0211. AMOS MILBURN - CC RIDER

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El cantante y pianista tejano de boogie-woogie fue un importante intérprete de música blues durante los años inmediatamente anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Milburn fue uno de los primeros intérpretes en cambiar de sofisticados arreglos de jazz a un más fuerte jump blues. Comenzó enfatizando el rtimo y cualidades técnicas de la voz para hacerlo luego con la instrumentación.

Sus energéticas canciones, sobre temática de "ponerse a tono", fue admirado por sus colegas músicos, como Little Willie Littlefield, Floyd Dixon y su primer discípulo, Fats Domino.

La foto muestra a Amos Milburn en el piano con la Orquesta de Paul Williams a finales de los 40.

Joseph Amos Milburn, Jr. (1 de Abril, 1927 – 3 de Enero, 1980) fue un cantante y pianista americano de boogie y rhythm & blues,muy popular durante las décadas de los '40 y los '50. Nació y murió en Houston, Texas.

Paul Du Noyer en "The Illustrated Encyclopedia of Music" señaló que " Milburn se destacó en presentaciones como un bonachón y optimista intérprete de rhythm & blues con un vibrante sentido del humor y unas letras que reflejaban vívidas imágenes de su hogar". 

Parte de una familia de trece hermanos, a la edad de cinco años Milburn estaba ya tocando canciones al piano. Se alistó en la Armada de los Estados Unidos cuando tenía quince años y fue condecorado con trece estrellas de servicio en las Filipinas antes de retornar a Houston y organizar una banda de dieciseis componentes que tocaría en los clubes de Houston y que estaba gestionado por William y Geneva Church. Milburn colaboró con otros artistas de jazz y blues. Era un pianista e intérprete brillante y durante 1946 atrajo la atención de una mujer, Lola Anne Cullum, que le organizó una sesión de grabación con Aladdin Records en Los Angeles. Se cuenta que Cullum entró a la habitación de un hospital donde estaba el presidente de Aladdin llevando consigo un disco portátil con el cual le hizo escuchar los demos de Milburn.  La relación de Milburn con Aladdin duró ocho años durante los cuales produjo más de 75 canciones. Su versión de "Down the Road a Piece" (1946) fue una canción blues con un ritmo boogie de Texas que era muy similar en muchos aspectos a la música rock. Sin embargo ninguna se convirtió en popular hasta 1949 cuando siete de sus singles tuvieron la atención de la audiencia del R&B. "Hold Me Baby" y "Chicken Shack Boogie" llegaron al número ocho y nueve en la encuesta de la revista Billboard de 1949. Se convirtió en uno de los intérpretes principales asociados a la escena musical de la Central Avenue de Los Angeles. Fue también un popular artista de giras, y ganó premios tanto de la revista Down Beat (Mejor Estrella de Blues y Jazz) como de la revista Billboard (Mejor Artista R&B). Entre sus canciones más conocidas está "One Scotch, One Bourbon, One Beer". Durante 1950 la canción de Milburn "Bad, Bad, Whiskey" llegó a número uno de la lista de éxitos musicales de R&B y comenzó una serie de canciones sobre el alcohol (ninguna escrita por Milburn, aunque había muchas compuestas por Rudy Toombs). En todo caso, no existe evidencia de que Milburn tuviese algún problema con el alcohol.

Milburn continuó su serie de canciones sobre el alcohol durante 1952 ("Thinking and Drinking", "Trouble in Mind"), mientras estaba recorriendo el país tocando en clubes. Mientras estaba de gira en el Medio Oeste de los Estados Unidos, anunció que iba a disolver su banda y continuaría él solo, y ese otoño se unió a Charles Brown para un concierto en el Sur de Estados Unidos. Durante los siguientes años cada una de sus giras se componía de una serie de conciertos de una sesión. Tras tres años en solitario volvió a Houston durante 1956 para reformar su grupo. Durante 1957 las grabaciones de Milburn para Aladdin Records no vendieron demasiado bien, y la discográfica, que tenía sus problemas, se cerró. Intentó recuperar su éxito comercial con unos cuantos lanzamientos con Ace Records pero su tiempo había pasado. La radio Airplay estaba enfatizando el mercado adolescente.

Milburn contribuyó dos veces al canon navideño de R&B. La primera vez fue en 1949, con "Let's Make Christmas Merry, Baby", para Aladdin Records, y luego de nuevo en 1960 con "Christmas (Comes but Once a Year)" para King Records. Ambas aparecieron como lado A y lado B de los clasicos de vacaciones de Brown "Please Come Home for Christmas".

La última grabación de Milburn fue para un album de Johnny Otis. Esto fue durante 1972 después de haber sido incapacitado por un accidente cerebro vascular, tanto es así que Otis tuvo que tocar las partes de piano de la mano izquierda en vez de su viejo amigo. Su segundo ataque tuvo como resultado la amputación de una pierna por problemas circulatorios. Murió poco después a la edad de 52 a años por un tercer ataque.

GRABACIONES CLASICAS

• "Amos Blues" – 1946
• "Down the Road a Piece" – 1947
• "Chicken Shack Boogie" – 1948
• "A&M Blues" – 1948
• "Bewildered" – 1948
• "Hold Me, Baby" – 1949
• "In the Middle of the Night" – 1949
• "Roomin' House Boogie" – 1949
• "Let's Make Christmas Merry, Baby" – 1949
• "Bad, Bad, Whiskey" – 1950
• "Thinkin' And Drinkin" – 1952 – escrito por Rudy Toombs
• "Trouble in Mind" – 1952
• "Let Me Go Home, Whiskey" – 1953 – escrito por Shifty Henry
• "One Scotch, One Bourbon, One Beer" – 1953 – escrito también por Rudy Toombs
• Rockin' The Boogie –  1955.

