SOLO QUIERO QUE ME RECUERDEN CON MI MUSICA

"La luna esta saliendo, no hay tiempo que perder
Es hora de empezar a beber.
Dile a la banda que toque un blues y yo pago los tragos".
Tom Waits

martes, 7 de julio de 2015

0159. GUITAR SLIM - THE THINGS THAT I USE TO DO

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Nacimiento: 10 de diciembre 1926 
Greenwood Leflore, Condado de Mississippi, EE.UU.
Muerte: 07 de febrero 1959 Nueva York, Condado (Manhattan) de Nueva York, EE.UU.

Con una voz privilegiada para cantar gospel y un estilo de guitarra típicamente swamp; con sus trajes llamativos y actuaciones salvajes, Guitar Slim era un importante contribuyente al R&B de New Orleans. Influencia directa de la joven generación de guitarristas del Sur como Buddy Guy y Albert Collins. Su muerte temprana nos privó de sus excelentes creaciones que hubieran echo de Slim una figura del blues a escala mundial.

Eddie Jones (Guitar Slim)  nació en Greenwood  en 1926 por lo que, al igual que casi todos los hombres de esa generación, fue reclutado por el Ejército para combatir en la Segunda Guerra Mundial.
De niño, cantó en distintos grupos de gospel (no sólo en las iglesias o funerales sino en presentaciones en clubes locales) y el primer instrumento que aprendió a tocar fue el piano. A fines de 1930 comenzó a frecuentar los juke-joints locales, no sólo como cantante sino como bailarín por lo que se ganó los apodos de "Limber-Legged Eddie" y "Rubber Legs" por su destreza sobre los escenarios.
Cuando finalizó la Segunda Guerra Mundial se trasladó a Arkansas donde comenzó a trabajar con el grupo de música de Willie Warren quien le enseñó a tocar la guitarra aunque sus mayores influencias fueron Robert Nighthawk, T-Bone Walker y Gatemouth Brown.  Dispuesto a viajar para dedicarse a la música se dirigió a New Orleans en 1950 donde eligió su apodo "Guitar Slim". 
Se asoció con Huey 'Piano' Smith en Blues Trío, y grabó en varias sesiones durante 1951 para  Imperial Records donde mostró  el sonido característico de su guitarra distorsionada rico tono vocal influenciado por el gospel. En 1952 grabó con éxito su "Feelin Sad" que luego fue tocada por Ray Charles.

 En 1953, Slim,  dejó Imperial Records y se asoció a  Art Rupe Label y, con un joven  Ray Charles en el piano, grabaron cuatro pistas en New Orleans, donde el tema más exitoso fue "The Things That I Use To Do", donde se pone de manifiesto no sólo la voz evangélica de Slim, sino su excepcional modo de ejecutar la guitarra swamp. 
Cuando el disco se publicó a principios de 1954, fue un gran éxito,del R & B. 

Lo cierto es que estos éxitos conseguidos con "The Things That I Use To Do", "Story of My Life" y "Suffering Mind" oscilaban con trabajos como "Quicksand" que como Slim podía hacer trabajos poco exitosos. Sus actuaciones en vivo eran memorables y espectaculares: con sus trajes color rojo brillante o trajes  verdes y zapatos blancos, su pelo teñido para que coincida, utilizó un cable de guitarra excesivamente largo  para interactuar con la multitud, sobre todo con las mujeres. Ni siquiera Chuck Berry pudo igualar a Slim en cuanto a su extravagancia. 

Sus nuevos trabajos para Atlantic Records nunca fueron como los realizados en años anteriores.
"If I Should Lose You", " It Hurts To Love Someone (That Don´t Love You, I Won´t Mind At All", "Hello, How Ya´ Been, Goodbye", " When There's No Way Out", "If I Had My Life To Live Over", no tuvieron la celebridad de sus primeras creaciones aunque ATCo lo anunciaba así:  "Guitar Slim es un filósofo. Sus canciones se ocupan exclusivamente de los lugares comunes y pantanosos de la vida."

Por otra parte, Slim era  un mujeriego en serie, un bebedor sumido en el alcoholismo y poco afecto a disfrutar de sus éxitos.  
El 6 de febrero de 1959, Slim se derrumbó en el backstage después de terminar un concierto en Newark, New Jersey; sus compañeros de la banda lo llevaron a un consultorio médico en Harlem, donde murió antes de que pudiera ser trasladado a un hospital con un cuadro de neumonía irreversible. 

