitarra Fender Stratocaster, a la cual bautizó como “Número Uno” y se convertiría en su instrumento esencial para toda su carrera. Al final de ese año, Vaughan se une a Paul Ray & The Cobras, banda popular en Austin, con la cual estuvo durante dos años y medio haciendo cerca de cinco conciertos semanales.

En 1977, SRV hacía parte de una banda llamada Paul Ray & The Cobras, la cual publicó ese año un sencillo que sería la segunda aparición de Stevie en vinilo. La primera, recordemos, fue en un compilado de bandas estudiantiles. Paul Ray & The Cobras fue escogida como “Banda del año” por los críticos de música de Austin, Texas. Hacia mediados de ese año, Stevie Ray dejó la banda y formó Triple Threat Revue con Lou Ann Barton en la voz, W.C. Clark en el bajo y la voz, Mike Kindred en el bajo y Freddie Pharoah en la batería.

Un año después, SRV se une con el saxofonista Johnny Reno, el bajista Jackie Newhouse y el baterista Fred Walden y forma Double Trouble, nombre inspirado en uno de los éxitos del guitarrista Otis Rush. En septiembre de ese año, Walden deja la banda y frente a la batería se sienta Chris Layton.

En 1980, Stevie Vaughan adopta el que sería su nombre artístico: Stevie Ray Vaughan. Graba al lado de Double Trouble un concierto que sería publicado en 1992 bajo el nombre “In The Beggining”. Un año después, 1981, el bajista Jackie Newhouse es reemplazado por Tommy Shannon, quien tocó con Johnny Winter en Woodstock 1969.

A comienzos de 1982 el guitarrista y su banda Double Trouble tocan en una fiesta privada para los Rolling Stones en Nueva York. Mese más tarde, sería el primer grupo en estar incluido dentro del cartel del Festival de Jazz de Montreux, en Suiza. Poco después ganarían un premio Grammy por su interpretación, en este festival, del tema “Texas Flood”. En el otoño de ese año graban el álbum “Texas Flood” y para esa misma época, David Bowie le pide a SRV interpretar las guitarras en su álbum “Let’s Dance”, álbum que estableció record en ventas dentro de la discografía de Bowie.

En la primavera de 1983, el renombrado productor John Hammond logra conseguirle a SRV y Double Trouble un contrato de grabación con Epic Records. Recordemos que Hammond era conocido por haber descubierto a figuras como Billie Holiday y Bob Dylan, entre otros. SRV abandona entonces la gira mundial con David Bowie y se enfoca en el trabajo con su banda.

El 13 de junio de 1983 se publica “Texas Flood”, el primer disco de SRV & Double Trouble. Ese año, la revista Guitar Player escoge a SRV como Mejor nuevo talento, mejor guitarrista de blues eléctrico y selecciona a “Texas Flood” como Mejor álbum. De esta forma, SRV iguala a Jeff Beck quien hasta ese momento había sido el único guitarrista en obtener tres premios de esa publicación en un mismo año.

En 1984 aparece “Couldn’t stand the weather”, segundo álbum de SRV & Double Trouble. El 4 de octubre de ese año, la banda toca en el Carnegie Hall de Nueva York para celebrar el cumpleaños número 30 de su líder, con invitados como Jimmie Vaughan, el hermano de Stevie Ray; Angela Strehli, Dr. John, George Rains y Roomful of Blues. En noviembre de 1984, SRV obtiene dos premios W.C. Handy: Mejor instrumentista del año y Mejor Artista del Año.

En septiembre de 1985 se publica el álbum “Soul to Soul”, que trae un nuevo integrante a Double Trouble: Reese Wynans en los teclados. Un año más tarde, la banda graba una serie de conciertos en Austin y en Dallas, Texas, los cuales dan vida a una nueva producción: “Live Alive”, el cual se presenta en noviembre de 1986.

El 28 de septiembre de 1986, SRV se desmaya durante un concierto en Europa, producto del largo tiempo de abuso de drogas y alcohol. Las 13 presentaciones que faltaban para completar la gira europea son canceladas y el músico es internado en rehabilitación.

En 1987, la cadena MTV transmite un programa especial desde las playas de Daytona en La Florida, contando con la participación de SRV, quien ya empieza a mostrar adelantos en su recuperación. Ese mismo año participa en la película “Back To The Beach” interpretando el tema “Pipeline” y se presenta en el especial de televisión con B.B. King, Eric Clapton y Albert King.

En enero de 1989, SRV y Double Trouble participan en la ceremonia de posesión del presidente de Estados Unidos George Bush. En junio de ese año se presenta “In Step”, cuarto álbum en estudio de SRV, el cual obtiene en 1990 el premio Grammy en la categoría de Mejor Grabación de Blues Contemporáneo.

En la primavera de 1990, Stevie Ray y su hermano Jimmie graban el álbum “Family Style”, el cual es presentado el 25 de septiembre de ese año, un mes después de la muerte de SRV. El 13 de agosto de 1990, los cinco álbumes grabados por Vaughan eran disco de oro.

