0269. LONNIE MACK - MEMPHIS

Lonnie McIntosh (18 de julio de 1941, Dearnborn, Indiana, EEUU), conocido por su nombre artístico, Lonnie Mack , es un cantante y guitarrista de rock, blues y country.

Mack fue una figura clave en la utilización de la guitarra eléctrica acompañada de una voz principal en la música rock. 

Entre 1963 y principios de 1964,  registró una sucesión de temas instrumentales con la guitarra eléctrica combinando técnicas de estilismo blues, fast-picking country techniques y rock beat. En 1979, el historiador de la música de rock,  Richard T. Pinnell llama a la canción  "Memphis" de 1963  un "hito de la guitarra de rock temprana". En 1980, los editores de Guitar World magazine clasificaron a "Memphis" en primer lugar entre las cinco mejores grabaciones del rock de la historia.

A finales de 1950, cuando aún estaba en su adolescencia, Mack participa de grabaciones con otros artistas. Entre 1963 y 1990, publicó una variedad de álbumes originales que abarcan distintos géneros.  Él disfrutó de su mayor reconocimiento popular, durante la década de 1960 y la segunda mitad de la década de 1980.

En 1941, la familia de Mack se trasladó desde el sureste de Kentucky hasta el sur de Indiana , donde pasó su infancia mientras sus padres trabajaban en explotaciones agropecuarias a lo largo de las orillas del río Ohio. A pesar de que no tenían electricidad, la familia tenía una batería primitiva lo que les permitía escuchar la radio y eran devotos de programas de gospel. Cuando niño Mack, aprovechaba las horas nocturnas para aprender sobre esa música y sobre el blues negro que sonaba en todo el sur de EEUU.

A los 7 años de edad, comenzó a tocar una una guitarra acústica que había cambiado por una bicicleta. Mack ha declarado: "empecé con el bluegrass, antes de que existiera el rock and roll. Mi familia era como una banda familiar. Cantabamos y mi papá tocaba el banjo. Tocábamos gospel, bluegrass , y country en el  viejo estilo de Jimmie Rodgers ( el cantante de country) y Hank Williams.

La madre de Mack (que sabía de guitarra) fue la primera influencia musical y Ralph Trotto, un cantante de gospel ciego, fue su primer maestro. Una de las pocas grabaciones de Trotto, Martha Carson's "Satisfied", también se encuentra en el primer disco de Mack , grabado en 1963.

Las influencias musicales de Mack se remontan al guitarrista de country Merle Travis y el guitarrista de blues T-Bone Walker .

Además el mismo reconoció en su estilo a los artistas de R & B Jimmy Reed , Ray Charles , Bobby "Blue" Bland y Hank Ballard así como el cantante de country George Jones y el cantante de gospel Archie Brownlee.

Abandonó la escuela a la edad de 13 después de una pelea con un maestro y con el uso de una identificación falsa, pronto comenzó a tocar en roadhouses en la zona de Cincinnati zona.

A finales de 1950, Mack registró un cover de Al Dexter " Pistol Packin' Mama " para la etiqueta ESTA Records. Durante el mismo período, Mack tocaba  la guitarra junto a sus primos mayores, Aubrey Holt y Harley Gabbard, en dos grabaciones, "Too Late To Cry" y l "Hey, Baby". Estos dos sencillos fueron lanzados en 1959 por Sage Records. 

A finales de la década de 1950, Mack había reunido una banda propia con la que recorría los bares y clubs a lo largo de Kentucky, Indiana y Ohio, tocando tanto rockabilly como rock and roll cada vez más incursionando en el R & B. Él comenzó a usar el nombre artístico "Mack" y, por un tiempo, llamó a su banda The Twilighters.  

AÑOS DE FRATERNITY RECORDS

A principios de 1960 Mack y su banda grabaron  como músicos de sesión para el sello Fraternity Records, un pequeño sello discográfico en Cincinnati, que alquiló los estudios de local de King Records para sus sesiones de grabación.  

El 12 de marzo de 1963, Mack registró un rockabilly / instrumental con estilo blues basado en la melodía de Chuck Berry , " Memphis, Tennessee ". Esta versión instrumental de Mack fue bien recibida, por lo que la adoptó como parte de su acto en vivo. 

"Memphis" fue transmitida por primera vez, en la primavera de 1963. En una entrevista de 1977, Mack recordó, "me tomó completamente por sorpresa. Yo [no había] escuchado la radio. No tenía idea de lo que estaba pasando". Según el historiador de música y profesor de guitarra Richard T. Pinnell, la interpretación de Mack en "Memphis" fue único en la historia de la guitarra solista en el rock produciendo una melodía que era a la vez "rítmica y melódicamente llena de fuego "y" uno de los hitos de la guitarra rock and roll ". la pista vendió más de un millón de copias, y fue galardonado con un disco de oro por la RIAA .

El single fue acompañado por otro tema "Down In The Dumps". 

También en 1963, Mack grabó otro single  "Wham!", (un gospel  instrumental, que alcanzó el número 24 en la lista de discos de Billboard en septiembre) y acompañado de "Suzie Q". 

Aunque el término "blues-rock"  no había llegado a ser de uso común en 1963, "Memphis" llegó a ser considerado como uno de los primeros éxitos musicales genuinos de este artista virtuoso del género de guitarra de blues-rock. 

Mientras que los primeros éxitos de grabación de Mack eran instrumentales, sus actuaciones incluían normalmente tanto vocales como instrumentales, y en 1963 Mack registró una serie de melodías que ofrecen sus talentos de canto.  Estas primeras "blue-eyed soul"  ( término genérico utilizado para referirse a la música soul interpretada por blancos) eran aclamadas por la crítica. En 1968, la revista Rolling Stone dijo: "Es realmente la voz de Lonnie Mack que lo distingue en sus canciones: tienen una sinceridad y una intensidad que es difícil de encontrar en cualquier lugar."

"La consistencia y la profundidad de los sentimientos, lo mejor de estas "blue eyed soul" se define por las baladas de Lonnie Mack donde las inflexiones de angustia, tal cual se estampan en sus mejores canciones ("Why?", "She Don't Come Here Anymore" and "Where There's a Will") superaba cualquier otro intento de un artista blanco de adentrarse en la música de "los negros". 

(Bill Millar, 1983 ensayo "Blue-Eyed Soul: Colour Me Soul")

Emisoras de radio de R & B en todo el Sur reproducían  la versión inspiración gospel de Mack  "Where There's a Will" grabada en noviembre de 1963 para Fraternity Records junto con la versión de la canción de Jimmy Reed "Baby, What's Wrong"; Luego de ese éxito, Mack fue invitado a dar una entrevista de radio en directo con un prominente disc jockey de R & B en la ciudad dividida racialmente de Birmingham, Alabama . Mack recuerda que cuando se presentó en la estación de radio, el DJ echó un vistazo a él y le dijo, "Baby, eres del color equivocado" y canceló la entrevista en el acto. 

Después de eso, Fraternity Records retrasó la liberación de una de las baladas soul esenciales de Mack, "Why?" (grabado en 1963)  hasta 1968, "Why?" tuvo escasa difusión y pero finalmente fue reconocida como una "obra maestra perdida de rock 'n' roll". En 2009, el crítico musical Greil Marcus llama a "Why?" un "Blue Eyed Soul tan tortuoso, que puede destapar las heridas por su cuenta. El grito de Mack al final nunca ha sido igualado. Dios nos ayude si alguna vez alguien lo supera".

A pesar de las limitaciones de hecho en los programas de R&B, las grabaciones vocales de Mack en estaciones de radio R & B, su versión de Jimmy Reed  se convirtió en un modesto crossover (Billboard Pop, N ° 93),  en particular en el Medio Oeste, el mercado tradicional de distribución de Fraternity Records. 

Después del lanzamiento de "Memphis" y "Wham!", Mack volvió al estudio varias veces para realizar otras grabaciones adicionales, incluyendo instrumentales, vocales y melodías del conjunto. De este modo, a principios de 1964, Fraternity Records publica el primer álbum L.P. de Lonnie Mack: "The Wham Of That Memphis Man!" Este trabajo incluía las grabaciones de 1963 y principios de 1964 para el sello. Wham!; Where There's A Will; The Bounce; Memphis; Baby What's Wrong; Satisfied; Suzie-Q; Why; Down In The Dumps entre otros. 

Los instrumentales de guitarra de Mack eran partícipes del estilo blues, pero inusualmente rápidos y precisos. Su voz fue fuertemente influenciada por la música gospel . Todas las canciones fueron respaldadas por el bajo y batería, y en otras contó con teclados y una sección de vientos. "The Wham Of That Memphis Man!" fue puesto en libertad a las pocas semanas del inicio de la invasión británica .
A mediados de la década de 1960, los gustos musicales del público cambiaron radicalmente debido a los inicios de lo que se llamó "invasión británica ". Sin embargo, durante el mismo período renació la popularidad de las formas musicales americanas (sobre todo el blues negro) en los EE.UU. y en el Reino Unido y se expandió  la atracción del blues clásico rural y urbano entro los blancos jóvenes de la llamada generación baby boom. 

Al poco tiempo, un puñado de bandas de blues, predominantemente blancas, saltaron a la fama, incluyendo The Bluesbreakers de John Mayall en el Reino Unido y The Paul Butterfield Blues Band en los EE.UU. Durante la década de 1960  una nueva generación de guitarristas de blues eléctricos surgió, incluyendo a Jeff Beck , Eric Clapton , Jimi Hendrix y Jimmy Page , la mayoría de los cuales eran, portavoces de las nuevas bandas de rock  & blues que iban surgiendo.   Para entonces, el blues-rock fue reconocido como una fuerza distinta y poderosa dentro de la música rock en ambos lados del Atlántico . En 1968, estos hechos llevaron al redescubrimiento de los iniciales solos de guitarra de blues-rock de Mack grabados a principios de los '60. Competir con los Beatles y con los Rolling Stones fue un obstáculo que encontraron muchos artistas de esos años, pero Mack lo tomó como un reto adicional.

