0121. ROY ROGERS - HELLHOUND ON MY TRAIL

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Nacido en Redding, California en 1950, Roy comenzó a tocar la guitarra a los doce años de edad. Descubrió a los grandes intérpretes del blues desde el principio, sobre todo cuando su hermano mayor trajo a casa un álbum de Robert Johnson. Así comenzó su amor por el blues, el slide guitar y la música tradicional del Delta.  A través de los años, desarrolló un estilo distintivo de guitar slide que es instantáneamente reconocible.

Roy trabajó con varias bandas hasta 1976, cuando él y el armonicista David Burgin formaron un dúo acústico y grabó un álbum Rogers & Burgin: A Foot in the Door para Waterhouse Records. Participaron de la banda original de sonido de la película "Alguien voló sobre el nido del cuco".  Rogers luego formó su propia banda en 1980, The Delta Rhythm Kings , participando en algunos conciertos locales, una gira por Europa en 1982 con San Francisco Blues Festival Revue.

En 1985 lanzó su primer álbum en solitario, Chops not Chaps con su propio sello,  y fue nominado para el W.C. Handy Awards. En 1987, Blind Pig lanzó su segundo álbum en solitario, Slidewinder . Incluye fantásticos dúos con John Lee Hooker y Allen Toussaint, así como canciones con su propia banda. Las excelentes críticas en la prensa nacional mejoraron la creciente reputación de Roy. Su tercer álbum, On The Range, también fue registrado por  Blind Pig en 1989 y en él desarrolla toda la variedad de su estilo guitar slide. Con temas clásicos del Delta Blues, estas impecables versiones de la música tradicional afroamericana hacen de este un disco que verdaderamente refleja las intenciones musicales de Rogers.

Poco después de regresar de Europa, Rogers fue invitado a unirse al  John Lee Hooker Coast to Coast Blues Band.

Durante los cuatro años que estuvo de gira con Hooker como un destacado guitarrista / vocalista, Rogers estableció una fuerte relación personal y profesional con la venerada leyenda del blues.. Dijo Hooker, "No puedo decir suficientes cosas buenas acerca de Roy. Él interpreta muy bien el blues.Es parte de ese selecto grupo que tocan slide guitar en las composiciones de blues." Cerca del final de su permanencia en la banda de Hooker, Roy comenzó a estrenar sus shows como solista, dándose la oportunidad de realizar algunos country blues clásicos y composiciones originales que había estado perfeccionando durante años. 

                                  Roy Rogers, Keith Richards y John Lee Hooker

El talento musical de Roy fue exhibido  en la banda sonora de la película de 1990 The Hot Spot , que grabó con Miles Davis, John Lee Hooker y el Taj Mahal y que también obtuvo una nominación al Grammy. 

En 1991, Rogers comenzó a trabajar con armonicista y vocalista Norton Buffalo para producir el álbum " R & B" . El álbum es un verdadero arsenal de melodías acústicas estadounidenses: desde el blues hasta baladas que son aprehendidas increíblemente por estos músicos. El tema "Song For Jessica" recibió una nominación a los premios Grammy en 1991.

El inicio del Siglo XXI ha sido un período muy productivo para Roy, ampliando  sus colaboraciones con otros artistas, así como sus propias grabaciones en solitario . En 2004 lanzó su primer álbum en vivo con su propia banda y la participación de invitados especiales. 

En 2006 colaboró ​​con Reidar Larsen para un lanzamiento en Noruega con el álbum "The Crossing".  En 2009 grabó Split Decision para Blind Pig Records.  Hasta el presente Roy registró Into the Wild Blue que se publicará a mediados de 2015.

DISCOGRAFIA

Rogers And Burgin: A Foot In The Door (1978 Waterhouse Records)

Chops Not Chaps (1986, Blind Pig Records)

Slidewinder (1988, Blind Pig Records)

Blues on the Range (1989, Blind Pig Records)

R&B with Norton Buffalo (1991, Blind Pig Records)

Slidewinder (1992, Blind Pig Records)

Travellin' Tracks with Norton Buffalo (1992, Blind Pig Records)

Slide of Hand (1993, Liberty)

Slide Zone (1994, Capitol)

Rhythm & Groove (1996, Pointblank)

Pleasure & Pain (1998, Pointblank)

Everybody's Angel (1999, Roshan)

Slideways (2002, Evidence)

Roots of Our Nature with Norton Buffalo (2002, Blind Pig Records)

Live! At The Sierra Nevada Brewery Big Room (2004, Chops Not Chaps)

Slide Guitar For Rock & Blues (2005, Chops Not Chaps)

Crossing with Reidar Larsen (2006, Chops Not Chaps)

The Best of Two – Slide Zone and Slide of Hand (2007, Chops Not Chaps)

Ballads Before The Rain (with Ray Manzarek) (2008, Friday Music)