Algunos dicen que fue enterrado con su guitarra favorita, una Les Paul Goldtop. Muchos guitarristas han citado a Slim  como una influencia clave en sus creaciones, incluyendo a Frank Zappa, Jimi Hendrix, Buddy Guy, Billy Gibbons, Chick Willis, Albert Collins, Lonnie Brooks, y Stevie Ray Vaughan. Zappa recordó que al escuchar discos de Guitar Slim  en la década de 1950 su sonido lo golpeó como "un picahielo en la frente", y dijo que su propio estilo estaba más cerca de Slim que de cualquier otra persona. "The Things That I Use To Do" está incluido en el Salón de las "Canciones que dieron forma a Rock and Roll" en el Rock and Roll Hall Fame.  El hijo de Slim,  Rodney Armstrong es un guitarrista de blues que ha sido nominado a los premios Grammy y es conocido como  Guitar Slim, Jr.

lunes, 6 de julio de 2015

0158. LOUISIANA RED - I'M A KING BEE

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"Solía ver a los músicos de la calle y pensaba: “Ojalá pudiera hacer eso”. Un día, en Pittsburgh, le pedí a un guitarrista que tocaba en la calle que me enseñara. Fui a su casa cada día. Su nombre era Crit Walters y le llamaban Boy B. Tomé clases con él y aprendí diferentes canciones. Sin darme cuenta, ya estaba tocando. Acostumbraba a subirme al tejado de la casa de mi tío con mi guitarra y tocar Blues allí. Debía tener 14 años y ya trabajaba porque nadie me ha regalado nada nunca. En esta época, trabajé duro en Mississippi. Conocí a Peg Leg Sam y hasta hice un disco con él (“Blowing Train Blues”). También conocí a Hammie Nixon, Sleepy John Estes, Eddie Kirkland y a Johnny Shines, que solía andar con Robert Johnson. Johnny Shines me lo explicó todo sobre Robert Johnson" (LOUISIANA RED) 


El 25 de febrero de 2012, en Hanover, Alemania, falleció a los 79 años de edad el guitarrista Iverson Minter, más conocido en el mundo del blues como Louisiana Red. Su deceso se produjo luego de varios días en coma tras desequilibrios de la tiroides.
Louisiana Red fue uno de los músicos más importantes del denominado down-home blues y pudo tener contacto directo con figuras como Muddy Waters, Elmore James, Robert Nighthawk, Lightnin’ Hopkins y John Lee Hooker. La influencia de estos músicos es bastante notoria en el sonido de Red, lleno de pasión y de honestidad tales que lograba dejar tocada a su audiencia gracias a su voz muy particular y a su estilo para interpretar la guitarra, con la que tocaba todos los estilos del blues tradicional, logrando ser considerado como uno de los mejores guitarristas slide del género. Con su instrumento creaba atmósferas musicales y espirituales, metiéndose tanto en sus canciones que en ocasiones podía llegar a llorar al interpretarlas, con el consabido llanto del público.

Louisiana Red nació el 23 de marzo de 1932. No se sabe con exactitud la ciudad, algunas publicaciones indican Vicksburg, otros Bessemer en Alabama entre muchas ciudades del sur de Estados Unidos. De lo que sí se tiene certeza es que su madre falleció durante el parto mientras que su padre murió linchado por el Ku Klux Klan cuando Red tenía 5 años de edad. Vivió durante un tiempo en un orfanato de Nueva Orleans hasta que su abuela lo llevó a vivir a Pittsburgh. Fue ella quien le regaló su primera guitarra, en la que Red interpretaba las canciones que escuchaba en la radio gracias también a las enseñanzas de su mentor, Crit Walters.
A comienzos de la década de 1940 Red decidió tomar los caminos del blues y se marchó a Detroit, donde se hizo amigo de músicos como Eddie Burns y John Lee Hooker. A este último acompañó en sus sesiones para Modern Records y después se trasladó a Chicago, donde grabó con Little Walter, en unas sesiones que reposaron en los archivos de Chess durante muchos años. La siguiente parada fue en Nueva York, donde en 1962 grabó para el sello Roulette sus primeros sencillos, con los que empezó a ganar reconocimiento en el mundo del blues para luego registrar su primer álbum “The Lowdown Back Porch Blues”, el cual fue seguido por “Louisiana Red Sings The Blues” en 1965.

