0256- EARL HOOKER - GUITAR RAG

EL MAESTRO OLVIDADO
Gracias a su trabajo limpio y preciso con la guitarra, que hacía que cada nota sonara tan clara como una campanada, Earl Hooker se convirtió en uno de los guitarristas más puros que tuvo el blues de Chicago en los años 50 y 60. Un artista con mucha inventiva, que pudo llegar a ser una estrella de no ser por su escasa habilidad vocal y por la tuberculosis que se lo llevó a los 41 años de edad.

Es posible imaginar que un  guitarrista de la talla de BB King, Buddy Guy, y Albert King sería al menos tan bien conocido como ellos. Se podría pensar que un precursor en el uso del pedal de wah-wah, y que fue reconocido como su maestro por Jimi Hendrix,  llevaría consigo una alta estima popular. Debería darse por sentado que alguien que cambió la técnica de la guitarra slide y, que fuente de inspiración para la canción "Whole Lotta Love" de Zeppelin merecería una mención particular en cualquier historia del rock estándar. Sin embargo, al margen de sus compañeros y de los cultores y estudiosos del blues, Earl Hooker apenas fue recordado. Aunque el hecho de que su primo, John Lee Hooker, tenga mayor reconocimiento que él  no ha ayudado a que su nombre integre la lista de famosos bluesmen. 

Earl Hooker fue el epítome del músico de blues de trabajo. La pobreza, la mala salud,  y la poca recompensa crítica o financiera caracterizan su vida. Nació en la miseria rural en el delta del Mississippi en 1929, creció en la pobreza urbana en Chicago, desarrolló un tartamudeo severo, nunca aprendió a leer ni escribir, sufrió de tuberculosis la mayor parte de su vida adulta y murió en 1970. En medio de todo esto se estableció como premier guitarrista de Chicago en una carrera que incluía  conciertos constantemente y muy pocas grabaciones. Esta es una historia de arte que se reconoce en medio de la adversidad y el sufrimiento. Este es el blues.

Earl Hooker tocó y vivió el blues. Tocó en un estilo Delta adoptado en gran parte de Robert Nighthawk con un toque de T-Bone Walker, pero lo hizo con un estilo y extravagancia incomparable que lo distinguió de cualquiera de sus contemporáneos. Formó parte de la escena de Chicago, pero su estilo no era simplemente un sonido de Chicago, ya que tenía una afición por el West Country y cierta inclinación hacia el jazz. Experimentó con cualquier nueva tecnología que podía conseguir. Nadie le podía emular en la precisión o control de la guitarra. Como dijo BB King de él:  "Para mí es el más grande. Siempre sabía lo que estaba haciendo. Por ejemplo como un  conductor de camión - le dices que tiene que estacionar al lado de la acera y él sabe exactamente dónde colocar la plataforma. Así es como Earl Hooker tocaba ... "

La falta de reconocimiento dependía  de muchos factores, entre ellas su mala suerte, el enfoque de la industria discográfica y su preferencia por la vida itinerante en particular. También fue principalmente un instrumentista en un género en el que el vocalista es central. Su reputación en general dependía de sus actuaciones en vivo y muchas veces tocaba en los bares fuera de los circuitos comunes colocándose fuera del mercado discográfico.  

El retrato detallado de su  vida y  su carrera es testimonio de una pieza minuciosa de la "historia oral". Sobre la base de innumerables entrevistas con aquellos que conocieron y trabajaron con Hooker, se puede rastrear una carrera rica en detalles e intrínsecamente interesante que logra reconstruir la vida afroamericana en los turbulentos años de la posguerra. 

La historia de Earl Hooker puede anclarse a la de artistas menos renombrados como Andrew Odom, Big Moose Walker, y Mel London que fueron  las más importantes en la carrera de Hooker. 

Earl HOOKER and Clifton CHENIER and MAGIC SAM

El ambiente económico-social en que Earl desarrollo su historia era duro y su legado fue la la enfermedad y una personalidad desconfiada. Hooker era un hombre difícil con los demonios en abundancia. Él era un músico independiente, sospechoso de contratos a largo plazo y con poca comprensión de la importancia de la grabación de su música. La pobreza y la inseguridad de su entorno lo llevó muchas veces a ser un ladrón y un estafador. 

Ese medio social  se presenta en toda su crudeza, en toda la poesía y la humanidad de Hooker. Los trabajadores negros pasaban los fines de semana escuchando a uno de los suyos, aunque se tratara de los recolectores de cosechas estacionales en la Florida o los trabajadores del acero en los pueblos del norte. Amaban a Hooker - él era el rey del Juke Joint y de los pequeños clubes. Chicago fue su casa pero su carrera fue realmente en lugares como El Cairo, Waterloo, Gary, y un sinnúmero de ciudades que salpicaban el mapa  en los estados del sur. Aquí es donde perfeccionó su talento, añadió nuevo material, encontró lo que funcionó, y lo mezcló con un talento para el espectáculo artístico preciso.

Hooker grabó esporádicamente a lo largo de su carrera, pero sobre todo en los dos últimos años de su vida (exponiendo casi 30 años en la carretera). 

1929-1946: CHICAGO - INFLUENCIAS
Earl Zebedee Hooker  nació el 15 de Enero de 1929 en Quitman County, Mississippi. 

De una creatividad apabullante supo conjugar perfectamente las raíces del blues del Delta con el blues urbano y la maestría a la slide transmitida por su mentor Robert Nighthawk, con las innovaciones que poco a poco fue adoptando a mediados de los años 60, como el uso del pedal wah-wah, algo no muy habitual en el blues, la utilización de guitarras de doble mástil y la incorporación del órgano al blues, herencia del maestro de los años 50, Jimmy Smith. No es casualidad que músicos tan dispares expresaran lo siguiente sobre Earl Hooker.

Jimi Hendrix lo calificó como “el maestro del pedal wah-wah”, Buddy Guy dormía con un slide de Hooker debajo de la almohada para ver si se le pegaba algo , B.B. King afirmó en repetidas ocasiones que fue uno de los mejores guitarristas que había escuchado y Junior Wells, un amigo de su infancia, dijo “no sabía leer, no sabía escribir, pero su música lo decía todo”.

Eddie Boyd, B.B. King, Miss Hi-Fi, Earl Hooker, Louis Myers, B.B’s Drummer – Robert’s Show Lounge in Chicago, Illinois – 1958 (http://bobcorritore.com/)

Con las secuelas de la crisis desatada por el crack bursátil de 1929 que conllevaría a una caída espectacular en los precios del algodón, los padres de Earl decidieron emigrar a Chicago al año siguiente. El hogar que encontraron para vivir fue en la zona del West Side, en un entorno paupérrimo no muy alejado de Maxwell Street y con una tasa de delincuencia muy elevada. El barrio era conocido como “Bloody Maxwell”, por lo que a instancias de su madre se mudaron al South Side. Cuando Earl tenía 10 años, su padre harto de ver que Chicago no era la tierra prometida que había esperado encontrar se marchó a Kansas City dejando abandonada a su familia. Fue aproximadamente en esas fechas cuando Earl decidió aprender a tocar la guitarra. En principio continuaba yendo a la escuela pero entre la falta de entusiasmo de los profesores, que eran blancos y abominaban trabajar en escuelas con una mayoría de estudiantes negros, y que estos establecimientos estaban saturados de alumnos, su interés por la música se incrementó en la misma medida que decrecía su interés por asistir a la escuela. Se sabe que Earl Hooker solo aprendió a leer y escribir de un modo muy elemental. Compañeros de colegio con los que compartía sus mismas ganas por la música fueron Ellas McDaniels, su gran amigo Vincent Duling y probablemente Sam Cooke. Acabaría dejando de asistir a clase, sin que en un primer momento su madre se enterara, y se dedicó a tocar por las calles con Vincent. Callejeando, haciendo música y bebiendo vino barato conocieron a Louis Myers quien se convirtió en otro de sus buenos amigos. Todos hablaban maravillas de la técnica de Vincent pero curiosamente nunca alcanzó el reconocimiento de los demás.