Split Decision (2009, Blind Pig Records)

Translucent Blues (with Ray Manzarek) (2011, Blind Pig Records)

Twisted Tales (with Ray Manzarek) (2013, Chops Not Chaps)

Into The Wild Blue (2015, Chops Not Chaps)

0120. JOHN HAMMOND - HELLHOUND ON MY TRAIL

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Con una carrera que sobrepasa las cuatro décadas, John Hammond es uno de los artistas blancos que ha estado presente en la escena del blues desde su renacimiento en los años 60, lo que se conoce como Blues Revival, el cual renovó el interés en el blues en todo Estados Unidos y sirvió para dar nueva vida a carreras de músicos como Mississippi John Hurt, Reverendo Gary Davis y Skip James, entre otros. Hammond hizo justicia al viejo blues combinando de forma poderosa la guitarra y la armónica con una voz expresiva y una gran presencia sobre el escenario.

Hammond nació el 13 de noviembre de 1942 en New York City, y es hijo John Hammond, el famoso cazatalentos de Columbia Records. Sin embargo John Hammond Jr. no creció con su padre, pues luego de su divorcio fue a vivir con su mamá. Aprendió a tocar la guitarra en su juventud, entusiasmándose mucho con la técnica del slide. Luego de ver a su ídolo Jimmy Redd en el teatro Apollo de Nueva York, las cosas no volvieron a ser las mismas para él.

El blues movió tanto a Hammond que dejó su beca escolar para irse en busca de una carrera como músico profesional. Para 1962, con el blues revival en pleno, fue atraído por el circuito de los bares y cafés, tocando de la manera en que lo hacían los viejos músicos a quienes escuchaba durante su formación. A los 20 años de edad ya era considerado como la sensación de la escena neoyorquina.

En el año 1966, cuando Hammond vivía en Nueva York, un joven guitarrista llamado Jimi Hendrix llegó a la ciudad en busca de trabajo. Hammond le ofreció montar una banda para acompañarlo y tocaron varias veces en el Café Au Go Go, en una época en la cual los cafés estaban pasando de moda y las guitarras eléctricas se estaban tomando la música folk. Es en esa época en la que Chas Chandler le dice a Hendrix que lo llevará a Inglaterra a grabar y Hammond le dice que acepte esa oferta. Posterior a eso, John Hammond Jr. siguió su trabajo con ensambles de blues, grabando con músicos como Robbie Robertson, Levon Helm, Duane Allman, Dr. John, Charlie Musselwhite y Michael Bloomfield.

Como sucede con muchos músicos, John Hammond Jr. tiene gran cantidad de grabaciones que pueden servir como introducción a su obra. Por ejemplo su disco debut para Vanguard, “Southern Fried” de 1968 o “Source Point” de 1970, son puntos importantes para empezar. También funcionan para ese cometido algunos discos modernos como “Got Love If You Want It”, “Trouble No More” o “Found True Love”. En todos ellos Hammond ha mantenido una constante que sirve para darle un reconocimiento especial y es preservar muchas canciones clásicas del blues.

Aunque es un artista multidimensional, John Hammond nunca ha profesado ser un compositor. Desde el comienzo de su carrera, para él siempre ha sido más importante interpretar una canción clásica para un público amplio, lo cual sigue demostrando con las grabaciones hechas en este nuevo siglo como “Ready For Love”, “Push Comes To Shoe” o él último “Rough And Tough”. En estas producciones captura lo mejor del sentimiento blues para mostrar que es un bluesman sin igual.

DISCOGRAFIA

1964 – Big City Blues (Vanguard)

1964 – Country Blues (Vanguard)

1964 – John Hammond (Vanguard)

1965 – So Many Roads (Vanguard)

1967 – I Can Tell (Atlantic)

1967 – Mirrors (Vanguard)

1968 – Sooner Or Later (Water Music)

1969 – Southern Fried (Water Music)

1970 – Source Point (Columbia)

1971 – Little Big Man (Columbia)

1972 – I'm Satisfied (Columbia)

1975 – Can't Beat The Kid (Acadia)

1976 – John Hammond Solo (Vanguard)

1978 – Footwork (Vanguard)

1979 – Hot Tracks /with Nighthawks (Vanguard)

1980 – Mileage (Rounder)

1982 – Frogs For Snakes (Rounder)

1983 – Live (Rounder)

1984 – Spoonful (Edsel)

1988 – Nobody But You (Flying Fish)

1992 – Got Love If You Want It (Charisma)

1993 – You Can't Judge A Book by the Cover (Vanguard)

1994 – Trouble No More (Point Blank)

1996 – Found True Love (Virgin)

1998 – Long As I Have You (Point Blank/Virgin)

2001 – Wicked Grin (Point Blank/Virgin)

2003 – At The Crossroads (Vanguard)

2003 – Ready For Love (Back Porch)

2005 – In Your Arms Again (Back Porch)

2006 – Live in Greece (Dynamic)

2007 – Push Comes To Shove (Back Porch)

2009 – Rough & Tough (Chesky)

2014 – Timeless (Palmetto)

0119. ROBERT JOHNSON - HELLHOUND ON MY TRAIL

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UN PERRO DEL INFIERNO SIGUE MIS PASOS

Dicen las malas lenguas que el blues y la brujería han estado de la mano a lo largo de la historia. Muchas leyendas nos hablan acerca de músicos que han logrado su éxito a partir de hechizos o de pactos con el diablo.