0210. GUITAR SHORTY - BILLIE JEAN BLUES

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El legendario guitarrista / vocalista Guitar Shorty es un gigante en el mundo del blues. Con sus influencias tanto sobre Jimi Hendrix como sobre Buddy Guy, ha realizado electrizantes presentaciones  durante cinco décadas con sus shows en vivo y sus grabaciones incendiarias. Como un boxeador de nudillos desnudos, Shorty golpea con su "blistering", el toque físico y sus feroz voz, que conecta directamente  el cuerpo y el alma. Lo que realmente diferencia a Shorty es su manera imprevisible de tocar la guitarra. Llega a sonidos, riffs y licks que solo pueden crear los grandes.

A través de los años,  Shorty ha actuado con bluesmen de la talla de  Ray Charles, Sam Cooke, BB King, Guitar Slim y T-Bone Walker. Empezó a tocar con estas leyendas mientras que todavía era adolescente y grabó un puñado de singles para una variedad de etiquetas  (grabó su primer single en 1957, "You Don't Treat Me Right", para el sello Cobra bajo la dirección de Willie Dixon.  

Después de décadas de pagar sus deudas (como tantos bluesmen americanos no contratados por grandes discográficas), hizo una gira por Inglaterra para probar suerte en Europa. Sus grabaciones desde entonces todos recibieron elogios de la crítica masiva, y sus actuaciones en vivo  lo han mantenido en constante demanda en todo el mundo. 

Su debut en 2004 para Alligator Records con el álbum, Watch Your Back , se convirtió en su mejor acogida siendo el más vendido hasta la fecha.

Producido por el compositor y bajista de Wyzard, Bare Knuckle sus grabaciones para Black Top, Evidence y Alligator son una prueba de una consistencia sonora que aumenta y se vuelve mucho más emocionante cuando se le ve sobre un escenario. Y así como James Bond, él se asegura de que su interlocutor sepa perfectamente cuál es su nombre para que nunca lo olvide: Guitar Shorty.

Guitarra Shorty nació David William Kearney el 8 de septiembre de 1939 en Houston, Texas y creció en Kissimmee, Florida, con su abuela. Comenzó a tocar la guitarra cuando era un niño, excitado por los sonidos de BB King, Guitar Slim, T-Bone Walker y John Lee Hooker. Sin embargo fue una experiencia algo traumática ya que, según cuenta, sus manos eran muy pequeñas y no alcanzaba a rodear completamente el cuello de la guitarra. “Yo lloraba y gritaba que no podía tocar esa cosa y mi abuela me preguntaba qué me pasaba y yo le decía que no podía con la guitarra, que la odiaba. Mi abuela me calmaba diciéndome que siguiera intentando, que con el tiempo iba a aprender y podría tocar guitarra donde quisiera. Un día mi tío Willie llegaba a casa y mi abuela le dijo ‘Házme un favor, enséñale a tocar guitarra a ese chico’. ‘Claro que sí’, respondió mi tío”.

Pero cuando se hizo evidente que el joven era serio acerca de su música, su abuela contrató a un maestro para él.

 "Aprendí muy rápido siempre estuve dos o tres páginas por delante de mi maestro,"  recuerda.  El nombre por el que sería conocido toda la vida llegó a los 17 años de edad cuando se mudó a Tampa, Florida y era parte de la banda de Walter Johnson. La historia es más o menos la siguiente: Johnson había prometido llevar un nuevo artista al sitio donde solían presentarse, a alguien que se llamaba Guitar Shorty. Cuando la banda llegó al sitio, vieron los carteles que indicaban la presentación del nuevo músico. Todo el mundo estaba pendiente de su aparición, incluso el mismo David. Cuando Johnson anunció a Guitar Shorty todo el mundo comenzó a aplaudir mientras David miraba hacia todos lados esperando que saliera Guitar Shorty al escenario. Su sorpresa fue grande cuando vio a Walter Johnson con el micrófono en la mano, señalándolo con el dedo.

Desde ese momento David Kearney comenzó a llamarse para el mundo del blues Guitar Shorty, nombre que no ha cambiado para nada debido a la insistencia de Walter Johnson, quien le dijo que ese nombre le iba a traer suerte. “Cuando grabes un disco no uses David Guitar ni Guitar David, usa Guitar Shorty. Ese es mi nombre, así me conocen, legalmente mi nombre es David Kearney a.k.a Guitar Shorty”, dice.

 Después de una particularmente fuerte rendimiento de Shorty en la Florida, el gran Willie Dixon, que estaba entre el público, se acercó a Shorty y le dijo: "Me gusta lo que estás haciendo. Tienes algo diferente. Tienes que conseguir hacer lo mismo en un estudio". Unas semanas después de Shorty estaba en Chicago y, respaldado por Otis Rush en la segunda guitarra, grabó su primer single," Irma Lee b / w "You Don't Treat Me Right" " para el famoso Cobra Records de Chicago (la primera casa etiqueta para Rush, Magic Sam y Buddy Guy) en 1957. "Willie Dixon fue una gran influencia sobre mí y mi forma de cantar, me ayudó a encontrar mi propia voz para cantar y me mostró cómo contar una historia con mis palabras."