El 26 de agosto de 1990 en Alpin Valley, Wisconsin, se presentó SRV en un concierto que cerró con un jam entre Eric Clapton, Buddy Guy, Jimmie Vaughan, Robert Cray y el mismo Stevie Ray. Minutos después de finalizada la presentación, SRV abordó un helicóptero que lo llevaría hasta Chicago pero el aparato se estrello al poco tiempo del despegue. El guitarrista falleció a la edad de 35 años.

Vaughan grabó 4 discos en estudio y uno en concierto, pero después de su muerte se ha publicado toda una suerte de material que se encontraba inédito y también algunos registros en concierto. Para conmemorar los 20 años de su muerte, este año se han reeditado los trabajos en estudio, con sonido remasterizado, tomas alternas, temas no incluidos en la edición original y material en vivo.

0031. FREDDIE KING - YOU'VE GOT TO LOVE HER WITH A FEELING

Nació en 1934 en Texas. Emigrado al West-Side chicagüense siendo un adolescente en Diciembre de 1950, King empapaba las cuerdas de su guitarra rural (Lightnin’ Hopkins y Muddy Waters fueron dos de sus ídolos infantiles) en la sapiencia urbana impartida por un trío de mentores reconocidos: Eddie Taylor (sideman y lead guitard de Jimmy Reed), Jimmy Rogers (socio de Muddy Waters) y Robert Lockwood (hijastro del mítico Robert Johnson y fino estilista de técnica jazzistica). Compatibilizaba empleos diurnos y extra musicales con la forja de un sonido más contemporáneo desarrollado a partir de unas directrices sureñas (técnica finger picking y variación de la textura sónica poniendo la palma de la mano sobre las pastillas del instrumento) e incorporando los fraseos largos y fluidos de T-Bone Walker y B.B.King, quienes dotaban a su banda de una perspectiva modernista similar a la de sus contemporáneos Otis Rush o Buddy Guy.

Sin embargo, Freddie King tuvo que hacer cola hasta ver prensado su nombre. Los dos sellos más importantes de la ciudad del viento, Cobra Records (guarida de los jovenes leones westsiders: Guy, Magic Sam, Rush) y Chess Records (atalaya del clásico blues del Delta urbanizado de Muddy Waters y Howlin’ Wolf), desestimaron editar las demos que allí grabó en 1958. Su oportunidad le llegó de la mano del pianista y A & R de King Records, Sonny Thompson, que le fichó en 1960 para el subsello Federal de la marca de Cincinatti. En siete años bajo contrato contó innumerables éxitos: al año de firmar alcanzó el Top 10 R&B en tres ocasiones y visitó con cuatro singles las listas pop del Billboard. Una formula repartida a partes iguales en medios tiempos y cortes bailables estructurados sobre progresiones de doce y ocho compases musicales, con breve intermedio para los fraseos solistas de su Gibson Les Paul hiperamplificada.

Acusado por muchos de ser un ladrón de ideas musicales ajenas, el instrumental “Hideaway”, paradigma de su sonido particular, se nutría del “Taylor’s Boogie” del slider Hound Dog Taylor tocado como Magic Sam, sobre el cual se añadían varios acordes sacados de “The Walk” (Jimmy McCracklin) y “Peter Gun Theme” (Duanne Eddy), con un resultado final bautizado en honor de un club blues, el Mel’s Hideaway Lounge. A pesar de eso, o precisamente por tal motivo, sus instrumentales etapa King Federal recopilan todos los trucos R&B que podían sacarse a una guitarra de blues eléctrico y urbano en la postguerra USA. Ahí reside su grandeza. Freddie King influenció a leyendas mayores y menores del rock (Eric Clapton, Johnny Winter, Mick Taylor, Peter Green, Lonnie Mack...), mientras vivió una vida tragicamente corta, falleciendo a los 42 años el 28 de Diciembre de 1976.

0030. WILLIE DIXON & MEMPHIS SLIM - FOUR O'CLOCK BOOGIE

Hay gente que llegó un ratito antes. Puso la primera piedra y luego observó como lentamente a su alrededor se iba construyendo la casa. Por eso quiero dedicar esta entrada a un gigante del blues de Chicago que fue músico, productor, compositor y –en general- una de las principales fuerzas motoras de ese gran sello llamado Chess. Su nombre: Willie Dixon.

Nuestra historia comienza en 1937 cuando un promisorio boxeador de Chicago descubre que su manager lo estaba estafando y al enfrentarlo, con no demasiada amabilidad, decide el fin de su carrera pugilística, la que hasta entonces le había valido un campeonato de jóvenes aspirantes y ser el sparring del gran Joe Luis. Se perdía tal vez un futuro campeón del cuadrilátero pero ganábamos un paladín del blues y uno de los personajes más importantes de la aleación entre el blues urbano de Chicago y el futuro rhythm and blues blanco de los años '60. 

Willie Dixon había nacido en 1915 en Vicksburg, Mississippi, y se pasó varios años de su adolescencia recorriendo en ferrocarril buena parte de los Estados Unidos: todo el sur, Chicago, Nueva York. En su pueblo natal comenzó cantando en un cuarteto vocal y más tarde empezó a componer sus primeras canciones.