Su familia estaba llena de historias musicales (John Lee Hooker era su primo), y Earl escuchaba la música que se reproducía en su casa a una edad muy temprana.Cerca de los diez años, empezó a tocar la guitarra. El fue un autodidacta y recogió todas las experiencias de las personas que lo rodeaban. Aunque Hooker fue ganando habilidad en la guitarra, no fue igual en su interés en el canto. Él tenía un impedimento en el habla, un tartamudeo pronunciado, que lo acompañó toda su vida. Contrajo tuberculosis cuando él era joven. Aunque su condición no llegó a ser crítica hasta mediados de la década de 1950, requería un control periódico que lo obligaba a concurrir a los hospitales asiduamente.

En este período, el blues recibía en Chicago las influencias de estilos country, swing y jump que ofrecían infinidad de variantes al uso de la guitarra eléctrica.

Durante 1942 T-Bone Walker estuvo actuando en el Rhumboogie Club (club que se sostenía gracias al apoyo económico del boxeador Joe Louis). A Earl le encantaba T-Bone y fue una de sus primeras influencias. Nunca dejó de recordar su deuda con él cuando tocaba la guitarra con los dientes o por detrás del cuello aunque jamás intentó emular el estilo de voz de Walker pero por un motivo muy particular y que explica por qué casi nunca cantó: la tartamudez que era un defecto de familia y que su primo John Lee Hooker logró superar.

Otra de las influencias que absorbió Earl fue la música hilbilly, el country & western, ya que Chicago era desde los años 20 un centro importantísimo para este estilo, no solo por su actividad de grabación sino por los programas de radio, pues hasta que no se llegó a finales de la década de los 40, los medios eran propiedad de los blancos y los intereses de la audiencia blanca prevalecían. Por Chicago llegó a circular una anécdota que decía que Gene Autrey fue uno de los primeros fans de Earl Hooker. Otro maestro ocasional que tuvo fue Muddy Waters. Earl contaba con unos 15 o 16 años y Muddy iba a su casa a pedir permiso a su madre para llevarle a los clubs a tocar con él a cambio de cuidarle. Quien solía llevárselo de gira por Tennessee era John Lee Williamson, Sonny Boy I, pues eran casi vecinos.

No fue en los clubs, sino en las calles del Southside a principio de los años 40, donde Earl Hooker conoció a su mentor y principal fuente de influencia: Robert Nighthawk, uno de los primeros músicos en pasarse a la guitarra eléctrica en Chicago, siguiendo el camino que habían emprendido anteriormente T-Bone Walker, Memphis Minnie, Big Bill Broonzy o Tampa Red. Nighthawk le cogió simpatía al muchacho y le enseñó como tocar en Mi, Re o Sol abierto. Incluso Hooker adoptó algo del carácter de su mentor, la despreocupación y la inquietud.

Desde muy temprana edad, Earl fue un trotamundos. Con 13 años se escapó por primera vez de casa, y siempre encaminaba sus pasos al sur, principalmente al Delta, donde tenía parientes y en caso de necesidad le podían prestar ayuda. Lo único que le obligaba a regresar a casa era la enfermedad que arrastraba desde niño, la tuberculosis, contraída probablemente en esos insalubres apartamentos donde transcurrieron los primeros años de la familia Hooker en Chicago.

Entre estancias en el hospital y sus viajes al Delta el resto del tiempo lo pasaba tocando por las calles e intentando que le contrataran en algún club. En esos tiempos fue cuando conoció a un jovencito llamado Amos Wells Blackmore que acababa de llegar con su madre desde Memphis. Traía consigo una armónica barata y como ya su voz era buena decidieron unir sus fuerzas comenzando de esa manera una amistad que duró toda su vida. Junior Wells siempre recordaba la ambición, el fuerte carisma, la confianza en sí mismo y la determinación de su amigo. Earl quería ser uno de los grandes y ganar mucho dinero. Cuando a veces la policía se acercaba a preguntarles que hacían en la calle (Junior Wells tenía 10 años), Hooker les respondía tartamudeando: “Vamos camino de la escuela”. Su talento natural, a pesar de su juventud, le permitía participar en ocasiones con Sunnyland Slim, J.T. Brown o Big Bill Broonzy.

1946- 1952. EL SUR PROFUNDO

Con el final de la II Guerra Mundial las cosas cambiaron en Chicago con una mayor afluencia de población negra desde el sur, consecuencia de la mecanización en el cultivo del algodón y el regreso de los blancos al hogar desde los campos de batalla. En cuanto a los músicos, se añadía el problema de que las pequeñas compañías no habían emergido aún y continuaba el monopolio ejercido por Columbia / RCA-Victor de Lester Melrose. En 1946 Earl Hooker regresó al Delta. Dos años más tarde, cuando estaba ya construyéndose una reputación por el sur, le llegaron las noticias de que su amigo John Lee Williamson había fallecido asesinado una noche del mes de Junio.

Alrededor de 1946, Earl Hooker viajó a Helena, Arkansas, donde actuó junto a Robert Nighthawk. También hizo presentaciones  con Sonny Boy Williamson II, incluyendo algunas de sus canciones en el programa de radio de la emisora KFFA llamado King Biscuit Time. Hooker luego recorrió el Sur como miembro de la banda de Nighthawk durante dos años. Esta fue su introducción a la vida de músico de blues itinerante. En 1949, Hooker intentó establecerse en la escena musical de Memphis, Tennessee, pero no tardó en volver a la carretera al frente de su propia banda. A principios de la década de 1950 regresó a Chicago y tocaba regularmente en los clubes locales. Esto creó un patrón que se repitió durante la mayor parte de su vida:. Extensa gira con varios músicos intercalados estableciéndose en distintas ciudades antes de regresar a la escena del club de Chicago. Durante este tiempo, formó una banda con el baterista y vocalista, Kansas City Red. 
A principios de los años 50 trabajó con la banda de Ike Turner, Kings Of Rhythm Band grabando algunas canciones para Sun Records.

1952-1959: LOS AÑOS EN CHIEF RECORDS

Entre 1952 y 1959 Earl Hooker comenzó a grabar en distintas compañías discográficas independientes. Sus primeros singles datan de 1953: "Race Track" y "Blue Guitar Blues" para King Records.  Otras canciones fueron grabadas con distintos artistas de blues y       
R & B entre ellos Johnny O'Neal, Sam Davis, Boyd Gilmore, Pinetop Perkins, The Dells, Arbee Stidha y Harold Tidwell con etiquetas como  Rockin ', Argo, Veejay y CJ (varias de estas grabaciones, incluyendo mucho material original, no eran publicadas en el momento). 

Entre estos primeros singles encontramos también interpretaciones vocales registradas por Hooker entre ellos el blues clásico "Black Angel Blues". Aunque su voz era más que adecuada, carecían de la potencia asociada  con los cantantes de blues.  "Sweet Angel" de Hooker (1953 Rockin ' Records) se basó en la canción de 1949 "Black Angel Blues" de Robert Nighthawk  (BB King más tarde tuvo un éxito en 1956 con su interpretación," Sweet Little Angel " también asociado a estas dos composiciones.) Uno de los singles más exitosos  durante este período fue "Frog Hop", grabado en 1956 (Argo Records ). La canción, un tema instrumental optimista, mostró la influencia ejercida por T-Bone Walker en la creación de su propio estilo.

Earl Hooker, Cleveland Chenier, Magic Sam, Carey Bell, John Jackson,

Robert St. Judy, Willy Leiser (in headlock). Front Row L to R: Juke Boy Bonner, Clifton Chenier, Mac Thompson, ‘Whistling’ Alex Moore.

A pesar de un ataque de tuberculosis importante en 1956 que requirió hospitalización, Earl Hooker volvió a actuar en clubes de Chicago y recorrer el sur. A finales de 1959, Junior Wells trajo Hooker al grupo de sellos Chief/Profile/Age, donde comenzó uno de los períodos más fructíferos de su carrera discográfica. Su primera grabación juntos, "Little By Little" (Profile Records), fue un éxito al año siguiente cuando  alcanzó el número 23 en el Billboard Hot R & B Sides.  Con este éxito y su relación con el propietario y productor de Chief Records,  Mel London, Hooker se convirtió en guitarrista estable de la discográfica.