La suerte de Shorty siguió aumentando cuando el gran Ray Charles contrató al joven  de la guitarra como miembro destacado de su banda de carretera. Durante la gira por Florida con Ray, pudo conocer a su ídolo, el guitarrista / vocalista Guitar Slim, famoso por sus "Things That I Used To Do". El manager de Slim ofreció Shorty la  apertura en la próxima gira del guitarrista y aprovechó la oportunidad, viajando hacia Nueva Orleans como guitarrista de la banda. Inspirado por Slim, comenzó a incorporar a su estilo, saltos y acrobacias sobre el escenario. En poco tiempo, él estaba haciendo volteretas y voleas en el escenario. Con su "blistering" y sus espectáculos salvajes, Guitar Shorty fue creciendo en audiencias y contratos. En Nueva Orleans, se unió a la banda de gira de Sam Cooke y finalmente terminó en Los Ángeles. Luego, en 1959, grabó  tres 45 LP el sello Pull con  sede en Los Angeles todas producciones propias encontrando su propio sonido y estilo. 

En 1960 se trasladó a Seattle y conoció a Marsha Hendrix, hermanastra de Jimi Hendrix, con la cual contrajo matrimonio. Jimi Hendrix amaba el estilo y la forma de moverse sobre el escenario de Shorty, y confesó que entre 1961 y 1962 se iba sin permiso de su base en el ejército con el fin de ver las actuaciones en vivo de Guitar Shorty, recogiendo en cada una de ellas muchas ideas que después usaría él mismo. "Veo a Jimi en los clubes. Se quedaba en las sombras, observándome. Escucho mis licks en "Purple Haze" y "Hey Joe. Me dijo que la razón por la que comenzó a establecer su "guitar on fire" fue porque no podía hacer el "back flips" como yo lo hacía", recuerda Shorty.

Guitar Shorty en el casamiento con la hermana de Jimi Hendrix, Marsha.

Se mudó a Los Ángeles en 1971, dando conciertos por el sur de California durante muchos años, a veces tocando en festivales o espectáculos en lugares más lejanos. Él fue apertura para todas las grandes estrellas de blues que pasaron por la ciudad incluyendo a Little Milton, BB King, Lowell Fulson, Johnny Copeland y T-Bone Walker. En 1978 se realizó el Thel Gong Show, una especie de concurso de guitarristas que ganó tocando la guitarra mientras está de pie sobre la cabeza. 

Después de superar un grave accidente automovilístico en 1984, grabó un EP para Big J Records, un sello con sede en Los Ángeles. En 1985, además de producir algunos singles, grabó un álbum para Olive Branch Records llamado "On The Rampage" mostrando sus licks de guitarra on fire  y su profunda voz de bluesmen. Estas grabaciones le permitieron mantenerse en la escena del blues logrando realizar varias presentaciones. Incluso apareció interpretándose a sí mismo, en la película deTommy Chong de 1990 "Far Out Man." Luego de una gira por Inglaterra, grabó "My Way or the Highway" (con el guitarrista Otis Grand como soporte) un álbum para el sello JSP y  recibió el Premio a la Música Blues Contemporánea del Ministerio de Relaciones Exteriores para el álbum de blues del año. Con ello se revitalizó la carrera de Shorty en EEUU.

En esta nueva etapa firmó para el sello Back Top Records con sede en New Orleans y grabó para ellos tres álbumes: 1993 Topsy Turvy 1995 - Get Wise to Yourself y  en 1998 - Roll Over, Baby. En 1996 grabó Billie Jean Blues para el sello Collectables, un álbum recopilatorio producido por Swamp Dogg. 

En 2001 grabó "I Go Wild" para Evidence Records,  producido por Brian Brinkerhoff y que contiene una mayoría de covers que recibieron una crítica positiva de la prensa. 

Hizo excelentes apariciones en importantes festivales como el The Monterrey Bay Blues Festival,  El Festival de Blues de San Francisco y El Festival de Blues King Biscuit que donde fue ovacionado por una gran cantidad de fanáticos.

En 2004 Brinkerhoff y Jesse Harms produjeron un álbum Guitar Shorty para el sello Alligator Records, "Watch Your Back" y la popularidad de Shorty creció exponencialmente. La efusión de emociones conmovedoras, el poder de su guitarra y el desafío callejero puesto en las canciones dan a este álbum un lugar entre los fanáticos del blues. Sweet William Bouchard (bajo), Electric Vic Johnson (guitarra), Alvino Bennett  (batería) yJesse Harms (piano) acompañan magistralmente a Shorty.

De 2006 otro trabajo para Alligator, "We The People" encontraron a Shorty confiado y seguro ejecutando su guitarra con el típico sonido del blues texano y con una fuerte declaración política en sus creaciones. Con este álbum ganó el premio W.C. Handy como mejor álbum de blues contemporáneo del año.  Billboard declaró: "El bluesman Guitar Shorty  ha estado grabando  desde 1957 y sin embargo, es difícil imaginar que alguna vez se le haya encontrado un álbum mejor que  We The People ".

En 2010 edita para Alligator Records su tercer trabajo, "Bare Knuckle" y está preparando un cuarto trabajo para la discográfica.

Guitar One declaró: "Prepárate para una poderosa sorpresa si usted está cansado de los mismos viejos blues y nunca ha oído hablar de la guitarra de Shorty. Con su tono armónicamente saturado, sus "licks" y combinaciones de blues-rock, Shorty no debe ser pasado por alto. Ahora, con Bare Knuckle, su "blistering" de guitarra y voz apasionada, su combinación de canciones con una lírica profunda Guitar Shorty demuestra una vez más que es uno de los verdaderos genios musicales en la actualidad de los blues".

