SOLO QUIERO QUE ME RECUERDEN CON MI MUSICA

"La luna esta saliendo, no hay tiempo que perder
Es hora de empezar a beber.
Dile a la banda que toque un blues y yo pago los tragos".
Tom Waits

lunes, 8 de junio de 2015

0059. CLARENCE 'PINE TOP' SMITH - I'M SOBER NOW

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Clarence 'Pinetop' Smith nació el 11 de enero de 1904 en Orion, Alabama y murió el 15 de marzo de 1929 en Chicago, Illinois.

Considerado el creador del estilo boogie woogie style, Clarence "Pine Top" Smith fue un artista de vodevil. Desde alrededor de 1920 Smith se radicó en Pittsburgh, y durante los años siguientes viajó con su estilo ´por teatros de de todo el país (incluyendo el circuito TOBA - Asociación de Reservas Propietarios de Teatros ').  Su trabajo lo llevó por todo el sur, donde trabajó con artistas como Butterbeans y Susie y Ma Rainey. A instancias de Charlie "Cow Cow" Davenport, hizo algunas grabaciones para Vocalion Records.

En una entrevista con Downbeat , una publicación de 1939, la esposa de 'Pine Top' Smith, Sarah Horton dijo que su esposo comenzó a tocar el  Boogie Woogie en Pittsburgh. El 29 de diciembre 1928 Smith grabó dos hits: Pine Top Blues y  Pine Top Boogie Woogie . Esta fue la primera vez que la frase "boogie woogie" apareció en las grabaciones.

En Enero de 1929 Smith grabó seis canciones más de su repertorio de vodevil para Vocalion Records, incluyendo I'm Sober Now  y Jump Blues Steady .
El 15 de Marzo de 1929, Smith fue baleado accidentalmente por un hombre llamado David Bell durante una pelea que estalló en un salón de baile.

DISCOGRAFIA RECOMENDADA:

Boogie Woogie y Barrelhouse Piano - Vol.1: The Complete Recordings de Pine Top Smith, Charles Avery, Freddie Redd Nicholson, y Jabo Williams (1928-1932).

0058. LEROY CARR & SCRAPPER BLACKWELL - HOW LONG, HOW LONG BLUES

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LEROY CARR
El término “blues urbano” generalmente se aplica al blues eléctrico posterior a la segunda Guerra mundial, pero uno de los padres de este formato preeléctrico fue el pianista Leroy Carr. Junto al guitarrista Scrapper Blackwell, Carr fue una de las principales figuras del blues en su época, componiendo y grabando cerca de 200 canciones durante su corta vida, incluyendo temas como “How Long, How Long”, “Prison Bound Blues”, “When The Sun Goes Down” o “Blues Before Sunrise”. Sus composiciones fueron expresivas y evocativas, grabadas solo con piano y guitarra. Era un hombre de ciudad, cuyo canto aunque no era tan áspero o intenso como el de los cantantes de blues rural, ayudo a que los patrones de ese estilo de la década de 1920 se orientara más a las urbes de 1930.
Leroy Carr nació en Nashville pero se mudó a Indianápolis cuando era niño. Durante su juventud aprendió a tocar piano de forma autodidacta, abandonando el colegio para tomar la vida de los caminos. Durante varios años tocó el piano en fiestas y bailes, combinando esa actividad con otros trabajos como el circo, el ejército y el contrabando de alcohol. Además de eso, estuvo casado por escaso tiempo.
En su andar errante Leroy Carr llegó de nuevo a Indianápolis, donde conoció al guitarrista Scrapper Blackwell. El dúo comenzó a interpretar sus canciones en clubes y gracias a su estilo llegó la oportunidad de grabar con Vocalion, publicando “How Long How Long Blues” a finales de 1928, tema que fue un éxito inmediato. Durante los siguientes siete años, Carr y Blackwell grabaron muchos canciones para Vocalion que se convirtieron en clásicos del blues como “Midnight Hour Blues”, “Blues Before Sunrise”, “Hurry Down Sunshine” o “Shady Lane Blues”.

Durante los primeros años de la década de 1930, Leroy Carr fue uno de los bluesmen más populares de Estados Unidos. A medida que su carrera era más exitosa, el músico se iba hundiendo en el alcoholismo, adicción que lo llevó a la muerte en abril de 1935, cuando Carr contaba apenas 30 años de edad. A pesar de morir tan joven, Leroy Carr dejó un enorme legado para el blues y su influencia se escucha en varias generaciones posteriores.