De 1959 a 1962, participó en cerca de cuarenta grabaciones para Chief, incluyendo singles para Wells, Lillian Offitt ("Will My Man Be Home Tonight", "Shine On") , Magic Sam, A.C. Reed ("This Little Voice"), Ricky Allen, Reggie "Guitar" Boyd, Johnny "Big Moose" Walker, y Jackie Brenston. Él apareció en casi todas las publicaciones de Wells, incluyendo "Come on in This House", "Messin' with the Kid", y "It Hurts Me Too" que permaneció en el repertorio de Wells a lo largo de su carrera. Hooker trabajó regularmente con Wells para el resto de 1960 y la mayor parte de 1961.

Para Chief, Hooker produjo varios instrumentales, incluyendo  "Calling All Blues" (1960 Chief 7020) que contó con la guitarra slide de Hooker y "Blues in D Natural" (1960 Chief 7016), donde se cambia entre trastes y slide guitar. 
Sin embargo, fue la oportunidad de grabar antes de una sesión de grabación que capturó tal vez la canción más conocida de  Hooker aunque no tuvo el titulo con la que luego se publicó. Durante la previa que precedió a una sesión programada para mayo de 1961, Hooker y su banda tocaron un improvisado blues lento que contó con la guitarra slide de Hooker. La canción se reproduce una vez y Hooker no era consciente de que estaba siendo grabada. El productor Mel London guarda la cinta y en la búsqueda de materiales para liberar la primavera siguiente, publicó el trabajo como "Blue Guitar" (Age Records). "La canción vendió excepcionalmente bien para ser un blues instrumental".

Earl Hooker & Junior Wells

1961-1970: EL TRABAJO DE UN GENIO

Conociendo el potencial comercial de "Blue Guitar" de Hooker, Leonard Chess (de Chess Records) comunicó a Mel London un pedido para que Hooker participara de un trabajo de Muddy Waters. Se llegó a un acuerdo y en julio de 1962, Waters junto con Earl Hooker publican "You Shook Me", con letra de Willie Dixon. La canción fue un éxito y Chess contrató a Hooker para grabar varios trabajos con Muddy Waters. Una de las canciones, también con letra suministrada por Dixon, titulada "You Need Love" fue también bien recibida por el público. Más tarde, bandas de rock como Led Zeppelin podrían lograr un mayor éxito con sus adaptaciones de las grabaciones de Earl Hooker y Muddy Waters "You Shook Me" y "You Need Love".

Durante su tiempo Chief Records, Hooker también registró trabajos solistas y acompañando a Bobby Saxton y Betty Everett.

Para 1964  terminó su asociación con Chief/Profile/Age Records que según muchos críticos representan el mejor trabajo de Hooker.

Hooker continuó de gira y comenzó a grabar para Cuca Records, Jim-Ko, CJ, Duplex, y Globe. Varias canciones grabadas por Cuca entre 1964 y 1967 fueron puestos en libertad en su primer álbum "The Genius of Earl Hooker" publicado en 1967. El álbum se compone de temas instrumentales, incluyendo "The End of the Blues" y algunas canciones que incorporan las últimas tendencias de la música popular inclusive el funk. 
Hooker experimentó un gran ataque de tuberculosis a finales del verano de 1967, y fue hospitalizado durante casi un año.

Cuando Hooker fue dado de alta en 1968, reunió a una nueva banda y comenzó a actuar en los clubes de Chicago y de gira por distintas ciudades de EEUU, en contra del consejo de su doctor. La banda, con el pianista Pinetop Perkins, el armonicista Carey Bell, el bajista Geno Skaggs, el vocalista Andrew Odom, y guitarrista Freddie Roulette, fue "ampliamente aclamada " y considerada [como] una de las mejores que Earl había llevado consigo alguna sobre los escenarios. Sobre la base de una recomendación de Buddy Guy, Arhoolie Records grabó un álbum de Hooker y su nueva banda. "Two Bugs And A Roach" fue publicado en la primavera de 1969 e incluyó una mezcla de temas instrumentales y vocales en el estilo de Odom, Bell y Hooker. Para uno de sus temas vocales, Hooker eligió "Anna Lee", una canción basada en la creación de Robert Nighthawk de 1949,  "Annie Lee Blues". Como había hecho antes con "Sweet Angel", Hooker no sólo reconoció la influencia de su mentor, sino que se extendió más allá de la versión de Nighthawk para crear su propia interpretación. "Two Bugs And A Roach  fue muy bien recibido por la crítica y el público y se coloca hoy como parte del mejor legado musical de Hooker musical.

El año 1969 fue un año importante en la carrera de Earl Hooker. De nuevo se asoció con Junior Wells y trabajó bastante en distintas presentaciones en clubes y locales universitarios que fueron beneficiosos en el aspecto económico para Earl. En mayo de 1969, y después de armar una nueva banda (Jeff Karp [actually Jeff Carp] en armónica y voz, Boots Hamilton en teclados; Paul Asbell, en guitarra; Gino Skaggs, en bajo; Roosevelt Shaw, en batería), Hooker graba un trabajo que fue puesto en libertad más tarde por Blues On Blues Records como "Funk. Last of the Late Great Earl Hooker". 

También en mayo, después de ser recomendado por Ike Turner (con quien había realizado una gira en 1952), se fue a Los Ángeles para grabar el álbum "Sweet Black Angel"  para Blue Thumb Records con arreglos y piano de Turner.  El álbum incluyó interpretaciones de Hooker de varios clásicos de blues, como "Sweet Home Chicago" (con Hooker en voz), "Cross Cut Saw", y "Catfish blues". Mientras estaba en Los Angeles, Hooker visitó los clubes y locales de blues y se sentó con Albert Collins en el Ash Grove en varias ocasiones y también con Jimi Hendrix. 

Después de la sesión de grabación con Blue Thumb, Earl Hooker y su banda fueron acompañantes de su primo John Lee Hooker en una serie de fechas de presentaciones en California; después, John Lee utilizó las grabaciones  para su trabajo en  Bluesway Records. El álbum resultante, "John Lee Hooker whit Earl Hooker - If You Miss 'Im ... I Got 'Im",  fue la introducción de Earl Hooker a la etiqueta Bluesway, una subsidiaria de ABC y el hogar de BB King. 
Esta participación llevó a Earl  a grabar para Bluesway junto a distintos artistas entre ellos: Andrew Odom, Johnny "Big Moose" Walker, Charles Brown, Jimmy Witherspoon, Brownie McGhee y Sonny Terry. 

Estando en la Bahía de San Francisco en julio de 1969, tocó en  clubes y locales universitarios, así como locales de rock, como The Matrix y el Fillmore West. En Berkeley, él y su banda, The Earl Hooker & Chicago Blues Band, actuó en Mandrake's, un club local, durante dos semanas, y grabó un segundo álbum para Arhoolie Records, llamado "Hooker & Steve", junto con Louis Myers en la armónica, Steve Miller en teclados, Geno Skaggs en ​​el bajo, y Bobby Robinson en la batería. Hooker comparte las voces con Miller y Skaggs. El álbum fue publicado en 1975.  

De regreso a Chicago, Hooker estuvo muy atareado preparando su próximo y primer tour por Europa con el American Folk Blues Festival cuya responsabilidad estaba ese año a cargo de Strachwitz y los habituales promotores alemanes Horst Lippmann y Fritz Rau. Rumbo a Londres, Hooker facturó en el aeropuerto su nueva guitarra Univox adquirida en su último viaje a California, decorada con flores autoadhesivas y su nombre en grande, así como su corpulenta guitarra Gibson de dos mástiles.

El concierto inaugural se celebró en el Royal Albert Hall el 3 de octubre, actuación que al año siguiente saldría en LP editado tanto por CBS como por L+R. Cuatro fueron las canciones que se editaron a nombre de Earl Hooker en las que estaba acompañado de Carey Bell, Mack Thompson al bajo y Robert St. Julien a la batería. En una entrevista que le hicieron para Soul Bag le preguntaron sobre sus músicos favoritos, citando a los guitarristas Paul “Guitar Red” Johnson, Matt Murphy, Albert King, B. B. King, Wayne Bennett y un teclista llamado Ironing Board Sam cuyo gusto por los instrumentos extraños y los sonidos fuera de lo corriente cautivaban a Hooker. Las condiciones de trabajo que los organizadores imponían a los músicos eran agotadoras, 20 conciertos en 23 días en 9 países y la salud de Hooker se iba deteriorando y a pesar de ello su carácter jovial no se resentía siendo siempre el más divertido en los largos trayectos en autocar, carácter que no gustaba al irritable Clifton Chenier. Hooker se reía de él imitando su acento louisianés y provocando la ira del susceptible acordeonista. Su venganza llegó cuando llegaron a los países de habla francesa. En un restaurante en París Chenier hizo de intérprete al encargar la comida a cada uno de los músicos, incluído Hooker, el cual no salió de su asombro al ver que en lugar del bistec muy hecho que había encargado le habían servido pescado crudo. No volvió a meterse con Chenier.