Fraternity Records tuvo problemas durante este período y Mack volvió a trabajar en estudios pero en discográficas más poderosas.  Con King Records, tocó en sesiones de grabación con Freddie King , y James Brown. El solo de guitarra de Brown de 1967  "Stone Fox", ha sido atribuida tanto a Mack y Troy Seals. También tocó la guitarra solista en varias grabaciones junto al cantante de blues Albert Washington. Los trabajos con Fraternity Records finalizaron en 1968. A lo largo de esos años registró varios singles con temas que incluyen  Lonnie On The Move, Nashville, Chickin' Pickin', Honky Tonk '65, Are You Guilty?, There's Snow On The Mountain, Snow On The Mountain, I Left My Heart In San Francisco, y Down And Out.

AÑOS DE ELEKTRA RECORDS

En 1968, con los movimientos de blues-rock y la guitarra como instrumento clásico Mack se dirigió a Los Angeles y consiguió un contrato con Elektra Records. Un artículo en la edición de noviembre de 1968 de la revista Rolling Stone dice de Mack como guitarrista  " el es una clase por sí mismo" y comparó su estilo de voz con el de Elvis Presley. La revista Rolling Stone instó a Elektra a reeditar el álbum de Mack "The Wham Of That Memphis Man!".  Elektra lo publica con el agregado "solo para coleccionistas" y con dos  pistas adicionales de 1964, en octubre de 1970.

Mack registró tres nuevos álbumes con Elektra: en 1969: Glad I'm in the Band, y Whatever's Right y en 1971: The Hills of Indiana.

En conjunto, los tres discos Elektra eran colecciones eclécticas de baladas country, soul, y blues, conteniendo canciones y versiones actualizadas de las grabaciones anteriores. En contraste con el primer álbum, estos álbumes destacan la capacidad vocal de Mack y  su trabajo con la guitarra queda relegado. Sólo dos instrumentales aparecen en estos álbumes, una pieza de larga duración Glad titulado "Mt. Healthy Blues", y una re-make de "Memphis".

A pesar del cambio de orientación musical, la producción de Mack de este período fue relativamente bien recibida por la crítica musical. E

"El gusto y el juicio de Mack son super-excelentes. Cada aspecto de su guitarra tiene una relación directa con el sonido y el significado de la canción. Su voz es potente y sin esfuerzo y de gran variedad y personalidad.  Si este (Glad I'm in the Band) no es el mejor disco de rock de la temporada, es uno de los más sólidos" - Rolling Stone , 3 de mayo de 1969, p. 28.

En el álbum Whatever's Right,  Mack canta la canción de Willie Dixon  " My Babe " en un estilo típico del soul de aquella época. Se repite el patrón en Glad I'm in the Band mediante la realización de una melodía country, "Old House", y la melodía soul , "Too Much Trouble". 

Además de sus trabajos solistas, durante este período,  viajó con la banda The Doors y tocó el bajo en dos temas en el álbum "Morrison hotel ".

Entre 1968 y 1971, además de los tres álbumes, Mack grabó para Elektra Records varios singles con relativo éxito en las ventas. Sin embargo, luego una serie de diferencias con la empresa, Lonnie decidió renunciar a la discográfica y se instaló en una finca en Kentucky. 

Para ese año Elektra había reunido un grupo musical de gira, incluyendo a Mack, anunciado  como "The Alabama State Troupers and Mount Zion Choir". Según  Russ Miller, el productor de Elektra,  Mack desapareció seis días antes de la primer presentación.  Miller encontró a Mack cómodamente instalado en una finca rústica en  Kentucky, y le instó a unirse a la gira. Mack se negó, citando una pesadilla durante su última noche en Los Ángeles, en la que él y su familia habían sido perseguidos por Satanás. Le dijo a Miller que cuando se despertó, se encontró con su Biblia abierta en un pasaje que le ordena  "huir del monte de Sion". Miller regresó a Los Angeles sin Mack, lo que significó su definitiva desvinculación con la discográfica.

Durante estos años de ostracismo, Lonnie Mack tuvo distintas presentaciones en clubes de Indiana y realizó algunos trabajos con otros músicos.

En 1973, Mack se asoció con Rusty York para realizar un LP estilo bluegrass acústico, "Dueling Banjos" (QCA Records). Jewel Records reeditó este trabajo en CD en 2009. Contiene 16 temas de bluegrass en un formato de dueling-banjos. 

En 1974, Mack trabajó un tiempo con la banda  Dobie Gray. Gray es conocido por sus hits "The 'In' Crowd ", " Drift Away " y "Loving Arms".  En marzo de 1974, Mack trabajó como guitarrista principal de Gray el Ryman Auditorium  de Nashville.

En 1975, Mack recibió un disparo durante un altercado con un oficial de policía fuera de servicio. Su versión del incidente se conserva en una de sus más conocidas melodías f "Cincinnati Jail". De acuerdo con la letra de esa canción, un automóvil sin identificación conducido por el oficial estuvo a punto de atropellar a Mack mientras caminaba a través de una calle de la ciudad , con lo cual Mack pateó el guardabarros, al grito de "reduce la velocidad!"; el oficial detuvo, salió de su coche, y le disparó a Mack "en la pierna", y luego lo arrastró ante un juez que lo envió a la cárcel. Mack se recuperó, pero una vez más, prácticamente desapareció de la escena musical.

En 1977, Mack firmó con Capital Records. Allí, grabó el álbum "Home at Last" , un álbum de baladas y melodías con estilo country bluegrass.  En 1978, volvió a grabar para Capitol Records el álbum , "Lonnie Mack and Pismo". El trabajo lleva un ritmo más rápido,  con melodías country, rock y south rockabilly. En 1979, Mack comenzó a trabajar en un proyecto de grabación independiente con su amigo, productor y compositor Ed Labunski. El resultado  era un disco de country-pop con el nombre "South". Sin embargo, Labunski murió en un accidente de auto antes de que el proyecto se complete, y el álbum fue dejado de lado. Posteriormente Mack publicó el álbum en 1999 con un sello propio. La muerte de Labunski también abortaron los planes de Mack para  representar al entonces desconocido prodigio de la guitarra del Texas blues Stevie Ray Vaughan , que estaba destinado a desempeñar un papel clave en la retorno  de Mack unos años más tarde.

Poco después de la muerte de Labunski, Mack viajó a Canadá para colaborar con el artista de rockabilly  Ronnie Hawkins . Hawkins es más conocido por haber fundado The Hawks, un grupo canadiense de rock  que, después de la salida Hawkins, se convirtió en la banda de acompañamiento de Bob Dylan. La participación de Mack en estos años puede apreciar en el álbum solista de Hawkins, "Legend In His Spare Time".

AÑOS DE ALLIGATOR RECORDS

A principios de 1980, Mack había estado ausente de la escena de la música rock y su visibilidad como artista de grabación había disminuido considerablemente. Su primer álbum de este período "Live At Coco's" , grabado en 1983. En este trabajo en vivo se puede escuchar a Mack y su banda tocando melodías familiares de la época de Fraternity Records, canciones menos conocidas de la década de 1970, y algunos temas inéditos ( por ejemplo, "Stormy Monday", " Things I Used To Do" y "Man From Bowling Green").

También en 1983, Mack se trasladó a Texas, donde tocó regularmente  en Dallas y Austin. Al principio de este período, Mack comenzó a realizar trabajos con Stevie Ray Vaughan. Poco conocido fuera de Texas en 1980, la propia carrera de Vaughan era incipiente en esos años; Mack y Vaughan se habían encontrado por primera vez en 1979, cuando Mack, actuando en un concierto del hermano mayor de Vaughan, fue a escucharlo tocar en un bar local. Vaughan recordó la reunión en una entrevista de 1985:

"Estaba tocando el Rome Inn en Austin, y después que había estado tocando los primeros acordes de "Wham!" cuando este tipo grande entró. Miró al igual que un gran oso grande. Tan pronto como me miró a la cara, me di cuenta de quién era, y, naturalmente, él volvió la cabeza para oírnos haciendo su canción. Me habló durante mucho tiempo esa noche. [Dijo Lonnie] que nos quería producir".

(Stevie Ray Vaughan, "Rock Pioneer Lonnie Mack In Session With Stevie Ray Vaughan", Guitar Player , abril de 1985, p. 33)

Mack y Vaughan se convirtieron muy buenos amigos. A pesar de la brecha generacional entre ellos, Mack dijo que él y Vaughan "estaban siempre en el mismo nivel". Mack consideraba a  Vaughan como su "hermano menor "y Vaughan dijo Mack era" una mezcla entre un padre y un hermano ".  Cuando Mack fue afectado por una larga enfermedad en Texas, Vaughan realizó un concierto benéfico para ayudar a pagar sus cuentas; durante la recuperación de Mack, Vaughan y bajista, Tommy Shannon, instalaron un aire acondicionado en la casa de Mack.

Vaughan dijo que "Wham!" era "el primer registro que ha sido guía en mi carrera". De hecho, el legado musical de Vaughan incluye cuatro versiones de "Wham!" - dos versiones solistas y dos versiones de duelo-guitarra con Mack.

Tras recuperarse de su enfermedad, Mack firmó con Alligator Records en 1984, y, comenzó a trabajar en su álbum de regreso al blues-rock, "Strike Like Lightning" . Se convirtió en uno de los álbumes de mayor venta  de 1985.  Mack y Vaughan co-produjeron el álbum. Mack mismo compuso la mayoría de las canciones, que contó con su voz y la primera Vaughan participó como segunda guitarra en la mayor parte del álbum.La crítica reconoce que este fue acontecimiento importante en la industria de la música. Keith Richards, Ron Wood, Ry Cooder y Stevie Ray Vaughan se unieron a Lonnie en el escenario durante su gira de 1985 para promover el álbum. Otras celebridades - Bob Dylan, Mick Jagger, Paul Simon, Eddie Van Halen, Dwight Yoakam, el actor Matt Dillon y la comediante Sandra Bernhard - asistieron a distintas presentaciones del disco. El año culminó con una actuación estelar en el prestigioso Carnegie Hall de Nueva York con compañeros de trabajo en Alligator: Albert Collins y el fallecido Roy Buchanan que terminó siendo editado en video con el nombre de "Further On Down The Road".