Después de colgar los guantes, se le acercó un guitarrista llamado Leonard Caston y lo convencio de que la música -ya a esta altura otra de las pasiones de Willie Dixon- podía brindarle la oportunidad de zafar de un empleo sin futuro, destino habitual de los negros norteamericanos en la década del 30. Así Caston y Dixon se largaron a tocar en los bares, actuando "a la gorra". Su amigo le construyó a Dixon su primer contrabajo, con una lata y un palo. Ya en el año 1939 Dixon y Caston formaban parte de los Five Breezes y Willie consiguió su primer contrabajo de verdad. Era el inicio de su carrera profesional.

Antes de continuar su actividad musical en los años '40, Willie Dixon pasó un corto período en la cárcel, al declararse objetor de conciencia y negarse a enlistarse en el ejército. Willie no sólo dominaba la palabra, la melodía y los puños, sinó que se negaba a ir a morir por un país que lo consideraba un ciudadano de segunda. En 1942 formó los Four Jumps of Five, actuando en Chicago y alrededores. Con esa banda llegaría a grabar un disco simple pero ya en 1945, reunido con su viejo amigo Caston, forman el Big Three Trio. Eran una banda de rhythm and blues vocal y se presentaron en muchos locales de buena reputación, pero tampoco le hacían asco a los tugurios de blues del "lado equivocado de las vías", como solía decirse. En uno de estos shows en El Mocambo, Dixon conoció a los dueños del local, los hermanos Chess, que por entonces planeaban establecer un sello de blues. Leonard y Phillip ven en Willie (que ya había trabajado con un par de pescados gordos como Tampa Red o John Lee "Sonny Boy" Williamson) la experiencia musical y la solidez instrumental que el naciente sello Chess iba a necesitar.

Y así, a fines de la década del '40, comenzó la era de oro de Willie Dixon como músico, productor y, muy especialmente, autor y compositor de canciones. Tuvo un par de éxitos menores como intérprete, pero el gran momento le llega cuando su tema "Hoochie Coochie Man" se convierte en un éxito para Muddy Waters, quien la grabó en enero de 1954. Cuenta la leyenda, que Dixon se la enseñó palabra por palabra, acorralándolo en el baño del local donde actuaba Waters.

“Hoochie Coochie Man” marcó el inicio de una fructífera asociación entre Willie Dixon y Muddy Waters, quien en el futuro conseguiría varios éxitos con temas de Dixon, como "I'm ready" y "I just wanna make love to you". Otro gran bluesman que fue destinatario de los temas de Willie Dixon en esos años fue Chester Burnett, alias Howlin' Wolf. "Era muy duro trabajar con Howlin' Wolf", declaró años más tarde Dixon. "Siempre sentía que algo andaba mal y tenía que probar distintos ángulos. Tratar con él requería de mucha diplomacia." Como fuera, a Dixon no le fue tan mal con el Lobo Aullador, ya que Wolf le grabó el gran "Back Door Man", "Wang Dang Doodle" y "Spoonful", entre otros clásicos. Pero el primer tema de Dixon que hizo Howlin' Wolf era un sinuoso blues de infidelidad y desesperación que se llamó "Evil".

Más tarde, la segunda ola de rhythm and blues inglés sofisticó el estilo, añadiéndole al blues blanco otros elementos, como las zapadas entre jazzeras y psicodélicas de Cream y los heavy riffs de Led Zeppelin. Precisamente Cream, ese trio de virtuosos formado por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker, registró en su álbum “Wheels of Fire” una colosal versión en vivo del tema “Spoonful”, con una brillante sección de improvisación. Los Doors de Jim Morrison no se quedaron atrás y en su álbum debut de 1966 le grabaron ese otro clásico llamado “Back Door Man”, que también se convirtió en un estándar de los recitales del grupo.

En los años '60, los temas de Willie Dixon fueron grabados por Cream, Rolling Stones, Jeff Beck Group, John Mayall, y también formaron parte del repertorio de los bluesmen americanos que visitaban Inglaterra para grabar con la flor y nata de los jóvenes instrumentistas británicos. Por ejemplo, Las London Sessions de Howlin' Wolf están plenas de material de Willie Dixon, "Little Red Rooster", "Wang Dang Doodle" y “Ain’t Supertitious”, entre otros. Pero sin duda la banda que ayudó a que la fama de Dixon perdurase en las décadas subsiguientes, por la enorme influencia que ejerció en la escena del heavy rock que comenzaba a fines de los '60, fue Led Zeppelin, la banda de Plant, Page, Jones y Bonham, quienes en su primer disco, de 1968 incluyeron dos temas del genial compositor y productor: "You Shook Me" y ese clásico llamado "I can't quit you baby".

WILLIE DIXON & MUDDY WATERS & BUDDY GUY

Willie Dixon tendría también un importante rol como programador y director de los festivales llamados American Folk Blues, que a partir de 1962 se repetirían por Europa en giras que duraban un mes como promedio. Tras la muerte de Leonard Chess y la posterior decadencia de Chess, Dixon continuó con su actividad de músico con la Chicago All Stars, una banda de blues que le hacía honor a su nombre y en 1970 grabó un álbum como solista para CBS que se llamó "I Am The Blues", una reunión de todos sus clásicos. En los '80 Dixon siguió grabando bajo su propio nombre y se radicó en California. Falleció en 1992, no sin antes ver la publicación de dos obras básicas para quienes desean conocer a fondo su obra. La caja Willie Dixon-The Chess Box, que contiene 36 temas de sus años dorados en Chess a cargo de los artistas de la casa, y un libro autobiográfico escrito en colaboración con Don Snowden, titulado también "I Am The Blues", o sea “Yo soy el blues”

¿Y quién puede discutírselo?

