0233. HUBERT SUMLIN - MY GUITAR AND ME

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Es posible que muchos no reconozcan el nombre de Hubert Sumlin, pero seguramente sí han sido tocados por su espíritu. Si han paladeado la obra de Tom Waits, saben que le gusta evocar la voz de licántropo de Howlin’ Wolf; detrás suele haber algún moderno imitando también el sonido abrupto de su guitarrista, Hubert Sumlin.

Keith Richards ideó ‘About them shoes’, su triunfo fuera del circuito del ‘blues’

Su biografía parece la del blues de Chicago: Hubert Charles Sumlin nació en en Greenwood, Mississippi, el 16 de noviembre de 1931. 

Criado en Hughes, Arkansas, Hubert consiguió su primera guitarra a los 6 años. Estaba tan interesado en la música que siendo niño se coló en un club nocturno para ver a Howlin 'Wolf realizar su presentación. Sumlin relató en un reportaje aparecido en la revista Living Blues en 1989 que la primera vez que vió a Wolf tocar fue por un capricho: como era demasiado joven para entrar en el club se subió a unas cajas de Coca Cola para mirar por la ventana. Las cajas no soportaron su peso y al caer algunas golpearon a Wolf en la cabeza. Después del concierto, Wolf lo llevó a  su casa y le pidió a su madre que no lo castigara. "Lo seguí desde entonces", dijo Sumlin.

                       Hubert Sumlin & Howlin' Wolf

La mayor parte de su adolescencia la pasó tocando en clubes y bares locales entre Mississippi y Arkansas, llegando a hacer presentaciones con el armonicista James Cotton.

Cuando Wolf dejó Memphis para trasladarse a Chicago, su antiguo guitarrista, Willie Johnson optó por no seguir en la banda. Al llegar a Chicago Howlin' Wolf contrató a Jody Williams para que lo reemplazara. En 1954 le "ordenó" a Sumlin  que viajara a Chicago para que comenzara a trabajar con él. Lo de ordenar no es una forma de hablar: Howlin’ Wolf exigía una lealtad total a sus músicos: en los clubes del South Side, ellos debían vestir de etiqueta mientras el líder prefería llevar ropa cómoda. Hay testimonios que sugieren que el Lobo Aullador nunca le perdonó la temporada que le abandonó, para tocar con su máximo competidor, Muddy Waters, que a su modo dirigía una extraoficial Academia del Blues de Chicago.

"Una vez, después de un concierto, estábamos cargando el camión, y yo no estaba allí porque me quedé con una linda chica que se había  sentado en mi amplificador, sonriéndome toda la noche. Cuando regresé estaban terminando de cargar, y  Howlin' estaba de pie en la parte superior del escenario. Él comenzó a gritarme , llamándome de todas las formas imaginables porque tenía que cargar mi equipo. Me dio vergüenza, hombre, porque era justo en frente de toda la banda.

Así que pensé, 'no puede hacerme esto'. 'Él no me puede humillar'. Así que esperé hasta que él  se distrajera, y lo golpeé en la cara tan fuerte como pude. Él no se movió. Él sólo se volvió muy despacio y me golpeó con el dorso de la mano. Me caí y rodé por la rampa que habíamos puesto en el escenario para subir los equipos. Me levanté y caminé hacia él gritándole. Cuando llegué a la cima me hizo lo mismo, y me puso de vuelta abajo, escupiendo dientes." (Reportaje Guitar World Magazine).

Inicialmente Hubert desempeñó un papel secundario en el grupo al lado del guitarrista Jody Williams que conseguía ser centro de atención. Pero cuando alrededor de 1955  Jody dejó la banda , Hubert se convirtió en el guitarrista estrella. 

Intimidante por su envergadura y temible por su furia, Howlin’ Wolf moldeó a Hubert Sumlin. Había entre ellos una diferencia de 21 años y Howlin’ Wolf solía ir armado, nada de bromas. Dice la leyenda que le obligó a estudiar con un profesor de guitarra clásica y, esto es más importante, a tocar la eléctrica sin púa. Tiene sentido ya que sus impresionantes grabaciones para Chess Records revelan ecos directos de la guitarra acústica del delta blues. Enfrentado al impulso sobrehumano de Howlin’ Wolf, Sumlin respondía con líneas de sierra, frases explosivas, soluciones inesperadas ante el vértigo del hueco vacío.

En algunas grabaciones de Wolf de fines de los años '50 Sumlin participó como segundo guitarrista de la banda. 

Otis Spann, Hubert Sumlin & Muddy Waters 

"¿Es por eso que te fuiste a jugar con Muddy Waters?

No. Con Wolf nos arreglamos de nuevo. De hecho, a la mañana siguiente, mi esposa me despertó y dijo que Howlin' había estado sentado en su coche delante de mi casa toda la noche. Me fui a buscarlo y él se disculpó y me dio dinero para arreglar mi boca. Me fui a jugar con Muddy porque él me triplicó el sueldo. Eran rivales, y Muddy quería llevarme lejos de Wolf.".(Reportaje Guitar World Magazine).

Sam Jones, Andrew McMahon, Hubert Sumlin, and Howlin' Wolf.

Sumlin acompañaría al Lobo durante más de 20 años, una colaboración interrumpida sólo cuando se unió a la banda de Muddy Waters, quien pagó mejor. (La confrontación resultante entre Wolf y Waters, enfrentando a a los dos cual si fueran jefes de la mafia disputando un territorio, fue dramatizada vívidamente en una película sobre  las grabaciones y anécdotas de Leonard Chess,  el ejecutivo de Chess Records y varios músicos que grabaron para la discográfica se llamó  Cadillac Records.)

Entre las grabaciones cumbres de Sumlin con Wolf encontramos "Killing Floor", "Spoonful", "The Red Rooster"  y " Smokestack Lightnin”. 