En 1986, Mack registró otro álbum con Alligator, "Second Sight" un trabajo que destacó la evolución constante de Lonnie como músico y cantante / compositor. Escribió ocho de las diez melodías. 

Este trabajo le valió un contrato con Epic Records, y en 1988 grabo "Roadhouses and Dance Halls". Los críticos aplaudieron la grabación, pero la CBS no sabía muy bien cómo comercializarlo. Desencantado con Epic, Lonnie  comenzó a hacer planes para su regreso a Alligator. 

En 1989, Mack volvió a Alligator  para grabar un disco de blues-rock en vivo, "Live! Attack of the Killer V", con dos solos de guitarra extendidos y versiones ampliadas de sus grabaciones de estudio anteriores. El álbum cuenta con material de toda la historia de la carrera de Lonnie. Incluye versiones en vivo de algunas de sus primeras canciones del sello Fraternity, así como material de sus grabaciones en Alligator y Epic.  Grabado en uno de los clubes más populares de Chicago fue co-producido por Lonnie y el  presidente de Alligator, Bruce Iglauer. Dentro del LP, nos encontraremos con fantásticos temas que hacen todos los honores al blues eléctrico: “Riding The Blinds” abre el disco con un espléndido piano y un adictivo guitarreo. Seguidamente, llega el punto álgido del LP con “Natural Disaster”, todo un hit y canción central del álbum. “Stop” y “I Found a Love” son unas bellas baladas bluseras en las que Lonnie y su banda depositan un gran sentimiento. El Meddley “Camp Washington Chili/If You Have to Know”, es sólo una muestra más del talento innato de Lonnie Mack a la guitarra.

LONNIE MACK, KEITH RICHARDS & RONNIE WOOD

A comienzos de 2000, Mack continuó de gira tanto en América como en  Europa hasta 2004. En 2000, apareció como músico de sesión en el álbum Franktown Blues , producido por los hijos de la leyenda del blues Arthur "Big Boy" Crudup . 

En 2001 fue incluido en el Southern Indiana Musicians' Association Hall of Fame y en el Rockabilly Hall of Fame.

En los últimos años, Mack ha aparecido ocasionalmente en conciertos benéficos y eventos especiales. El 15 de noviembre de 2008, Mack fue  destacado en el Rock and Roll Hall of Fame por sus  solos en "Wham!".

La carrera de Lonnie Mack traza la historia del rock and roll. A partir de influencias tan diversas como el rhythm and blues, country, gospel y el rockabilly, Lonnie ha ganado los corazones de los aficionados de todo el mundo. Es venerado por una nueva generación de intérpretes de rock y de blues.

Párrafo aparte merece su guitarra. En 1958 Mack compró una Gibson Flying V el primer año de producción de ese modelo.  Mack utilizó esta guitarra casi exclusivamente durante toda su carrera.  Mack, que es de ascendencia escocesa y nativos americanos  se sintió atraído por el instrumento con forma de flecha, debido a su herencia étnica. El modelo 1958 ahora se considera un instrumento de colección.  En 2012, la guitarra de Mack se incluyó en la revista Rolling Stone ' entre la lista de "20" guitarras iconos en la historia del rock. 

0268. TOO SLIM AND THE TAILDRAGGERS - SHAPE OF BLUES TO COME

Liderada por el cantante, guitarrista y maestro del slide Timothy (Tim) "Too Slim" Langford, nativo de la ciudad de Spokane, en el estado de Washington, el grupo tiene un sonido en el que se pueden palpar las influencias de Elmore James, Duane Allman y Johnny Winter.

Al escuchar Too Slim & The Taildraggers es, como dijo un crítico,. ".. hacer un viaje por la historia de la música americana." Absorbiendo todo lo que pudo en un primer momento, Tim "Too Slim" Langford, líder y cantante del grupo, hoy toca lo que le gusta. Aunque en sus inicios la música blues era el fuerte del grupo, hoy en día lo que le gusta a Langford puede abarcar distintos tipos de género, down home blues,  funky blues rock, Americana, southern swamp rock e instrumental guitar styles.

Esto funciona para él, como también para The Taildraggers que han sido cabezas de cartel en los teatros, festivales y salas de concierto, y las amplias variedades de estilos les ha permitido compartir el escenario con todos: Bo Diddley, Brian Setzer, Johnny Lang, Robert Cray, Ted Nugent, Blue Oyster Cult, Travis Tritt, Neil McCoy, Blues Traveler, y otros notables.

"Cuando estaba aprendiendo a tocar la guitarra absorbía todo lo que estaba a mi alcance. Aprendí de los músicos de rock, blues, jazz y country. Incluso estudié guitarra clásica. Todos estos factores entran en juego en la música que escribo. He tocado con la Orquesta de Jazz de Spokane, cuando estaba en la universidad. Al mismo tiempo yo estaba tocando en una banda de country los fines de semana, así como una banda de rockabilly".

La banda se formó en 1986 y hoy acompañan a Langford en el grupo Tom Hambridge en la batería y coros, Bob Britt en la guitarra, Tommy McDonald en el bajo y Jon Coleman en el piano y órganos.

Aunque la banda ha publicado más de media docena de álbumes y participado de numerosas giras nacionales e internacionales, si bien ha logrado cierto reconocimiento entre los críticos y otros artistas del género como Bruce Springsteen, no ha sido lo suficientemente reconocido por los fans. 

Como joven guitarrista en Spokane, Langford se esforzó para aprender la mayor cantidad de estilos diferentes como pudo.

Pero a finales de 1970, después de un encuentro con el álbum 'Strong Persuader,' de Robert Cray,  Langford se sintió fuertemente atraído por el blues.

"Cuando estaba tocando en mi banda de jazz de la universidad en 1979, vi a Robert Cray Band tocando en un bar llamado Washboard Willie's en Spokane ... No era lo bastante mayor como para entrar en un bar en ese momento, pero que tenía una identificación falsa y así pude verlo tocar ", dijo. "Curtis Salgado estaba en la banda en ese momento y Richard Cousins tocaba el bajo y Dave Olson estaba en la batería y creo que tenían a Dave Stewart, en el piano, y en  canto y guitarra, por supuesto, Robert. Ellos jugaron allí a menudo y yo iba a verlo cada vez que podía. Al verlos realmente me dieron ganas de tocar el blues ".

Pero antes de que se dedicara por completo al blues, Langford afrontó una etapa rockabilly con una banda llamada The Studebakers a principios de los años 80 durante unos cinco años.

"Comenzamos como una banda de rockabilly y después incorporamos algo de punk-rockabilly. Allí fue cuando realmente empezamos a escribir canciones tratando de hacer nuestro propio material,".  "Fuimos a Los Ángeles y grabamos un álbum que  nunca fue liberado. Pero mi primer amor siempre ha sido el blues. Quiero decir, me sentaba en mi habitación y todo el tiempo escuchaba BB King y Otis Rush. Por último, me cansé de hacer rockabilly. Así que cuando constituimos Too Slim & The Taildraggers, fue con la intención de hacer nada más que  blues. No había ninguna duda de que esto iba a ser una banda de blues originales ".

The Studebakers , Spokane, Washington  1982 - 1984

La  mayor parte de las veces desde 1986, la banda tenía las características de un power trío. Eso no es ninguna sorpresa cuando Langford explica de un tirón algunas de las bandas que lo inspiraron.

"Cuando pienso en ello, la mayoría de mis bandas favoritas han sido tríos, Jimi Hendrix, ZZ Top ... Cream ... y me gusta el hecho de que es un reto para llevarlo a cabo".  

El primer álbum que grabó la banda data de 1988 ."Swingin' In the Underworld", grabado para Underworld Record y con una reedición en 2000 de Burnside Records. El álbum muestra los inicios de esta banda, con una mayoría de temas compuestos por Langford.

En 1990, para Burnside Recods publicaron "Rock 'em Dead", incorporando algunos covers de B B King y de Lowell Fulson. Siguieron con "El Rauncho Grundgé", con un sonido dirty shuffle, y mucho blues texano.

The Cascade Blues Association ha nombrado a Too Slim & the Taildraggers como Mejor Banda Regional durante cinco años consecutivos, comenzando en 1995. The Inland Empire Blues Society  lo consideró durante cuatro años consecutivos, de 1995 a 1998 como una de las mejores bandas de blues de esos años. 

En 1995, Burnside Records publica un álbum grabado en dos sesiones en vivo: "Wanted: Live!". Los temas fueron grabados en 1993 en The Portland Waterfront Blues festival y en 1994 en The Central in Seattle Washington. La banda cuenta con el soporte original: Tom "The Stomp" Brimm en bajo, John "Midnight" Cage en batería y Tim "Too Slim" Langford en voz y guitarra. 

Luego publican "Swamp Opera" honrado por The Inland Empire Blues Society  como mejor álbum de blues de 1996. 

Aunque la mayor parte de su producción discográfica quedó bajo el paraguas de Too Slim & The Taildraggers, Langford ha logrado encontrar el tiempo suficiente para elaborar un par de trabajos solista de blues, "Pint Store Blues" en 2000 y "Broken Halo"  lanzado en 2012. "El primero que hice ( Pint Store Blues ), nació de haber estado tocando en un montón de conciertos acústicos alrededor de mi ciudad natal y en mis noches libres  estaba tocando muchas canciones de Lightnin 'Hopkins. Ese álbum terminó siendo una especie de tributo a Lightnin 'y Bob Dylan . Yo sólo fui y lo grabé en un día y me gustó la forma en que resultó".

"Blues For EB" de 1998, recorre una variedad de estilos que se incorporan a la banda. El swing rockabilly, el blues eléctrico de Chicago, swamp de New Orleans conjugados con ritmos del caribe, suenan con una base sólida que demuestran la calidad de la banda. Tim Langford  y Thomas C. Brimm (bajo) escribieron diez de la 15 cortes.

Para 2000, además de su trabajo solista, publican con la banda, "King Size Troublemakers". En este trabajo, la banda incorpora a Mark Hummel en armónica y a Sam Lightnin Hopkins en guitarra. 