Si se escuchan con detenimiento algunas canciones, es posible encontrar palabras cuyo significado tiene que ver con hechizos y buena suerte. ¿Qué es mojo? ¿Por qué para tener buena suerte se debe portar una raíz llamada “Juan el conquistador (John the conqueroor)”? Todos estos términos tienen que ver con la imaginería y supersticiones afroamericanas, conocidas en inglés como hoodoo, algo que no tiene nada que ver con el vudú (voodoo) haitiano.

Durante los años 20 y 30 se le prestó escasa atención a las contribuciones culturales afroamericanas. Fue precisamente en esa época en la que hubo un marcado desarrollo del blues rural, siendo la brujería uno de los tópicos más tratados.

La encrucijada, el lugar donde dos caminos se cruzan, es el lugar que más creencias religiosas y folclóricas tiene en todo el mundo. En la antigua Grecia, por ejemplo, se solían poner marcas de piedra en estos sitios para rendir tributo al dios Hermes. En Roma, ocurría algo similar con Mercurio, su guardián. Como el cruce de caminos es una tierra de nadie, es el lugar adecuado para los rituales mágicos y los conjuros, siendo el más popular el de aprender una habilidad específica, como podría ser tocar la guitarra. Como está descrito el ritual, se debe llevar el instrumento durante varias mañanas o noches seguidas a la encrucijada. En ese lapso se verá la extraña aparición de animales hasta que la última visita será la de un gran hombre negro, quien pedirá la guitarra, la afinará, tocará una canción y luego la devolverá. En el instante en que se recibe de vuelta, toda la habilidad también llega. Ese hombre que llega al cruce de caminos se conoce como “el diablo”, “el jinete”, “el viejito gracioso” o simplemente como “el negro grande”, siendo ese su color real y no una persona de raza “negra”.

Robert Johnson se hizo famoso por promulgar, a viva voz, que él había obtenido su técnica para la guitarra del “negro grande”, y durante muchos años se pensó que el tema “Crossroads” hacía referencia a eso. Sin embargo, con el paso del tiempo y las investigaciones acerca del tema, se llegó a la conclusión de que en realidad fue Tommy Johnson, otro músico de la época, quien pudo haber hecho ese pacto, aunque la verdad la leyenda de Robert Johnson cuenta que él no sabía tocar la guitarra, nadie supo de su paradero durante seis meses y cuando apareció, era un virtuoso de las seis cuerdas.

Johnson era un verdadero genio para hablar de brujería y amuletos en sus canciones. Por ejemplo en “Stones in my passway” decía: “Encuentro piedras en la vía y creo que caminaré hasta la noche… mis enemigos me traicionaron y tengo la certeza de que ellos pusieron esas piedras en mi camino”. Aquí hace referencia a uno de los más conocidos hechizos de la cultura afro-americana: la magia del camino (foot-track magic), una poción mágica que se unta a la víctima en los pies y le causa enfermedades sobrenaturales. Algunas de las cosas que pueden ocurrir: mala suerte constante por años, disturbios mentales o la inhabilidad de ganar o controlar el dinero o el amor. Esto va acompañado de dolores en las piernas tan fuertes que no es posible caminar, solo se puede avanzar arrastrándose.

Haciendo alusión a la suerte en el juego, bien sea de cartas, bingo, caballos o lotería, los jugadores en ocasiones mantienen en su poder toda suerte de amuletos, encantamientos o conjuros para lograr el éxito. Uno de esos encantamientos típicos es el mojo, del cual Robert Johnson nos habla en “Little queen of spades”. Esta jugadora, usa un amuleto para ganar pero también suele marcar el mazo de cartas.

“El pie caliente, también conocido como ‘el expulsor’, ayuda a alejar a los malos vecinos y causa que los ex amantes vaguen solos e insatisfechos por el mundo. Un viejo blues lo dice: Esparciste polvo de pie caliente alrededor de mi puerta y eso me ha hecho un vagabundo. Úselo en polvo, aceite u otros productos si quiere que alguien se aleje de usted para siempre”.

Así dice la publicidad de Hot-foot powder. En el tema “Hellhound on my trail”, Robert Johnson atribuye su errante vida al hecho de que una mujer lo alejó de su familia debido a que le echó ese polvo alrededor de su puerta. Aunque no es un caso literal, si es sabido que el músico nunca se estableció en un sitio en particular.