Grabó los primeros singles con Howlin' Wolf en 1954, "Evil Is Goin' On" (U7658) &  "Baby How Long?" (U7657); "I'll Be Around "(U7740) & Forty Four [aka I'm Mad] (U7741) (15744); en 1955  Who Will Be Next (U7795) & I Have A Little Girl (U7796): Come To Me Baby (U7798) & Don't Mess With My Baby (U7799); en 1956 Smoke Stack Lightning (U7985) &  You Can't Be Beat (U7986); en 1957 Poor Boy (8616) & Sittin' On Top Of The World (8618) y algunos más en 1958, alternándose con Willie Johnson, todas para el sello Chess Records.

El primer álbum completo en el que podemos escuchar la guitarra de Hubert data de 1958, " Moanin' in the Moonlight", una compilación de singles entre las que se encuentran varias canciones grabadas anteriormente. "Wolf tenía una voz ronca, áspera, y rugosa y Hubert un estilo de guitarra impredecible, abrupta e irregular", afirma el biógrafo de Wolf, Marcos Hoffman ; "los dos combinados hacían del blues una combustión como la gasolina y un fósforo encendido." 

Contenida dentro de los dos minutos y medio de un solo lado de 45rpm, estas pequeñas explosiones resonaron en todo el mundo. Pero, como Sumlin de rápida que decir, que nunca ha sido realmente copiado.

Durante los siguientes 20 años Hubert Sumlin siguió siendo el principal guitarrista de la banda de Howlin Wolf. Grabaron juntos canciones memorables: You Gonna Wreck My Life, Back Door Man, Wang Dang Doodle, Little Baby , Shake For Me, Going Down Slow, I Ain't Superstitious, Don't Laugh At Me y varios álbumes entre los que se citan "Howlin' Wolf Sings the Blues", "Tell Me", "The Real Folk Blues", "Howlin Wolf The London Sessions", "Live And Cookin' At Alice's Revisited" y "The Back Door Wolf". 

La década de 1960 fue una época difícil para  Chess Records. La legendaria etiqueta de blues de Chicago  estaba luchando para mantener su relevancia de cara a las nuevas corrientes musicales de la década.  Esto llevó a una serie de varios experimentos musicales, para recuperar el espacio perdido ante el avances de discográficas europeas que editaban y publicaban las creaciones del rock and roll.  

Aunque los experimentos de la etiqueta variaron desde el blues eléctrico, el rock, el funk  encontrando diferentes niveles de éxito en la crítica y público, algunos de ellos provocaron una polémica más profunda como la reunión en The Super Super Blues Band. La primera reunión contó con el trío de Bo Diddley, Muddy Waters, y Little Walter Jacobs mientras que el segundo álbum Howlin Wolf reemplazo a Little Walter . En ese reemplazo venía con Wolf, Hubert Sumlin. Así nació este disco de Chess Records en septiembre de 1967, "The Super Super Blues Band" donde Sumlin se dió el gusto de tocar con los dos eternos rivales del Chicago Blues. La banda se completaba, además de Sumlin en guitarra, con Otis Spann en el piano, Buddy Guy en el bajo y Clifton James en batería. 

                                   Howlin' Wolf y Muddy Waters

Wolf murió en 1976, y Sumlin, a quien el Lobo considerada casi como un hijo - de hecho, en el programa del funeral fue nombrado como tal - se llevó la derrota muy dura. Él se retiró de la música por un tiempo, pero volvió para dar forma a una carrera en solitario. En un primer momento decidió alejarse de Chicago a Texas, donde dejó una impresión positiva en los hermanos Vaughan, Jimmie y Stevie Ray. Intentó mantener la banda bajo el nombre de The Wolf Pack (la Manada de Lobos) hasta cerca de 1980 pero luego, retomó una carrera en solitario que había iniciado muy tímidamente. Si bien había grabado durante 1975 Guitar and Me para el sello Evidence donde mostraba su versatilidad en el uso de la guitarra, su trabajo como solista se inició mediando la década de los '80. "Hubert Sumlins Blues Party" fue grabado en 1986 en Newbury Sound (Boston) once años después de la muerte de Wolf. 

En 1989 graba para la discográfica Blind Pig, "Heart & Soul" junto al armonicista James Cotton. Su carrera discográfica siguió con varios álbumes para distintos sellos (JSP, Blues Planet Records, Evidence). En 1998, publica "Wake Up Call", que cuenta con 10 composiciones originales recuperando aquel guitarrista sensible, generoso, impredecible y original que influenció a tantos artistas del blues. Acompañan a Sumlin (guitarra)  Jimmy Vivino (guitarra rítmica), Mike Merritt (bajo acústico), Jerry Vivino (saxofón), y Scott Healy (teclados).

Stevie Ray Vaughan and Hubert Sumlin at Antone's Blues Club, 1978

Su reputación como guitarrista explica que compañías francesas, alemanas ¡o argentinas! le produjeran discos inciertos: Sumlin carecía de grandes poderes como cantante y tendía a dejar a otros el papel protagonista.

Finalmente, sus admiradores blancos decidieron contribuir y empujarle a hacer el disco que merecía. Fue Keith Richards quién inició en 2000 la elaboración de "About Them Shoes", su última obra y la primera en difundirse fuera del circuito del blues. Parecía una carrera contra reloj: a Hubert se le detectó un cáncer, hubo que extirparle un pulmón y los esfuerzos se desplazaron hacia organizar conciertos para pagar las facturas hospitalarias.