A su regreso a Chicago Hooker estaba completamente orgulloso del éxito cosechado y no dejaba de recordárselo a todos los allegados con los que conversaba asegurándoles que esperaba con impaciencia el siguiente viaje. A pesar de la abundancia de proyectos que tenía en mente la enfermedad le iba debilitando y aunque hizo algunas apariciones por los clubs durante el mes de noviembre y principios de diciembre, cada vez pasaba más tiempo en casa de su madre. Incluso recibió la propuesta de Dick Waterman, el agente de Junior Wells, para poner en práctica la idea de organizar un “Festival de la Slide” en la intervendrían estilistas del Mississippi como Johnny Shines, Fred McDowell y Son House, además del propio Hooker y J. B. Hutto. No se sabe si dio su consentimiento porque no vivió lo suficiente.

El invierno de 1969-1970 fue extraordinariamente riguroso en Chicago y en diciembre tuvo que ser hospitalizado por una neumonía, permaneciendo ingresado durante 3 meses. Abandonó el hospital en marzo pero era plenamente consciente de que su vida había llegado a un punto en el que no había marcha atrás, ya no tenía ganas de seguir luchando contra una enfermedad que le iba consumiendo, aunque Hooker siempre demostró coraje y dignidad hasta el fin de sus días. Como lo cuenta Sebastian Danchin, premonitorias y espeluznantemente pesimistas fueron las últimas estrofas de “Anna Lee” cuando las cantó con un tono completamente sombrío y desgarrador en uno de los dos conciertos que dio en Gothemburgo con el American Folk Blues Festival:

Anna Lee, this is my last time to cry, Anna Lee

Anna Lee, this is my last good bye, Anna Lee

Well, now you say you gonna be mine, just hang around and see

El lunes 6 de abril ingresó en la unidad de cuidados intensivos del hospital municipal de tuberculosos de Chicago, algo que no le gustó pues hubiera preferido ser internado en el hospital estatal donde ya era conocido. Dos semanas después de su ingreso fallecería a las siete y media de la mañana del martes 21 de abril de 1970. El mundo del blues fue golpeado nuevamente tres días más tarde con la defunción de Otis Spann. Ambos tenían la misma edad. El funeral por Hooker se celebró el 25 de abril y la iglesia era muy pequeña para albergar la gran multitud de amigos que se habían congregado, incluída su mujer Bertha y otras tantas mujeres que aseguraban ser sus viudas lo que provocó una gran conmoción.

Probablemente, el tributo más emotivo rendido por un músico fue obra de Memphis Slim. Residía en París y estaba trabajando en un ambicioso proyecto llamado “Blue Memphis Suite”. Cuando entró en el estudio en el mes de junio decidió dedicar un blues lento a Otis Spann y Earl Hooker.

“So good bye Earl Hooker and Otis too

You will now get all the credit that you were always due

But I know everybody must pay their debt

So sad how quick your friends forget”

El cementerio donde fue enterrado se halla situado en Worth, un suburbio al sudoeste de Chicago. La lápida, muy sencilla y de tamaño mediano, recuerda al mundo la existencia de un maestro de la guitarra de blues, Earl Zebedee Hooker.

La vida de Earl Hooker fue retratada fielmente por el estudioso Sebastian Danchin, en un libro publicado por la Universidad de Mississippi en 2001 llamado "Earl Hooker: Blues Master". Confiando en decenas de entrevistas en profundidad y la investigación exhaustiva de fuentes secundarias, que retratan los inicios del guitarrista en la escena del blues de Chicago, rastrea minuciosamente sus paseos a través de los clubes y juke joints del sur profundo, Florida, Missouri, Arkansas, California,y su retorno a la Ciudad de los Vientos.

“La vida de Earl Hooker, como la de muchas figuras míticas, está llena de inconsistencias históricas que simultáneamente contaminan la historia y ayudan a fraguar auténticas leyendas. En el caso de Hooker los problemas comienzan muy pronto con la verdadera fecha y localización de su nacimiento.” De esta manera comienza la más detallada, completa y única biografía que se ha escrito sobre la figura de Earl Hooker, realizada por el francés Sebastian Danchin (Earl Hooker Blues Master – University Press of Mississippi 2001).

0255. POPA CHUBBY - SAME OLD BLUES

A Popa Chubby se le apoda el Rey del Blues de Nueva York, y lo cierto es que se sienta merecidamente en ese trono. El blues que practica Popa Chubby es cosmopolita, como la propia Nueva York, y dialoga con otras músicas callejeras, como el rap, el hip-hop y el rock. Este nativo del Bronx creció escuchando a Otis Redding, Wilson Pickett y Jimi Hendrix, y más tarde se empapó de Led Zeppelin, Johnny Winter y Rolling Stones.

A los 6 años empezó a tocar la batería y un año más tarde su padre le llevó a un espectáculo en el Madison Square Garden en el que tocaba el gran Chuck Berry, quien se convirtió en el ídolo de Popa.

Tal vez escuchamos la voz del presentador, "en eesteeee rincoooonnnn, con 55 años, 300 libras de peso, cabeza afeitada, cantante, compositor guitarristaaaaaaa, procedente de las mismas entrañas del Bronx, Teeeed 'Popaaaa Chuubbby" Horowitz....".

Y si, el mismo Madison Square temblaría ante la presencia de semejante artista. Cualquier guitarra en sus manos es un juguete. 

Theodore Joseph "Ted" Horowitz (a) Popa Chubby, nació el 31 de marzo de 1960, The Bronx, New York City. En ese momento, los padres eran propietarios de una tienda de dulces en 181 street. La primera música que influyó en el joven Ted fueron el soul y el  R & B de los años 60 que se escuchaban en la  tienda en una máquina de discos: Otis Redding, Wilson Pickett, Aretha Franklin y Marvin Gaye. A la edad de seis años, el joven Ted empieza a tocar la batería. Los padres son grandes fans del jazz y el rhythm and blues, y en el hogar tienen una gran colección de LP´s de 78 rpm y de los cuales  Popa Chubby aprendería literalmente. Los días pasan escuchando docenas de veces sus discos favoritos. Pocos años después  su padre lo llevaría al Madison Square Garden para ver el espectáculo de Chuck Berry, que se convertiría de inmediato en su ídolo. La prematura muerte de su padre cuando tenía nueve años dejó Ted viviendo con sus abuelos italianos de la vieja escuela. Su historia de amor con los tambores se dejó en suspenso indefinido.

En la radio imperaba el sonido de Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Johnny Winter, Cream, The Rolling Stones y Popa como una esponja absorbió todo este tipo de influencias. Desde aquel momento hasta hoy,  están muy presentes su música.Después de escuchar a los Rolling Stones se decidió a tocar la guitarra. A los dieciséis años se compró su primera guitarra y después de escuchar a los tres reyes (BB King, Albert King, Freddie King), eligió definitivamente donde quería estar. "..... sobre todo cuando vi por primera vez a Freddie King en el escenario, me dio vuelta todo mi mundo. Yo tenía diecinueve años, y pensé '¡Oye, eso es lo que quiero ser'". 

En el corazón de su estudio, situado en un sótano, utiliza su talento para mezclar Blues, Jazz, Rock, Funk, Soul, Rap y lo que haga falta, hasta obtener un estilo musical con neta influencia de los setenta que se caracteriza por ser una música urbana, cruda y auténtica, denominada New York City Blues, siendo POPA el líder por excelencia. Ha tocado en prácticamente todos los clubs de Nueva York, empezando por el histórico Manny’s Car Wash, y luego se convirtió en un ídolo en Europa, donde con frecuencia aparece en portada de las revistas especializadas en la guitarra. Sus letras tienen a menudo un tono de crítica social, especialmente las de su disco Peace, Love and Respect, publicado poco después de empezar la guerra de Irak.