Burnside Records publica  en 2002 y 2003 dos álbumes en vivo, llamados  "Goin' Public" y "Bootleg Series, Vol. 1: Live in 1999".

"Tales of Sin and Redemption", es un álbum publicado en 2003 por Vu Records y retrata de manera impecable la condición y el estilo de Too Slim dejando una especie de deja vu de ZZ Top y los sonidos de Billy Gibbons. Creaciones propias retratando aspectos lúgubres de su vida, completan el álbum. El cierre de cinco minutos con el tema "Too Cool," un instrumental, un swinging jazz / blues que pone de manifiesto el estilo propio de Langford. 

"Beer & Barbeque Chips", de 2005 es al decir de Langford, "una noche en el camino". La banda toca  canciones que recorren su propia historia desde 1995 hasta la actualidad. Una mezcla down y dirty completan las características de este trabajo.  Too Slim, también rinde homenaje a sus influencias con la interpretación de la canción de John Lee Hooker de 'Crawlin' Kingsnake' y  la de Jimi Hendrix 'Voodoo Child'. Este CD es ahora una pieza de colección. No hay planes para  volver a emitir más copias de este título.

"Lucky 13", para Underworld Records,  es una compilación de las primeras grabaciones de Too Slim & The Taildraggers, publicados primariamente en  "Swingin' in the Underwolrd" "Rock em Dead".  Este álbum representa los años de formación de la banda. Todos los temas originales son escritos por el miembro fundador y guitarrista Tim Too Slim" Langford. 

En 2007 Underwood Records publica "The Fortune Teller". Un álbum en el que se encuentra una adecuada combinación de estilos: el southern, el swamp rock, Americana, e incluso un ligero sonido del calypso-ish mexicano.  La historia de este trabajo es muy interesante,  ya que nació de un encuentro entre Too Slim  Langford, y un clarividente en Oslo, Noruega. Este encuentro lo llevó a un examen de conciencia, que dieron origen a las canciones que son considerablemente más personales que las realizadas por la banda en discos anteriores. Reminiscencias de Tom Petty, Creedence y ZZ Top pueden escucharse en algunos de los temas del álbum. Los artistas invitados incluyen Lauren Evans en las voces de armonía, D. Cernile - guitarras y percusión, Oleg Schramm - acordeón y teclados, Robert Greenridge - bidones de acero, y Amanda Tsubo - coros.

Too Slim & The Taildraggers Live @ The White Mountain Boogie n' Blues Festival 8/17/13

Para 2009, la banda lanza el álbum "Free Your Mind". Las canciones de Free Your Mind son una completa mixtura de  roots musica, con el blues y el rock. "El proceso de composición es algo que me gusta mucho, pero también se puede proceder de manera algo imprudente". "Siempre trato de escribir  ideas o frases que he oído en la vida cotidiana que puedan ser de títulos de las canciones. Algunas canciones se inspiran en experiencias personales y algunas son sólo observaciones de la vida tal como la veo. Por ejemplo, la letra de la canción 'Last Train' se inspira en la lectura de las noticias del diario Seattle Times. En realidad me estaba riendo en voz alta - y me horroricé al mismo tiempo - por los artículos que estaba leyendo.  'Siento que estoy montando en el último tren, con grietas en las ruedas, encabezados por una gran explosión. Sentir como si estuviera montando en el último tren y Hunter S. Thompson es el ingeniero '. Parecía que resumir lo absurdo de los acontecimientos mundiales en ese día en particular me surgió como una necesidad. Me gusta la variedad de la música libre de su mente. Hay canciones de amor, de perseverancia, de fe, de frustración y de locura de la vida cotidiana " explica Langford". 
El grupo cuenta con nuevos integrantes. Tom Brimm ha sido reemplazado en el bajo por Dave Nordstrom y en la batería, el lugar de John Cage fue ocupado por Rudy Simone.

"Shiver", el trabajo publicado en 2011 por Too Slim y su banda, contiene 12 pistas que están todas escritas por Tim Langford (guitarra y voz). El resto de la banda (con nuevos cambios en su staff) se completa con  Polly O'Keary (bajo y voz) y Tommy Cook (batería).
La guitarra de Langford es impresionante en todo, y las canciones van desde el slide blues, y algunas baladas. El tema que abre el álbum "Stoned Again" comienza con expresivo tobogán acústico, antes de que un riff slide eléctrico complete la escena; es seguido por el blues pantanoso  "Daddies Bones" donde la voz de Langford se asemeja mucho a la de Billy Gibbons. La gran voz conmovedora del invitado Curtis Salgado en dos pistas, completa la gran calidad de este trabajo.

En 2012 publica otro trabajo solista, "Broken Halo" donde es capaz de expresar sus sentimientos y emociones mas intimas y lo hace únicamente a través de una guitarra, una armónica o un banjo. Tim Langford despliega toda su carga emocional de manera cercana e intimista, a base de interpretar blues o folk original y sincero, desprovisto de efectos, maniobras de estudio, pedales u otros utensilios electrónicos. En este disco se nota desde los primeros compases la gran influencia que ha tenido el sonido de Muddy Waters en este artista. Alejado de los Taildraggers, para esta producción Langford ha dedicido interpretar todos los instrumentos en las once canciones originales que lo integran, temas que son una reflexión de lo que han sido más de 26 años dedicados a la música y a la carretera, y que se resume la forma en la que los sonidos del blues, el rock y el folk han permeado el estilo de este músico. En general, el álbum es absolutamente entusiasta, pero su climax llega con el tema "Shaking A Cup " donde brilla la interacción entre la guitarra y la armónica. Este álbum demuestra una vez más, que estamos frente a un músico con talento capaz de maniobrar con habilidad a través de los pliegues del blues.

En Junio de 2013 publica "Blue Heart" con su habitual seguidilla de golpes de blues, con una fuerte dosis de guitarra carrasposa, una batería que no cae en trampas y un bajo estruendoso. Grabado en Nashville, ciudad en la cual residen ahora sus integrantes el álbum muestra el doble trabajo de Tom Hambridge, uno como baterista y otro productor, desempeñándose muy bien en ambos. Por su parte, Too Slim Langford muestra una vez más sus condiciones como compositor, guitarrista y cantante. Los estilos son variados, enraizados en el rock sureño y el delta blues. Los primeros acordes que suenan en el tema "Wash My Hands" dejan entrever que el oyente  se encontrará con un poco de blues grueso e impertinente. La voz de Langford aporta el tono arenoso de la canción, que es apropiado con letras  "Me lavé las manos en el fangoso Mississippi pero la vida de pecado no puede lavarse fácilmente." La siguiente canción, "Minutes Seem Like Hours" combina de manera brutal la guitarra con el bajo. El álbum es producido por Tom Hambridge, que ha producido varios álbumes más recientes de Joe Louis Walker, Buddy Guy, y George Thorogood, sólo para nombrar unos pocos. La producción es limpio y ordenado y la banda se completa con Tim "Too Slim" Langford - voces y guitarras, Tom Hambridge - batería, percusión y voces, Rob McNelley - guitarra eléctrica, Tommy MacDonald - bajo, y Reese  Wynans en órgano B3.

"Una vez  estaba en el club de Buddy Guy's y Buddy Guy y Magic Slim estaban en la barra bebiendo whisky. Estaba tocando una banda de covers de Buddy  para recaudar dinero para el funeral de una leyenda local de blues de Chicago. Magic Slim iba a tocar y yo realmente quería tocar con él. Le pregunté si dejaba que me sentara con él. Es un hombre muy grande, me miró de arriba abajo y dijo: "Está bien, pero no intentes tirar  ninguna mierda sobre mí". Estoy de acuerdo dije yo, por supuesto que no, y aunque no estaba muy seguro de lo que quería decir, pudo más la emoción de tocar a su lado que asentí a todo lo que me decía". http://blues.gr/profiles/blogs/an-interview-with-tim-too-slim-langford-the-slide-is-like-someone

0267. JOHN CEPHAS & PHIL WIGGINS - PRISON BLUES

ENTRE EL PIEDMONT BLUES Y EL URBAN BLUES.

A diferencia de otros estilos de blues como el slide blues propio del Delta de Mississippi (que por cierto también podía realizar), the stark, brooding Swamp blues de Louisiana, o el Texas “staccato” type,", el Piedmont blues, nacido en las estribaciones del sur de Virginia y Carolina del Norte y del Sur, es una forma especial de blues, no sólo debido a su complejidad, sino también su diversidad. Su ejecución implica una  alegre digitación de las cuerdas, que es a la vez rítmica y melódica, una técnica de dos puntas que lleva la melodía. Simultáneamente a esta doble acción, es el patrón de bajo pie que acompaña impulsado por el pulgar, que John Cephas denominó el "Williamsburg Lope."  Irónicamente, aunque clasificado como uno de los más intrincados blues, el estilo Piedmont también se considera uno de los más primitivos. 

Muchos estudiosos coinciden en que su origen realmente se puede remontar a las bandas de baile country de la época colonial. Y, John, él mismo, un buen historiador del blues, a menudo señaló relaciones directas entre Piedmont blues y el estilo desempeñado por sus antepasados ​​de África Occidental en Senegal y Mali, ambos destinos en sus visitas a ese continente.

Durante años, la región del Atlántico Medio fue bendecida con los tres grandes exponentes de esta segunda generación de blues que usaba el lenguaje arcaico: John Jackson, Archie Edwards y John Cephas, que eran todos gigantes reconocidos en el campo acústico y que tenían extensas historias de grabación que dan amplio testimonio de sus respectivos genios. Todos eran verdaderamente leyendas en su propio tiempo. Aunque John Cephas podía tocar de la manera tradicional propugnada por Jackson y Edwards, se propuso a sí mismo, un estilo de "blues acústico urbano." Mientras que Jackson y Edwards eran básicamente renovadores, no se alejaban demasiado de esta especie originaria de blues, Cephas (y su socio de toda la vida, Phil Wiggins, la armónica) fueron más liberales en su asimilación de material nuevo e incluso otros métodos de tocar lejos de estas raíces. Un ejemplo de ello es su álbum de  1992 Flip, Flop, & Fly.  Como cuestión de hecho, a diferencia de Jackson y Edwards, no sólo  Cephas y Wiggins eran más propensos a cruzar el umbral eléctrico, sino también tocar con todas las posibles configuraciones de apoyo de los músicos de los pequeñas bandas de Nueva Orleans.