SCRAPPER BLACKWELL

Un pionero "blues urbano", guitarrista, hizo su trabajo más conocido con el pianista y cantante Leroy Carr . Juntos crearon un sonido que ayudó a definir el género hasta la década de 1950. Como solista grabó "Kokomo Blues" (1928), que Robert Johnson más tarde adapto al estándar "Sweet Home Chicago". Francis Hillman Blackwell nació en Siracusa, Carolina del Sur, de una parte ascendencia Cherokee, y fue criado en Indianápolis, Indiana. Un músico autodidacta, construyó su primera guitarra de una caja de puros. Su abuela le apodó "Scrapper" por su temperamento combativo. A mediados de la década de 1920 se hizo tiempo para el contrabando (una experiencia que recuerda en su canción original "Penal Farm Blues") Para 1928 se había unido con Leroy Carr. Su single debut para Vocalion Records, el histórico "How Long How Long Blues" (1928), hizo famoso al dúo a nivel nacional. Instintivamente resolvió los problemas de balance de sonido entre la guitarra y el piano, haciendo muy buenass contribuciones de Carr con gran cosecha de Piedmont Style. Ellos estaban entre los pocos artistas de blues que pudieron prosperar en la Gran Depresión de 1929, realizando una extensa gira y grabando 114 temas para Vocalion y otras etiquetas, incluyendo clásicos como "Blues Before Sunrise", "Mean Mistreater Mama", "Prison Bound Blues". 

 Aunque la asociación con Carr nunca fue fácil. De vez en cuando Blackwell. se fue a grabar en solitario o hacer trabajos con Georgia Tom Dorsey. La muerte de Leroy Carr dejó a Blackwell devastado.  Después de grabar una canción en homenaje a Carr ("My Old Pal Blues", 1935) abandonó la música durante  20 años y se dedicó a trabajar en una fábrica de asfalto. Durante los primeros años de la década de 1950 retomó su actividad grabando "Mr. Scrapper Blues", en 1962. Blackwell tuvo poco tiempo para disfrutar de su éxito. Eso octubre le dispararon en un callejón frente a su apartamento de Indianápolis provocandole la muerte; fuentes difieren en cuanto a si fue durante un atraco o una pelea. El asesinato nunca se resolvió. 

Su muerte se produjo justo cuando una nueva generación de blues y artistas folclóricos comenzó a reconocer sus logros. Entre sus fans fue Bob Dylan, quien observó: "Hay una fuerte línea en toda nuestra música que se remonta directamente a Scrapper Blackwell. Fue realmente un gran músico que se merecía más de lo que había logrado".

0057. ROBERT NIGHTHAWK - LONESOME WORLD

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Lonesome World 
Robert Lee McCoy (aka Ramblin' Bob & Robert Nighthawk)
(Robert McCoy)
Recorded: Aurora, Illinois - Leland Hotel Wed May 5th, 1937
Robert Lee McCoy - vocals and guitar
with Sonny Boy Williamson - harmonica and Joe Williams - guitar.
Album: Robert Lee McCoy Bluebird Recordings 1937-1939
1997 Bluebird RCA #67416-2 (credits from Bluebird insert)

0056. BLIND BLAKE - HOOKWORM BLUES

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* Hookworm Blues
* Blind Arthur Blake (Guitar / Vocal)
* Alex Robinson (Piano)
* June 1929

Arthur Blake, conocido como Blind Blake, nació alrededor del año 1896 en Jacksonville, Florida.
Blind Blake es una figura de gran importancia para la música, no solo porque es uno de los mejores guitarristas que ha tenido el blues, sino también porque ayudó a desarrollar la técnica del ragtime en la guitarra, es decir, pulsar las seis cuerdas del instrumento a la manera en que se interpretaba ragtime en piano. Blake fue uno de los artistas que más grabó para Paramount, de hecho grababa siempre que podia y para 1932, año en que esta casa disquera cerró, Blind Blake había registrado 79 canciones, siendo el artista más vendedor del sello.
Poco se sabe de la vida de Blind Blake más allá de lo que él contó en sus canciones. Aunque muchos historiadores del blues han rastreado datos que el artista soltaba en sus temas, muy poco se ha verificado y la vida de Blake se ha convertido en una suerte de conjeturas, rumores y sin sentidos. Se dice que su nombre es Arthur Phelps, aunque él msmo, en el tema “Blind Arthur’s Breakdown” da a entender que se llamaba Arthur Blake. Por cierto dialecto usado en “Southern Rag” se dice que nació en las islas ubicadas en la costa del estado de Georgia, aunque otros teóricos mencionan que Blake nació en Jacksonville, Florida, debido a registros que ubican familiares suyos en esa ciudad.