A finales de los años 70  Popa contestó un anuncio en el Village Voice solicitando  un guitarrista. Fue contratado y tocó en un concierto de manera fortuita en el CBGB en Bowery de Nueva York. Allí conoció al padrino del punk rock, Richard Hell, que estaba preparando una nueva versión de su banda The Voidoids. Popa fue contratado para una gira mundial.

En los años 80, Popa trabaja como músico, para sobrevivir y es capaz de tocar cualquier estilo de música gracias a su formación musical. En 1984, mientras jugaba al baloncesto en el Central Park de Nueva York, conoce al cantante y compositor Pierce Turner, con el que firma para RCA Records. Ambos coincidían en su amor por Otis Redding y Jimi Hendrix. El resultado de su colaboración fue un álbum titulado The Sky and The Ground, producido por Turner. Durante toda esta década trabajo junto Turner.

En 1990 nace Popa Chubby Band. El nombre artístico fue tomado de una canción de Bernie Worrell, uno de los miembros fundadores del rock psicodélico de los 70 y del grupo de R&B denominado Parliament-Funkadelic: “Estaba cantando una canción titulada Popa Chubby y me señaló directamente a mí. El nombre capturaba la esencia de la música que representaba: Popa Chubby significa, básicamente, excitación, hacer sentir a la gente que está viva, y ésa es la base de mi música”.

En poco tiempo estaba tocando en cada club en Nueva York. Popa consiguió un codiciado lugar para la banda en la casa del ahora difunto  Manny Car Wash. Las experiencias combinadas de covers de una variedad de artistas ayudaron a dar forma a su visión de lo que ahora llama "New York City Blues".

En 1991, entró en el National Blues Talent Search patrocinado por la emisora de radio de Long Beach , KLON. Él venció a una veintena de bandas de traer el título a la ciudad de Nueva York y fue recompensado con un lugar de apertura en el 1991 de Long Beach Festival de Blues. Popa pronto comenzó a viajar a nivel regional y lanzó dos registros independientes en su propio sello Booty and the Beast Popa Chubby Productions, en el que no sólo produce sus propios discos, sino también a numerosos artistas neoyorquinos, "It's Chubby Time" y "Gas Monkey". 
En 1994 es contratado por la resucitada Okeh Records de Sony Music y hace su debut con "Booty and the Beast" producido producido por el veterano de Atlantic Records el ingeniero / productor Tom Dowd, cuyas grabaciones de Aretha Franklin, Ray Charles, Wilson Pickett, y otros son legendarias. El disco muestra a Chubby tocando la guitarra con una energía y un estilo propios en el que entrega un trabajo excepcional. El single "Sweet Goddess of Love and Beer" fue un éxito que se escuchaba en distintas emisoras de radio del país. 

Diferencias creativas dejaron Popa fuera de Okeh Records en  1996, por y volvió a publicar álbumes con su propio sello. Publicó "Hit the High Hard One" (1996) y en 1998, para Lightyear, publica "One Million Broken Guitars". Luego, por consejo de Dowd se fue a Europa, donde sus dos primeros CDs fueron lanzados como un conjunto por el sello francés Dixiefrog "Flashed Back y New York City Blues Again". Los discos fueron un éxito inmediato y Popa fue de gira en gira sin parar. 

La energía y la espectacularidad de sus presentaciones le valió elogios de la crítica y de los fans  en el extranjero, y de hecho, se ha convertido en una gran estrella en Europa, donde aparece en las portadas de revistas y realiza presentaciones bastante seguidas.

En 2001, publica con Dixiefrog "How'd a White Boy Get the Blues?" consigue un contrato con Blind Pig Records que lo distribuye en EEUU. Utiliza mezclas de guitarra eléctrica y acústica, loops de batería y electrónica para mostrar qué tan cerca estan el blues, el hip-hop, el R & B y el rock sureño.  Billboard publicó "Si Muddy Waters fue un artista de blues moderno, entonces Popa Chubby es un bluesman posmoderno".

Para 2002 publica con Blind Pig, "The Good, the Bad and the Chubby" un conjunto de  nuevas composiciones con marca  Popa, quien describe el álbum como un compuesto donde están presentes "el amor, la vida, la traición,el combustible de avión, el matrimonio, el asesinato, el estrés y la pasión!" En ese momento, el estudio de grabación de Popa estaba a media milla de distancia del World Trade Center, la canción que abre el álbum "Somebody Let the Devil Out", es un homenaje y una reacción a la tragedia del 11 de septiembre de 2001. All Music Guide dijo que el lanzamiento fue "uno de los más fuertes, más distintivos y más modernos álbumes de blues de 2002."

Dixiefrost publicó en 2002 y 2003 una serie de trabajos en vivo de Popa en los álbumes "Black Coffee Blues Band", "Live at Fip",  y "Old School: Popa Chubby & Friends Play Muddy, Wille and More" que tuvieron buena repercusión en Europa.

En 2003 Blind Pig publica  una colección de los primeros trabajos de Popa titulado "The Hungry Years" con temas procedentes de varios discos fuera de edición que Popa había lanzado con su propio sello a principios de los 90 y que incluye tres temas inéditos. 

"Peace, Love and Respect" (2004 - Blind Pig) es un álbum donde Popa demuestra toda su creatividad a pleno. Doce pistas de contundente crítica política a los EEUU de George W. Bush. La guerra de Irak, las muertes por obtener petróleo, la primera enmienda de la Constitución de EEUU, y una serie de letras que incluyen una declaración de principios hacen de éste un trabajo que muestra la versatilidad de Popa en sus creaciones.

"Big Man Big Guitar: Popa Chubby Live", publicado por Blind Pig, es una recopilación de canciones en vivo que sólo estaban disponibles en Europa y que este sello edita en EE UU en 2005. En 2006 publica "Stealing the Devil's Guitar", un trabajo donde se puede escuchar el riff categórico de la guitarra de Popa, y su capacidad para incorporar géneros a la hora de tocar. Swamp, hip-hop, y hasta reggae, son expuestos en este grupo de 12 temas que le dan al álbum una característica propia.

En 2007 publica dos álbumes con Blind Pig: "Electric Chubbyland, vol. 1 y vol. 2" que son una recopilación de canciones de Jimi Hendrix grabadas en dos noches de 2006.

"Deliveries After Dark" (2007) y 

"The Fight Is On" (2010) son dos trabajos más para la discográfica y muestran a Chubby con toda su carga de hard rock y blues que caracterizan sus creaciones. 

"Back to New York City" (2011) es un especie de relato autobiográfico que retrata a través de canciones con el estilo que denomina "New York City Blues", (slide guitar, rock y blues) Esto es comer hot-dog con chile en el Central Park,  viajar  en taxis amarillos atrapados en el tráfico, escuchar las sirenas de la policía, Kojak, la locura en el Puente de Brooklyn, el Carnegie Hall. Se trata de "Blues citadino" en su mejor momento: energía en bruto, la brillantez y la esencia hermosa que puede escucharse en el sonido original de Chubby.

Sus últimos dos trabajos, Universal Breakdown Blues (2013) y I'm Feelin' Lucky (The Blues According to Popa Chubby) (2014), son dos trabajos que recuperan toda la esencia del blues urbano con el Popa Chubby se describió cada vez que pudo. Repletos de blues clásicos la guitarra y la voz de este neoyorquino hacen de estos trabajos la recreación musical de aquella frase donde recuerda la sensación que le produjo ver a Freddie King. Veinticinco años triturando la guitarra han hecho de este músico de blues un artista reconocido en los círculos y escenarios del género a nivel mundial.