Cuando defendía este eclecticismo (que parecía una blasfemia para algunos puristas), John Cephas citaba su propia filosofía como músico. "Sí, podría tocar ese antiguo período de la música blues durante todo el día; pero un artista tiene que ampliar sus horizontes. El Piedmont blues, al igual que cualquier otra cosa, tiene que evolucionar, tiene que ser más moderno". También a diferencia de sus dos ilustres contemporáneos, la predilección de John para la experimentación puede haber sido congénita, profundamente arraigada y directamente atribuibles a su curiosidad innata y a su exposición a las diversas influencias cosmopolitas de Washington, DC, experiencias un tanto negadas o limitadas a los otros dos bluesman. Esto no quiere decir que Jackson y Edwards en su juventud fueran totalmente carentes de acceso a un estilo más urbano. Por el contrario, la región rural donde ellos nacieron  no estaba tan aislada de los cambios que se producían en las tradiciones musicales. Sin embargo, John Cephas, a caballo entre los dos ambientes musicales, especialmente durante sus años de formación, fue probablemente el más predispuesto a tomar prestado composiciones de distintos estilos. Tal vez fue por eso que se mostró más receptivo  a las sugerencias de su acompañante, Phil, una generación más joven que él.

JOHN CEPHAS

Nació el 4 de septiembre de 1930 en Washington, DC, en el vecindario segregado conocido como Foggy Bottom (ahora el sitio de Watergate). Su familia procedía de Bowling Green, Virginia, del condado Caroline. Y la historia de su vida había sido un romance entre estas dos comunidades. 

El considerable patrimonio musical de John Cephas surgió de una variedad de fuentes. En primer lugar, su madre, Sylvia, era profundamente religiosa y activa en el coro de la iglesia y algunos de sus primeros recuerdos eran de los spirituals que impregnaban el hogar. Animados por ella, él y su hermano cantaban himnos sagrados en un grupo de gospel. No obstante, al mismo tiempo, mantenía una mente abierta sobre la aceptación de la música secular. 

Cuando tenía nueve años de edad, cayó bajo el hechizo de su tía Lillian y su novio, Haley Dorsey. Ambos  eran guitarristas bastante pulidos que estaban a favor de los estilos de blues de Lil Green, Billie Holiday, y Bessie Smith. Dorsey también podía hacer una interpretación aceptable de baladas pop y torch song of the day. Convencido de que quería conocer otros estilos musicales, John comenzó a practicar subrepticiamente progresiones de acordes en la guitarra de su padre, una actividad por la que recibió una paliza más de una vez. De hecho, su padre, Ernest, en un arranque de frustración, finalmente cedió y renunció a la propiedad del instrumento.

Estas dos personas, cruciales para su desarrollo musical,  se compensaron con otras dos que dominaban algunos estilos de country: su abuelo, John Dudley, y su primo, David Talliaferro. Dudley no era el modelo a seguir pues, según sus padres, era un bebedor y mujeriego, pero pronto se convirtió en una inspiración para su joven nieto. Seducido por su calidez, encanto, y su "alegría de vivir", John no sólo estaba intrigado por su aptitud como cantante, pianista y guitarrista, sino también donde se tocaba  "la música del diablo." Parecía saber todo sobre el road house, juke joints y antros donde el blues se desarrollaba en el territorio. 

Aunque su abuelo le enseñó  algunos indicadores en la guitarra, en realidad era un primo mayor, David Talliaferro, que le dio un curso de entrenamiento intensivo en los rudimentos del  piedmont style. Aunque era un virtuoso reconocido en su oficio, David fue también un maestro paciente y John, después de mucho trabajo en solitario (y escuchando discos en 78 rpm de músicos de blues como Blind Boy Fuller, Blind Blake, Reverend Gary Davis y Blind Lemon Jefferson ), finalmente pudo dominar este difícil arte de la coordinación de movimientos. No pasó mucho tiempo después de que este dúo hiciera algunas presentaciones en todo el condado de Caroline.

En los años de 1940 completó toda su escolarización en Washington, DC, y se graduó de Cardoza High en 1948. En su adolescencia, él y sus amigos del vecindario se paraban en las esquinas a cantar armando grupos de whop en cada lugar como Ink Spots, Mills Brothers, y The Orioles. En ese momento, estaba cerca de la Iglesia Bautista de Springfield donde John se presentaba regularmente con un pequeño grupo de Gospel que incluso llegó a tocar con Five Blind Boys of Alabama. En la formación musical primigenia de John tuvo una participación importante Cliff Tyler, el líder de The Harmonizers Capitol. Cliff necesitaba una voz de bajo y sabía de la reputación de John como un cantante que podía abarcar varias octavas, e incluso entregar, cuando la ocasión lo requería, un falsete con perfecta afinación. Aceptando la invitación, John pronto se integra bien con el grupo. Aún durante la gira fue capaz de cumplir con todos los otros grupos de gospel famosos en ese entonces como el del  profesor Alex Bradford participando también en todos los ámbitos de renombre de la "Chitlin'Circuit," incluyendo el Apollo de New York y el Regal en Chicago. Sin embargo, la Guerra de Corea pronto interfirió  con las aspiraciones de su carrera. 

En 1951 John fue reclutado. Después del entrenamiento básico en California, participó de la guerra con la tercera división de infantería. Siempre  consideró "suerte" el haber sobrevivido a varios roces con la artillería enemiga. Cuando su servició en el ejército expiró luego de dos años,  él estaba muy feliz de regresar a Washington, DC.

Al igual que  la mayoría de los veteranos de aquella época, se encontró que las oportunidades de empleo sólido eran escasas y consigue empleos temporarios yendo de un lugar a otro. A finales de los años 50, incluso intentó trabajar como un primer oficial en un buque de pesca estacionado en Lewes, Delaware. Esta situación de vida lo llevo a tener problemas con el alcoholismo lo que perjudicó notablemente su carrera como músico.

Así fue que la primera mitad de la década de los '60 fue desperdiciada por su adicción al alcohol, hasta que finalmente su madre lo rescató al internarlo en distintas clínicas de rehabilitación en el St. Elizabeth y en el Washington Hospital Center. A partir de entonces, sintiéndose profundamente decepcionado por la falta de oportunidades  y por  la escasez de beneficios que recibía tocando, puso su guitarra en el estante durante los próximos cinco años más o menos. Consiguió un trabajo respetable como  maestro carpintero en el arsenal de la Guardia Nacional del Ejército y a él se dedicó durante el resto de los años '60.

Sin embargo, un caso fortuito pronto iba a cambiar su vida. Aproximadamente a mediadosde los '70 en una fiesta de cumpleaños, un bluesman de visita (que procedía de Birmingham, Alabama), un pianista barrelhouse autodidacta, Wilbert "Big Chief" Ellis, se encontró con John y fue informado de inmediato por los huéspedes sobre sus prodigiosas habilidades con la guitarra. El interés de "Big Chief" fue inmediato y convenció a John  de buscar a su instrumento. Sorprendido por lo que había oído, este veterano del circuito folk y blues convenció a John que, efectivamente, con su habilidad podía trabajar en el mercado de la música blues y lograr un reconocimiento económico.

Ellis  y John tocaron juntos, y esto fue un presagio de la fructífera colaboración de John con Phil Wiggins. La respuesta del público fue inmediata y entusiasta lo que resulta en un número cada vez mayor de conciertos. Este dúo, que se hizo conocido como  Barrelhouse Rockers, también atrajo la atención un par de productores; tanto es así, que a mediados de los años 70 los dos grabarían tres álbumes con sellos independientes. En primer lugar, hubo un LP para el sello de Pete Lowry Trix, "Fallin 'Rain." Luego vino un álbum para la Biblioteca del Congreso bajo la dirección de Dick Spottswood. Por último, hubo otro proyecto para el Instituto de Blue Ridge grabado en Ferrum College (en el suroeste de Virginia) bajo los auspicios de Kip Lornell. En 1976 participaron  en el  American Folklife Festival, en Washington, DC, y para John, en particular, fue una cita con el destino.

Después de graduarse de la escuela secundaria en 1973, armonicista Phil Wiggins, viajaba regularmente con el guitarrista de folk blues Flora Molton y en 1976 la reputación de los dos era tal que ya habían habían conseguido algunas invitaciones a distintas  celebraciones anuales y festivales. 

Bill Heard, quien trabajaba en el blues bar, Childe Harold, en Connecticut Ave., tenía una política de contratación para el Festival Folklife. En una de esas noches,  fue presentado el dúo de John Cephas y Ellis. Johnny Shines, músico de slide blues de  Chicago, les presentó a  Phil Wiggins y ambos le ofrecieron un lugar en el escenario. Y así se sembró la semilla para que Phil se sumara al Barrelhouse Rockers formando un trío (o cuarteto con la incorporación del bajista, James Bellamy). Pero fue  un asunto de corta duración ya que Big Chief Ellis murió a los 63 años en diciembre de 1977. A partir de entonces, John y Phil imaginaron que podrían continuar como dúo en el mismo molde que otra famosa pareja de Piedmont Blues:  Sonny Terry y Brownie McGhee. 

Pero Phil todavía tenía distintos compromisos a finales de los años 70 y no podía dedicar toda su atención  a su nuevo experimento con John Cephas. Cuando no asistía a la universidad en New Jersey o en Washington, DC, a la Universidad de Howard, estaba tocando de vez en cuando en un trío con  Archie Edwards y la  fallecida Esther Mae "Mother" Scott. 