La primera vez que se vio a Blind Blake en Chicago fue a mediados de la década de 1920 y su única fotografía existente, tomada para su primera sesión con Paramount en 1926, muestra a un hombre de aproximadamente 30 años de edad, por lo que muchos se han aventurado en indicar que su fecha de nacmiento está entre 1895 y 1897. Artistas que estuvieron a su lado dieron cuenta de su exagerado apetito por el licor.
Nunca se supo que ocurrió luego de que Blake grabara su última sesión con Paramount en 1932. El rumor de que fue asesinado en Chicago no tuvo asidero alguno luego de una profunda investigación en los archivos de la policía local. Otras teorías apuntaban a que regresó a Jacksonville aunque investigaciones realizadas en 1935 en esa zona de Florida, nunca hallaron rastro alguno de su presencia allí. Investigaciones realizadas en 2011 detallaron que la muerte de Blind Blake ocurrió el 1° de diciembre de 1934 en Glendale, Winsconsin, víctima de tuberculosis.

Muchas de las canciones compuestas por Blind Blake son ahora clásicos del blues rural y generaron influencia en el blues del Piedemonte. Sus relatos estaban llenos de sinceridad, gentileza y mucho sentido del humor.

0055. PROFESSOR LONGHAIR - HOW LONG HAS THAT TRAIN BEEN GONE?

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Henry Roeland Byrd, más conocido como Professor Longhair, (Bogalusa, 19 de diciembre de 1918 - Nueva Orleans, 30 de enero de 1980) fue un cantante y pianista de blues estadounidense. Su carrera se caracterizó por tener dos períodos diferenciados, el primero durante el apogeo en la aparición del rhythm and blues, y el segundo en el resurgimiento del jazz tradicional, después de la fundación de la New Orleans Jazz and Heritage Festival. Con el piano consiguió un estilo genuino que podría definirse como una combinación de ritmos hispanos y caribeños, como rumba, mambo o calipso, con el jazz y el rhythm and blues.
Comenzó a ser reconocido casi una década después de su muerte como uno de los fundadores del rhythm and blues de Nueva Orleans y también como una de sus principales figuras. Sin embargo, Roy Byrd tuvo, en un momento de su larga carrera, que barrer los pisos de una tienda de discos para tener dinero y comer algo.
Su regreso a la música fue impresionante. Un piano rockero y rumbero al mismo tiempo, mezclado con su voz desafinada, fueron el sello de la leyenda que dio un toque caribeño al blues, siendo uno de los grandes pianistas que ha dado Nueva Orleans, lista que integran Fats Domino, Huey Smith, Allen Toussaint y Dr. John, entre otros.
Fess creció con sus amigos bailando tap en la calle Bourbon, siendo marcado musicalmente por artistas como Sullivan Rock, Kid Stormy Weather y Tust Washington, aunque el dio su propio concepto a la música. Comenzó su carrera en 1948, ganando allí su apodo debido a su pelo hirsuto.
Grabó por primera vez en 1949 para el sello Star Talent. Fueron cuatro temas con su banda The Shuffling Hungarians. Algunos problemas de la casa disquera hicieron que estas grabaciones no llegaran al mercado pero en 1950, sus sesiones para Mercury produjeron su primer gran éxito: “Bald Head”.

El pianista hizo grandes grabaciones para sellos como Atlantic, Federal, Wasco, siendo 1953 uno de los años más importantes, pues fue en ese año que llegaron temas inmortales como “Tipitina”, “In The Night” y “Ball The Wall”.
Luego de recuperarse de un infarto, Professor Longhair volvió en 1957 con “No Buts No Maybes” y en 1959 creó “Go To The Mardi Gras”, tema que se convirtió en el himno del carnaval de Nueva Orleans, que se celebra el martes anterior al Miércoles de Ceniza, y que este año será el 16 de febrero.
Además del éxito con “Big Chief”, los años 60 no fueron de mucho encanto para Fess, quien terminó abandonando el piano. Sin embargo en 1971 retornó al camino de la música con su presentación en el Jazz & Heritage Festival, grabando una gran cantidad de discos en esa década, la cual cerró con el que es considerado su mejor trabajo “Crawfish Fiesta”, para el sello Alligator.

Professor Longhair apareció triunfante en la serie de conciertos Soundstage, presentada por la televisión pública de Estados Unidos, vio como un grupo de fanáticos compraba un bar en Nueva Orleans y lo bautizaba “Tipitina”, en honor a su famosa canción, y coprotagonizó un documental llamado “Los pianistas rara vez tocan juntos”, que se convirtió en un homenaje póstumo, pues murió en medio de las grabaciones.
Fess se acostó a dormir el 30 de enero de 1980 y nunca despertó. Un infarto en la noche acabó con la vida de una de las grandes estrellas de la música de Nueva Orleans, cuya música sigue sonando, permitiendo que su espíritu permanezca en cada rincón de la ciudad.