0209. JOHNNY "GUITAR" WATSON - SHE MOVES ME

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John "Guitar Johnny" Watson Jr. nació en Houston, Texas el 03 de febrero de 1935. Su padre era un pianista que instruyó a su hijo en los rudimentos de la música, a los 11 años su abuelo le entregó una guitarra para que aprendiera a tocar gospel ya que era un predicador evangélico que desaprobaba el blues y le hizo el regalo condicionado a no tocar "la música del diablo". Pero Johnny no podía evitarlo. Influenciado por las guitarras de Robert Johnson y otros bluesmen del Delta y el blues surgido en la Postguerra fue lo primero que aprendió a tocar. Guitarristas negros que se habían trasladado a las ciudades en el norte y el oeste de sus hogares sureños encontraron audiencias en cantinas urbanas y salones de baile. Empezaron a tocar instrumentos eléctricos y rápidamente perfeccionaron sus habilidades, haciendo grandes saltos  tanto  en la destreza cono en la imaginación. 

De joven, Watson había oído la guitarra de blues de su compatriota tejano T- Bone Walker. También fue influenciado por el guitarrista Clarence "Gatemouth" Brown, un showman dado a estilos de interpretación de guitarra inusuales para esos años. Las raíces de Watson residían dentro de la escena del blues de Houston. Como adolescente, tocó con otros futuros grandes bluesman de Texas, Albert Collins y Johnny Copeland . En aquel entonces, su principal instrumento fue el piano; eso es lo que tocaba cuando grabaron con la banda de Chuck Higgins el single "Motorhead Baby" para Combo en 1952. Sus padres se separaron en 1950, cuando tenía 15 años su madre se mudó a Los Ángeles, y Watson se fue con ella. Trabajó como vocalista, pianista y guitarrista. Rápidamente se hizo un nombre por sí mismo juke joints de la Costa Oeste , donde por primera vez grabó para Federal Records en 1953. Fue anunciado como Young John Watson hasta 1954.

Watson comenzó a crear su propio estilo distintivo con un solo instrumental llamado "Space Guitar". Muy por delante de su tiempo, el registro contó con la experimentación de reverberación y la retroalimentación de los efectos con la guitarra y el joven guitarrista consiguió su primer éxito. Grabó para varios pequeños sellos de Los Angeles a través de la década de 1950, incluyendo RPM, propiedad de los hermanos Bihari. Un día, Watson y Joe Bihari fueron a ver la película de Sterling Hayden y Joan Crawford "Johnny Guitar " y adquirieron el apodo que lo acompañó durante el resto de su carrera. 

Con un estilo fanfarrón,una personalidad humorística, su gusto por la ropa llamativa y un talento excepcional para el espectáculo salvaje sobre el escenario fue ganando un espacio entre las presentaciones en clubes y circuitos del blues de la Costa Oeste. 

Durante 1955 realiza algunas grabaciones para RPM bajo la supervisión del saxofonista Maxwell Davis. "Hot Little Mama," "Too Tired," y "Oh Baby" quemaron las cuerdas de su guitarra sorprendiendo a propios y extraños. Su primer éxito con RPM fue el cover que hace del swamp ballads de Earl King "Those Lonely Lonely Nights" en 1955.

Su canción " Gangster of Love "fue lanzada por primera vez Keen Records en 1957. No aparece en las listas de éxitos de la época, pero fue re-grabado por Steve Miller en 1968 y más tarde se convirtió en un éxito en una nueva versión de Watson en 1978, convirtiéndose en su canción más famosa.

Durante estos años acompaño en varias presentaciones a Little Richard y adquiriendo una reputación propia en el escenario. "Yo tenía un cable de 1 50 pies y podía llegar a la cima del auditorio - esas cosas que luego hizo Jimi Hendrix empezamos a hacerlas antes con Little Richards".  Es muy posible que Hendrix siguiera el ejemplo de Watson, pues los dos músicos compartían orígenes y objetivos similares. Watson había tomado las posibilidades de la guitarra de blues hasta el borde, y esta ventaja fue el punto de partida de Hendrix. Ambos guitarristas estaban activos como acompañantes y músicos de sesión, a principios de la década de 1960.  Con la balada "Cuttin 'In" que editó King Records en 1962 Johnny alcanzó otro éxito en el mercado discográfico. 

Con sus deseos de explorar nuevos géneros y estilos, fue contratado por Chess Records durante el tiempo suficiente para editar un disco de Jazz en 1964. 

Con el vocalista Larry Williams , Watson sacudió Inglaterra en 1965. Su sociedad se trasladó a Estados Unidos donde compusieron varios singles y un LP para OKeh Records; entre sus logros como un dúo fue un éxito  "Mercy, Mercy, Mercy" en lanzado en 1967.

En 1972, mostrando una habilidad innata para incursionar por distintos géneros musicales , Watson firmó con  Fantasy Records con sede en California y realizó varios trabajos anclados en el soul urbano: su  nuevo estilo fue enfático:  los dientes de oro, sombreros de ala ancha, trajes llamativos, gafas de sol de moda y joyería ostentosa le hicieron una de las figuras más coloridas en la escena del funk y el soul de la Costa Oeste. 

El éxito llegó a gran escala en el camino de Johnny  cuando firmó con la etiqueta DJM Records de propiedad británica en 1976. Con el control creativo de su propietario, Dick James, Watson aceptó el reto con una serie de grabaciones en las que fusionó sus habilidades con la guitarra de blues con el estilo del funk emergente, que era rítmica y relajada. "Johnny siempre fue consciente de lo que estaba pasando a su alrededor", recordó Susan Maier Watson (quien más tarde se convirtió en la esposa del músico) en una entrevista (Collectables album The Very Best of Johnny "Guitar" Watson). "Estaba orgulloso de que podría cambiar con los tiempos y no quedar atrapado en el pasado". 