Según Edwards, Flora Morton, con un pequeño grupo (que excluye Phil) había ido  a Nueva Orleans en un intento de conseguir un lugar en el Jazz Fest de 1978 Si bien ella no logró estar en la agenda original, se topó con Axel Küstner, un respetado fotógrafo, que trabajaba para  Horst Lippmann. Lippmann, músico de jazz de Alemania Occidental, escritor, director de televisión, empresario, promovía una idea particular: que el influyente  American Folk Blues Festival siguiera haciéndose en Europa (establecido por primera vez a principios de los años 60). Confiando  en el buen juicio de Küstner, Lippmann  y el ingeniero Siegfried Christmann (encargado de registrar a Flora Morton en una sesión en Estados Unidos en 1980)  produjeron Living Country Blues U.S.A. vol.3: Flora Molton & the Truth Band  (que incluía a Phil Wiggins) y fue publicado en 1981 por el sello L & R. 

Cuando Küstner preguntó sobre otros candidatos que pudieran ser contratados por el sello L + R,  Flora Molton no dudó en lanzar los nombres de  Archie Edwards y John Cephas. Poco después, Küstner y Christmann viajaban a la casa de John Cephas en el condado de Caroline para grabar "Living Country Blues U.S.A., vol. I: 'Bowling Green' John Cephas y Phil Wiggins", un largo trabajo de grabación y edición y que en 1998 fue recogido por Evidence Records  y renombrado "Goin' Down the Road Feelin' Bad" . 

Tan impresionado estaba Lippmann con el dúo hasta ahora desconocido, que invitó a Cephas y Wiggins a Alemania para ser parte de su American Folk Blues Festival  y luego para una gira posterior que constaba de treinta conciertos en Austria, Suiza, Francia e Inglaterra. Sus conciertos en Kamen y luego Siegen, Alemania, junto con Sunnyland Slim, Louisiana Red, Hubert Sumlin, y Carey Bell también fueron grabados y se publicaron  en un álbum para L + R Records con el nombre de "American Folk Blues Festival '81". 

En su asociación de cuatro años con Lippmann, Cephas y Wiggins también contribuyeron con grabaciones de, por lo menos otras,  tres compilaciones de L + R. Finalmente en 1983, Lippmann publicó "Sweet Bitter Blues" incluyendo grabaciones en vivo y que, a partir de 1994, fue distribuido por Evidence Record.

Este torbellino de conciertos en el extranjero durante los años 80 fue particularmente significativo para Phil Wiggins que no sólo le permitió crecer como profesional, sino también solidificar su amistad con John; tanto es así, que después de su regreso de su primera excursión en el extranjero, se dedicó a disolver otro proyecto en el que estaba implicado, un equipo de R & B con el batería Eric Sheridan.

Irónicamente, aunque aclamados como semidioses en el extranjero a principios de los años 80, tuvieron muchas dificultades para obtener el reconocimiento en su propio país. Parecía que el acoustic blues,  perdía terreno con la versión eléctrica de Chicago. 

Pero el elemento clave en el éxito futuro de los dos era que ambos aceptaban prácticamente cualquier oportunidad de tocar en los EE.UU.  y esta perseverancia finalmente dio sus frutos, ya sea (según Phil) "esquivando una lluvia de balas en Honduras o escapando del acoso policial  en la Columbia". En muchos de estos lugares iban patrocinados por el Departamento de Estado de los EE.UU. como  "embajadores de buena voluntad" y sólo un año, en 1984, tocaron en treinta y dos países diferentes. Durante la década de los 80, estuvieron en África, China, Australia y Nueva Zelanda y se encontraron entre los primeros americanos que llevaron a cabo en Moscú durante  1988, el primer American Folk Blues Festival en Rusia.

Y por otra parte, el trabajo de Cephas y Wiggins eran también fructífero  en el estudio, llevando a cabo actividades que les darían honores inesperados a mediados de la década. 

En 1986, ganaron dos premios  Handy de la Blues Foundation. El primero fue concedido en reconocimiento al  Mejor Álbum Tradicional del Año "Dogs Days of August" grabado para Flying Fish Records, cuyo antecedente fue una  grabación de 1985 "Let it Roll: Bowling Green"   producido por Larry McBride de Marimac Records. Dado que todos los discos de L + R eran difíciles de encontrar, esta empresa estaba destinada a ser nada más que un vehículo de promoción. No obstante la calidad técnica, del sonido, Let It Roll: Bowling Green, llegó a oídos de Bruce Kaplan, de Flying Fish Records quien le cambió el nombre  y lo presentó públicamente en Chicago. 

Dos años después también  para Flying Fish Records, publican "Guitar Man" (1988) , con Chris Rounds en la batería, siendo  nominado para un segundo premio Handy. 

Con el cierre de la década, Cephas y Wiggins completaron "Walking Blues" para Marimac, una etiqueta que comenzó a promocionar artistas de la guitarra  acústica como Bruce Hutton y Eleanor Ellis. 

Eleanor Ellis, consciente de la rica herencia del Piedmont blues en la región del Atlántico Medio, capturó esta forma única del género musical americano en forma de un documental. Y en 1985, cuando los principales exponentes de este estilo estaban reunidos en una comida al aire libre  en la casa rural del difunto John Jackson en el condado de Fairfax, Virginia registró lo ocurrido allí y produjo Blues Houseparty: Music, Dance and Stories by Masters of the Piedmont Blues . Después de cuatro  años de trabajo, en 1989, Ellis presentó este tributo en la Folklore Society of Greater Washington at the Washington Ethical Society. 
Con la participación de John Cephas and Phil Wiggins, Archie Edwards, John Jackson, James Jackson, Cora Jackson, Flora Molton and Larry Wise, John Dee Holeman and Quentin 'Fris' Holloway el documental retrata, al decir de Ellis, " una reunión extraordinaria de músicos amigos que también son algunos de los más grandes maestros del Piedmont blues de Estados Unidos. Fue un privilegio formar parte de este evento y  documentar ese día maravilloso ".

John Cephas se veía a si mismo como un preservacionista del blues. Se preocupaba de que una gran cantidad de tradiciones musicales no se perdiera a lo largo de los años y para ello, en 1987, Cephas, junto con Ellis y el musicólogo de la Universidad de Maryland,  el Dr. Barry Pearson, fundó la DC Blues Society. De hecho, John Cephas se convirtió en su primer presidente y Phil en el segundo. Tres años más tarde, Pearson está dispuesto a publicar una extensa biografía (y tratado académico de la música) de su héroe personal, John. Así publica "Virginia Piedmont Blues: The Lives and Art of Two Virginia Bluesmen" junto a la Universidad de Pennsilvania. El libro se centra en las vidas de Archie Edwards y John Cefas en la historia y el desarrollo del género Piedmont Blues, que Pearson considera como una historia cultural compartida y modelos musicales entre las comunidades blancas y negras de la región, la perpetuación de las tradiciones y una mayor interacción social entre los músicos blancos y negros, que es muy diferente a la que se desarrolla en la región profundamente segregada Delta.

En reconocimiento de los esfuerzos de John para conservar y perpetuar estas tradiciones musicales (también se desempeñó como miembro ejecutivo del Consejo Nacional de las Artes tradicionales), fue condecorado con el prestigioso National Heritage Fellowship de la Fundación Nacional para las Artes en 1989.

El último trabajo de Cephas y Wiggins para Flying Fish, es el álbum "Flip, Flop & Fly", de 1992. El álbum muestra uno de los mejores momentos acústicos del dúo recorriendo temas tradicionales del blues, el piedmont y roots.
La muerte prematura de los directores Bruce Kaplan de Flying Fish Records en 1992  y de Larry McBride de Marimac en 1993, dejaron a ambos  sin un contrato de grabación. Pero el descanso de grabaciones en estudio no perduró por mucho tiempo ya que fueron contratados  por Chesky Records, fundada en 1978 en Nueva York por los hermanos David y Norman Chesky. Con ellos grabaron "Bluesmen" (1993) un trabajo donde se incluyen canciones tradicionales y composiciones de Luther Dixon, Mance Lipscomb, Blind Blake, W.C.Handy ejecutadas con la calidad y el estilo piedmont blues que son capaces de crear estos músicos.

Su mayor éxito llegó con su asociación (de más de una década) con Alligator Records de Bruce Iglauer. Invariablemente producido por Joe Wilson, Cephas y Wiggins publicaron no menos de cuatro álbumes con esta empresa con sede en Chicago. El primero de ellos, "Cool Down" de 1996,  grabado en Hyattsville, Maryland, fue considerado durante mucho tiempo entre los críticos como su obra magna. En el tema de Cephas,"Backbiter, se pueden oír los acordes que recuerdan el estilo Delta de Elmore James. Con "Special Rider" de Skip James, Cephas explora los rangos más altos de su melosa voz de barítono.  Es un ejemplo de como, algunos músicos de blues, mejoran con la edad.
En 1998 Alligator publica "Homemade", un trabajo donde combinan de manera única el sonido rústico sureño con la calidad propia del sonido del piedmont. 

"Somebody Told the Truth" publicado en 2002  en Clarksville, Maryland, trae una mezcla de temas grabados en estudio y en vivo con las combinaciones propias del dúo: blues tradicional, Delta Blues, Piedmont Blues y gospel se dan cita en este convincente trabajo.
Una de sus canciones favoritas fue el single que abría el disco, “Stack and the Devil”. Sobre esto, John, siempre decía entre risas: “"He oído algunas historias del Sr. Stack y la señorita Diablo, pero no puedo cantar mucho, porque Phil Wiggins es demasiado joven y debo protegerlo"”. 

En 2006 se publica "Shoulder to Shoulder". Con un estilo sólido y maduro, los temas del álbum van siendo brillantemente interpretados  por Cephas en la guitarra y voz y conducido por Wiggins con la armónica. El dúo es acompañado  Ann Rabson (en piano) en seis pistas, por Daryl Davis en uno y y por el bajista Andrew Volpe en dos. "El trabajo en equipo es inspirador ... maravillosamente rico en voces, guitarra acústica y la notable armónica de Wiggins se completan con la plenitud en el espíritu y el alma que conlleva la tradicional música del piedmont." (Washington Post).