           

0029. HOUND DOG TAYLOR - AIN'T GOT NOBODY

El hombre de los seis dedos tenía una sonrisa enorme, blanca y reluciente. Pero sólo sonreía cuando estaba en el escenario, con su guitarra y su slide. El hombre de los seis dedos olía a whisky clandestino, llevaba una 32 en la cintura, y pocas veces se sacaba su sombrero fedora. Tocaba los blues con pasión. Rápido como pocos y penetrante como él solo.

El hombre de los seis dedos nunca llegó a ser una gran estrella y no tuvo éxitos de radio. Durante más de 30 años tocó con su banda en bares de Chicago y en fiestas donde todos lo conocían y él conocía a todos. El hombre de los seis dedos tuvo, tal vez, uno de los primeros power trío de la historia y compuso canciones memorables. Pero la fama (aunque más que fama, reconocimiento) le llegó cuando ya había muerto.

Su verdadero nombre era Theodore Roosvelt Taylor, en honor al ex presidente estadounidense Theodore Roosvelt, quien gobernó a principios del siglo XX y ganó un Nobel de la Paz. Pero al hombre de los seis dedos nadie lo llamaba por su nombre: todos le decían Hound Dog. Nació en Natchez, una pintoresca ciudad al sur del Delta del Mississippi. Pero el año en que su madre dio a luz varía en todas las enciclopedias de blues autorizadas: algunas sostienen que nació en 1915, otras en 1917.

Su sexto dedo en la mano izquierda fue una deformación de nacimiento. Algunos insisten en señalar que su mano derecha había sido igual a la izquierda hasta que él decidió cortarse el pequeño dedo con una navaja, pero pareciera que esa historia está más cerca de la fantasía.

Hound Dog Taylor tomó su primera guitarra en 1936. Y empezó a tocar los blues que escuchaba en las calles y en los bares. Años después se presentó en el programa radial de Sonny Boy Willamson, King Biscuit Time. En 1942 tuvo que migrar forzosamente al norte, como la mayoría de los negros del sur. Pero en su caso no lo hizo buscando un trabajo mejor para mantener a su familia, sino que tuvo que huir del Mississippi perseguido por el Ku Klux Klan: lo habían 'pescado' teniendo relaciones con una mujer blanca.

Pero tal vez la fuga fue, involuntariamente, lo mejor que le pasó. En Chicago halló un nuevo panorama musical. Una ciudad en auge, trabajo para muchos y demasiado para hacer de noche. Hound Dog se encontró con un puñado de músico negros que habían emigrado antes que él y ya llevaban un tiempo desarrollando un nuevo estilo de blues: más urbano, bien eléctrico. Entonces, decidió hacer lo mismo: combinar el nuevo estilo de la ciudad con el viejo sentimiento que arrastraba del sur profundo. Así, comenzó a darle forma a una expresión musical propia, llevando al límite la rispidez del blues, en una formación sin bajo: sólo dos guitarras y una batería

Entre 1942 y 1957, Hound Dog se las rebuscó como pudo haciendo varios trabajos duros durante el día y tocando por las noches a cambio de unas cuantas copas y unos pocos dólares. Poco a poco empezó a copar los antros musicales del south side de Chicago. Junto a su banda, los Houserockers -integrada por el guitarrista Brewer Phillips y el baterista Levi Warren- pudieron editar en 1960 el single Baby Is Coming Home / Take Five para el pequeño y aventurero sello independiente Cadillacs Baby. Esa grabación podría considerarse como el nacimiento del genuine house rocking music. Luego, en 1962 grabaron dos canciones (Christine / Alley Music) para Carl Jones Firma Records. En 1965 Warren dejó su lugar en la banda a Ted Harvey. El y Hound Dog se habían conocido en 1955 cuando Harvey tocaba en la banda de Elmore James, la principal influencia musical en la vida de Hound Dog.

Con Ted Harvey en la banda empezó lo mejor. En 1967 grabaron para el sello Checker el single Watch out / Down home. Con el tiempo, Hound Dog Taylor & the Houserockers se fue convirtiendo en una de las bandas más poderosas de la ciudad. El Expresway Lounge, un club de la calle 55, estallaba cada vez que ellos salían a desplegar toda su potencia blusera. La banda atrajo a un productor del poderoso sello Delmark llamado Bruce Iglauer, quien quiso convencer a su jefe, Bob Koester del potencial de Taylor. Pero no hubo caso: Koester estaba más volcado al blues del west side. Iglauer estaba tan entusiasmado con Hound Dog Taylor que decidió seguir por su cuenta. Invirtió todos su ahorros y creó el sello Alligator con el único fin de grabar el primer disco de los Houserockers

Así, en 1971, nació uno de los sellos discográficos más importantes de blues, que con el tiempo incorporaría a luminarias como Johnny Winter, Son Seals, Koko Taylor y Luther Allison. El primer álbum, Hound Dog Taylor and the Houserockers, apareció ese año y fue un verdadero éxito, dejando para la posteridad clásicos como She´s gone, Give me back my wig y Taylor´s rock. Dos años después, en 1973, Alligator Records editó el segundo LP: Natural Boogie, con la potente y arrolladora Sadie y Roll your moneymaker.