" Hellhound on My Trail "(originalmente" Hell Hound on My Trail ") es una composición de blues grabada por Robert Johnson en el Delta del Mississippi en 1937. Fue la primera canción grabada durante la última sesión de Johnson en Dallas, Texas, el Domingo, 20 de junio de 1937 y el primer single de ese período de sesiones.

Según la leyenda, Johnson vendió su alma al diablo en un fáustico acuerdo en las encrucijadas a cambio de su talento musical. Esta canción recoge ese misterio y y toda la tradición que rodea a los pactos con el diablo y su inserción en ese espacio de la cultura popular.

Antes de la canción de Johnson, la frase "un perro del infierno sigue mis pasos" había sido usada en otras canciones de blues. Sylvester Weaver  en "Devil Blues", grabado en 1927 contiene: "Perros del infierno comienzan a perseguirme, hombre, yo era un tonto corriendo y mis tobillos están atrapados  en el fuego..."   y  "Funny Paper" Smith en  1931 "Me tomo el tiempo cuando estoy merodeando y hay, un perro del infierno en mi sendero " Otras canciones de gospel hacen referencia a es "perro infernal" que sigue los pasos de los pecadores y de los descarriados.

Según los estudiosos de blues, Johnson acompañó al bluesmen Johnny Temple (1935 "The Evil Devil Blues") y a Joe McCoy (1934 "Evil Devil Woman Blues") en la adaptación de una canción de Skip James de  1931 "Devil Got My Woman ". 

La intensidad emocional, los arreglos con la guitarra y el tenso estilo de canto de "Hell Hound en My Trail"  también se encuentran en las realizaciones  de James. 

" Hellhound on My Trail " es una actuación en solitario de Johnson con la guitarra slide y la vocalización cruda del bluesman, lo que le proporciona un el gemido del viento a través de los árboles muertos.

 Según el historiador de la música Samuel Charters , los primeros y últimos versos son de los más destacados que pueden encontrarse en el blues. La imaginería poética es brillante e intensa, con un sentimiento de frenesí personal.  La letra de la canción refleja un espíritu agónico para el cual no hay escape. 

 La visión de los perros del infierno que viene para atrapar a los pecadores era frecuente en las iglesias del sur en ese momento y esto puede haber sido la imagen en la mente de Johnson: 

I gotta keep movin

I gotta keep movin

Blues fallin down like hail

Blues fallin down like hail

Tengo que mantenerme en movimiento

Tengo que mantenerme en movimiento

Blues cayendo como granizo

Blues cayendo como granizo

Umm mmmm mmm mmmmmm

Blues fallin down like hail

Blues fallin down like hail

And the days keeps on worryin me

theres a hellhound on my trail

hellhound on my trail

hellhound on my trail

y estos días me mantienen preocupado

hay un perro del infierno en mi camino

un perro del infierno en mi camino

un perro del infierno en mi camino

If today was Christmas Eve

If today was Christmas Eve

and tommorow was Christmas Day

 Aow wouldn't we have a time baby

Si hoy es la Nochebuena

Si hoy es la Nochebuena

y mañana será Navidad

Aow, no vamos a tener tiempo, Nena.

All I would need my little sweet rider just

to pass the time away huh huh

to pass the time away

Todo lo que necesitaría mi pequeño jinete es un dulce

para pasar un tiempo lejos

para pasar un tiempo lejos.

You sprinkled hot foot powder mmmm

mmm around my door

all around my door

Esparciste polvo de pie caliente 

alrededor de mi puerta

alrededor de mi puerta

You sprinkled hot foot powder

all around your daddy's door hmm hmm hmm

Esparciste polvo de pie caliente 

alrededor de la puera de tu papá

It keep me with ramblin mind rider

every old place I go

every old place I go

Mantienen la confusión de mi mente conduciendome

a todos los viejos lugares

a todos los viejos lugares

I can tell the wind is risin

the leaves tremblin on the tree

tremblin on the tree

hmmm hmmm hmm mmm

Yo puedo decir que el viento esta aumentando

las hojas del árbol tiemblan

tiemblan sobre el árbol

All I needs is my sweet woman

and to keep my company hey hey hey hey

my company

Todo lo que necesito es mi dulce mujer

y que se mantenga a mi lado

a mi lado.

0118. ERIC CLAPTON - STORMY MONDAY BLUES

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They call it stormy Monday, yes but Tuesday's just as bad.

They call it stormy Monday, yes but Tuesday's just as bad.

Wednesday's even worse; Thursday's awful sad.

The eagle flies on Friday, Saturday I go out to play.

The eagle flies on Friday, but Saturday I go out to play.

Sunday I go to church where I kneel down and pray.

And I say, "Lord have mercy, Lord have mercy on me.