"Ha sido una progresión orgánica ser el propio dueño de lo que soy. La música se ha incorporado en mí y ha logrado instruirme en lo profundo del alma. Lecciones de la vida se añaden a la mezcla. El dolor es un factor de creación. Carlos Santana solía decir que tomó LSD para buscar esa sensación de sufrimiento. No necesito ninguna sustancia. La vida ofrece suficientes oportunidades. El blues se convierte en un conducto, un trayecto. Un día te despiertas y entiendes todo aquello que  los viejos gatos estaban diciendo. Es como estar en en el cruce, y con el diablo con tu contrato en las  manos para que lo firmes y te dice:  "Hijo, si hay algo más que pueda hacer, hazlo." Usted firma porque no tiene otra opción, que es el blues". http://www.guitarworld.com/interview-blues-guitarist-popa-chubby-discusses-his-new-album-universal-breakdown-blues

0254. JOHNNY WINTER - 38-32-29 BLUES

"De niño empecé a tocar el clarinete, pero en seguida el dentista me detuvo diciéndome que podría tener problemas con los dientes. Me gustaba mucho la música: por casualidad encontré un ukelele y mi padre me enseñó algunos acordes. Me hice bastante bueno y, con mi hermano Edgar, tocábamos canciones como 'Bye bye blackbird' y 'Ain't she sweet'. Mi padre insistía en que aprendiera a tocar la guitarra, aunque era demasiado grande para mis pequeñas manos. Me convencí definitivamente cuando el rock'n'roll empezó a convertirse en una cosa tan importante: dondequiera que mirara, en los grupos de rock, no veía músicos con ukelele, sólo guitarristas".

          Johnny & Edgar Winter

De esta manera recuerda Johnny Winter sus inicios en el mundo de la música, estos primeros pasos caracterizados por el dulce sonido del ukelele antes de que el rock-blues arrastrara hasta el centro de la música a uno de los más dotados, viscerales y pintorescos personajes de los años sesenta y setenta. Ciertamente, al principio impresionaba un poco ver a un muchacho con la tez muy blanca y albino de sólo veinte años tocar blues con aquella voracidad. Otro episodio, contado por el mismo Winter, aclara los contornos de su personalidad: "Una noche, a finales de 1962, mi hermano y yo fuimos a ver tocar a B. B. King a Raven. Eramos los únicos chicos blancos entre un millón de negros y no pasábamos precisamente desapercibidos. Algunos de nuestros amigos sabían que mi gran aspiración era tocar por lo menos una vez con B. B. King. Así que le hablaron y él pareció muy sorprendido: me pidió que le enseñara el carnet del sindicato de músicos, yo se lo enseñé y entonces él aceptó, pero advirtiéndome: "Sin duda tú no conoces mis canciones". "Oh, no, respondí. Conozco todas sus canciones". De esta manera empezamos a tocar y creo que lo hice bien; el público aplaudía y B. B. King me dijo que me convertiría en un músico importante en el transcurso de poco tiempo. Algunos años más tarde lo encontré de nuevo y él se acordó de mí, me felicitó por mi carrera y por mis discos. Realmente, es un gran personaje".

John Dawson Winter III nació el 23 de febrero de 1944, en Beaumont, Texas. Junto a su hermano Edgar comenzaron con  la música desde el principio:  Johnny Winter aprendiendo a tocarr la guitarra, mientras que Edgar Winter tomó teclados y saxofón. En poco tiempo estaban tocando profesionalmente, y poco después grabando para pequeños sellos discográficos locales. Ambos eran miembros de Johnny & the Jammers, cuyo single  "Day School Blues" / "You Know I Love You" fue lanzado por Dart Records en 1959. 

Al crecer en una ciudad áspera y poblada de   campos petroleros y trabajadores de los astilleros, que pasaban largas horas escuchando a un disc jockey local llamado JP Richardson,  se convirtió en adicto al  rock & roll. Tras haber tocado un poco el clarinete y el ukelele, el joven Johnny se pasó a la guitarra, mientras que su hermano escogió los teclados, y juntos formaron su primer grupo, It And Them, recibiendo algunos contratos en el circuito local. No ganaban mucho, y Johnny, para ayudar en casa, trabajaba como cultivador de coles.

Después le siguió, Johnny & The Jammers, en 1959 a la edad de 15, con su hermano.

Las tensiones raciales en Beaumont eran elevadas en aquellos días. La ciudad había sido sede de los peores disturbios raciales en la historia de Texas sólo nueve meses antes del nacimiento de Johnny. Las turbas vagaban por las calles, los negocios quemados, la ley marcial entró en vigor, y más de 2.000 uniformados de la Guardia Nacional y los Rangers de Texas ocuparon la ciudad  y la aislaron del mundo hasta que los ánimos se calmaron. A pesar de esta historia, Johnny se recuerda vacilando como un niño para aventurarse en los barrios negros para escuchar y aprender música.  "Fui a clubes de negro todo el tiempo, y nunca nadie me molestó. Siempre me sentí bienvenido", cuenta.

Winter desarrolló en seguida un gran amor por la música negra, el blues: escuchaba muchos discos y compuso sus primeros blues. Muchos lo tomaban por loco, ya que, siendo blanco, más bien albino, tocaba un repertorio genuinamente negro. Pero Winter no se dejó desmoralizar y a principios de los años sesenta se trasladó a Chicago, patria reconocida del blues, para estudiar y adquirir experiencia. Allí  tuvo la confirmación de que estaba en el buen camino. A su regreso a Texas, Winter ya era un músico experto y se volvió muy popular en todo el estado: tocaba con frecuencia en los mejores locales, con los mejores músicos, y se hizo apreciar por sus arrebatadores solos.

Jimi Hendrix tocando con Johnny Winter en 1969.

Entre 1965 y 1967 tocó con regularidad a través de los estados del sur  con Black Plague (creación de Edgar) y su propia banda The Crystaliers. En 1966 Johnny entró en el Billboard Hot 100 con una versión de Harlem Shuffle. 

El año 1968 es un año importante también para Winter: primero marchó a San Francisco, polo creativo fundamental en la época; allí tocó con Janis Joplin, Quicksilver Messenger Service y otros grupos históricos. Después se trasladó de nuevo a Nueva York, conoció a Jimi Hendrix y, con la asistencia del manager Steve Paul, firmó un importante contrato con Columbia, que no puso condiciones artísticas de ningún tipo. Johnny Winter engrosó el grupo de músicos blancos que estaban dando vida a un filón blues de sabor eléctrico: Al Kooper y Mike Bloomfield, entre otros, había superado la limitada concepción del blues como música racial y difundían este sonido también entre el público blanco.

Ese mismo año, Winter decidió centrarse exclusivamente en el blues-rock, y formó un trío con Tommy Shannon en el bajo y John "Red" Turner en la batería. Firmó con el sello de Austin, Texas, Sonobeat Records, y en agosto lanzó su primer álbum a nivel local: "The Progressive Blues Experiment". 

Uncle John, Tommy Shannon, and Johnny Winter

Mientras que Johnny estaba reunido con los hermanos Vernon en Inglaterra, la revista Rolling Stone iba a publicar un artículo que cambiaría su vida. El 7 de diciembre de 1968, la revista musical publicó una historia de portada escrita por Larry Sepulvado y John Burks, quien viajó al estado de Texas para informar sobre la escena musical. La ilustración principal, una fotografía de Johnny  con el subtítulo JOHNNY WINTER, ALBINO BLUESMAN. 

"Cuando volví a Texas, Rolling Stone tenía este gran artículo que decía lo bien estaba tocando", dice Johnny. "Estaba en todas partes, todo el mundo leyendor la revista Rolling Stone. Me llama la cosa más caliente en Texas fuera de Janis Joplin. El periodista me vio en el Love Street Light Circus pero yo nunca supe que estaba allí. Ese artículo fue excelente; No sabía cuánto iba a lograr, pero  sabía que iba a ser una gran ayuda para nosotros. A partir de allí me fui a  Nueva York para hablar con Steve Paul, que quería ser mi manager ".

Steve Paul, de veintisiete años de edad, empresario de Nueva York del Bronx  era dueño de The Scene, un club nocturno de moda en Manhattan con numerosos contactos en la industria de la música. "Me dijo: 'Vamos a ir a Nueva York y me vas a mostrar lo que puedes hacer.' Y así lo hizo. Me alojé en su casa y él me llevó al Fillmore East para ver a Mike Bloomfield y Al Kooper. Me senté con ellos y toqué.  El público me dio una ovación de pie. Ellos habían visto todas las notas en la revista Rolling Stone y estaban esperando para ver cómo era yo. Todo el mundo quería tocar conmigo después de eso. Steve no me hizo firmar nada hasta después de que había llegado a un acuerdo con Columbia". 