Tardó cinco años en materializarse. Y funcionó: la entusiasta presencia de Richards, Eric Clapton, Levon Helm o David Johansen garantizó que tuviera eco en los medios generalistas, permitiendo que Sumlin pudiera ganarse la vida girando por pequeños locales. Conviene señalar que el repertorio se centraba en temas de (o identificados con) Muddy Waters; no se atrevieron a adentrarse en ese territorio inexpugnable que son las bárbaras canciones de Howlin' Wolf. Siete canciones escritas por Waters (McKinley Morganfield), cuatro por Willie Dixon, uno de Carl C. Wright, y una por Hubert Sumlin.

             Rob Fraboni, Hubert Sumlin, Keith Richards

Sumlin fue nominado para un Grammy en cuatro ocasiones, la última en 2010, y se colocó 43º en una encuesta de la revista Rolling Stone entre los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.Tenía una esposa Willie "Bea" Reed, con quien se casó en 1982 y falleció en 1989. Fue incluido en el  Blues Foundation Hall of Fame en 2008.

Hubert Sumlin (Live at BB King Blues Club)

Sumlin murió el 4 de diciembre de 2011, en ​​un hospital de Wayne, Nueva Jersey, de insuficiencia cardiaca a la edad de 80 años. Mick Jagger y Keith Richards pagaron los gastos funerarios de Sumlin.

0232. EDDY "THE CHIEF" CLEARWATER - BOOGIE MY BLUES AWAY

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Eddy "The Chief" Clearwater es el nombre artístico de Edward Harrington, nacido el 10 de Enero de 1935, en Macon, Mississippi.

Eddy Clearwater es uno de los más famosos músicos de Mississippi de todos los tiempos. Este cantante de blues de renombre ha viajado por el mundo realizando presentaciones de sus grandes éxitos. Con su  formación gospel  y gran habilidad para tocar la guitarra es uno de los grandes del blues del siglo XX. 

Descartada su etiqueta como imitador de Chuck Berry, este bluesman alto, desgarbado y zurdo para ejecutar la guitarra ha sido reconocido como uno de los pioneros principales del estilo blues de West Side Chicago 

Lleva consigo una amplia gama de influencias. Gospel, Country de los años '50, el primer rock and roll y el blues del sur profundo están incorporados a su guitarra.  Pero cuando se predispone y se concentra "The Chief" (apodo devenido de su afición por ponerse tocados nativos americanos en el escenario) es uno de los mejores músicos de blues de la Ciudad de los Vientos.

Eddy creció escuchando el blues del Delta y música hillbilly. Su estilo, como los de Lazy Lester, Ray Sharpe, Guitar Júnior, Al Downing y Gatemouth Brown - todos los cuales se inspiraron de manera similar - no puede ser clasificado.  Chicago blues al estilo West Side, rumbas mexicanas, rockabilly con una punta hasta del propio Chuck Berry ... todos tienen su lugar en lo que se refiere a Clearwater.

Cuando Clearwater tenía trece años, su familia se trasladó a Birmingham, Alabama. Recibió su primera guitarra acústica de su tío, el reverendo Houston Harrington, un profesor de ciencias de Chicago High School que incursionó en algunos estudios grabando  gospel . Allí empezó a tocar con varios grupos de gospel siendo su guitarrista, incluyendo los legendarios Five Blind Boys of Alabama. 

Clearwater partió hacia Chi Town en septiembre de 1950 donde trabajó de lavaplatos. En el West Side consiguió su primera guitarra eléctrica y continuó tocando gospel en el Robert´s Temple ubicado en el South Side.

Encontrarse con sonidos ásperos y salvajes de Magic Sam (su alma gemela), Howlin' Wolf y Elmore James lo llevaron a inventarse un nombre artístico, Guitar Eddy, y formar su propio grupo para tocar en el legendario Cadillac Baby´s Club sustituyendo al armonicista Little Mack Simmons.

Escuchar en una emisión de radio el tema de Chuck Berry "Oh Baby Doll" le cambió su percepción del blues tradicional del Delta agregando a su estilo el rock and roll mutando en una forma que lo caracterizó el resto de su carrera. Esta combinación de rock al estilo de Berry y la influencia de Magic Sam Magia y el blues del West Side, tentaron a Clearwater a seguir creando un estilo para zurdos con una fantástica puesta en escena y un repertorio versátil, para establecer rápidamente una reputación inolvidable. 

Por sugerencia del baterista Jump Jackson cambió su apodo al de Clear Water (agua clara / limpia) como oposición al gran bluesman Muddy Waters (barroso / lodo).

Grabó su primer single en 1958: "Hill Billy Blues" & "Boogie Woogie Baby" para el sello Atomic H (propiedad de tío) bajo el nombre de Clear Waters. Hasta que lograra ciertos éxitos en sus creaciones, durante el día trabajaba de taxista y por la noche hacía presentaciones en clubes y bares de Chicago. En 1959 grabó otro single para el mismo sello: "I Do not Know Why (I Do not Know Baby)" & "A Minor Cha-Cha" que se convirtió en éxito regional. 

Durante principios de los '60 conoció al baterista de polka Eddie Blazonczyk (Eddie Bell). El siguiente disco de Eddy fue con el sello La Salle Records: "Cool Water" & "Baby Please."

Al tiempo grabó para Federal Records, Atomic H, Versa Records y su propio sello Cleartone. A partir de estos singles cambió su nombre artístico al de Eddy Clearwater

.Durante los '70 continúa trabajando en clubes y presentaciones regionales hasta que realiza dos giras por Europa (la primera con Buddy Guy y Junior Wells). Tuvo una aparición en la televisión de la BBC de Londres y grabó algunas canciones para la compañía francesa MCM. 

      (Buddy Guy & Eddy Clearwater)                             

Jim O'Neal, quien con su esposa Amy y Bruce Iglauer (ahora mandamás en Alligator) había fundado Living Blues Magazine  en 1970 había realizado una biografía completa de Eddy en la revista durante 1972. O'Neal, como Eddy,  eran sobrevivientes de la era de la música disco y habían logrado mantener su publicación con sede en Chicago a flote. A finales de la década, Jim O'Neal tuvo la confianza suficiente para comenzar el lanzamiento de sencillos con su propia discográfica: Rooster/Rooster Blues.