Sus dos primeros álbumes para DJM, Ain't That a Bitch (1976) y A Real Mother For Ya (1977)  fueron certificados como discos de oro por las ventas de más de 500.000 ejemplares cada una. 

La pista del título del último álbum fue un gran éxito y proporciona una excelente ilustración de estilo de Watson en las grabaciones. El manejo de la voz, guitarra y bajo, coronó su fusión de blues-funk con una interpretación tensa, sardónica de letras que describen un conjunto de circunstancias difíciles; otros dos aspectos del estilo que  Watson le imprimía a sus nuevas creaciones parecían señalar el camino para el movimiento rap incipiente: interludios hablados en largas  grabaciones la nueva versión de " Gangster of Love" y un grupo de canciones que tratan abiertamente con la pobreza. 

En una entrevista de 1994 con David Ritz (The Funk Anthology) , se le preguntó si su canción "Telephone Bill" es un anticipo de la música rap . "¿Anticipo?" Watson preguntó. "Yo muy bien que la inventé! ... Y yo no era el único. La canciones habladas en frases con rimas es algo que  escuche en los clubes de todo el mundo,  de Macon a Memphis.  Cuando canto, estoy hablando en melodía. Cuando toco, estoy hablando con mi guitarra. Yo podría estar hablando basura, bebé, pero estoy hablando ".

La música de Watson fue de hecho un muestreo en los años 1990 ejecutadas por talentos como Ice Cube y Snoop Doggy Dogg. Sin embargo, las actividades de Watson se redujeron en la década de 1980, a pesar de una serie de apariciones en Europa donde fue  conocido como el "Padrino del Funk". 

La década de 1990 trajo un resurgimiento creativo de Watson con el lanzamiento del álbum Bow Wow en 1994, que fue nominada a un Grammy en 1995. En marzo de 1996 fue honrado con el Premio Pionero de la Fundación Rhythm & Blues, y su carrera artística parecía totalmente revitalizada. Sin embargo, sufrió un ataque al corazón mientras actuaba en un club de blues, cerca de Tokio. Murió en Yokohama, Japón, el 17 de mayo de 1996.

Sus restos fueron llevados a EEUU para el entierro en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery en Glendale, California.

0208. ROBIN TROWER - SHINING THROUGH

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Robin Trower Leonard (nacido el 09 de marzo 1945) es un guitarrista de rock Inglés y vocalista que alcanzó el éxito con Procol Harum durante la década de 1960, y luego de nuevo como el líder de la banda de su propio trío.

Trower nació en Catford , Londres pero creció en Southend-on-Sea , Essex.

Aunque las raíces de Robin Trower lo colocan profundamente en el corazón de soul y el R&B (con The Paramounts) y  Procol Harum), el guitarrista  fue un apasionado  por el blues y su último gran héroe, Jimi Hendrix.  Ha sido referencia para varias generaciones de guitarristas en el mundo del rock y del blues, destacando su uso de la distorsión, y su estilo hendrixiano de interpretación (se lo llamó y aún se lo conoce como el "Hendrix" blanco). Pese al reconocimiento de colegas y de la prensa especializada, no ha alcanzado grandes niveles de popularidad.

Pasó los años 60 tocando la guitarra en varios grupos con sede en Londres; el más exitoso es el grupo de R & B de The Paramounts , que lograron emitir varios singles entre 1963 y 1965 pero fue sino hasta 1967 que Trower recibió su gran oportunidad, cuando se unió a Procol Harum. The Paramounts fueron creados el año 1959 en Essex por unos entusiastas y jóvenes músicos, constituyéndose originalmente por el cantante Bob Scott, el vocalista y pianista Gary Brooker (nacido el 29 de mayo de 1945), el guitarrista Robin Trower (nacido el 9 de marzo de 1945), el bajista Chris Copping (nacido el 29 de agosto de 1945) y el batería Mick Brownlee.

Amantes de los sonidos americanos, en especial del blues y el rock’n’roll, la banda comenzó a actuar con profusión en directo reinventando las piezas de sus maestros con sus pujantes actuaciones en vivo. Representandos por Peter Martin, The Paramounts lograron firmar con Parlophone y editar su primer single en 1963, una versión del clásico de los Coasters “Poison Ivy”, tema que fue producido por Ron Richards, el productor de los Hollies.

No fue sino hasta 1967 que Trower recibió su gran oportunidad, cuando se unió a Procol Harum . El grupo había anotado un éxito mundial con "A Whiter Shade of Pale", pero el único problema era que el líder de la banda, el cantante / pianista Gary Brooker , no tenía una banda adecuada para respaldarlo. Brooker antes era  compañero de banda de Trower  en The Paramounts , y ofreció ser el guitarrista en su nuevo proyecto a su viejo amigo. Como resultado, Trower participó de los álbumes  Procol Harum  (1967), Shine on Brightly , (1969) A Salty Dog (1970) Home (1971) y Broken Barricades (1971).

Antes de lanzar su propia banda, se unió a la cantante Frankie Miller ,al bajista James Dewar , y al baterista ex Jethro Tull Clive Bunker para formar un grupo al que llamaron Jude. Esta formación no duró mucho tiempo y no registraron para ninguna discográfica. 