Entrado el nuevo milenio Bullseye Records publica "From Richmond to Atlanta" en el año 2000, que incluye material grabados entre 1984 y 1992 para  Flying Fish adquirida luego por Rounder después de la muerte de Kaplan. El álbum contiene una interesante selección de temas donde se expone toda la inspiración de la que el dúo es capaz al tocar Piedmont Blues.

En 2008, "Richmond Blues", es publicado por  Smithsonian Folkways Recordings como parte de Smithsonian Folkways African American Legacy series. Supervisado por el ya mencionado Dr. Barry Lee Pearson y  grabado en el estudio Slipped Disc, Richmond Blues sirve como un homenaje  final a Cephas. Contiene un folleto de treinta y dos páginas y más de sesenta y cinco minutos de música, preservando la esencia de Cephas y Wiggins con una selección de dieciséis pistas, fieles a la tradición del Piedmont blues de Virginia , respetando una tradición que le debe más a las influencias de los negros que habitaban los Apalaches que al Delta del Mississippi. Ragtime, gospel, y string band reels, country, y R&B con el sonido característico de Piedmont Blues hacen de éste un verdadero álbum clásico.

En febrero de 2009 fue honrado por el Estado de Virginia como un pionero de la música Piedmont. Y en marzo de 2009, luego de reducir sus viajes por problemas de salud, falleció en su casa de Woodford en Virginia, a los 78 años a causa de una fibrosis pulmonar.

Después de su fallecimiento el  DC Blues Society dispuso un servicio para su fundador y mentor de toda la vida el  29 de marzo en el Baird Auditorium of the Smithsonian National Museum of Natural History. Participaron del evento Corey Harris, Eleanor Ellis, Daryl Davis, y  Phil Wiggins.
"En el blues escuchas historias de vida. Es tan cierto como las experiencias que uno recoge en su camino. Todo lo que tienes que hacer es escuchar a las letras, y verás que están relacionados con alguna experiencia fiel de la vida de alguien." http://www.smithsonianmag.com/arts-culture/blues-legend-john-cephas-on-his-music-56427945/?no-ist

PHIL WIGGINS

Para entender a Phil Wiggins y su música, es necesario comprender las características de su ciudad natal:  Washington, DC. Phil nació el 8 de mayo de 1954 en Washington DC. Conocida  como la "ciudad del chocolate", ya que es, quizás, la ciudad con más población negra de América y Phil  la compara con "una ciudad del sur." 
Durante la gran migración de los estadounidenses negros del sur rural a las ciudades del Norte, desde principios del siglo XX y hasta entrados los '70, la población de Washington, DC explotó como otras ciudades del norte, cuando muchos hombres y mujeres afroamericanas llegaron en busca de oportunidades económicas escapando de las leyes segregacionistas.  Al igual que otras grandes ciudades del norte, la afluencia de los negros que habitaban el sur rural  llevaron consigo sus tradiciones y su música. Pero a diferencia de Chicago, Memphis y San Luis, en el Distrito de Columbia nunca se desarrolló una escena del electric blues comparable y mantuvo su historia y su folclore rural, propias de la región del Atlántico Medio.

El Piedmont blues, propio de esa herencia cultural, era practicado a lo largo de toda la región del Atlántico Medio (Virginia, Carolina del Norte y del Sur y Tennessee). Esta rica tradición popular del Piedmont, debe mucho a otros estilos músicales como el ragtime, la música tradicional de los Apalaches, el African American string music, el spirituals y el gospel. 

Blind Blake, Blind Boy Fuller, Blind Willie McTell, Rev. Gary Davis, y muchos otros a lo largo de la Costa han hecho que este estilo de música haya ganado cierta fama en todo el Sur norteamericano. El status del Piedmont blues, en comparación con su famoso primo, el blues del Delta de Mississippi, se representa con su mejor ejemplo cuando John Jackson fue a Inglaterra y fue considerado como "Mississippi John Jackson." Con sus modales suaves propios de un nativo de Virginia protestó:  "Pero yo no he estado nunca en Mississippi,". 

Muchos músicos locales eran maestros en el Augusta Heritage Center of Davis & Elkins College en Elkins, West Virginia, una institución cultural de inmensa importancia para el desarrollo de folk blues en la región. John Jackson, John Cephas, Phil Wiggins, Eleanor Ellis y otros eran todos los maestros que sostenían talleres de blues en el centro de Augusta y en otros programas educativos a nivel nacional. 

Otro lugar que hacía de lugar de encuentro de músicos cultores del Piedmont Blues era la barbería de Archie Edwards.  Miles Spicer explica, "Archie Edwards tenía una barbería en Bunker Hill Rd. en el noreste de Washington DC desde la década de 1950 hasta su fallecimiento en 1998. Los sábados por la tarde, cuando ya dejaba de cortar el pelo, sacarba su guitarra y tocaba el blues piedmont que aprendió durante su juventud en el suroeste de Virginia. Siempre se juntaba mucha gente en el lugar, desde transeúntes hasta músicos principiantes ".

Tal vez la mayor dúo de armónica y  guitarra más reconocido en la tradición músical del Atlántico Medio fue el de Sonny Terry (Saunders Terrell), un armonicista ciego y Brownie McGhee, un guitarrista y cantante muy influenciado por Blind Boy Fuller . Su asociación duró más de cuatro décadas y  podría decirse que, los verdaderos herederos de este equipo de leyenda, eran  "Bowling Green" John Cephas y "Harp" Phil Wiggins. Desde la muerte de John Cefas en 2009, Phil Wiggins ha seguido su carrera por su cuenta como solista. Esta es su historia:

Phil Wiggins es armonicista tradicional  de la vieja escuela del piedmont blues, pero él puede tocar cualquier cosa, Delta blues, folk, o lo que sea, siempre en el viejo estilo de los grandes armonicistas: Jaybird Coleman, Hammie Nixon, DeFord Bailey, y, por supuesto, Sonny Terry. "Me encanta Little Walter. Mi idea desde el principio era de expresarme musicalmente. Todo el mundo estaba copiando Little Walter. No es de extrañar. El fue un genio. Pero sólo quería mi propio sonido. Yo quería decir lo que estaba en mi propia mente. Tengo suficiente ego para pensar que tal vez alguien me va a querer copiar ".

Sus complejos patrones sincopados, su increíble control de la respiración y el ritmo, el virtuosismo estilístico, y su carrera solista no se termina en evocar los grandes armonicistas del pasado. La mayoría de los armonicistas miran a Phil Wiggins con asombro, simplemente porque su virtuosismo es ilimitado. Él puede tocar un solo sensacional, letalmente feroz y un segundo después entrar en la melodía con dulzura y sensibilidad elocuente. 

Phil Wiggins es llano y no manifiesta su ego, en el sentido convencional. Él es amable, pero teniendo en cuenta que se ubica como uno de los intérpretes de armónica más destacados en el mundo, su personalidad es poderosa.  Una vez que se llega a conocer a Phil, encontramos un hombre fascinante, un artista que ha llegado a un nivel impresionante de realización personal, no sólo en su virtuosismo musical sino también, en su experiencia de vida.

Blues legend B.B.King (2nd L), Della Reese (L) and Piedmont blues duo Phil Wiggins (2nd R) and John Cephas(R) perform at the 'Legends of the Blues: In Performance at the White House' concert in Washington, DC, 28 July 1999. A group of blues artists performed before President Bill Clinton and his wife Hillary and an invited audience at the South Lawn of the White House. AFP PHOTO/Manny CENETA

Ha conquistado su fama luego de  40 años de trabajar como artista de blues acústico de la costa este y sin embargo, hay una tristeza inherente en su comportamiento.  Cuando formaron el dúo con John Cephas, John era 25 años mayor que él. Su larga y exitosa asociación duró hasta la muerte de John. Durante esas  décadas, recorriendo juntos el país y  el mundo, produjeron varios  álbumes y han logrado el reconocimiento internacional. Tocaron en la Casa Blanca para los Clinton, ganaron distintos premios y participaron en infinidad de recitales.  De repente, después de la muerte de John, Phil tuvo que hacer frente a la transitoriedad de la vida ya que perdió al amigo y al compañero de ruta, con el que había pasado la mayor parte de su vida adulta y la profesión. La muerte de John Cephas  era una pérdida dramática de Phil. Se asoció con el bluesman de  Virginia Occidental Nat Reese, pero  poco después, en 2012, Nat murió , dejando de nuevo a Phil en un segundo duelo y sin un compañero musical. 

"Mis padres y todas las otras personas que conocí eran todos del sur. Se mantuvieron con sus costumbres rurales. Las reglas eran diferentes  para nosotros siendo de la primera generación de nacidos en el norte. Nací  en 1954 en el Washington Hospital Center. Mi madre tuvo un embarazo difícil. Tuve una infancia maravillosa en un hogar lleno de música. Mi padre era un cartógrafo en el Departamento del Interior y mi madre era ama de casa que nos educaba a mí, a mis dos hermanos y a mi  hermana. Tanto mi madre y mi padre le gustaba la música. 

Mi padre era un pianista que también cantaba en el coro de la iglesia, y entre sus discos escuché los sonidos de Fats Waller, Earl "Fatah" Hines y Meade Lux Lewis. También tuve una maestra de escuela primaria maravillosa que fue muy influyente en mi formación musical temprana: la señora Brooks. Ella era una mujer negra que tocaba la guitarra acústica. Ella tocaba con Odetta, Pete Seeger y otros músicos populares para nosotros. 

Mi mayor influencia musical, sin embargo, era mi hermano mayor George L. Wiggins, apodado "Skip". El era un guitarrista y cantante y yo lo admiraba. Cuando tenía siete años, murió mi padre y mi madre viuda más tarde se volvió a casar con un militar. 

Con mi nuevo padrastro nos trasladamos a Alemania y la familia vivió en la base en Manheim, de 1965 a 1969. Mi primer instrumento musical serio fue el saxofón, que tocaba en el 7 º grado en la escuela secundaria. Comencé con la armónica por primera vez en el 9 º grado. Cuando la familia regresó a Washington DC en 1969, me presenté con Flora Molton, que era una cantante callejera . Durante muchos años, Flora fue una institución en Washington DC, y pronto llamó  la atención de los muchos folkloristas y estudiosos del blues de Maryland, Virginia y Washington. Su influencia era grande, incluso en mí ... 