"Siempre he admirado a Eddy y pensé que había estado demasiado tiempo descuidado tanto como  escritor y como músico, sobre todo por su no tener un comunicado de cosecha propia en todo el tiempo que había estado ahí. Y también quería corregir la suposición común de que él no era  un imitador de Chuck Berry imitador y sino un gran bluesman en su propio derecho ", dijo Jim en una reciente entrevista telefónica desde su nuevo hogar en Kansas City.

Por lo tanto, para presentar Eddy de la manera adecuada, Jim consiguió el  personal de apoyo para la grabación del disco que tenía en mente, incluyendo a Mac Johnson (Thompson) en el bajo, Lurrie Bell en la guitarra, Carey Bell en la armónica, Lafayette Leakeen el piano, y Casey Jones en la batería. Por decir lo menos, era un verdadero elenco de estrellas para hacer de este un álbum digno del Chicago Blues.

Así, en 1980, se produce el lanzamiento del álbum debut de Eddy "The Chief" Clearwater llamado "The Chief". Fue inmediatamente aclamado por la crítica como una obra maestra de blues de Chicago. Bill Dahl, en el actual AMG All Music Guide Blues escribe que "este es uno de los mejores Lps del blues de Chicago  de la década de 1980. Como de costumbre, Eddy trajo mucha visión para los musicales, sacando de su enorme bolsa de trucos su estilo, y esto, en su primer estreno nacional no fue una excepción".

Después de publicar este álbum, Eddy se convirtió en "The Chief" . Según Eddy, Jim O'Neal le hizo posar para la portada con este tocado y vestido nativo americano.

"Todo comenzó en el Trieste's Lounge, en West Nile, Illinois, cerca de donde vivía Muddy Waters. Una señora que trabajaba allí de camarera nos invitó a una fiesta en su casa una noche después de cerrar el salón. En su estudio, tenía un tocado de indio en la pared. Yo lo admiraba, y me ofrecí a comprársela para llevarla al escenario.

Ella dijo que no me la podía vender  porque pertenecía a su difunto marido. Yo me calme, pero seguí expresando mi interés en él al día siguiente en el salón. Ella podía ver que estaba ansioso por conseguirlo, así que finalmente me lo dio como un amuleto de buena suerte, aclarando que nunca me separara de ella. Le di mi palabra.

Esto fue en el año 1975. Todavía lo tengo, pero lo he guardado en mi sótano. Voy a ponerlo en exhibición en mi club ya que he comprado varios más que uso en el escenario, por lo que el tocado se ha convertido en mi marca". expresó Eddy en un reportaje ofrecido a la revista Vintage Guitar. (http://www.vintageguitar.com/2883/eddy-the-chief-clearwater/)

Este LP marcó sólo el comienzo de lo que iba a llegar a ser una carrera discográfica más activa, más exitosa y productiva. "Más vale tarde que nunca", dijo Eddy, reflexionando sobre su "descubrimiento".

Su siguiente álbum fue grabado en Inglaterra para Red Lightnin '[sic] Record que cuenta con una serie de grabaciones no publicadas hechas para Delmark con el cual ganó un premio WC Handy por la categoría "Mejor Álbum de Blues de Importación".

En 1986 para Rooster Blues produjo "Film Doozie" con la participación de Otis Rush en guitarra y Sugar Blue en la armónica. 

En 1989 graba "Blues Hang Out" para Evidence Records.

Le siguió un álbum en vivo "A Real Good Time... Live! (1990) que logra capturar la emoción y la espontaneidad de Clearwater en una presentación pública. Es una típica actuación de Eddy grabada en un concierto en un local nocturno en Indiana. 

1992  resultó ser un año trascendental en la carrera de Eddy Clearwater. No sólo eran las evidencias que mostraban algunos de sus éxitos o sus presentaciones sino que el  principal sello de blues con sede en San Francisco, Blind Pig Records lo convocó a trabajar con ellos. Fundada en 1977, esta empresa puede presumir de una gran lista de prominentes músicos de blues  entre ellos John Mooney, Popa Chubby, Otis Clay, Chris Caín, Mitch Woods, Snooky Pryor, Jimmy Thackery, Chubby Carrier, Otis Rush, James Cotton y Pinetop Perkins. De hecho, su catálogo de artistas de primera clase parece no tener fin. Con su incorporación a este panteón el blues, Eddy Clearwater finalmente había llegado a tener la fama que merecía. "Help Yourself" (BP-4792), fue un salto importante hacia adelante. Anteriormente conocido como un artista de covers (y para ser honesto hay algunos oldies aquí, incluyendo el título de Jimmy Reed, "Poison Ivy" y de Willie Mabon y Otis Rush "All Your Love"), el resto de las canciones son sus propias composiciones, todos nuevos números de su creación. Digamos que este álbum representa una brisa fresca en el mercado del blues. 

También es de 1992 el álbum que lanza la etiqueta francesa New Rose Records, "Live at the Kingston Mines, Chicago, 1978" .

En 1995, una gran sesión con Ralph Bass de 1977 fue lanzada como "Boogie My Blues Away" con Delmark Records. 

El primer álbum de Clearwater para Bullseye Blues Records es "Mean Case of Blues", fue publicado en 1997. Una mezcla de melodías recorren estos diez temas que componen el álbum, propias del West Side Chicago llevando como insignia la versatilidad demostrada por Eddy acompañado por Billy Branch en la ármonica. 

"Don't Take My Blues" una canción fenomenal del álbum ganó una nominación en 1998 para el WC Handy Award para la categoría "Mejor Canción de Blues del año". 