En 1973, Robin Trower convenció al bajista James Dewar, al baterista Reg Isidoro (luego sustituido por  Bill Lordan) para formar la Robin Trower Band. Editan en ese mismo año su primer álbum " Twice Removed From Yesterday" que recibió cierta buena crítica aunque el sonido de la guitarra de Trower sonaba muy similar a Jimi Hendrix. Robin no se hizo cargo de esa crítica y mantuvo su estilo que lo caracteriza hasta hoy. Quizás el más famoso álbum de Trower es "Bridge of Sighs" (1974). Este álbum, fue producido por su ex compañero de la banda Procol Harum, el tecladista Mateo Fisher. A pesar de las diferencias. En una  entrevista para la revista Guitar World , Robin Trower explicó cómo el álbum obtuvo su título. Robin dijo que había tenido la primera línea de la canción desde hacía años y un día vio en unas páginas deportivas  un caballo de carreras llamado Bridge of Sighs, lo que les dio la idea para el título del álbum. Aunque nunca descartó la influencia de Hendrix, este trabajo le da a Trower no sólo un renombre en EEUU, sino el estilo que lo caracterizaría en años posteriores. 

Con los aficionados al rock todavía aturdidos por la muerte de Hendrix unos años antes, el álbum sonaba extrañamente similar a los trabajos finales de The Jimi Hendrix Experience siendo su resultado estar entre los Top Ten de los EEUU.

Con esta banda, Trower realizó otros álbumes: For Earth Below (1975) (en este álbum Reg Isidoro había sido reemplazado por Bill Lordan),  Robin Trower Live! (1976) y  Long Misty Days,  In City Dreams (1977) y Victims of the Fury (1980). En general, estos álbumes van mostrando un trabajo de fusión entre el blues y el rock (propio de las bandas inglesas de estos años) con ciertas canciones que rozan el rock ballads.

A principios de la década de 1980, Trower se asoció con el ex bajista de Cream, Jack Bruce y sus bateristas anteriores Lordan e Isidoro, con el cual editaron  dos álbumes, BLT (Bruce, Lordan, Trower) y Truce (Trower, Bruce, Isidoro) (1982). Después de esos álbumes lanzó otro álbum con James Dewar en las voces titulado Back It Up en 1983. Luego de estos trabajos Trower abandonó Chrysalis Records y siguió su carrera como solista.

El resto de los 80 como solista, no fueron demasiado exitosos para Trower. Su trabajo de 1986, "Passion" (en guitarra Trower, con el vocalista Davey Pattison, el guitarrista / vocalista, Dave Bronce, y el baterista Pete Thompson) es un trabajo interesante pero lejos de aquellos álbumes de los '70. 

En 1991 Trower fue parte de una gira en Europa organizada por Sting y The Police. 

A finales de los '80 realizó algunos trabajos con Atlantic Records (TAKE WHAT YOU NEED (1988) y IN THE LINE OF FIRE (1990).

Durante la década del '90 retornó a su pasión por el blues. Grabó "20th Century Blues" (1995) con una mayoría de creaciones propias y un cover de "Reconsider Baby" de Lowell Fulson  y "Someday Blues" (1997) donde suenan con su estilo "Sweet Little Angel" de B B King, "Crossroads" de Robert Johnson y "Feel So Bad" de Chuck Willis. "Shining Trough" es parte de este trabajo.

El álbum de Trower, Living Out ​​of Time (2003), cuenta con el regreso de los compañeros veteranos, Dave Bronze en el bajo, el vocalista Davey Pattison (anteriormente con Ronnie Montrose) y Pete Thompson en la batería.

Con estos mismos integrantes Trower realizó un concierto en su cumpleaños número 60 en Bonn , Alemania. El concierto fue grabado por el canal de televisión alemana WDR . Y fue editado y publicado en DVD y posteriormente en CD en toda Europa y más tarde los EE.UU. bajo el título Living Out ​​of Time: Live.

En 2004 publica "Another Days Blues" otro trabajo signado por su pasión blusera con un grupo de artistas en los que se destacan Dave Bronze (Bass), Nicky Brown, (Organ), Hazel Fernandez (Vocals), Reg Isadore (Drums), Paul Page ( Bass, Keyboards), Davey Pattison (Vocals) Robin Trower (Composer, Cover Design, Guitar, Primary Artist, Vocals).

En 2013 edita “Roots And Branches”, donde mezcla algunos temas clásicos con varios originales, recayendo la responsabilidad en el tratamiento que le ha dado a las versiones, sin copiarse de otro artista ni repitiendo las líneas clásicas. Trower logra encajar las canciones propias, sin ninguna desventaja en cuanto a calidad, aplicando todo ese sonido que lo hecho merecedor de reconocimiento a nivel mundial: el sonido Trower.

"¿Alguna vez se enferma de ser comparado con Jimi Hendrix? 

En realidad no. En muchos sentidos, es un cumplido. Hice un montón de trabajos inspirado en la producción de Jimi. Es un honor ser comparado con uno de los más grandes guitarristas de la historia del Rock" (Guitar World) (30/01/2015)

0207. LITTLE BLUE - COLD RAIN

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El tema es parte de una colección de blues que consta de 6 volúmenes. El volumen 5 contiene los siguientes temas:

Vol-5

1. TONY JOE WHITE - GOOD IN BLUES (5:09)

2. ROBIN TROWER - I WANT YOU TO LOVE ME (4:36)

3. PETER GREEN - BANDIT (2:50)

4. CAREY BELL - HARD WORKING WOMAN (4:32)

5. JUNIOR WELLS - USE ME (5:12)

6. GIL PARRIS - A RAINY NIGHT IN GEORGIA (5:54)

7. BILL SIMS - WHED DO I GET TO BE CALLED A MAN (3:20)

8. JONNY LANG - NICE & WARM (7:38)

9. ERIC CLAPTON - WONDERFUL TONIGHT (3:37)

10. B.B.KING - BLUES BOYS TUN (3:25)

11. JOHN MAYALL - ROT AT HOME (4:03)

12. THE ROBERT CRAY BAND - BACK HOME (5:56)

13. LITTLE BLUE - COLD RAIN (4:09)

14. JOHNNY WINTER - LIFE IS HARD (6:16)

15. ALVIN LEE - REAL LIFE BLUES (4:30)

16. LUTHER ALLISON - NIGHT LIFE (3:16)

"Cold Rain" es parte de un trabajo de este artista de blues llamado "Angels, Pirates y Horses". El disco cuenta con la participación de numerosos músicos. Entre ellos 