0054. SONNY BOY WILLIAMSON I - WAR TIME BLUES

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Hablar de John Lee "Sonny Boy" Williamson es hablar de uno de los más grandes de la historia del blues. Armonicista innovador y magnífico compositor, fue uno de los primeros en rodearse de una banda de acompañamiento y uno de los primeros que hizo la transición al blues urbano. Estamos pues ante una figura clave en lo que posteriormente se llamó el blues de Chicago.
Hijo de granjeros, John Lee nació el 30 de marzo de 1914 en Jackson (Tennessee). Aprendió a tocar la armónica en solitario y empezó, desde muy pequeño, a actuar de animador en los espectáculos itinerantes de vodevil, donde se ganó el famoso apodo de Sonny Boy. Sus ídolos de la infancia fueron Sleepy John Estes y su armonicista Hammie Nixon, al que idolatraba. Consiguió finalmente unirse a su círculo más cercano y trató de aprender todo lo que pudo de ambos, durante el tiempo que permanecieron juntos. A pesar de sufrir un defecto en la pronunciación, que le obligó a buscar su propia técnica vocal, se convirtió además en un buen cantante.

En 1934 se trasladó a Sant Louis y allí colaboró con gente como Walter Davis, Henry Townsend o Big Joe Williams. Poco después se fue a Chicago y pronto comenzó a recorrer todos los clubes de la ciudad con la intención de darse a conocer y respetar. En 1937 hizo sus primeras grabaciones para el sello Bluebird. "Good Morning, Little Schoolgirl" obtuvo un éxito considerable y se convirtió en uno de los músicos favoritos del público negro.

A partir de 1939 creó una banda mucho más grande con guitarra eléctrica, piano, bajo y batería. Toda una novedad para la época. Con él trabajaron asiduamente nombres como Big Bill Broonzy, Big Joe Williams o Robert Nighthawk. Aparecía de esta forma, cada vez con más fuerza, una música nueva llena de entusiasmo y potencia: el blues eléctrico de Chicago.

Hasta 1947 grabaría más de 120 temas, todos ellos siempre para Bluebird. "Shake The Boogie", "Sloppy Drunk", "Early In The Morning", "Decoration Blues", "Tell Me Baby" o "Hoodoo Hoodoo" son algunos ejemplos de los grandes títulos de su discografía. La supremacía de Sonny Boy en el blues de posguerra fue tan grande que comenzaron a lloverle imitadores por doquier. El más famoso de ellos, por supuesto, Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson II) al que, cuenta la leyenda, John Lee persiguió con una pistola para ajustar cuentas con él. Afortunadamente nunca lo encontró.

Su influencia en generaciones posteriores es incalculable. Sonny Boy guió los primeros pasos de gente como Muddy Waters y dio lecciones de armónica a Little Walter, Snooky Pryor, Junior Wells o Billy Boy Arnold.
   Sonny Boy Williamson & Big Bill Broonzy

Como solía pasar con este tipo de artistas en aquellos tiempos, John Lee era muy aficionado a la bebida pero además era un provocador y mujeriego. Durante sus actuaciones, solía buscar entre el público femenino a las mujeres más guapas e iniciaba su particular show de tonteo. Esto daba lugar con frecuencia a peleas que en ocasiones se volvían muy violentas.

El 1 de junio de 1948 tras una actuación en el club Plantation, Sonny Boy volvió a su casa muy bebido. El marido de una de las mujeres a las que había "cortejado" durante su espectáculo, lo siguió. Dicho marido celoso se enfrentó a él y finalmente acabaría con su vida, atravesándole la cabeza con un punzón para picar hielo. Era el triste final de la carrera de uno de los más grandes creadores de la historia del blues.


DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:
- Complete Recorded Works (Vols. 1-5)
- Sugar Mama
- The Bluebird Blues
- The Later Years 1939-1947
- The Blues: Chicago 1937-1945

0053. SKIP JAMES - HARD TIME KILLING FLOOR BLUES

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Skip James es posiblemente el más extraño y complejo de todos los artistas de blues del Mississippi, pero es también, sin lugar a dudas, uno de los grandes. Su estilo es perfectamente reconocible. Solía tocar la guitarra afinada en re menor abierto y nunca recurriendo al uso del slide, pero lo que realmente marcaba la diferencia en su música era sobretodo su voz, con un registro muy potente y un falsete espectacular. Es el cantante más reconocible de cuantos ha producido este género musical.

Nehemiah Curtis James nació el 21 de junio de 1902 en la plantación Woodbine, cerca de Bentonia (Mississippi). Fue el único hijo de Phyllis James con Edward James, un contrabandista y guitarrista que pocos años después abandonaría a su familia a su suerte. Nehemiah creció con sus abuelos maternos hasta que se fue con su madre a Sidon cuando tenía 12 años.