A mediados de la década de 1970, Louisiana Red grabó dos de sus mejores discos: “Sweet Blood Call” y “Dead Stray Dog”, apareciendo además en las grabaciones de artistas como Johnny Shines, Roosevelt Sykes, Brownie McGhee y Peg Leg Sam. Esta importante labor llamó la atención de empresarios europeos, por lo que Red encontró en Alemania, Inglaterra y Noruega una nueva audiencia.
A comienzos de 1982 Louisiana Red se embarcó en una gira por Europa. Fue durante ese tour cuando conoció a Dora, su esposa, y se estableció con ella en Hanover, Alemania. En ocasiones viajó a Estados Unidos, generalmente para grabar algún disco. En 1995 el sello Earwig publicó un álbum grabado por Red en 1982, “Sittin’ Here Wondering”, lo cual ayudó para que el músico volviera a estar presente en su país natal, por lo menos en cuanto a producción discográfica y conciertos se refiere, con grabaciones para sellos como High Tone y Severn.
             Jim Hoban, Jim Themelis, Louisiana Red and Muddy Waters

En 2009, Louisiana Red grabó con Little Victor’s Juke Joint el álbum “Back To The Black Bayou”, el cual fue el encuentro de un maestro con un alumno, ya que Little Victor estudió durante mucho tiempo la música de Red. Este trabajo obtuvo muchos reconocimientos, tanto en Europa como en Estados Unidos. Simultáneamente, Red trabajó con el pianista David Maxwell en el álbum “You Got To Move”. Esta última producción sirvió para que Louisiana Red tuviera 5 nominaciones en los Blues Music Awards de 2010, de los cuales ganó 2 premios: “Álbum Acústico del Año” y “Artista Acústico del Año”. El año pasado, Louisiana Red grabó su último disco con Little Victor’s Juke Joint: “Memphis Mojo”.

sábado, 4 de julio de 2015

0157. OMAR KENT DYKES - I'M A KING BEE

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Austin , además de ser la capital del estado de Texas , es el hogar de muchos artistas que hicieron de la música tradicional norteamericana su forma de vida. Desde la década de 1970 , estos músicos hicieron de Austin , un escenario para mostrar sus estilos y creaciones. Y allí es donde Kente "Omar" Dykes comenzó su carrera musical. 


Nació en McComb, Mississippi, en 1950, una ciudad cuna de Bo Didley cuyo estilo influenció a Dykes. Durante sus años de adolescencia aprendió a tocar la guitarra y recorría los juke - joints de la zona tocando junto a otras bandas que hacían sus primeros pasos en la difusión de la música blues tradicional. Después de graduarse en la escuela secundaria, partió a recorrer Mississippi hasta que llegó a Austin en 1976. Comenzó a compartir escenarios con una banda llamada The Howlers, donde comenzaron a llamarlo "Omar Overtone" por el feedback que hacía cuando tocaba su guitarra. Trabajaron juntos durante un año en Austin, y luego algunos decidieron volver a Mississippi y Arkansas, pero la banda consolidó un nombre. Omar & The Howlers. Allí conoció a Steve Ray Vaughan y en 1980 debutó con Big Leg Beat, su primer álbum de estudio, en el que tocan distintas versiones del Blues de Chicago (creaciones de Willie Dixon, Bo Didley, Little Walter y propias). 
En 1984 edita I Told You So, que le permitió firmar con Columbia Records para la consecución de su trabajo, grabando en 1987 Hard Time in the Land of Plenty. 
Después siguió trabajando con la banda y haciendo discos en solitario. 