Artist	Credit
Peter Adams	Organ, Piano, Vocals, Wurlitzer
Roscoe Beck	Bass
Marina Belica	Vocals
Nancy Bender	Vocals
Julian Coryell	Guitar
Joel Deroin	Violin
Steve Farber	Accordion
Robben Ford	Guitar
Jeff Golub	Guitar
David Grissom	Guitar
Don "Sugarcane" Harris	Trumpet
Warren Haynes	Guitar
Steve Holly	Drums, Percussion
Michael Jude	Bass, Vocals
Little Blue	Primary Artist
Bob Malach	Saxophone

0206. FENTON ROBINSON - CRYING THE BLUES

(Click en la imagen para escuchar)

A veces, un gran talento del blues desliza sus mejores producciones cuando éste género esta atravesando un tiempo lento y tiene sus mejores trabajos popularizados por otros artista.  Fenton Robinson fue llamado un "melow guitar genius" por los fans japoneses, y su sosegado y tranquilo estilo de guitarra-Jazz con voz de barítono lo ha transformado en parte esencial en la historia del bues.

Innovador guitarrista y vocalista Fenton Robinson es conocido por clásicos del blues como "Somebody Loan Me A Dime," "Tennessee Woman" y  "I Hear Some Blues Downstairs".

Se inspiró para tocar la guitarra en las grabaciones de T-Bone Walker. Combinó el oscilante estilo de Walker en el blues con cierto toque de guitar jazz  y las influencias del soul contemporáneo.

Fenton Robinson nació en Greenwood, Mississippi, el 23 de septiembre de 1935, en el corazón del Delta, donde se originaron los Blues. Al crecer con esta música a su alrededor, Fenton aprendió a tocar la guitarra y, cuando tenía 16 años, partió a Memphis en busca de fortuna.

Para entonces, B.B. King era una gran estrella nacional, pero otros 'Beale Streeters', como Johnny Ace, Bobby 'Blue' Bland, Júnior Parker y Rosco Gordon aún estaban tocando en la ciudad. B.B. fue una gran influencia en el estilo de Fenton y ambos hombres rendían homenaje a T-Bone Walker como una guía para sus trabajos. 

El pianista Rosco Gordon utiliza a Fenton como un acompañante  en una sesión de 1956, y luego Bobby 'Blue' Bland lo recomienda a la Bros. Bihari cuya etiqueta Meteor Records edita el disco single debut de Robinson "Tennessee Woman," al año siguiente. 

Fenton formó su propia banda The Dukes con el bajista Larry Davis. El éxito de "Tennessee Woman" le valió un contrato con el sello especializado en R&B, Duke Records. Para Duke, Fenton grabó una serie de singles que incluían la versión seminal de "As The Years Go Passing By" con James Booker en el piano (más tarde convertida en éxito por Albert King), "You've Got To Pass This Way Again" y "Mississippi Steamboat."  

En 1958 grabó "Texas Flood", un clásico del bajista Davis (más adelante convertida en éxito por Stevie Ray Vaughan).

En 1962, Fenton se trasladó a Chicago, donde se estableció rápidamente en la escena del los clubes de blues del Southside, toncando con Rice 'Sonny Boy II' Miller, Otis Rush, y Junior Wells, y grabando junto al  bluesman Hop Wilson y el  bajista Willie Kent.

Grabó para singles para la etiqueta Giant & Palos Records (donde por primera vez registró el famoso  "Loan Me A Dime" en 1967). Noche tras noche, Fenton se presentaba en club tras club, llegando a conseguir un concierto regular en el legendario  Peppers Lounge. La reputación del hombre no sólo descansa en una gran canción, sin embargo. Sus grabaciones clásicas han inspirado innumerables versiones. Albert King, Elvin Bishop, Eric Burdon, Maggie Bell y Charlie Musselwhite han registrado los primeros éxitos de Fenton.

Pero incluso un mayor reconocimiento llegó en 1969, cuando Boz Scaggs, junto con Duane Allman, grabaron la versión del blues"Loan Me A Dime", e introdujo Fenton a una nueva legión de fans del rock. Si bien este hecho trajo aparejado una serie de pleitos entre ambos artistas, comenzó para Robinson una nueva etapa.  Antes ser contratado por Alligator Records, Fenton escribió para Lowell Fulson y Larry Davis, e hizo trabajos  con Sonny Boy Williamson, Junior Wells, y muchas otras leyendas del blues.

En 1974 Fenton Robinson firmó con Alligator Records grabando el álbum  "Somebody Loan Me A Dime,"  con una nueva versión del clásico de Robinson, más otros cinco originales, mostrando lo más variado y prolífico de los compositores del blues de Chicago. El álbum fue aclamado por la revista Living Blues por su "poder absolutamente inolvidable." Robinson comenzó a recorrer todo el país, tanto por su cuenta y como miembro de la banda del armonicista Charlie Musselwhite. Grabó su segundo disco para Alligator en 1977, "I Hear Some Blues Downstairs,", con cuatro canciones originales y una nueva versión de "As The Years Go Passing By," uno de sus éxitos de radio del Southside.