El primer álbum con Columbia Records de Winter, "Johnny Winter", fue grabado y publicado en 1969. Para acompañarlo en el estudio eligió  los mismos músicos de apoyo con los que ya había grabado el anterior álbum,  el bajista Tommy Shannon y el baterista John Turner, además de Edgar Winter en los teclados y saxofón,  Willie Dixon en el bajo vertical y Big Walter Horton en la armónica. 

El álbum contó con algunos temas que se convirtieron en sellos distintivos de Winter: la composición "Dallas" (un blues acústico en la guitarra de Winter suena como el mismo diablo) y dos temas clásicos de Sonny Boy Williamson,"Good Morning Little Schoolgirl" y B.B. King, "Be Careful with a Fool".

El éxito del álbum coincidió con la reedición realizada por  Imperial Records del álbum "The Progressive Blues Experiment" que había grabado con Sonobeat. Estos éxitos abrieron puertas en otros sellos que presentaron anteriores de grabaciones de Johnny y Edgar Winter. En agosto, TRB Records lanzó "The Johnny Winter History", que consta de material grabado a principios de los '60. En octubre, Buddah Récords siguió con "First Winter" , y Janus Records lanzó "About Blues"  en noviembre. 

El mismo año, Winter Trío viajó y actuó en varios festivales de rock, incluyendo Woodstock. Con su hermano Edgar se agrega como miembro de pleno derecho en el grupo, Invierno también grabó su segundo álbum para Columbia: "Second Winter" en Nashville a finales de 1969 y principios de los '70. El álbum doble, que sólo tenía tres lados grabados (el cuarto estaba en blanco), presentó a Johnny y a Edgar Winter haciendo algo más que blues e incluyendo la canción de Chuck Berry,  "Johnny B. Goode" y la de Bob Dylan "Highway 61 Revisited". También en este momento Johnny entró en una relación sentimental con Janis Joplin, que culminó en un concierto en el Madison Square Garden de New York donde donde Johnny se reunió con ella en el escenario para cantar y actuar. En realidad su conexión con Janis, oriunda de Port Arthur es más profunda. Conoció a Joplin en 1969 cuando ambos estaban tocando en un festival de música en West Palm Beach, Florida.: después de tomar ácido y estar  bebiendo Southern Comfort con Janis todo el día, Winter vomitó sobre ella en un helicóptero  directamente sobre su falda  mientras ella sostenía su cabeza : "¡Oh, mi bebé, mi bebé. "

 Johnny Winter & Janis Joplin

En 1970, cuando su hermano Edgar lanzó el álbum en solitario "Entrance" y formó The White Trash, el trío original, se disolvió. Johnny Winter entonces formó una nueva banda con músicos de The McCoys Band, el guitarrista Rick Derringer, el bajista Randy Jo Hobbs, y el baterista Randy Z (que era el hermano de Derringer, su apellido es Zehringer). Originalmente se llamaba "Johnny Winter y The McCoys", pero el nombre fue acortado a "Johnny Winter And", que era también el nombre del primer álbum con este grupo. La banda publica "Johnny Winter And" incluyendo el tema de Derringer "Rock and Roll, Hoochie Koo" y señaló una dirección orientada más al rock dejando atrás el sonido más cercano al blues de sus álbumes anteriores. Lo cierto es que el álbum comercialmente fue un fracaso, aunque le abrió las puertas para su próximo trabajo que sería en vivo.

Cuando Johnny Winter And comenzaron a realizar presentaciones y giras por distintos estados, Randy Z fue reemplazado por el baterista Bobby Caldwell. La fusión  de las nuevas canciones de rock con canciones de blues de Winter fueron capturadas en el álbum en vivo  "Live Johnny Winter And". Grabado en el Fillmore East de Nueva York y durante algunos conciertos en Florida el álbum es una marca Winter. Los aspectos más destacados son de considerable valor, incluyendo una interpretación abrasadora del tema de los Rolling Stones"Jumpin' Jack Flash" intercalada entre el repertorio más clásico ("Great Balls of Fire", "Long Tall Sally", "Johnny B. Goode") También una nueva interpretación del tema de B B King "It's My Own Fault" , la canción que había sido clave para su contratación por Columbia Records.

Este impulso que le dio este trabajo en vivo fue cortado abruptamente por su adicción a la heroína y por su depresión con tendencias suicidas que lo alejaron de los escenarios y los estudios para iniciar un tratamiento de recuperación en su hogar natal en Beaumont. Fue hospitalizado en el Oaks River Hospital de New Orleans por más de 9 meses y en 1973 regresó a la escena musical. La cura surtió efecto, como lo testimonia su participación improvisada en un tema incluido en el álbum 'Roadwork', publicado por su hermano : su versión "conjunta" de 'Rock and Roll Hoochie Koo' es uno de los momentos más aplaudidos. 

Su trabajo continuó con la publicación "Still Alive and Well", una mezcla básica entre el blues y el hard rock que recorre trabajos de Derringer, Big Bill Broonzy, Mick Jagger y Keith Richard, entre ellas "Silver Train" escrita especialmente por los Rolling para él. El disco del gran regreso de Winter escaló a gran velocidad las listas de éxitos y volvió a llevar al cantante al corazón de los fans.

Su concierto de regreso a los escenarios se produjo en el Nassau Coliseum de Long Island, Nueva York.

Johnny Winter & Stevie Ray Vaughan

En 1974, publica el álbum "Saints & Sinners", (el último con Columbia Records) y "John 

Dawson Winter III" (con Blue Sky) continuando en la misma dirección musical ecléctica losálbumes publicados tras su regreso. Este último cuenta con la canción escrita por John Lennon para Johnny ""Rock and Roll People" y la escrita por el productor Alien Toussaint 'Mind over matter'.

En 1975, Johnny volvió a Bogalusa, Louisiana, para producir un álbum para Thunder, una banda de rock sureño que incluía a Pat Rush y Bobby "T" Torello, que más tarde tocarían con Winter. 

Entre ese año y 1976 Winter llevó a cabo una gran gira por Estados Unidos con su hermano Edgar, y publicó dos álbumes como testimonio de aquellos espectáculos: 'Together live' (el álbum en vivo con su hermano que muestra a ambos con una calidad y un estilo inimitable rindiendo homenaje a Elvis Presley) y 'Captured Live' (con su banda: el segundo guitarrista Floyd Radford, el bajista Randy Jo Hobbs, y el baterista Richard Hughes. Todas las canciones son básicamente vehículos para su forma de tocar la guitarra. Johnny juega rápido, llenando con torrentes de notas un espacio que debe impresionar a cualquier fan de la guitarra, ganándose merecidas ovaciones. No es ninguna sorpresa que sus mayores ventas sean estos trabajos en vivo pues es donde logra mostrar su versatilidad en el uso del instrumento).

En las actuaciones en vivo, Winter a  menudo contó la historia de cómo, cuando era niño, soñaba con tocar con el guitarrista de blues Muddy Waters. Él tuvo su oportunidad en 1974, cuando renombrados artistas de blues y otros en formación se reunieron para honrar a Muddy, responsable de traer el blues a Chicago. 

En 1977, después de mucho tiempo trabajando para el sello Chess Records Muddy dejó la compañía y Winter aprovechó para convocarlo a trabajar con él en Blue Sky Records.  Además de producir el álbum, Johnny  tocaba la guitarra con Waters junto al veterano James Cotton en la armónica. Esto contribuyó a que Muddy se hiciera conocer en una nueva generación de oyentes. 

Produjo dos álbumes de estudio con Waters, "I'm Ready" (con Big Walter Horton en la armónica) y "King Bee",  y un álbum en vivo  "Muddy Waters "Mississippi" - Live". 

La asociación entre ambos los hizo merecedores a tres premios Grammy para Waters y un Grammy adicional para el propio Winter con la publicación del álbum  "Nothin 'But the Blues", con el respaldo de los miembros de la banda de Muddy y la interpretación del propio Waters de "Walking Thru the Park", canción que cierra el álbum. Estos álbumes dieron al veterano artista de blues los mayores éxitos financieros de su vida.

Estos trabajos dieron a Winter el regreso al sonido tradicional del Blues, superando esa brecha que solo pueden hacer Hendrix y Clapton. Los fingerpickings de Winter haciendo sonar su guitarra slide invocan el espíritu de las lejanas melodías de Robert Johnson. 