Los dos proyectos de  Eddy para Bullseye Blues que siguieron fueron supervisados ​​por nada menos que el guitarrista  Duke Robillard.

A pesar de que Eddy durante este período  (1998) tuvo algunos problemas de salud graves que hicieron necesario someterlo a una cirugía de triple bypass, se las arregló para producir algunas de sus mejores creaciones . De hecho, "Cool Blues Walk" (BB 9614) dio lugar a a una nominación para el  WC Handy Award en 1999. Eddy,  acompañado magistralmente por Robillard y el armonicista de Muddy Waters, Jerry Portnoy, compone  ocho nuevas canciones de las once seleccionadas en este álbum.

Al igual que su predecesor, "Reservation Blues" (BB 9636) fue grabado en Lakewest Studio en West Greenwich, Rhode Island, y se lleva nada menos que un total de cuatro nominaciones del WC Handy Awards (  "Artista de Blues Contemporáneo  del Año" (que ganó), " Album de Blues del Año "," Album Contemporáneo de Blues del Año " y " Canción de Blues del Año ", con " Winds of Change" escrita por Karen Leipziger, publicista de Eddy. 

Con la buena crítica y el éxito de Reservation Blues, Eddy  el 21 de abril de 2001 cumplió un largo y postergado sueño  e inauguró su propio club de blues y un restaurante con el nombre del mismo nombre que el álbum en Chicago, en 1566 North Milwaukee Ave.
Este restaurante de lujo está decorado con una escenografía relativa al  nativo americano y ofrece cocina mexicana y el sudoeste. 
Bandas locales realizan cinco presentaciones  a la semana, pero grandes del blues como Lonnie Brooks y Robert Junior Lockwood han aparecido de vez en cuando.

En 2003 publica "Rock N' Roll City" con Bullseye Blues Records / New Rounder Records acompañado por la banda Los Straight Jackets.

En 2008 es convocado por Alligator Records y graba "West Side Strut", un álbum con mayoría de canciones de creación propia donde mantiene su estilo fusión del rockabilly, el blues y el gospel, acompañado por Loonie Brooks (guitarra), y Billy Branch (armónica). Se destacan los covers de las canciones de Muddy Waters, "Walking Through the Park" y de Lowell Fulson's "Trouble, Trouble" como así la autobiográfica " "They Call Me the Chief."

Hubert Sumlin, Eddy Clearwater and Pinetop Perkins

Realiza una gira por Argentina, en noviembre de 2013 para la segunda edición del Buenos Aires Blues Festival.

"Estuve tocando en algunos puntos afuera de esta ciudad y pude darme cuenta cómo se ama al blues por aquí. Si bien muchos otros compañeros de ruta me lo dijeron, tocar para ustedes ha sido muy sorprendente. Sinceramente sienten nuestra música como la sienten en mi país, y eso no puede ser más gratificante. La energía que se siente es increíble y cuando se tiene esa recepción es muy bueno para los que estamos arriba del escenario. Al no haber estado jamás entre ustedes, creo que lo mejor será repasar algunas canciones por las que se me conoce. Estaré haciendo clásicos regionales y algunas nuevas canciones que grabé para Alligator Records, así que será un mix el que estaré tocando", dijo Clearwater días antes de su llegada al escenario de La Trastienda. 

http://tiempo.infonews.com/nota/40057

0231. NICK CHARLES - COLD COLD FEELING

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Citado internacionalmente como "un virtuoso guitarrista acústico del blues australiano"  y con más de 25 años de gira por el mundo tocando en festivales y conciertos y con una docena de álbumes aclamados por la crítica, la música de Nick Charles 'es una visita obligada para los amantes del blues y el roots blues ejecutado con la guitarra acústica. 

Nacido en Melbourne las influencias musicales que conforman el estilo de Nick Charles son los grandes creadores del blues acústico y la guitarra ragtime de los años '20 y '30 del siglo XX. Los brillantes picking de Merle Travis y Doc Watson quedaron arraigados en su estilo musical, que además tiene influencias del jazz y el electric blues.

Nick Charles tiene una sala de música. Es un oasis, un reflejo del hombre mismo - limpio, ordenado, organizado. Todos sus instrumentos, su vasta colección de álbumes que contiene la música popular más importante del siglo pasado, carteles, libros y parafernalia recolectada en más de una vida de aprendizaje  y la enseñanza .

Escuchar un concierto de Nick Charles, es escuchar un siglo de música,  destilado a través de Nick. Robert Johnson, Big Bill Broonzy, Django Reinhardt, Les Paul, Merle Travis, Chet Atkins, The Beatles, The Rolling Stones ... la lista continúa. Todos los grandes, los pioneros, están todos allí. Escucha con cuidado, y te darás cuenta de los elementos de todos estos artistas cuando Nick toca.

Durante una extensa y aclamada carrera, este australiano expresa en sus álbumes esa característica propia del roots blues. Ha ganado el reconocimiento mundial por una serie de lanzamientos en Black Music .

http://www.charlesguitar.com/

0230. LITTLE GEORGE HARMONICA SMITH - BLUES IN THE DARK

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Una de las primeras cosas que vienen a la mente cuando la gente piensa en el blues es el sonido de una armónica amplificada. Hay cuatro padres pioneros del blues tradicional que fueron precursores en el uso de la armónica:  los dos "Sonny Boys" y los dos "Walters".

John Lee "Sonny Boy" Williamson I fue realmente el creador de lo que hoy se conoce como el estilo de armónica del Chicago blues  y fue un verdadero pionero en esa técnica. Utilizó el instrumento como una sola nota, como nadie antes que él. 

Rice Miller "Sonny Boy Williamson II", que grabó para las etiquetas Trumpet y Chess fue también un pionero por su enfoque en el uso de la armónica, así como sus habilidades como compositor.