En 1975 las cosas se pusieron feas para el hombre de los seis dedos... muchas noches de alcohol y descontrol evidenciaron una vieja rivalidad que tenía con Brewer Phillips. Insultos, gritos y peleas terminaron una noche en disparos. Phillips resultó levemente herido y presentó cargos contra Hound Dog Taylor. Pero nunca llegó a juicio: al poco tiempo fue internado porque el cáncer en sus pulmones estaba muy avanzado. Murió el 17 de diciembre de ese año.

Para honrarlo, Alligator Records editó a comienzos de 1976 Beware of the dog, un disco en vivo cautivante, crudo y furioso. En 1982, cuando ya Hound Dog Taylor era una leyenda, Alligator sacó al mercado un disco más: Genuine houserocking music. Durante los 90 los sellos Wolf y JSP editaron cuatro discos más de él, todos en vivo. La influencia de Hound Dog Taylor en los músicos actuales es enorme. Eso quedo reflejado en el tributo editado en 1997 en el que participaron Ronnie Earl, George Thorogood, Gov't Mule, Elvin Bishop y Vernon Reid (de Living Colour), entre otros.

El hombre de los seis dedos tenía un sentido especial para el boogie y una manera única de utilizar el slide. Eso trascendió en el tiempo y perdura hasta hoy. El hombre de los seis dedos alcanzó la eternidad.

0028. JUNIOR WELLS - COME ON IN THIS HOUSE

Era un tipo malo, caminando a través del escenario como un gangster intérprete de armónica, llamando la atención del público con sus modales de tipo rudo y un buen golpe de blues de Chicago. Maravillosamente, Junior Wells logró mantener toda este suerte de elementos por más de 40 años, fue un intérprete activo desde el comienzo de los 50 hasta su muerte, a finales de los 90. 

Nacido en Memphis, Wells aprendió sus primeros trucos de armónica de parte de otra futura leyenda, Little Junior Parker, antes de trasladarse a Chicago a los 12 años de edad. En 1950, el joven Wells pasó una audición para los guitarristas Louis y David Myers, en una fiesta casera en el lado sur de la ciudad y, entonces, nacieron The Deuces. Cuando se unió el baterista Fred Below, el nombre cambió por The Aces. 

En 1952 Little Walter dejó la banda de Muddy Waters, gracias al éxito de su tema solista “Juke”, y Wells tomó su lugar. Esto no detuvo a The Aces, que unió fuerzas con Little Walter, para ser la banda de soporte de Wells en sus primeras sesiones para States Records, que produjeron clásicos del blues de Chicago como “Hoodoo man”, “Cut that out” y los instrumentales “Eagle rock” y “Junior’s wail”. 

Al año siguiente llegaron más éxitos gracias a “So all alone” y “Lawdy! Lawdy!”, éste último con Muddy Waters en la guitarra. En 1957, Wells se unió al productor Mel London, propietario de los sellos Chief y Profile. Esta asociación dio como resultado muchas de las mejores interpretaciones de Wells, como “I could cry” y “Lovey dovey lovely one”; “Little by little” con la voz de Willie Dixon en 1959, y el clásico “Messin’ with the kid” de 1960, con la participación de Earl Hooker en la guitarra. En este periodo, Junior Wells no hizo tanto énfasis en la armónica para centrarse en la voz. 

Con la producción de Bob Koester, el armoniquista grabó uno de los clásicos de todos los tiempos del sello Delmark en 1965: “Hoodoo man blues”, que logra capturar toda la energía de un concierto de Wells en el Theresa’s Lounge, su lugar predilecto, a pesar de que fue grabado en estudio. Con Buddy Guy en la guitarra, bajo el nombre Friendly Chap debido a su contrato con Chess. Wells logra versiones definitivas de “Snatch it back and hold it”, “You don’t love me” y “Chittlin’ con carne”. 

Junior Wells hizo su segunda aparición en los listados de Rhythm and bues en 1968 con “You’re tuff enough”, una interpretación muy al estilo del funk de James Brown, con el cual alarmó a los puristas pero deleitó a los fanáticos del rhythm and bues. En 1966 otro tema suyo con vientos, “Up in heah”, ya había hecho algo de alboroto a nivel local. 

Luego de un exitoso set a mediados de los 70 para Delmark, llamado “On Tap”, pco se escuchó de Wells en vinilo, aunque continuó divirtiendo al público en su casa, el Theresa’s Lounge, y en su sociedad con Buddy Guy. Juntos abrieron conciertos de la gira de los Rolling Stones y grabaron un álbum interesante para Atco. 

Antes del final de su carrera, Wells no parecía verse grabando nuevamente. Un par de álbumes para Telarc a comienzos de los 90 fueron sus mayores equivocaciones, pero su último álbum, en 1997, “Come on in this house” lo llevó nuevamente a los primeros lugares de los listados y la crítica del blues lo aclamó. El álbum ganó el premio W.C. Handy a mejor grabación de blues tradicional. 