Su enfoque introspectivo , su estilo jazz y melódico para ejecutar el blues no encontró el favor de las ventas de sus creaciones, a pesar de que fue bien recibido por multitudes de fans en festivales de blues y el público internacional. 

A fines de la década de 1970 fue detenido y encarcelado por homicidio involuntario en relación con un accidente de tránsito. Puesto en libertad condicional después de nueve meses, continuó tocando en clubes de la ciudad de los vientos.

Pero a fines de 1980, desalentado por una etapa en la que sus trabajos no obtenían el reconocimiento que esperaba, Fenton se trasladó a Springfield, Illinois. Allí participó de distintos programas escolares para promover la  educación del blues, y la enseñanza a los jóvenes de las raíces de esta música tradicional afroamericana como así también las técnicas instrumentales.

En 1984, Alligator editó otro trabajo de Robinson, "Nightflight" que no alcanzó un buen nivel en la crítica. 

En los últimos años de su vida, Fenton se casó y vivió en Rockford, Illinois. Siguió haciendo lo que más amaba: tocar blues e incluso efectuar una presentación en el 1995  en el Chicago Blues Festival ante más de 100.000 personas. Fue diagnosticado con cáncer en 1996. Murió en Rockford, Illinois,  el 25 de noviembre de 1997. El mundo del blues perdió a uno de sus artistas verdaderamente excepcionales.

0205. SONNY RHODES - BORN TO BE BLUE

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La última Leyenda viva del Blues de Texas.Sonny Rhodes es un original músico de blues, quizás de los más grandes. Realiza una mezcla de blues antiguo y blues contemporáneo.

Durante las cuatro décadas pasadas ha recibido elogios de sus contemporáneos, y tiene fans repartidos por todo el mundo. Sonny es un bluesman tejano genúino, un gran instrumentista, un cantante con una verdadera pasión por la música que realiza, uno de los muy pocos artistas en la historia de blues que tocan la guitarra lap-steel en el regazo, un instrumento que da a su música un sonido único.

Es un artista único, un excelente guitarrista y uno de los pocos bluesmen que domina todos los recursos del Lap-Steel Guitar, instrumento parecido a la guitarra sin mástil y que se toca sentado, apoyando el instrumento encima de las rodillas. Este instrumento es mas empleado habitualmente por artistas de música Country lo que le da su sonido un carácter muy particular. De nombre real Clarence Edward Smith, nació el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, Texas. Comenzó a tocar a la edad de 12 años, aunque consiguió su primera guitarra cuando tenía 8 años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a formarse en Smithville y Austin a finales de los 50, durante su adolescencia. Durante estos años Sonny escuchó mucho a T-Bone Walker y así lo muestra en su música. Otros guitarristas que influyeron en él son, LC Robinson, Pee Wee Crayton, Percy Mayfield y B.B. King.

La primera banda de Rhodes, Clarence Smith & The Daylighters, tocaba en la  zona de los clubes de blues de Austin, antes de que Rhodes se uniera a la Armada norteamericana después de la graduación de la escuela secundaria. 

Estaba asignado a California , donde trabajó durante un tiempo como un hombre de radio en un circuito cerrado como disk jockey de un buque de la Armada, contando chistes subidos de tono y algunas canciones de blues para el entretenimiento de los marineros.  En 1958 grabó un single para Domino Records en Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong", y también aprendió a tocar el bajo eléctrico acompañando a  Freddie King y su amigo Albert Collins.

En 1963, Sonny tomó la Route Sunset a California, y después de un par de años tocando alrededor de la costa oeste, se asentó en Oakland, donde se reunió LC 'Good Rockin' Robinson.  Sonny llevó su lap-steel y lo utilizó con buenos resultados cuando grabó algunos singles para el sello local Galaxy Records. En 1966 grabó un single "I Don't Love You No More" e hizo algunos trabajos más para Galaxy. Disgustado con las compañías discográficas y con la poca difusión que habían alcanzado sus trabajos hasta que recorrió Europa en 1976.  El nuevo sonido tuvo un relativo éxito, y Sonny grabó tres álbumes allí ; ‘Don’t Want My Blues Coloured Bright''; a continuación, un trabajo en vivo "In Europa"  y, en 1980, el excéntrico ‘Forever and a Day’ con la Orquesta Sinfónica de París.  

A pesar de la falta de grandes ventas, Sonny es un guitarrista excéntrico e imaginativo. Arrancando blistering Blues licks con su lap-steel o una guitarra estándar, su ronca voz y su composición emocional lo marcaron como un gran talento y su presencia en el escenario, con su turbante rojo y traje brillante, hace que sus presentaciones sean inolvidables.

Entre sus presentaciones europeas, Sonny grabó con su propio sello, Rhodes Way -Records, "Cigarette Blues" en 1978 y "Just Blues" en 1985.

A finales de los '80 comenzó a trabajar con Ichiban Records y produjo dos buenos álbumes con ellos: Disciple of the Blues (1991) and Living Too Close to the Edge (1992).

Mediando la década de los '90 Rhodes firmó con Kingsnake Records con la cual no sólo mejoró la distribución de sus discos sino que realizó dos trabajos para este sello: Out of Control (1995) y Born to Be Blue (1997).

Posteriormente trabajó con el sello canadiense Story Plain y en el 2009 produjo "I'm Back Again" para EPM Musique. Para ese entonces, su turbante característico había sido sustituido por un sombrero de fieltro. Es un compositor imaginativo cuyas canciones cuentan historias, "las canciones fluyen en mi y tengo que escribirlas y ponerles música dándoles forma". Ha sido nominado en nueve ocasiones para los premios Blues Handy W.C., y el congreso americano le ha honrado con el título de Leyenda del Blues…y la historia continúa ...