Lord have mercy, Lord have mercy on me.

Just trying to find my baby, won't you please send her on back to me."

The eagle flies on Friday, on Saturday I go out to play.

The eagle flies on Friday, on Saturday I go out to play.

Sunday I go to church, where I kneel down, Lord and I pray.

Then I say, "Lord have mercy, won't you please have mercy on me.

Lord, oh Lord have mercy, yeah, won't you please, please have mercy on me.

I'm just a-lookin' for my sweet babe, so won't you please send him home, send him on home to me."

0117. JUNIOR WELLS - STORMY MONDAY BLUES

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0116. T-BONE WALKER - STORMY MONDAY BLUES

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" Call It Stormy Monday" (comúnmente conocida como" Stormy Monday ") es una canción escrita y grabada por el precursor del blues electric guitar americano T-Bone Walker . 

Es un blues de doce compases con el estilo del West Coast Blues blues de la costa oeste que cuenta con el distintivo sonido lastimero de la guitarra de Walker.

Además de convertirse en un álbum exitoso en 1948, inspiró a BB King y otros para tomar la guitarra eléctrica. "Stormy Monday" se convirtió en la canción más conocida y más grabada, de Walker.

Debido a la longitud de su nombre, "Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just as Bad)" se la comienza a llamar "Stormy Monday". También como "Stormy Monday Blues", el mismo título que una canción de 1942 registrada por Billy Eckstine y Earl Hines. De acuerdo con T-Bone Walker, dio específicamente a su canción el nombre más largo que la distingue. Sin embargo, los problemas se produjeron cuando otros artistas comenzaron a grabar esta canción usando estos nombres abreviados. Walker culpó al propietario de Duke Records, Don Robey al permitir la inclusión del recorte del nombre, incluyendo la versión de 1962 de Bobby Bland, que apareció como "Stormy Monday Blues". 

La versión de Bland, posteriormente fue copiada por otros artistas, quienes también utilizan el título incorrecto. Como resultado, Walker perdió en las regalías cuando su canción fue mal llamada "Stormy Monday Blues" y quienes se beneficiaron fueron Eckstine, Hines y Crowder.

En 1961, Bobby "Blue" Bland, popularizó aún más la canción con una aparición en las listas de éxitos pop. Bland, introdujo una nueva versión, con sustituciones de acordes , que más tarde fue utilizado en muchas versiones posteriores. Su versión también utiliza incorrectamente el título "Stormy Monday Blues"..

"Stormy Monday" es uno de los más populares standards blues, con numerosas interpretaciones. Además de ser esencial para los músicos de blues, también se encuentra en los repertorios de muchos artistas de jazz, soul, pop y rock.

La canción está incluida en los Grammy, la Rock and Roll, and Blues Foundation halls of fame as well as the U.S. Library of Congress' National Recording Registry.

T-Bone Walker fue uno de los primeros músicos en utilizar la guitarra eléctrica. 

En julio de 1942, Walker grabó " Mean Old World " y " I Got a Break, Baby "como uno de los primeros artistas de Capitol Records. El estudioso de música Bill Dahl describió las canciones como "la primera señal del T-Bone Walker que los aficionados al Guitar Blues conocen y aman, riffs elegantes y suaves, que establecen un estándar para que todos los futuros guitarristas de blues tuvieran una especie de guía ". 

En 1946, Walker firmó con el productor Ralph Bass y Black & White Records y "Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just as Bad)" fue lanzado como single en noviembre de 1947. 

Mientras tanto, " Stormy Monday Blues ", un solo de jazz compuesto por Earl Hines y su orquesta, con Billy Eckstine en la voz se había convertido en un éxito en el Billboard de la revista Harlem Hit Parade. El hecho de que tanto Walker y la canción Eckstine / Hines incluyen "Stormy Monday" en el título ha llevado ha confusión respecto a los verdaderos títulos y autoría de las canciones . 

En una entrevista, Walker afirmó que grabó la canción en 1940 "justo antes de la guerra" (los EE.UU. entraron en la Segunda Guerra Mundial 07 de diciembre 1941), pero que no fue publicada debido a las restricciones impuestas al uso de materiales en tiempo de guerra.

El periodista Dave Dexter , que trabajaba para Capitol Records a principios de 1940, cree que Walker grabó para Capitol antes de la canción Eckstine / Hines (marzo de 1942), pero que no fue publicada debido a la falta de disponibilidad de goma laca.

Sin embargo, el primer single de Walker como líder de la banda, "Mean Old World", que fue grabado en julio de 1942 y fue publicado en 1945 por Capitol Records .

Walker hizo varias versiones diferentes y grabaciones en vivo de la canción para distintas compañías discográficas durante su carrera.