Big Leg Beat (1980, Stomp)
I Told You So (1984, Dixiefrog)
Hard Times in the Land of Plenty (1987, Columbia)
Wall of Pride (1988, Columbia)
Monkey Land (1990, Antone's)
Blues Bag (1991, Provogue) (solo album)
Live at Paradiso (1992, Provogue)
Courts of Lulu (1993, Provogue)
Muddy Springs Road (1994, Provogue)
World Wide Open (1995, Provogue)
Southern Style (1996, Provogue)
Swing Land (1998, Provogue)
The Screamin' Cat (2000, Provogue)
Big Delta (2001, Provogue)
Boogie Man (2004, Ruf Records)

En 2007 se asoció con Jimmy Vaughan, dejando atrás su histórica banda "The Howlers"  e hicieron varios trabajos juntos. On The Jimmy Reed Highway (2007) y Big Town Playboy (2009). En este trabajo, fue acompañado no sólo por Jimmy Vaughan, sino también por  James Cotton, Lazy Lester, Lou Ann Barton y otros. 

viernes, 3 de julio de 2015

0156. MUDDY WATERS - I'M A KING BEE

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"I'm a King Bee" es una composición musical estilo swamp blues que ha sido ejecutada y grabada por numerosos artistas de blues y rock & roll .En 2008, Slim Harpo recibió un Grammy Hall of Fame Award , en  "honor  a las grabaciones de importancia cualitativa o histórica duradera". 

Well, I'm a king bee
Buzzin' around yo' hive
Well, I'm a king bee
Buzzin' around yo' hive
Well, I can make honey, baby
Let me come inside
Bueno, Yo soy una abeja rey
Zumbo alrededor de tu colmena
Bueno, Yo soy una abeja rey
Zumbo alrededor de tu colmena
Bueno, yo puedo hacer la miel, baby
déjame entrar en el interior.

I'm young and able
To buzz all night long
I'm young and able
To buzz all night long
Well, when you hear me buzzin', baby
Some stingin' is going on
Well, buzz awhile
Soy joven y capaz 
para zumbar toda la noche
Soy joven y capaz
para zumbar toda la noche
Bueno, cuando me oigas zumbar, baby
algún escozor te estará pasando
Bueno, zumbare un rato

(instrumental)
'Sting-a-been'

Well, I'm a king bee
Want you to be my queen
Well, I'm a king bee
Want you to be my queen
Together we can make honey
The world ever, never, seen
Bueno, yo soy una abeja rey
Quiero que seas mi reina
Bueno, yo soy una abeja rey
Quiero que seas mi reina
Juntos podemos hacer la miel
El mundo nunca, nunca lo habrá visto

(harmonica & instrumental)

Well, I'm a king bee
Can buzz all night long
Well, I'm a king bee
Can buzz all night long
Well, I can buzz better, baby
When yo' man is gone.
Bueno, Yo soy una abeja rey
Puedo zumbar toda la noche
Bueno, yo soy una abeja rey
Puedo zumbar toda la noche
Bueno, yo puedo zumbar mejor, baby
Cuando tu hombre se ha ido

Escrita por Slim Harpo bajo su verdadero nombre de James Moore, la canción fue grabada en marzo de 1957, y lanzada originalmente ese año como el lado B de su disco single debut en solitario, "Got Love If You Want It". Su popularidad llevó a la compañía discográfica de Baton Rouge, Louisiana, Excello Records, a intercambiar los lados y a contratar a Slim Harpo para otros trabajos. 
La grabación cuenta con la instrumentación típica que J.D Miller necesitaba para promover el swamp blues.  La canción, con un número irregular de bars (15 bars blues, a diferencia de los normales 12 bars ), utiliza la figura rítmica de "Rockin & Rollin" de Lil' Son Jackson.

La banda de rock Inglés The Rolling Stone grabó  "I'm a King Bee" en su álbum de debut de 1964 (The Rolling Stone UK). A pesar de no ser lanzado como single, la canción ha sido considerada un éxito  para los Rolling Stones. La disposición de la banda sigue en general la de Slim Harpo: Jagger en voz y armónica, Jones en guitarra slide (la innovación de The Rolling Stone), Keith Richards en la guitarra acústica, Bill Wyman en el bajo, y Charlie Watts en la batería. Más tarde, Mick Jagger comentó: "¿Qué sentido tiene escucharnos a nosotros haciendo I'm a King Bee cuando uno puede escuchar directamente a Slim Harpo hacerlo?"

The Tea Set, que más tarde se transformó en Pink Floyd, grabó "I'm a King Bee" en diciembre de 1964. La grabación, que cuenta con Syd Barrett , Bob Klose , Roger Waters , Richard Wright y Nick Mason , es inédita oficialmente.  The Grateful Dead interpretaron la canción muchas veces en conciertos entre 1966 y 1972. The Doors la ejecuta en vivo en The Matrix Club en 1967, y luego fue registrada en el álbum  Live at the Matrix 1967.