"Little Walter" Jacobs y "Big Walter" Horton están ambos ampliamente reconocidos por sus contribuciones al mundo del blues y al uso de la armónica en el desarrollo de éste género musical.  Little Walter era conocido como el rey de la armónica amplificada al estilo del Blues Chicago. Su enfoque tremendamente imaginativo para improvisar y sus habilidades como magistral compositor se convirtió en el sello distintivo de su carrera. Big Walter Horton es conocido por su tono masivo, su gran uso de dinámicas y técnicas que fueron precursoras del sonido propio del rock. 

                  George Harmonica Smith &  Muddy Waters

La  siguiente generación trajo armonicistas talla de Junior Wells, James Cotton, Carey Bell, Charlie Musselwhite y Paul Butterfield, entre muchos otros. Sin embargo, hay un artista del blues que no se ha mencionado anteriormente, cuyo nombre se destaca cuando uno habla de los grandes armonicistas que pueblan la historia del blues y que es una influencia reconocida en  Rod Piazza, Kim Wilson, Al Blake, Steve Guyger, y Mark Hummel . Este hombre también fue muy influyente hasta nuestros días:  Este hombre es George "Harmonica" Smith.

Allen George Smith nació el 22 de abril de 1924, en West Helena, Arkansas. Su familia se trasladó a El Cairo, Illinois, poco después, donde fue criado. Bajo la tutela de su madre, Smith puso su primera armónica a la boca a la edad de cuatro años. De adolescente comenzó a tocar profesionalmente en las fiestas locales, juke joints, y en la calle viajando por todo el sur de EEUU. En 1941 se unió a la banda Early Woods tocando el violín. 
Luego se trasladó a Rock Island, Illinois con su madre durante unos años, trabajando fuera de los circuitos musicales y  regresó a Mississippi, donde se ganaba la vida tocando música y trabaja como proyeccionista en un cine en Ita Bena. Fue allí donde comenzó a experimentar con tocar la armónica amplificada a través del sistema de sonido del proyector de cine. 
Pasó la mayor parte de 1943 cantando y viajando con  The Jackson Jubilee Singers que se asentaron en Jackson, Mississippi. Con este grupo tocaba la armónica.

Sus influencias incluyen a Larry Adler y más tarde Little Walter. Smith  facturará a veces a como Little Walter Jr. o Big Walter. 

En 1949, Smith se mudó a Chicago. Pronto comenzó a trabajar con un joven Otis Rush, quien entonces estaba tocando un estilo de blues similar a la banda de Muddy Waters. Después que Henry "Pot" Strong, armonicista de Muddy Waters, fuera asesinado  por una novia celosa, se le pidió a George que lo sustituyera como armonicista de la banda. El grupo salió de gira por todo el sur. A su regreso a Chicago la banda trabajó clubes como el Zanzibar Lounge con presentaciones regulares.

En 1954, se le ofreció un trabajo permanente en Orchid Room en Kansas City, donde, a principios de 1955, Joe Bihari de Modern Records (en un viaje de exploración), escuchó a Smith, y lo contrató para la discográfica. 

Grabó algunos lados que ahora son clásicos, entre ellos "Blues in the Dark" y "Telephone Blues." Utilizó octavas extensivas para conseguir el sonido de una sección de vientos, y era un maestro de matices de tonos amplificados. Junto con esto también tenía una preferencia por tocar justo detrás del ritmo, que dio a su música el sonido oscilante que más tarde le valió el título de Padre del Swing de la Costa Oeste. Ambas grabaciones son obras maestras de la armónica de blues. 

Estas canciones son también ejemplos significativos para su estilo en lo que se conoce a los armonicistas de "tercera posición". Esto significa que el músico está tocando en una clave un paso adelante respecto a la clave de la armónica. 

Por otro lado, canciones como Telephone Blues, Blues Stay Away y Rockin 'están grabadas con Smith utilizando la armónica diatónica menor. George no sólo había dominado esa tercera posición,sino que había creado un enfoque totalmente nuevo para este instrumento, sobre todo cuando se toca la cromática.

Little Walter había utilizado la armónica cromática antes en canciones como "I Just Want To Make Love To You", "I’m Ready" y "Smokestack Lightnin’". 

Smith, sin embargo, tenía su propio sonido inconfundible y un estilo propio. 
Otras gemas cromáticas que  Smith grabó posteriormente incluyen su participación con Sunnyland Slim en Got To Get To My Baby grabado para Pacific World Records.

George  tenía un don para la construcción de la tensión por repetición. Esto no debe confundirse con la repetición por no saber que hacer. Él tocaría un tema por un tiempo, y luego volvería a girar sobre ese mismo tema hasta que usted queda  en el borde de su asiento. Como el difunto Paul de Lay lo describiría, "Tienes que seguir con una idea o un tema lo suficientemente largo para que el público disfrute con usted. El campeón de todos los tiempos en ese estilo es George "Harmonica" Smith. Podía tocar algo simple y mantenerlo vivo en usted hasta el final. Es probablemente el estilo más satisfactorio y eficaz que he escuchado ".

Después de sus grabaciones iniciales viajó y se presentó como parte de una gira de Universal Attractions touring revue que también incluyó Margie Evans, Little Willie John, Champion Jack Dupree, y Hal Singer & His Orchestra. Mientras duraba la gira,  grabó con Champion Jack Dupree, en noviembre de 1955 en Cincinnati, "Sharp Harp" y "Overhead Blues." Cuando la gira terminó en California, George decidió quedarse. Hizo de Los Ángeles su casa por el resto de su vida.

Para entonces, el rock and roll estaba empezando a erosionar las ventas de discos de blues, y Smith, ahora un hombre con una familia en crecimiento, hizo algunas grabaciones para Modern Records y para otras etiquetas como J&M, Lapel y Melker  adoptando el viejo truco de Rice Miller de otros seudónimos artísticos a fin de obtener otros contratos: Little Walter Jr. y Big Walter fueron algunos de ellos.