B B King, Johnny Winter y Muddy Waters

"Johnny amaba a Muddy y estaba encantado de tocar  y producir cuatro discos en Blue Sky de Muddy. No le gustaba la forma en que Muddy había sido tratado por Chess Records, especialmente en sus últimos álbumes, y estaba decidido a recrear el sonido de los principios de Waters. Eligió con Dan Hartman una Escuela de Estudio en Westport, Connecticut, una escuela de una sola habitación construida en el año 1760, para las sesiones. Johnny utiliza micrófonos  para los instrumentos, pero también puso dos micrófonos cerca del techo, lo que creó un eco en la habitación y capturó los sonidos crudos de 1950 propias de las grabaciones de Muddy." (Mary Lou Sullivan)

En ese mismo estilo publica en 1978 "White Hot & Blue", con Isaac Payton Sweat en el bajo y Bobby (T) Torello en la batería. También acompañan a Winter, Pat Ramsey en armónica y su hermano Edgar en teclados. Con tres canciones originales y varios covers de blues tradicional, el álbum conforma el sonido del tradicional blues de Chicago. 

En 1980, tras un período de calma de dos años, vuelve con "Raisin' Cain" que le abriría las puertas para su futuro contrato con Alligator Records. 

Johnny se unió Alligator Records en 1984. Su deseo de grabar nada más que auténtico blues se vio cumplido en un perfecto acuerdo con la discográfica. Cuando Johnny publicó "Guitar Slinger" ese mismo año, fue ampliamente aclamado como uno de sus mejores trabajos. Acompañado por la banda de Albert Collins, The Icebrbreakers, el álbum consiguió estar en las listas de Billboard y Cashbox como ganar una nominación al Grammy. 

Al año siguiente, Johnny publicó "Serious Business", un álbum que lleva en sí mismo el directo estilo del blues eléctrico de Chicago. El álbum ganó su segunda nominación al Grammy con Alligator Records. 

"Third Degree", su último trabajo para Alligator, fue publicado en 1986. El álbum contó con varios invitados especiales y una gran variedad de estilos de blues. Su cohorte original con Tommy Shannon y  John "Red" Turner, así como Mac "Dr. John "Rebennack acompañan a Winter en este trabajo llevando en sí el sonido del blues de Texas. 

Johnny estaba viviendo su sueño artístico, grabar nada más que álbumes blues. Sus trabajos con Alligator, le abrieron camino en las radios de rock y blues y en MTV. Pero más allá del éxito comercial de estos trabajos nunca puso en peligro su compromiso con las raíces en las que se apoyó su estilo. 

Después de grabar estos  tres álbumes para  Alligator Records en Chicago, se convirtió en el primer músico blanco elegido al Salón de la Fama de los Blues.

En 1988, dejó Alligator para sumarse al staff de Voyage Records que publicó el álbum "The Winter of '88" , un trabajo producido por Terry Manning, quien también contribuyó con algunos teclados. La  intención parece haber llevar el trabajo de Winter en una dirección más comercial, específicamente hacia el blues- boogie con sintetizadores al estilo de ZZ Top. Este efecto es particularmente notable en la pista principal de despegue, "Close to Me". De todos modos el álbum no cosechó demasiado interés y fue bastante criticados por aquellos que habían celebrado su regreso al blues con Alligator.

Contratado por Point Black/Virgin Records al inicio de los '90, el primer álbum data de 1991. "Let Me In", esta cubierto de blues elegidos por Johnny Winter. El disco cuenta con la participación de Dr. John. El inicio del álbum nos trae "Illustrated Man", canción compuesta por Ann Brandon y Fred James, sus amigos de Nashville, realizada especialmente para él. Blues en línea recta, con patrones de guitarra lineales y explosivos, incorporan al trabajo los orígenes de Johnny en la música rock.  El álbum fue nominado al Grammy Awards como Mejor Álbum Contemporáneo de Blues. 

Para 1992, publica "Hey, Where's Your Brother?" que también fue nominado al Grammy Awards.  El nombre del álbum refleja una anécdota que siempre cuenta Edgar Winter. Antes de presentar cada show en los que tocaron juntos, Edgar recuerda que siempre le preguntaban "Hey, dónde está tu hermano?". 

Después de cinco años de no editar ningún trabajo, en 1998 Virgin Records publica "Live in N.Y.C. '97". El contenido del álbum se grabó en en el Bottom Line de Nueva York en abril de 1997. Las canciones fueron seleccionados por los miembros del club de fans de Winter. El álbum está pensado como un gesto de gratitud por el artista  a sus muchos fans en todo el mundo.

"I'm a Bluesman", publicado en 2004, es el un álbum de estudio con material original después de ocho años. Con fuerte énfasis en el electric blues, contiene una mezcla de canciones y portadas de standart blues con temas propios. Con la banda que lo acompaña 

Johnny Winter - voz, guitarra eléctrica, guitarra acústica, guitarra slide, Paul Nelson - guitarra rítmica, De Scott Spray - bass , Wayne junio - batería y James Montgomery - armónica, y la producción de Dick Shurman y Tom Hambridge, el disco fue nominado al Grammy Awards como "Mejor álbum de Blues Contemporáneo". 

En 2007 Johnny Winter inauguró una serie de colecciones de conciertos grabados en los Friday Music con Live Bootleg Series, Vol. 1 (9 de octubre, 2007), que fue seguido por vol. 2 (4 de marzo, 2008), vol. 3 (29 de julio, 2008), vol. 4 (10 de febrero de 2009), y vol. 5 (30 de junio de 2009). Si bien el sonido de las grabaciones es bastante pobre permite al oyente un recorrido por distintas presentaciones en vivo de Winter lo que le da un aura especial para cualquier fans coleccionista de los trabajos del músico texano.

Winter continuó actuando en vivo, incluyendo los festivales en América del Norte y Europa. Él encabezó eventos tan prestigiosos como el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Chicago Blues Festival, el 2009 Sweden Rock Festival, the Warren Haynes Christmas Jam y Rockpalast. También llevo a cabo con The Allman Brothers en el Teatro Beacon de Nueva York una presentación para recordar el 40° Aniversario de su debut. En 2007 y 2010, Winter participa con Eric Clapton en  Crossroads Guitar Festival.

En 2009 publica "Live at  the 2009 New Orleans Jazz and Heritage Festival", un álbum en vivo y en 2011 Megaforce Records publica "Roots" y encuentra a Winter acompañado de una variedad de grandes artistas como Sonny Landreth, Jimmy Vivino, Warren Haynes, Frank Latorre, John Popper, Vince Gill, Susan Tedeschi,  Edgar Winter, Derek Trucks, Paul Nelson y ,John Medeski. El álbum cuenta con once blues clásicos haciendo una recorrida por los sonidos de Robert Johnson, Elmore James, Muddy Waters, Jimmy Reed, Clarence "Gatemouth" Brown y Chuck Berry entre otros, con el estilo característico que le impone Winter. 

El último álbum de estudio es "Step Back", que fue publicado en 2014 como un homenaje póstumo. Cuenta con las actuaciones de varios músicos invitados, entre ellos Eric Clapton, Dr. John, Billy Gibbons de ZZ Top, Joe Perry de Aerosmith, Leslie West, y Brian Setzer The Stray Cats.

Músicos Hubert Sumlin, Johnny Winter, Buddy Guy y Eric Clapton durante el Crossroads Guitar Festival 2007  en  Bridgeview, Illinois.

Johnny Winter murió en su habitación de hotel en Zurich, Suiza, mientras realizaba una gira por Europa, el el 16 de Julio de 2014, a la edad de 70 años. Su extraordinaria carrera fue el tema del documental Johnny Winters: Down & Dirty . En 2010, Mary Lou Sullivan publica una biografía autorizada de Winter en su libro "Raisin' Cain: The Wild and Raucous Story of Johnny Winter ".

1978– Johnny Winter, Bob Margolin, & Muddy Waters

"Para mí, el blues tiene más emoción  que cualquier otra música que he escuchado", dice."Se puede decir que las personas que cantan y tocan blues significan y sienten  lo que cantan - no es sólo algo que hacen para ganar dinero o hacer un concierto simplemente como si fuera uno más: cuando toco blues no sólo me hace sentir muy bien, sino que me hace feliz.". http://www.guitarworld.com/interview-johnny-winter-discusses-roots-tribute-his-favorite-blues-greats