En la década de 1970, Led Zeppelin toca en algunos shows "I'm a King Bee". John Belushi parodió la canción  el 17 de enero 1976 en un episodio de Saturday Night Live, en directo vestido con un traje de abeja. Muddy Waters grabó su álbum de 1981 King Bee.

MUDDY WATERS : "KING BEE"

Este álbum de Muddy Waters fue grabado y editado por la etiqueta Blue Sky Records, y producida por Johnny Winter, quien fue lo suficientemente sagaz para rodearse de grandes músicos que hicieron de este disco un éxito. 
 Calvin Jones, Willie "Big Eyes" Smith , Luther "Guitar Jr." Johnson y Bob Margolin salpican la alineación - y Johnny mantiene sus propios excesos rockeros  bajo control en una buena cantidad de canciones. La mayoría de las canciones son material que Muddy había grabado para Chess Records. 

Muddy Waters – vocals, guitar
Bob Margolin – guitar
Pinetop Perkins – piano
James Cotton – harmonica on Deep Down in Florida and Clouds in My Heart
Jerry Portnoy - harmonica
Willie "Big Eyes" Smith – drums
Charles Calmese – bass on Deep Down in Florida and Clouds in My Heart
Calvin Jones – bass
Johnny Winter – guitar, producer.



0155. SLIM HARPO - I'M A KING BEE

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I'm A King Bee 3: 01 Trk 2
Slim Harpo
(James Isaac Moore)
Slim Harpo - vocal & harmonica
W/Guitar Gable's guitarists, Clinton 'Fats Perodin - bass
Clarence 'Jockey' Etienne - drums.
Recorded: Crowley, Louisiana, March 1957
Album: The Best of Slim Harpo hipd40072
Excello Records 2113

NACIDO: Enero 11, 1924, Lobdell, Louisiana
MURIÓ: Enero 31 , 1970, Baton Rouge, Louisiana.

En la larga lista de artistas que Jay Miller grabó para el sello Excello, ninguno logró tanta popularidad como Slim Harpo, un artista que podía tocar guitarra y armónica al mismo tiempo, un poco al estilo de Jimmy Reed pero con diferencias bastante notorias. Aunque su música era un poco más relajada que la de Reed, su ritmo era insistente y Harpo era más adaptable que muchos otros músicos. Sus canciones no solo llegaron a los listados nacionales en Estados Unidos sino que fueron fácilmente transformadas por artistas blancos, como The Rolling Stones, The Yardbirds, Van Morrison, Hank Williams Jr. O The Fabulous Thunderbirds.

Slim Harpo fue un gran artista, que no sólo trabajó en su música con elementos del rock and roll, sino que incorporó inflexiones vocales del country y de la música del oeste. Muchas de sus canciones fueron compuestas en compañía de su esposa Lovelle, mostrando calidad para su construcción. Su interpretación de la armónica era directa, llena de melodía y su voz era definida por muchos críticos como la de un cantante negro de country o uno blanco de rhythm and blues, estuvieran tratando de imitar al otro. Tal vez por esto Harpo fue considerado un genio y esa fue la misma razón por la que su música tuvo una audiencia amplia. En el momento de su primer single se convirtió en un favorito  del jukebox del Sur y sus canciones fueron  adaptadas e interpretadas por músicos blancos a izquierda y derecha. 

El verdadero nombre de Slim Harpo era James Moore. Tras la muerte de sus padres, abandonó la escuela y empezó a tocar en cuanto lugar y fiesta pudiera hacerlo. En esa época era apodado Harmonica Slim, remoquete que usó hasta la grabación de su primer álbum.
Gracias a su amigo Lightinin’ Slim conoció a J.D. Miller, propietario del sello Excello, quien lo usó como músico acompañante de Lightning Hopkins y otros bluesistas, antes de producir su propio disco. Antes de publicar esta grabación, Miller le informó que había otro músico llamado Harmonica Slim y que, por lo tanto, debía utilizar otro nombre. Entonces la esposa de Miller tomó el vocablo harp, como es conocida la armónica en el lenguaje popular, le añadió la letra “o” y así quedó bautizado como Slim Harpo.
Nunca fue un músico a tiempo completo pues  Harpo tenía su propio negocio de camiones durante la década de 1960. Según el escritor Ryan Whirty, "Harpo y su banda hacían lo necesario para recorrer constantemente los clubes y escenarios del país para apoyar económicamente a los integrantes de la banda, pero Slim tenía su propio negocio y en ciertas ocasiones prefería dedicarse a él".  
El primer éxito de Slim Harpo fue “I’m A King Bee”, del cual los Rolling Stones hicieron un cóver en su primer álbum, y le siguieron muchos temas que ingresaron con facilidad a los listados de preferencia, como “Rainin’ In My Heart” en 1961, que luego fue perfectamente adaptado a estilos como el country, el cajun o el rock and roll.