En 1956, grabó una versión, titulada "Call It Stormy Monday", con el pianista Lloyd Glenn, el bajista Billy Hadnott, y el baterista Oscar Bradley que fue fue producida por Nesuhi Ertegun y está incluid en el álbum "T-Bone Blues" den 1959, registrado por Atlantic Records . Otra grabación, titulada "Stormy Monday", se incluye en el álbum de 1968, Stormy Monday Blues para Bluesway Records.

En 1983, el original "Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just as Bad)" fue incluido en el Blues Foundation Blues Hall of Fame in the "Classic of Blues Recording. 

Un cronista de la Fundación, Jim O'Neal la consideró "uno de los temas más influyentes, no sólo en la historia del blues sino también en la historia de la guitarra". 

En 1991, fue incluida en el Salón de la Fama del Grammy que "rinde un homenaje a las grabaciones de importancia histórica ". 

Fue incluida como una de las "500 canciones que dieron forma a Rock and Roll" por el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 y fue seleccionada, en 2007, para su inclusión en la Biblioteca del Congreso " National Recording Registry

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They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad

They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad

Wednesday's worse, and Thursday's also sad

Yes the eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play

Eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play

Sunday I go to church, then I kneel down and pray

Lord have mercy, Lord have mercy on me

Lord have mercy, my heart's in misery

Crazy about my baby, yes, send her back to me

0115. JIMI HENDRIX - MANNISH BOY

Jimi Hendrix era un Dios del Rock. Talentoso y sumamente seguro de sí mismo, , Jimi inventó nuevos sonidos de la guitarra eléctrica y los utilizó para ilustrar sus canciones apasionadas en una carrera espectacular. En tan solo cuatro años, Jimi hizo un puñado de álbumes de estudio pero con su técnica y su maravillosa manera de tocar el rock y el blues, inspiró a muchos que eran sus contemporáneos o vinieron después de él. Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton y Buddy Guy fueron algunos de los notables guitarristas que combinaron sus estilos con el ingenio y la capacidad de Jimi Hendrix. 

James Marshall Hendrix nació el 27 de noviembre de 1942 en el King County Hospital de Seattle, Washington. De madre de orígenes nativo-americana y de padre afro-americano  el pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres cuando el tenía 9 años de edad.  Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años y su primera guitarra eléctrica en 1958. 

Después de su paso por el Ejército en 1961, tomó su guitarra y partió como  acompañante de  Little Richard & The Isley Brothers. Fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, Tennesse.  Se mudó a Nueva York en 1964 para formar su propia banda, y  compartieron el escenario con él Jimmy James & The Blue Flames , tocando covers de Muddy Waters, Robert Johnson y canciones Jimmy Reed. 

En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel —clase media— en el cual ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de regalías sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estancia en Vancouver, al parecer Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.

No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer interiormente su considerable bagaje guitarrístico.

En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop; entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California a uno y al otro Randy Texas. Randy California sería más tarde co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y rumores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter. Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.

También comparte actuaciones con el bluesman  del Delta John Hammond Jr. por un tiempo.

1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix: durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rápidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, mánager de The Rolling Stones, y al productor Seymour Stein.

Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y —con gran desilusión de Hendrix— toda prospectiva de inserción se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo The Animals. El encuentro esta vez resultó fructuoso.

En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los The Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y mánager; después de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenía buenas perspectivas por delante y se convenció a sí mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, «Hey Joe», propuesta según el estilo agresivo con fuzz que el guitarrista le había ilustrado podía convertirse en un sencillo de lanzamiento.

Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de «Hey Joe»; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para firmar un contrato con el soporte del mánager saliente de The Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenía que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenían en mente.

                                          Jimi Hendrix y The Animals

The Jimi Hendrix Experience, con el baterista Mitch Mitchell y Noel Redding en el bajo, sacó su primer álbum, titulado 'Hey Joe', a finales de diciembre de 1966 y de inmediato fue  número 6 en la lista de singles del Reino Unido. Cuando las personas llegaron a verlos tocar en vivo, no podían creer lo que sus oídos escuchaban; Las innovaciones de Jimi eran tan radicales que causaban estupor y deslumbramiento entre los espectadores: era como si se hubiera reinventado la guitarra eléctrica! 

El volumen monstruoso de su Marshall stack alimentaría sonidos como un tornado, y a medida que rugía proyectaba una nueva sonoridad cada vez. Fuzz-Boxes y wah-wah pedals eran relativamente nuevos dispositivos en esos momento, pero la maestría de Jimi para explorar sus posibilidades era tan completa, que era como si  los hubiera utilizado para abrir un portal a una nueva dimensión. 

En el escenario, Jimi parecía impresionante con su gran afro,  trajes brillantes, y sus 'Charley Patton' Tricks (tocar por detrás de su cabeza y con sus dientes, solos extendidos donde mostró su técnica asombrosa y sus sensuales tongue-popping) que hacen estallar todos los sentidos, fueron entregados con gracia y buen humor. 