Durante su juventud se mostró como un joven independiente y decidido llegando a escaparse de casa en más de una ocasión. Tuvo ciertos privilegios insólitos en aquella época como ir al instituto y no tener que trabajar en el campo recogiendo algodón, algo prácticamente inevitable para cualquier joven negro de su edad.

Pronto empezaría a tocar la guitarra y el piano, y con aproximadamente 18 años, ya ganaba pequeñas cantidades de dinero tocando en las calles en diversos lugares del Delta. De todos modos, como esta actividad no le reportaba grandes beneficios, se apuntó también a los juegos de cartas, a la venta de whisky o dedicándose al contrabando. Cuando tocaba reunía bastante público con su música, pero los beneficios no eran comparables con lo que ganaba vendiendo alcohol.

Poco tiempo después se casó con la hija de un sacerdote y se fue a vivir a Texas. Sin embargo ella acabaría abandonándolo por un veterano de la Primera Guerra Mundial. Este hecho fue un duro golpe para James que marcaría su personalidad en el futuro y que incluso se vería reflejado en las letras de algunas de sus composiciones.

En 1927 un cazador de talentos le ofreció la primera oportunidad de grabar pero finalmente la sesión nunca llegó a realizarse. Poco después se trasladó a Jackson y empezó a trabajar como profesor de música dando clases de guitarra, piano e incluso esporádicamente de violín.

James tenía casi treinta años cuando hizo por fin sus primeras grabaciones. Un buen día decidió visitar la tienda de H.C. Speir, en Jackson, quién quedó gratamente impresionado con su particular estilo y lo recomendó sin dudarlo a los responsables de Paramount Records.

En febrero de 1931 se organizaron las históricas grabaciones en Grafton (Wisconsin). En tan sólo dos días James grabó más material que ningún otro artista anterior para la compañía. Aunque solamente existen 18, fueron un total de 26 canciones las que se grabaron esos días, todos ellos temas propios en los que James alternaba la guitarra con el piano. A partir de este momento comenzaron a apodarlo artísticamente "Skip”, acortando de esta forma su apodo original “Skippy”.

James era un hombre orgulloso y celoso de su trabajo. No gustaba de tocar temas de otros y despreciaba a todos aquellos que intentaban copiar su estilo o composiciones. Así lo confirmaban sus declaraciones años más tarde: “no sigo las pautas de nadie ni imito a nadie, es sencillamente la música de Skip”.

Desgraciadamente James grabó en la peor época posible. En pleno estallido de la Gran Depresión en su país, su música pasó prácticamente desapercibida y James, desanimado y dolorido, decidió dejar de grabar. Se reencontró con su padre, ahora el reverendo E.D. James y decidió participar con él en su iglesia en Texas abandonando de este modo la vida de bluesman. En los años posteriores trabajó también como minero, conductor de tractor o leñador. Con el paso del tiempo, sin saberlo, comenzó a convertirse en un músico de culto entre los aficionados al blues y pronto su figura se convirtió en leyenda.

En 1964, en plena búsqueda de bluesmen olvidados, un grupo de yanquis (John Fahey, Bill Barth y Henry Vestine) encontraron finalmente a James en un hospital del condado de Tunica donde estaba hospitalizado a causa de un tumor que se le había diagnosticado recientemente.

Pocas semanas después Skip James hizo su reaparición pública con una breve actuación en el festival de Newport, en el que también participaron Son House, Sleepy John Estes, Fred McDowell o John Hurt. Demostró a los miles de sorprendidos espectadores que todavía estaba en plena forma, haciendo una actuación memorable.

A partir de entonces grabó una serie de discos de muy alto nivel: “Greatest Of The Delta Blues Singers”, “Devil Got My Woman” y sobretodo “Today!”.

Aunque en los últimos años de su vida gozó del reconocimiento del público internacional (llegó a participar incluso en el American Folk Blues Festival junto a muchos de sus contemporáneos), los mayores beneficios económicos le llegaron cuando Eric Clapton (con Cream) versionaron el tema “I´m So Glad”, que le reportó cierta estabilidad financiera y que le valió para hacer frente a los cada vez más elevados gastos médicos a los que debía hacer frente para tratar su grave enfermedad.

Finalmente, el 3 de octubre de 1969, el cáncer acabó con su vida. Se cerraría de esta forma el último capítulo de uno de los grandes creadores del blues del Delta.