Aunque no asistiera con regularidad a los estudios de grabación, Wells siempre tuvo gran atracción en vivo, gracias a su figura familiar y a esa atención que se le prestaba cuando hacía sonar su armónica. Wells continuó presentándose hasta que en el verano de 1997 le diagnosticaron cáncer linfático. En el otoño sufrió un infarto que lo mantuvo en coma hasta su muerte, el 15 de enero de 1998.

0027. LITTLE JOHNNY JONES & BILLY BOY ARNOLD - WORRIED LIFE BLUES

Little Johnny Jones nació en Jackson, Mississippi en 1924. Llegó a Chicago en 1945 en compañía de Little Walter y "Baby Face" Leroy Foster, y pronto sustituyó el pianista de Big Maceo Merriweather en Tampa Red después que Merriweather sufriera un derrame cerebral que paralizó su mano derecha. Más tarde trabajaría con Muddy Waters grabando (en piano y voz)  para el sello Aristocrat 1949. De 1952 a 1956 tocó y grabó con Elmore James , y en años posteriores trabajó con Howlin Wolf , Billy Boy Arnold y Magic Sam , entre otros. 

Al igual que varios otros pianistas de su época en Chicago, su estilo fue fuertemente influenciado por Big Maceo Merriweather.

Popular con los conciertos, Jones fue un gran bebedor y tenía la reputación de un carácter salvaje. Según Homesick James , quien trabajó y viajó con él en la década de 1950 ", Elmore y Johnny generaban una pelea cada noche".

Jones se casó con su esposa Letha en 1952. Él murió de bronconeumonía en el Hospital del Condado de Cook , y fue enterrado en el cementerio de Restvale en noviembre de 1964. 

Little Johnny Jones y Otis Spann con George 'Mojo' Buford

El 14 de mayo de 2011, tuvo lugar la cuarta  edición de Festival de Blues de White Lake en Whitehall, Michigan .En el evento se recaudaron fondos para colocar una lápida para Little Johnny Jones pues sus restos reposaban en una tumba sin nombre.

0026. ROBERT NIGHTHAWK (Robert Lee McCoy) - MURDERIN' BLUES

ROBERT NIGHTHAWK (Robert Lee McCoy)

La apasionante historia del blues está plagada de leyendas y misterios. La vida de Nighthawk, uno de sus bluesman más genuinos y auténticos, es una de ellas. En él cohabitaron dos músicos muy diferentes, primero Robert Lee McCoy y más tarde Robert Nighthawk. Su legado es escaso, apenas una docena de sesiones repartidas en treinta años, pero de una calidad extraordinaria demostrando que era uno de los mejores guitarristas slide del género, con un estilo elegante y sutil instantáneamente reconocible. Su influencia en músicos como Muddy Waters, Earl Hooker o Elmore James, es totalmente indiscutible.

Robert Lee McCollum nació en una granja en Helena, Arkansas, el 30 de noviembre de 1909. Se sabe que pertenecía a una familia de músicos y que tenía dos hermanos. Desde muy joven aprendió a tocar la armónica, y decidió emprender su aventura como vagabundo por el sur de Mississippi hasta llegar a Memphis, ya en los años veinte, donde entró a formar parte de la Memphis Jug Band o trabajando junto a otros músicos locales. Se calcula que, alrededor de 1930, conoció al cantante y guitarrista Houston Stackhouse, quien le enseñaría a tocar la guitarra utilizando la técnica bottleneck. Robert llegaría a tocar con él en la radio local de Jackson.

Poco tiempo después llegaría a St Louis, Missouri, donde adoptó el nombre de Robert Lee McCoy y comenzó a asociarse con músicos locales como Big Joe Williams, Henry Townsend y John Lee "Sonny Boy" Williamson. Con ellos llegaría a trabajar en los estudios de grabación que Victor Records tenía en Aurora, Illinois. Era el año 1937 y allí tuvo la oportunidad también de hacer sus primeras grabaciones en solitario para Bluebird, entre ellas el premonitorio "Prowling Night-Hawk".

Mientras John Lee Williamson comenzaba una floreciente carrera en solitario en Chicago, Robert decidió seguir su vida errante, con sus idas y venidas o acompañando esporádicamente a numerosos bluesmen en sus grabaciones para Victor, Bluebird y Decca, utilizando siempre seudónimos diferentes. En aquellos tiempos se podía escuchar su nombre en las emisoras de Helena, Jackson o Memphis, hasta que un día, el excelente guitarrista Robert Lee McCoy simplemente desapareció.

Después de la interrupción causada por la Segunda Guerra Mundial, apareció en escena un espectacular guitarrista slide eléctrico que respondía al nombre de Robert Nighthawk. Su voz se había vuelto más oscura, pero su fascinante y fluido estilo con la guitarra estaba en algún lugar entre Tampa Red y Muddy Waters. Hacia mediados de 1948 este nuevo y desconocido guitarrista llegó a Chicago dispuesto a comerse el mundo. Pocos sabían entonces que en realidad era la misma persona que había grabado años atrás bajo el nombre de Robert Lee McCoy.