 'Are You Experienced " mostró a  Jimi ser un compositor magníficamente talentoso, mezclando el psicodélico " Purple Haze "y" Foxy Lady "con la melancólica' Wind Cries Mary'  y propios blues clásicos como 'Red House '.

 La actuación de Jimi en el Monterrey Festival Pop, donde su gran final fue  incinerar su Strat en el escenario, lo instaló en la vanguardia de la "Summer of Love".

En mayo de 1967, Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la lista de éxitos británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en Estados Unidos, donde aún era desconocida.

La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado —por medio de Paul McCartney a la histórica edición del Monterrey International Pop Festival celebrado los días 16, 17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado "Summer of Love" que popularizó al movimiento hippie en el mundo. La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en todo el país norteamericano, su actuación sería inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no dejó escapar la ocasión y realizó una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor. Al término de la exhibición, le dio fuego con gas líquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores.

Los restos de la guitarra que Hendrix destruyó aquella noche fueron recuperados y actualmente están expuestos en el Experience Music Project di Seattle.

La salvaje actuación del trío tuvo un enorme eco en todos los Estados Unidos, preparando así el terreno al suceso que vendría acogido tanto en las exhibiciones en directo del guitarrista como en sus lanzamientos discográficos.

Jimi trabajó en el álbum Electric Ladyland en los primeros meses de 1968, entre giras y trabajos en televisión, pero una disputa con Chas Chandler hizo que este se desvinculara de Hendrix. El doble álbum fue lanzado en octubre y se fue a la cima de las listas de Billboard. 

La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue menos problemática que la de Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmente irritado a causa de los numerosos desencuentros con el guitarrista. Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no superior a cinco minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente heterodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus grabaciones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los cuatro o cinco minutos, siguiendo la tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes breves con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, modalidades notablemente psicodélicas.

La segunda causa de la dimisión de Chandler, puede encontrarse en la indisciplina que Hendrix manifestaba en las sesiones de grabación: mientras Chandler era de la idea de que las grabaciones debían producirse en un breve espacio de tiempo y con todas las ideas en su lugar, Hendrix tendía a dejarse caer en infinitas jam sessions de prueba y afinación con los músicos que le acompañaban, elaborando, re-elaborando, modificando y ampliando aquellas que eran sus ideas de fondo en una continua espiral de creatividad; la mayor parte de las veces sabiendo desde dónde partir pero no a dónde llegar, dejándose guiar únicamente por el instinto. Las sesiones preparatorias para Electric Ladyland estuvieron marcadas por la presencia de numerosos músicos adicionales que iban y venían de los estudios de prueba sin ningún criterio aparente; así fue que a los tres instrumentistas de Experience, se sobrepusieron el célebre tecladista Al Kooper, el baterista Buddy Miles además de Jack Casady, bajista de los Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic.

No resulta extraña pues, la increíble cantidad de material inédito y alternativo grabado por Hendrix, a pesar de su brevísimo período de actividad, y que puede atribuirse perfectamente a este continuo hacer y deshacer.

Otro aspecto que pudo provocar también el fin del equilibrio fue el exagerado perfeccionismo de Hendrix. El guitarrista, además de exigir cantidades, hasta ese momento impensables, de variaciones de los temas, solicitaba también a sus músicos y técnicos grabar nuevas tomas de las partes de una canción un número indeterminado de veces, en espera de encontrar que la alquimia que éste retuviese fuese la adecuada; la historia quiso que el tema «Gipsy Eyes» fuese registrado en bien 43 versiones diferentes antes de que Hendrix encontrara una de su agrado.

Chas Chandler no fue la única víctima de los ya conocidos "arranques" del guitarrista. El bajista Noel Redding estaba también desesperado por las modalidades de trabajo impuestas por Hendrix. No era raro, de hecho, que el bajista abandonase el estudio de grabación para calmarse luego de la enésima ira con Hendrix, y que a su retorno la línea de bajo estuviese grabada por manos del propio guitarrista durante su ausencia.

La última exhibición británica de la banda tuvo lugar el 24 de febrero de 1969 en la Royal Albert Hall de Londres, con dos apariciones que dejaron el "todo lleno". Los dos conciertos fueron además registrados y filmados con fines documentales para una producción Gold & Goldstein que debería haber sido titulada Experience. Las cintas son aún hoy inéditas.

La frustración de Noel Redding derivaba también del hecho de no sentirse a gusto en el rol de bajista, siendo él un guitarrista, resale al 1968 la formación de su propia banda, los Fat Mattress, que en diversas ocasiones cubrió incluso el curioso rol de banda soporte de la mismísima Experience. A todo esto había que agregar el sufrimiento por la creciente histeria que puntualmente acompañaba los recitales de la Experience: su última exhibición en absoluto, el 29 de junio de 1969 en el Bob Fey's Denver Pop Festival, estuvo marcada por desencuentros y actos de violencia entre el público, y las fuerzas del orden tuvieron incluso que recurrir a gases lacrimógenos para volver a tomar el control de la situación; con los tres miembros del grupo obligados a huir encontrando refugio en el acoplado de un camión asediados por los fans. La ruptura con Redding fue oficializada al día siguiente.