0052. MARQUISE KNOX - JUKE JOINT BLUES

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Nacido en 1991 St. Louis, Missouri, Marquise es oriundo de una familia musical profundamente arraigada en el blues. Aprendió a tocar la guitarra con su abuela Lillie cuya familia eran aparceros y  de bisabuelos esclavos. También tocó con su tío Clifford, quien fue de gran influencia en la vida de Marquise. Creció escuchando Lightnin 'Hopkins, Muddy Waters, Johnny Lee Hooker, y BB y Albert King.
Para Marquise, el blues es su herencia y una forma de vida. Pasó sus primeros años de adolescencia en St. Louis bajo la tutoría de Henry James Townsend.
También ha actuado en decenas de festivales , y ha realizado giras por Alemania y actuando en  el Festival de Blues de Baden en Suiza. Al igual que con otros músicos de Blues, Sam Lay impulsó la carrera de Marquise. Su talento,  junto con su profundo conocimiento del blues  y gran respeto por sus antecesores le ha permitido llevar su estilo propio por todo EEUU. Kassem le firmó un contrato de tres álbumes .
Su álbum debut  fue nominado para un Premio de la Blues Music Awards como mejor artista de blues debutante. El álbum fue grabado cuando tenía 16 años, en dos noches, durante una tormenta de nieve,  en una iglesia con el famoso Michael Burks y su banda. Incluso hay una canción llamada tormenta de hielo en el álbum. 

Marquise lanzó recientemente su tercer álbum, Here I Am , registrado nuevamente en el legendario Blue Heaven Studios en Salina, Kansas. Nueve temas originales y tres covers de canciones de Muddy Waters completan el disco. 

0051. ALBERT CUMMINGS - I FEEL GOOD

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Albert Cummings nació en Williamston, Massachusetts, y construyó su casa en Nueva Inglaterra, donde dirige una empresa de construcción. Empezó a tocar el banjo de cinco cuerdas cuando tenía 12 años y parecía dirigirse a una carrera regional en bluegrass cuando se encontró con la música de Stevie Ray Vaughan, comenzando a tocar la guitarra eléctrica.
Desde muy niño, aprendió sus primeros acordes con la guitarra, pero pronto cambió a las cinco cuerdas del banjo, cuando tenía 12 años. Fueron esos años en los que se nutrió de los festivales de bluegrass alrededor de las fogatas nocturnas, cuando cada cien metros había una fiesta con música en vivo. La transición del banjo a la guitarra le vino después, a los 16 ó 17 años, cuando su cuñado le dejó unas cintas del siempre nombrado Stevie Ray Vaughan durante el período de Texas Flood. Cummings lo repasaba fascinado una y otra vez sin entender que aquello era sólo un guitarrista y no dos, como entonces le parecía.

Ya en la Universidad, vio pasar a dos músicos con sendas Gibson Les Paul y Fender Stratocaster bajando de una guagua en dirección al Teatro Orpheum, de Boston. “¡Era Stevie Ray!” –recuerda. Entonces compró una entrada sin dudarlo y allí le vio hacer cosas fascinantes, hasta el punto de que decidió dedicarse a la guitarra.

Estudios, trabajo de tradición familiar como constructor, matrimonio… hasta los 27 años en que consigue, según recuerda, tener un grupo para interpretar a Chuck Berry en una boda. Pronto encontró la complicidad musical en un amigo y en unos pocos años, a través de una invitación cursada por una banda llamada Swamp Yankee, Cummings se encontró a sí mismo actuando con la misma sección rítmica que había respaldado a Vaughan en el Orpheum que tanto recordaba, y en el mismo lugar donde vio por última vez a Stevie Ray, antes del accidente de helicóptero que truncara su vida en agosto de 1990. 

La banda cortó los temas principales en Wire Recording Studio, en Austin, Texas, y Cummings –con el productor Gaines- los acabó en los legendarios Estudios Ardent de Memphis, dos lugares de leyenda en este género musical.
Los fans de Cummings le preguntan por qué tardó tanto en decidirse. Ahora que está en lo más alto, parecen ya entender que tenía que ser así. La respuesta del guitarrista es inmediata: cuando era joven… “todavía no era yo; no me había ocurrido nada para expresar”. Ahora, todo lo que escribe le viene de la experiencia, la misma que nos ofrecerá en el escenario de La Noria, mañana viernes dentro del marco del Santa Blues de Tenerife.

Después de haber cambiado los útiles de la construcción por la guitarra, además de la unión personal que mantiene con Double Trouble, la banda del legendario Ray Vaughan, se ha ganado el respeto de otros grandes músicos, por lo que a partir de 2004 comparte cartel con Buddy Guy (la gran figura que abrió el cartel de este año en nuestro Festival), Charlie Musselwhite, John Hammond, Susan Tedeschi, Tommy Castro, Chris Duarte, Bernard Allison, The Neville Brothers, The Fabulous Thunderbirds, Sheryl Crow, Duke Robillard… llegando a ser telonero de B.B. King nada menos que 19 veces, hasta el punto de ser su amigo y ser presentado por tal monarca del blues como un “maravilloso guitarrista”.