Pero la fortuna tampoco estuvo de su lado en esta ocasión. Comenzó a realizar grabaciones para los hermanos Chess, que estaban empezando su andadura con la recién estrenada compañía discográfica, pero la cosa no funcionó. Muddy Waters también estaba en la ciudad y le ganó la partida. Ante la similitud de estilos, Chess Records decidió apoyar a Muddy, cuyo sentido de la comunicación y la presencia en el escenario era bastante superior. Waters comenzó su arrolladora carrera en Chicago, mientras Nighthawk recorría los suburbios de la ciudad, viajando a St. Louis o a su casa en Helena. A comienzos de los cincuenta grabó algunos excelentes temas para United aunque, comercialmente hablando, los resultados no fueron nada satisfactorios. La perspectiva que nos da el tiempo ha servido para darse cuenta que fue en esta etapa donde Robert grabó la mayoría de sus mejores temas: "Black Angel Blues", "Anna Lee", "The Moon Is Rising" o "Maggie Campbell" conforman la flor y nata del blues de Chicago de posguerra.

Diez años más tarde, en 1964, Robert Nighthawk fue encontrado en Maxwell Street, en Chicago, donde estaba tocando por unas pocas monedas. Alguien tuvo la idea de hacer una grabación de aquel histórico momento. El cineasta Mike Shea decidió grabarlo para su documental "And This Is Free", capturando a un Nighthawk todavía en plena forma. Comenzó entonces una nueva etapa actuando en algunos clubs de la zona y regresando a los estudios de grabación. Una vez más, ninguna de las grabaciones publicadas cautivó lo suficiente a la nueva oleada de seguidores del folk-blues de comienzos de los sesenta, y Robert se vio obligado a regresar otra vez a sus orígenes, en Helena. Se convirtió de esta forma en uno de los bluesman más injustamente ignorados.

Su salud comenzó a deteriorarse, aunque todavía se las arregló para seguir tocando en los juke-joints de su localidad, y para hacerse cargo de la serie "King Biscuit Time" en la emisora local, tras la muerte de Sonny Boy Williamson (Rice Miller) en 1965. Dos años más tarde hizo sus últimas grabaciones con Houston Stackhouse. El 5 de noviembre de 1967 Robert McCollum falleció de insuficiencia cardíaca en el hospital de Helena.

Su nombre quedaría escrito en la historia para siempre al formar parte del Blues Fundation´s Hall of Fame en 1983.

0025. OTIS SPANN - IT MUST HAVE BEEN DEVIL

Otis Spann nació el 21 de marzo de 1930 en Jackson, Mississippi. Se le considera uno de los más grandes pianistas de blues de la posguerra. 

Su interés por el piano comenzó a la edad de ocho años cuando vio a la presentación de un pianista local llamado Friday Ford.

Otis Spann se tomó un buen tiempo para lanzarse como solista, ya que permaneció casi 20 años como miembro importante de la banda de Muddy Waters. A pesar de ello, su discografía es una prueba de su talento y de por qué muchos fanáticos del blues lo consideran como el mejor pianista del blues de Chicago en la época posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Spann comenzó con el piano a los ocho años de edad. A los 14 ya tocaba en algunas bandas cercanas a la población de Jackson, encontrando su fuente de inspiración en las grabaciones de Big Maceo, quien fue su mentor cuando el joven Spann migró a Chicago a finales de los años 40.

Otis Spann hacía presentaciones solo o con el guitarrista Morris Pejoe antes de integrar la banda de Muddy Waters en 1952. “Blow Wind Blow” fue su primera grabación con Waters para Chess, en 1953. Después vinieron clásicos como “Hoochie Coochie Man”, “I’m Ready” y “Just Make Love to Me”.

Leonard Chees nunca reconoció las habilidades vocales de Spann y por eso tuvo pocas oportunidades en ese campo. Los escasos sencillos que grabó permanecieron archivados, así que el pianista decidió buscar suerte en otro lugar y registró en 1960 un álbum para Candid, con el guitarrista Robert Jr. Lockwood. También hizo unas sesiones en Copenhague (Dinamarca) y otras en Londres, con Muddy Waters y Eric Clapton, todo esto en 1963. Al año siguiente grabó un álbum en el que compartió la parte vocal con James Cotton y 12 meses después, 1965, presentó sus primeros discos como líder de banda.

Los últimos años de Spann con Muddy Waters fueron importantes por el álbum “Fathers and Sons”, pero el pianista ya estaba claramente encaminado en sus proyectos como solista. Finalmente, en 1969 abandonó las teclas del piano de la banda de Muddy Waters, cediéndole el puesto a Pinetop Perkins. Sin embargo, el destino quizó que la carrera solista de Otis Spann durara poco, pues murió a consecuencia de cáncer el 24 de abril de 1970.

0024. HOUSTON STACKHOUSE - SWEET BLACK ANGEL BLUES

Houston Stackhouse nunca logró mucho en el camino del éxito, sin embargo, fue una figura central en el Southern Blues de la década de 1930 hasta la década de 1960, después de haber trabajado con numerosos músicos de blues importantes durante ese período. Él era una figura familiar en las pequeñas experiencias del country juke, principalmente en Arkansas y Memphis, Tennessee, y era muy respetado entre sus compañeros músicos. También logró algo de fama regional como miembro de los King Biscuit. Cuando finalmente hizo sus primeras grabaciones en 1967, todavía era un músico de trabajo, tomando empleos dentro de un radio de 150 millas de su base de operaciones en Helena.