En 1960, Smith conoció al productor Nat McCoy que poseía Soloplay y Carolyn Labels, con quien grabó diez sencillos bajo el nombre de George Allen.

La mitad de la década de 1960 fueron un período muy ocupado para Smith. Muddy Waters le pidió que se uniera a su banda de nuevo en 1966 después de que James Cotton dejará el grupo. 

George estuvo de gira y grabó con esta banda durante un año para Spivey Records.

Cuando Little Walter murió, George Smith grabó su primer álbum con World Pacific Records: "A Tribute to Little Walter" respaldado por la banda de Muddy Waters y publicado en 1968 e incluía versiones de temas de Willie Dixon, Walter Jacobs y James Cotton que habían sido grabados por Little Walter. 

En 1969 Bob Thiele produjo un excelente álbum en solitario de Smith en Bluesway Records, y posteriormente lo convocó como acompañante para su sello de blues Times Records, incluyendo conjuntos con T- Bone Walker, y Harmonica Slim.

Se asoció con el armonicista joven llamado Rod Piazza. Pronto empezaron a tocar y grabar junto a su banda, llamada Southside Blues y luego Bacon Fat. También realizaron algunas giras junto a Big Mama Thorton. 

                                                               con Rod Piazza

En 1969, Smith firmó con el productor británico Mike Vernon de Blue Horizon y produjo el álbum "No Time for Jive" incluyendo a los guitarristas Pee Wee Crayton y Marshall Hooks, al pianista JD Nicholson, y al baterista Richard Innes.

Todo esto se desaceleró en el 1970. Las oportunidades de grabación fueron cada vez más escasas. Cuando lo conseguía lo hacía como acompañante, aunque grabó dos álbumes entre 1971 y 1973: "Arkansas Trap" para el sello británico Deram y "George Smith of the Blues" para BluesWay, grabado en 1969 pero publicado en 1971. 

En 1977, George conoció a otro joven armonicista que terminaría siendo uno de sus alumnos más célebres: William Clarke. 
Actuaron juntos siempre que podían y realizaron algunas grabaciones juntos.
Con Rod Piazza grabó su último  álbum en 1982, "Boogie'n With George", para el sello Murray Brothers Records.

                                                   con William Clarke

George Harmonica Smith, falleció el 2 de Octubre de 1983, en Los Angeles, California dejando tras si la influencia y un legado generoso que tuvo un impacto positivo sobre muchos jóvenes armonicistas. Rod Piazza y William Clarke no fueron los únicos en haber aprendido de éste maestro de la armónica. Kim Wilson y James Harman fueron otros alumnos que siguieron su estilo. 

"Nunca he oído a George reproducir una canción de la misma manera dos veces. Él era muy creativo y transmitía la música directamente de su corazón. Admiraba a todos los grandes músicos, pero tenía su propio sonido y estilo. Era un verdadero original. El Sr. Smith daba siempre el 100% en el escenario así fueran 10 o  1000 personas escuchando. Este era su estilo interpretativo, siempre. George Smith admiraba mucho armonicistaLarry Adler, y aunque Adler utilizó la técnica de octava en el arpa, George realmente fue el que desarrolló esta en todo su potencial". (William Clarke).

0229. BYTHER SMITH - LOOK OVER YOUR SHOULDER

(Click en la imagen para escuchar)

El blues eléctrico, particularmente el de Chicago, sigue vivo y Byther Smith continúa con esa energía y ese espíritu que lo contagiaron cuando llegó a la ciudad procedente del Mississippi.

Byther Smith es otro ejemplo de los tesoros ocultos del blues de Chicago.  Puede tocar con la misma tranquilidad de BB King o la intensidad que denota la amargura y el dolor. "Eso es lo que busco en mi corazón todo el tiempo, para tratar de conseguir que los sentimientos se apoderen de la gente, para conseguir que se sientan lo que yo siento", dice Smith.

Sus canciones reflejan la vida áspera y cruel que ha llevado; las pérdidas personales y la dura realidad de sus años en  Mississippi y su lucha por sobrevivir en el norte.  Sus creaciones musicales ponen de manifiesto el guerrero que hay en él. Escribe e interpreta como un boxeador: metódico, repetitivo, golpeando una y otra vez. Muchas de sus canciones parecen estar sin resolver. No referidos a un amor no correspondido, o a un deseo de asesinar al hombre que duerme con su chica; No.  Sin resolver como su propia vida o como el amor por sus por sus padres trágicamente perdidos o como un desenlace victorioso que nunca llega.  Esa tensión crea el poder de sus composiciones. Sus actuaciones crean una atmósfera casi tangible, una inquietud palpable al filo  de la emoción mezclada con el miedo. 

Byther Claude Earl John Smith nació en Monticello, Mississippi, el 17 de abril de 1932 (otras biografías hablan de 1933). Smith fue el octavo de nueve hermanos. Sus primeros años fueron difíciles. Su madre murió en el parto y su padre murió seis meses después.

Posteriormente, fue criado por una tía y un tío en una granja. Más tarde una de sus hermanas murió en un incendio en su casa. Esa historia sería más tarde el título de una canción y un álbum. 

Fue enviado a Arizona a la edad de quince años donde consiguió trabajo en la construcción.De adolescente comenzó a boxear para ganarse la vida y superar el dolor por las pérdidas sufridas.
 "Eso era una cosa que mi corazón deseaba", recuerda Byther, "Me sentí como si hubiera nacido para ser un campeón". Cuando no estaba en el gimnasio, practicaba el contrabajo en un rancho de ganado cercano al lugar donde vivía. Cuando él experimentó su primera derrota de boxeo, su tía le convenció para concentrarse en la música y abandonar el boxeo. Ella le compró un bajo Fender.