D i s c o g r a f í a :

• The Long Way (Albert Cummings and Swamp Yankee), 1999
• From the heart 2003
• True to yourself, 2004
• Working Man Blues, 2006
• Feel so good (Live), 2008

0050. SCOTT H. BIRAM - YOU GOTTA MOVE

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Scott Biram nació en Lockhart, Texas , Estados Unidos, y se crió en Prairie Lea y San Marcos , Texas. Se graduó de San Marcos High School en 1992 y luego en la Universidad Estatal del Suroeste de Texas (ahora llamada Universidad del Estado de Texas ) en 1997 con una licenciatura en Bellas Artes. Antes de convertirse en un hombre-orquesta , él era un miembro de una banda de punk (Los Thangs) y dos bluegrass bandas (Scott Biram & the Salt Peter Boys and Bluegrass Drive-By)
Biram grabó sus primeros cinco trabajos con su propio sello discográfico , KnuckleSandwich Records. Su primer álbum fue This is Kingsbury? , lanzado en 2000. Este fue seguido por una segunda versión, Preachin y Hollerin en 2002. En febrero de 2003 lanzó su tercer álbum, Lo-fi Mojo , grabado en directo en la radio en Austin, Texas.

Scott H. Biram es un tipo duro de verdad. Un músico que tras chocar su coche contra un camión y sufrir múltiples roturas -y hasta 13 cirugías- estaba sobre el escenario en silla de ruedas una semana después de salir del hospital. Scott sobrevivió de milagro, se recuperó y sobre aquel roce con la muerte grabó 'Rehabilitation blues', un disco de versiones de blues y de canciones tradicionales en cuya portada aparece el músico en la cama del hospital sujetando una guitarra con un aspecto terrible.

Scott Biram es uno de esos artistas difíciles de catalogar, su música está llena de sonidos. Te puede recordar al Johnny Cash más arrepentido y espiritual, pero también evoca a los viejos bluesman del Delta y en ocasiones a una banda de garaje punk. La realidad es que Scott está solo, aunque tenga muchas caras y parezca un ejército: está solo con una guitarra de más de cincuenta años, un micro viejo y algunos pedales. Con esos elementos produce una música que combina el blues oscuro del Misisipí con el country forajido de Nashville, rock guitarrero y una capa punk sobre ello en canciones que hablan de dios y del diablo, del pecado y la redención, de la vida y la muerte.

La carrera de Biram se ha curtido en la carretera y en los tugurios de media América, unos viajes que han dotado a su música de historias, de personajes y de una sensación de autenticidad, de conocer la América profunda y real que muchas veces queda fuera de la mayoría de retratos musicales, más amables y sentimentales. Con más de 200 actuaciones al año y reiteradas visitas a Europa, Biram se ha ido consolidando gracias a un directo tan solitario como inolvidable, repleto de rabia, de fuerza, de entrega. El músico asegura que toca solo para poder pagar las facturas y para evitar el politiqueo de la convivencia en una banda. La realidad es que el público se ha rendido a un músico que en 2012 recibía el galardón al mejor disco de blues de los premios de la música independiente.

En febrero, Biram regresó a las tiendas con 'Nothing but blood' (Bloodshot Records), un trabajo fabuloso que muestra las múltiples caras de este músico valiente y solitario que es capaz de ponerse en la piel de Willie Nelson para cantar sobre la vida forajida en 'Never coming home', pero también suena como un esclavo del Delta en 'John The Revelator', la fabulosa versión que cierra el disco. Entre medias hay blues sobre el alcoholismo, sonidos más garajeros y góticos como en 'Church point girls' o blues sureño salvaje como el que muestra 'Jack of diamonds'. Biram, que aparece en la portada sumergido hasta la cintura en un río de sangre, firma un disco repleto de sonidos que conectan bien bajo la forma de este hombre orquesta, solitario y superviviente. Un músico que no llenará pabellones o grandes salas pero que solo se basta para llenar un escenario y para parar a un camión de 18 ruedas.

0049. LOUIS JORDAN - I GOT THE WALKIN BLUES

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Louis Jordan (Brinkley,08 de Junio de 1908-04 de Febrero de 1975),saxofonista y cantante Estadounidense de Blues,fue uno de los pioneros del Jazz y del Rhythm and Blues.

Su padre líder de la orquesta Rabbit Foot Minstrels, le enseñó a tocar el saxo y siendo adolescente le permitió que se uniese a la misma orquesta durante los veranos.Más tarde,tocaría también con otras orquestas como las «Ma Rainey» y «Kaiser Marshall». 