En el momento en que estaba en la escuela secundaria, me uní al "Club de Folk" y toque en muchas sesiones de improvisación con mi hermano mayor. También me encantaba la música gospel. Crecí con el gospel y el spiritual en la iglesia, especialmente en el barrio de mi abuela durante las visitas de verano durante mi infancia en Titusville, Alabama". 

"Pero mi epifanía con el blues llegó con el Smithsonian Folklife Festival en el National Mall. Oí el blues acústico tocado por  Johnny Shines, Sam Chatmon, Robert Belfour y Howard Armstrong. y fue entonces cuando me dije ' Quiero tocar blues'. Tocaba en una banda de blues eléctrico entre 1970 y 1973, el año en que me gradué en la escuela secundaria y después hice una presentación con Flora Molton en el  Smithsonian Folklife Festival por primera vez. Bernice Reagon, la cantante de gospel y activista de derechos civiles me llevó a tocar en los festivales de Smithsonian Folklife y estoy agradecido con ella por el resto de mi vida. Poco después toqué en un concierto en Alexandria, Virginia, donde me encontré con el bluesman John Jackson y su esposa Cora. Nunca lo olvidaré.  Me encantaron los Jackson. John era un hombre amable y maravilloso y de una gran influencia musical. Me invitó a tocar con él en el Smithsonian Folklife Festival. Estaba tan inseguro que no lo tomé en serio. Después lo vi de nuevo y él me preguntó por qué no aparecía y me di cuenta, que su invitación era real. 

Poco después, estaba conectado con los principales artistas de blues tradicional de Washington DC y sus alrededores. En el festival de Folklife conocí y me hice amigo Johnny Shines. Nunca olvidaré mis salidas con Johnny Shines. Él era un tipo increíble con una serie interminable de historias. Durante ese tiempo, el pianista de blues y cantante Wilbert "Big Chief" Ellis, un nativo de Alabama, que había tocado con Sonny Terry y Brownie McGhee, tenía una banda en Washington que llamó The Barrelhouse Rockers. John Cephas tocó la guitarra y James Bellamy estaba en el bajo. Una noche, alrededor de 1975, me uní a ellos para una sesión de improvisaciónen Childe Herald, un popular club de música en aquel momento. Johnny Shines me invitó. Fue una noche salvaje. Sunnyland Slim estaba allí y Sonny Rhodes.  

Después "Big Chief" Ellis me pidió que me uniera a su banda. Fue el primer mojón importante en mi carrera. Ahora  había encontrado un lugar permanente como armonicista joven con una banda de blues de reconocidos músicos con trayectoria. Tocamos en festivales de toda la costa este, pero sobre todo en Washington DC. En 1977, Ellis se dirigió  a Alabama. Fue entonces cuando John Cephas me llamó para invitarme a participar y conformar un dúo con él. Así nació Cephas y Wiggins........

John y yo todavía teníamos nuestros  trabajos. John era carpintero en el sindicato de la Armería de la Guardia Nacional y yo trabajaba con unos abogados. Inicialmente, tocábamos a nivel local los fines de semana en los clubes y en los cafés, pero pronto logramos la atención de los expertos de blues alemanes Axel Kunstner y Horst Lippman, que produjeron nuestro primer disco original "Living Country Blues U.S.A., vol. I: 'Bowling Green' John Cephas y Phil Wiggins". Horst Lippmann fue el productor y promotor del famoso  American Folk Blues Festival."

En 1980, poco después de la formación del dúo, Axel Kunstner, en una revista europea de jazz y blues declaró: "A pesar de sus 26 años puede ser considerado como uno de los mejores armonicistas de blues del momento".  Poco después el dúo hizo una gira por Alemania y Europa con el  American Folk Blues Festival y ahora estaban en el mapa de la comunidad internacional de blues. Tocaron en el Festival en 1981, junto con Archie Edwards, James "Son" Thomas y Carey Bell. En 1982, fueron invitados de nuevo, esta vez con Sunnyland Slim y Louisiana Red. 

Ambos grabaron 13 álbumes para distintos sellos discográficos.

• 1981 Living Country Blues USA Vol. 1 (L+R)
• 1984 Sweet Bitter Blues (L+R, reissued by Evidence Records in 1994)
• 1985 Let It Roll: Bowling Green (Marimac)
• 1986 Dog Days of August (Flying Fish)
• 1987 Guitar Man (Flying Fish)
• 1988 Walking Blues (Marimac)
• 1992 Flip, Flop & Fly (Flying Fish)
• 1993 Bluesmen (Chesky)
• 1996 Cool Down (Alligator)
• 1999 Homemade (Alligator)
• 2002 Somebody Told the Truth (Alligator) – U.S. Blues #6
• 2006 Shoulder to Shoulder (Alligator)
• 2008 Richmond Blues (Smithsonian Folkways)

Cuando Bruce Iglauer los convocó para el  sello Alligator Records eran un clásico en las radios de blues y estaban siempre presentes en el circuito de conciertos y festivales. Habían tocado en  todo el mundo como embajadores culturales para el Departamento de Estado de Estados Unidos incluyendo Europa, África, América Central y del Sur, y el Caribe. El centro de Kennedy los envió a China y Australia, donde tocaron varias veces. En 1988, incluso tocan en un festival popular de Rusia en Moscú. En Washington, actuaron en la Casa Blanca para el presidente Bill Cinton y su familia. El Washington Post crítica decía, "Remarkable guitarra y la armónica duetos. Down Beat expresaba," Cephas, con una voz de barítono y compleja y su refinado punteo ragtime son un acople perfecto para Wiggins que maneja distintos estilos de armónica en el campo del blues.".

En 1989, John recibió un premio de National Heritage Fellowship considerándolo un "Tesoro Viviente de American Folk Music". También tuvieron participación en distintas películas. Phil fue presentado en el elenco de la película "Matewon" . Tenía un pequeño pero fundamental papel tocando la armónica, junto con músicos de diferentes etnias en un campamento minero de carbón. Ambos músicos también aparecieron en la producción teatral "Chewing The Blues" y en varios documentales: Blues Country y Houseparty .

Siempre vestido elegante e impecablemente, Phil mostraba una presencia imponente en cualquier presentación, con un gran repertorio de temas originales y tradicionales de blues. Aunque, como cualquier relación que dura  décadas, tenía sus complejidades y luchas, ambos perseveraron  alcanzando fama y reconocimiento internacional. Disfrutaron de una fructífera carrera que duró hasta la muerte de John en 2009. 

Desde la muerte de Cephas y luego de Nat Reese, Phil ha realizado distintas giras con un número variable de músicos, pero nada permanente ha surgido. Ha tocado varias veces con Corey Harris, con Taj Mahal, Alvin Youngblood Hart, Guy Davis y Shemika Copeland. "Hice una visita a Rusia con Guy Davis y Samuel James. Me encanta tocar con mis amigos de toda la vida Eleanor Ellis y Rick Franklin.También he tocado con Toby Walker, y Piedmont Bluz, el dúo de Valerie Turner en la guitarra y su marido Ben Turner en la tabla de lavar. Últimamente, he tocado con varios conjuntos del área de Washington DC, incluyendo lChesapeake Sheiks, con Marcus Moore, Matt Kelly y Eric Shramek.  Mi banda más reciente, 'Phil Wiggins House Party' es un proyecto muy interesante que complementa el Piedmont Blues con los orígenes de la música afroamericana. El conjunto se compone de Rick Franklin en la guitarra y Marcus Moore en el violín".

Phil Wiggins and Corey Harris perform during the 2012 New Orleans Jazz & Heritage Festival

Ha sido profesor de muchos armonicistas y continúa activamente enseñando las técnicas en el uso de la armónica.  Además, él sigue desempeñando un papel activo en el Consejo Nacional de las Artes Tradicionales.

El estudioso de blues Dr. Barry Lee Pearson, profesor de la Universidad de Maryland, ha conocido a Phil desde 1978 y explica: "Phil tiene increíbles capacidades auditivas. Realmente puede oír, escuchar y comprender. Él sabe cuándo entrar y cuándo echarse hacia atrás. Él es un músico en su totalidad, alguien que ve más allá de la superficie. A través de los años ha desarrollado una capacidad extraordinaria para llevar su armónica a un sonido excelente y una notable capacidad de expresar los sentimientos. Él y John Cephas eran uno para el otro. Phil tiene un don para saber lo que funciona y lo que hace mejor la canción. Él sabe cómo interactuar. La última vez que lo vi fue tocando en una sesión de grabación con Nat Reese antes de morir". 

Phil Wiggins sigue buscando, experimentando, y haciendo su experiencia solista. "No he encontrado un sustituto para John ... tal vez nunca lo haré. Pero me estoy moviendo hacia adelante. Siempre mantengo mis oídos y el corazón abierto hasta que pueda encontrar la conexión correcta. Fue genial tocar con Corey Harris. ¡Increíble! También me gusta hacer mi propia música. Yo sé que no tengo una voz bonita como John, pero mi canto es bueno. Y me encanta contar historias y las personas reaccionan bien a ello. Les gusta. Ha sido importante para mí para ser comprendido. Cada persona escucha palabras de acuerdo con su experiencia de vida. Cuando las personas necesitan comunicarse y las hechos son extremadamente interesantes, la poesía puede suceder.".

En 2014 inició una gira de conciertos por la Costa Este de los EEUU junto al guitarrista y vocalista australiano Dom Turner. 

Con su banda, Phil Wiggins & The Chesapeake Sheiks publicó en 2015 el álbum "No Fools No Fun" para el sello Silverbich Records. La mayoría del material proviene de canciones clásicas, en general  blues,  jazz, swin. La mayoría de las pistas son canciones entretenidas y animadas. 

Phil Wiggins and the Chesapeake Sheiks

Esta apertura hacia los trabajos solistas nos permitirá encontrar a Wiggins en un trabajos más audaces, más valientes e innovadores.