Su hermano mayor tenía una colección de discos de blues en 78 rpm. A partir de esos registros pronto trató de emular los estilos de Blind Boy Fuller y Tommy McClennan. La primera canción que aprendió fue de "Sally Mae" de John Lee Hooker.

El primo de Smith, J B Lenoir era un guitarrista de blues que se había trasladado a Chicago. Smith lo idolatraba. Durante una visita a la casa, Lenoir le ofreció incorporarse a la música si alguna vez se instalaba en  Chicago.

Siguiendo los consejos de su primo, de Robert Lockwood y de Hubert Sumlin en 1956, Smith hizo ese viaje a Chicago. Para esos años estaba casado con Etta Mae. Cuando llegó a Chicago, no conseguía participar en algunas presentaciones con su primo,  por lo que tomó un trabajo en una compañía de dulces. Su esposa encontró trabajo en una casa de barbacoa.

Decidido a conseguir su espacio en los escenarios de la música en Chicago, Smith se unió a un grupo de jazz tocando el bajo durante un par de años donde tocaría algunos blues para mezclar un poco las cosas.

Estando en en Chicago, Smith fue absorbiendo los sonidos de Muddy Waters, Otis Rush, Chuck Berry y Lenoir. Alrededor de 1962, Byther comenzó a tomar más en serio la guitarra. Recibió la guía de Robert Lockwood, Louis Myers y Hubert Sumlin. Más lecciones vinieron como se ganó un lugar  tocando la guitarra rítmica con Otis Rush participando en los conciertos de Pepper's Lounge. A fines de los años '60 y principios de los '70 tocaba en el Theresa's Lounge junto a Junior Wells, Big Mama Thorton y George 'Harmonica' Smith. Luego de seis años de trabajar junto a ellos y grabar un par de singles ("Give Me My White Robe" y "Money Tree"/"So Unhappy") comenzó sus presentaciones en solitario.

A lo largo de los años 80 recorrió el Medio Oeste hasta que grabó con Delmark Records el álbum Hold That Train donde las canciones llevan  una reverencia al blues tradicional y la migración tosca de la música Delta para climas del norte, y una inmediatez que las lleva fuera de la historia y las coloca en el escenario en el bar de la esquina.

Grits Records lo contrató en 1983  para grabar Tell Me How Do You Like It, que fue recogido por discográficas en Inglaterra y Japón, consiguiendo presentaciones en Europa. Smith grabó un segundo álbum Grits Records, pero la empresa tenía problemas financieros por lo que no fue puesto en libertad. Más tarde fue lanzado como "House Fire" por Razor Records de Chicago.

En 1989 grabó para el sello británico JSP, el álbum Addressing the Nation with the Blues. 

En 1993 registró para Bullseye Blues/New Rounder I'm a Mad Man.

Contratado nuevamente por Delmark Records, produjo dos álbumes entre 1996 y 1997: 

Mississippi Kid (un sólido álbum propio del blues de Chicago, presentado como una autobiografía con la canción que da título al álbum) y All Night Long (que cuenta con trece canciones de propia factura).

En 2001 grabó Smitty's Blues para el sello Black & Tan Records exponiendo todo el sonido melancólico del que es capaz este bluesman hecho en la ciudad de los vientos.

En 2008 edita con Delmark Records un álbum en vivo: Blues on the Moon: Live at the Natural Rhythm Social Club, demostrando con ello que el blues urbano de Chicago está vivo. Estas grabaciones en directo en el Natural Rhythm Social Club, en el venerable South Side afroamericano tienen a Smith con una sólida banda de cinco piezas con el segundo guitarrista Anthony Palmer, utilizando muchos de los conocidos cambios de dispositivos, técnicas y de ritmo que marcan la  buena fe de blues. Mezclando canciones propias que recuerdan su propia historia y covers de B B King, John Lee Hooker y Arthur "Big Boy" Crudup, pone de relieve su constante capacidad de creación en este género. 

En 2008 produce un trabajo para Fedora Records, Got No Place To Go,  respaldado por Frank Goldwasser (también conocido como Paris Slim), un guitarrista capaz de coincidir con Smith en el golpe a golpe. Los resultados no son perfectos, pero hacen del trabajo una escucha constante y satisfactoria. En general es un buen disco con toda la calidad que puede imprimirle Byther Smith, con el respaldo flexible, pero vigoroso  que necesita. Algunas de las canciones podrían haber sido recortadas un poco (las versiones más largas funcionan mejor en un entorno en vivo), pero aparte de un comienzo algo lento, hay suficiente variedad para mantener las cosas interesantes. Y Smith sigue siendo una fuerza de la naturaleza, muy confiado e irradiando convicción emotiva con cada nota.

Volver a la sala de entrenamiento para obtener su bolsa miserable y discutir con el manager. Volver a la finca o rancho donde él esta buscando la gran oportunidad que nunca llega. Volver a trabajar a la mañana siguiente, y cada mañana, sufriendo y con plena ebullición en el interior. Byther Smith, el ex boxeador, es un músico que ahora lucha su pelea en los escenarios y estudios, sudando a cabo su rabia mientras baila en su rincón, peleando con el mundo. Toma sus oportunidades de ira y sus perdidas y sus sueños negados y los músculos y los instala en su instrumento, golpeando trozos de emociones crudas con acordes disonantes. 

"No veo a ningún hombre o mujer de influencias ... Dios nos da el talento. En el fondo de mi corazón yo sólo hago lo que siento .... Siento que Dios me ha dado el espíritu ... Un hombre no puede darle esto a usted ... Usted puede ir a la escuela por la música:. el hombre puede enseñarle acordes ... pero un hombre no  puede enseñarle lo  que lleva en el alma y ni le puede dar  los sentimientos y la inspiración " (Byther Smith).