En 1932 se instala en Filadelfia y se une a la orquesta de Charlie Gaines.Tres años después se traslada a Nueva York y allí en 1936,se incorpora a la «Savoy Ballroom Orchestra» de Chick Webb,actuando como saxofonista y cantante,en este caso entrando en competencia con Ella Fitzgerald.

Desde 1938 tocó habitualmente en el local Elk´s Rendezvous de Harlem y formó un grupo que grabó para DEcca primero bajo el nombre Elks Rendezvous Band y en 1939 como Tympany Five.

En 1941 graba I´m Gonna Move To The Outskirts of Town y vende un millón de copias.Durante la década actúa en varias películas y graba más discos.

Aunque en adelante su popularidad disminuyó,Jordan no dejó de tocar,tanto formando una Big Band propia como cambiando sucesivamente de discográfica (Aladdin,Mercury,RCA) en un intento de recuperar su sitio en el mundo de la música,murió de un infanto en 1975.

0048. HOWLIN' WOLF - WORRIED ABOUT MY BABY

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Howlin´ Wolf fue, sin duda, el bluesman más electrizante, poderoso, enérgico y profundo de la posguerra. Con un metro noventa de altura y ciento veinte kilos de peso, junto a una imponente voz que le valió el apodo de "lobo", hacían que su puesta en escena compensara cualquier tipo de carencia frente a sus competidores.
Chester Arthur Burnett nació el 10 de junio de 1910 en el Delta (Mississippi). Allí creció alternando el trabajo en la granja y los campos de algodón con la música. Aunque tuvo una infancia y juventud muy dura (era practicamente analfabeto), su formación musical fue excelente y privilegiada. Aprendió a tocar la guitarra de Charley Patton y la armónica de Rice Miller (Sonny Boy Williamson II), y tocaría con Son House, Willie Brown, Johnny Shines, Jimmy Rogers o el propio Robert Johnson.
No sería hasta 1948, después de la Segunda Guerra Mundial en la que participó, cuando decidió emigrar. Antes de llegar a Chicago pasó por West Memphis, donde reunió a una banda propia y llegó a tocar en un programa de radio mientras trataba de vender maquinaria agrícola.

 Allí se ganó una sólida reputación que le abrió las puertas de los estudios de grabación.


Wolf tenía ya más de cuarenta años cuando hizo sus primeras grabaciones en 1951 en los estudios de Sam Phillips (el descubridor de Elvis Presley), obteniendo un aceptable éxito. Tentado por Chess, en 1953 decidió trasladarse definitivamente a Chicago. Una vez asentado, contactó con el guitarrista Hubert Sumlin que se convirtió en su mano derecha hasta el final de su carrera.



Aunque las mejores virtudes de Wolf no se encontraban cuando tocaba la guitarra o la armónica, sí que era un excelente compositor. A pesar de depender mucho de Willie Dixon, escribió clásicos como "Killing Floor", "Moanin´ At Midnight" o "Smokestack Lightnin". En esta época fue cuando la rivalidad con Muddy Waters llegó a su máxima expresión. La dependencia que tenían ambos de las composiciones de Dixon motivó una rivalidad que realzó el blues en Chicago.



A pesar de contar con joyas de Dixon como "Spoonful", "Little Red Rooster" o "Back Door Man" y de la contundencia de su presentación sobre el escenario, Howlin´ Wolf nunca fue uno asiduo de las listas de éxito. No por eso dejó de ser considerado por todos como uno de los grandes del género.



En pleno declive del blues en Chicago, a mediados de los años sesenta, Wolf participó junto a otros artistas del género en el American Folk Blues Festival, recorriendo Europa y llegando incluso en 1965 a aparecer en la televisión británica junto a los Rolling Stones.



En 1969 grabó también un disco junto a sus jóvenes admiradores ingleses: Eric Clapton, Stevie Winwood, Bill Wyman y Charlie Watts titulado "The London Howlin Wolf Sessions". Aun tuvo tiempo de grabar algunos discos más en los años posteriores. "The Back Door Wolf" es quizá el más destacado de esta época. 

A comienzos de los años setenta su salud comenzó a deteriorarse. Un accidente de coche lo obligó a permanecer bajo tratamiento hasta su muerte el 10 de enero de 1976.

 Su último concierto fue junto a B.B.King, en noviembre de 1975.


DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The Complete Recordings 1951-1969
- The Chess Box
- His Best
- The Rockin´ Chair Album
- The London Howlin´ Wolf Sessions
- Big City Blues
- The Back Door Wolf
- Chester Burnett a/k/a Howlin´ Wolf
- Evil
- Rockin´ The Blues Live In Germany