Houston Stackhouse nació como Houston Goff el 28 de septiembre de 1910, hijo de Garfield Goff de Wesson, Mississippi. Sólo se enteró de su filiación y su nombre de nacimiento, en la década de 1970 cuando trataba de obtener un pasaporte. Se crió en el Randall Ford, una plantación de James Wade Stackhouse. Cuando era joven, oyó la música del violinista Lace Powell, que vivió en la plantación. Su formación musical comenzó cuando la familia se trasladó a unas pocas millas al norte de Crystal Springs hacia 1925 y se encontró con los hermanos Tommy, Mager, y Clarence Johnson. Además de aprender de los hermanos Johnson, fue inspirado por músicos locales, así como las grabaciones de Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, y Blind Blake. Él lanzó su propia carrera en el a finales de 1930 tocando en todo Mississippi, Arkansas y Louisiana y trabajando con músicos como los hermanos Chatmon, Robert Johnson, Charlie McCoy, Walter Vinson, y otros. Sus dos asociaciones más perdurables de este periodo estaban con Carey "Ditty" Mason y su primo Robert McCollum, mejor conocido como Robert Nighthawk , a quien enseñó a tocar la guitarra.

                                       Houston Stackhouse and Joe Willy Wilkins

En 1948, Sonny Boy Williamson se incorporó al grupo King Biscuit Time y recorren todo el Delta con sus actuaciones. Stackhouse tocó con todos los músicos importantes que pasaron por Helena, entre ellos Jimmy Rogers y Sammy Lawhorn, ambos de los cuales fue tutor en la guitarra, así como Elmore James, Earl Hooker, Willie Love, Ernest Lane, y Roosevelt Sykes . Mientras que él era un músico de blues durante la noche, durante el día trabajaba en la planta de Chrysler en West Memphis (Condado de Crittenden) entre 1948 y 1954.

A diferencia de muchos de sus compañeros músicos de blues, Stackhouse permaneció en el Sur, sin dejar de realizar a nivel local. Continuó tocando con músicos notables a través de los años 1960, incluyendo Boyd Gilmore, Houston Boines, Frank Frost, y Baby Face Turner.

En 1967, Stackhouse realizó algunas grabaciones en Crystal Springs con Ditty Mason. Con la muerte de Mason en 1969 y Curtis el año siguiente, Stackhouse se trasladó a Memphis en 1970, donde vivió con Joe Willie Wilkins y la esposa de Wilkins, Carrie.

Grabó para Adelphi en 1972, con varios temas en vivo que aparecen en compilaciones. 

Stackhouse volvió a Helena, donde murió el 23 de septiembre de 1980, en el Hospital Helena, después de haber sobrevivido a la mayoría de sus compañeros. Un hijo, Houston Stackhouse Jr., le sobrevivió. El 26 de septiembre de 2012, Stackhouse fue honrado con el Mississippi Blues Trail Market.

0023. ROOSEVELT SYKES - SWEET OLD CHICAGO

Si alguna vez alguien les dice que el blues es muy depresivo, háganlo escuchar una buena dosis de Roosevelt Sykes. Si no cambia de opinión, sencillamente nada lo hará, porque no hay nada más efervescente y alegre que este pianista, conocido como “Honeydripper” por su destreza para conquistar jovencitas. La carrera de Sykes empezó antes de la segunda guerra mundial y logró mantenerse hasta la época posterior al conflicto, gracias a sus boogies y a sus letras hilarantes y subidas de tono, que con su doble sentido fueron grandes contribuciones al idioma del blues.

Sykes nació en enero de 1906 en Elmar, Arkansas, pero se crio y creció musicalmente en Helena, ciudad de ese mismo estado. A los 15 años de edad abandonó su hogar para desarrollar su estilo barrelhouse en la escena de San Luis, la cual ya era muy fértil para ese momento. Su carrera de grabación empezó en 1929 con el sello Okeh y firmó con cuatro casas diferentes al siguiente año con sendos nombres diferentes. En 1935 pasó a Decca Records, donde su popularidad floreció. Después de eso se ubicó en Chicago, ciudad en la que grabó para Bluebird, una filial de RCA, con su banda The Honeydrippers logrando ubicar varios temas en los listados de éxitos.

En 1951 se unió al sello United de Chicago, con el que grabó muchos temas importantes en los siguientes dos años. En 1955, Roosevelt Sykes grabó para el sello Imperial una impresionante versión de “Sweet Home Chicago”, el clásico de Robert Johnson, lo que sería un presagio de la forma en que el pianista manejaría de ahí en adelante los cóvers. Registró algunos discos para Bluesville, Folkways, Crown y Delmark en los años 60, época en la cual las giras por Europa comenzaron a formar parte del itinerario del pianista. A finales de la década de 1960 se estableció en Nueva Orleans, ciudad en la que permaneció hasta su muerte, el 17 de julio de 1983.