Además de la disolución de la que fuese su banda original, Hendrix aquel año tuvo que hacer frente a una serie de controversias legales que lo implicaban en la sede penal y civil; el 3 de mayo de 1969 el guitarrista fue arrestado en el Pearson International Airport de Toronto luego de haberle encontrado hachís y heroína en su poder. Durante el proceso Hendrix logró convencer a la corte declarando el hecho de no saber en qué modo las sustancias habían terminado en su equipaje, enfocándose en la tesis de una acción externa. En la sede civil, en cambio, el guitarrista se encontró teniendo que tratar con algunos problemas legales conectados a la disolución del contrato escrito en favor de Ed Chaplin en 1965: el hecho fue resuelto amistosamente, con la disponibilidad del guitarrista a registrar un LP bajo su régimen de producción.

El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 1960 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres días de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día (durante la actuación de los pioneros en improvisar en el rock, Grateful Dead), su presentación debió ser re-programada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres días anteriores (más de 500.000 espectadores) se había reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante de una audiencia (respetable pero decididamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados.

El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, anunciada por el presentador como Jimi Hendrix Experience, pero rápidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Rainbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarrística operada sobre el tema "The Star-Spangled Banner", himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, todo únicamente usando su guitarra.

La realidad de los hechos, queda aún en una extrema controversia sobre el significado que Hendrix quiso dar a aquel modo de proponer el himno nacional estadounidense. Si bien su razón sea más bien clara, hay que decir que desde hacía un año aquella versión de «The Star-Spangled Banner» era propuesta en vivo y el mismo Hendrix se mostró siempre misterioso sobre el tema: en una entrevista sobre el festival de Woodstock el guitarrista se declaró desinteresado a las cuestiones políticas, y a una pregunta más precisa —formulada durante el Dick Cavett's Show— sobre el porqué de su versión tan poco ortodoxa del himno norteamericano Jimi respondió muy tranquilamente "¿Poco ortodoxo? No lo sé, a mí me pareció hermoso".

Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, sino más bien al escuchar el tema "Machine Gun", contenido en su último LP Band of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra.

Hendrix también actuaría, el 26 de agosto del año siguiente, en la edición de Woodstock celebrada en la Isla de Wight.

El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), a los 27 años, James Marshall Hendrix falleció debido a una mezcla de somníferos y alcohol y, al parecer, murió por aspiración de vómito. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta, y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerlo y lo dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand.

Monika Dannemann asegura original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol.

Años después, tras las investigaciones, se supo que, en realidad, Jimi no había muerto en ese momento, sino que cuando lo llevaban en la camilla necesitó girar la cabeza para poder vomitar en el suelo y el camillero colocó su cabeza sobre la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento.

Si alguna vez hubo un guitarrista que redefinió este instrumento para cualquiera que haya tocado antes o después, sería Jimi Hendrix. Sus excepcionales habilidades creativas le ayudaron a alcanzar un nivel musical que nunca se ha duplicado, y en sus escasos cuatro años como una estrella de la música se estableció como una leyenda de la música sin igual. Sus actuaciones en el Festival Pop de Monterrey, que lo estableció como una estrella, y más tarde en Woodstock, fueron algunos de los más impresionantes en la historia de la música en vivo,  y la historia recordará a Jimi Hendrix como uno de los más influyentes músicos aunque enigmáticos y misteriosos que jamás haya adornado el escenario.

Perdura el legado de Jimi Hendrix, y muchos siguen considerando que él es el guitarrista más singular que jamás haya existido. Su estado ha hecho millones de dólares después de su muerte, la mayoría de los cuales fue originalmente oculto de su padre por los administradores sin escrúpulos de los asuntos de Jimi. Al Hendrix y su familia finalmente se recuperó el legado de Jimi con la ayuda de Microsoft Allen co-fundador Paul Allen y con el tiempo llegaría a construir un museo llamado Jimi Hendrix el Experience Music Project, que es una importante atracción turística en Seattle, Washington. Hendrix es considerado por muchos como uno de los que más aportó en darle un giro a la música. Él le dio agresividad a lo que en ese entonces era "el Pop", pues armado con su inmortal Fender Stratocaster, pudo sacar ruidos que hasta ese entonces no se conocían, haciendo chillar a su instrumento como si fuese un león que ruge en medio de la selva.

La carrera de Hendrix fue efímera y pasajera. A lo más duró cinco años, pero su legado se extiende hasta el día de hoy. Fue el ídolo de una generación.

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