En 1964, varias de sus creaciones habían sido grabadas en los álbumes y singles en el Reino Unido, y las bandas de rock británicos como The Rolling Stones, The Pretty Things, The Yardbirds y Pink Floyd comenzaron a ofrecer vrsiones de sus canciones en sus shows. The Moody Blues tomo su nombre de una pista instrumental de Slim, llamada precisamente, The Moody Blues. 
El principal éxito de la carrera de Harpo fue “Baby, Scratch My Back”, en 1966, definido por el propio artista como un intento de hacer rock and roll.
Grabó su álbum de 1968 Tip On In in Nashville, utilizando músicos como Charles Hodges (órgano), Mabon "Teenie" Hodges (guitarra); Leroy Hodges (bajo) y Howard Grimes (batería), que más tarde llegó a ser más ampliamente conocido como el Hi  Rhythm Section. También grabó versiones de la canción de Charlie Rich  " Mohair Sam "y la de Johnny Cash , " Folsom Prison Blues ".

Las constantes apariciones de Harpo en los listados de Billboard, lograron que se presentara en los sitios de blues más importantes de Los Ángeles y Nueva York. En 1969 decidió llamar a su amigo Lightnin’ Slim y juntos recorrieron Estados Unidos, gracias a lo cual logró concretar su primera gira por Europa y una sesión de grabación cuando llegara a Londres. Slim Harpo, un hombre con una salud prodigiosa, sucumbió de forma inexplicable ante un infarto el 31 de enero de 1970.



Singles

1957 - "I'm a King Bee" / "I Got Love If You Want It" (Excello 2113)
1958 - "Wondering And Worryin'" / "Strange Love" (Excello 2138)
1959 - "You'll Be Sorry One Day" / "One More Day" (Excello 2162)
1960 - "Buzz Me Babe" / "Late Last Night" (Excello 2171)
1960 - "Blues Hangover" / "What A Dream" (Excello 2184)
1961 - "Rainin' In My Heart" / "Don't Start Cryin' Now" (Excello 2194) - R&B chart #17, US pop chart #34
1963 - "I Love The Life I'm Living" / "Buzzin'" (Excello 2239)
1964 - "I Need Money (Keep Your Alibis)" / "My Little Queen Bee (Got a Brand New King)" (Excello 2246)
1964 - "Still Rainin' In My Heart" / "We're Two Of A Kind" (Excello 2253)
1964 - "Sittin' Here Wondering" / "What's Goin' On Baby" (Excello 2261)
1964 - "Harpo's Blues" / "Please Don't Turn Me Down" (Excello 2265)
1966 - "Baby Scratch My Back" / "I'm Gonna Miss You (Like The Devil)" (Excello 2273) - R&B chart #1, US pop chart #16
1966 - "Shake Your Hips" / "Midnight Blues" (Excello 2278)
1966 - "I'm Your Bread Maker, Baby" / "Loving You (The Way I Do)" (Excello 2282)
1967 - "Tip On In (Part 1)" / "Tip On In (Part 2)" (Excello 2285) - R&B chart #37
1967 - "I'm Gonna Keep What I've Got" / "I've Got To Be With You Tonight" (Excello 2289)
1968 - "Te-Ni-Nee-Ni-Nu" / "Mailbox Blues" (Excello 2294) - R&B chart #36
1968 - "Mohair Sam" / "I Just Can't Leave You" (Excello 2301)
1968 - "That's Why I Love You" / "Just For You" (Excello 2305)
1968 - "Folsom Prison Blues" / "Mutual Friend" (Excello 2306)
1968 - "I've Got My Finger On Your Trigger" / "The Price Is Too High" (Excello 2309)
1969 - "Rainin' In My Heart" (reissue) / "Jody Man" (Excello 2316)

EL SWAMP LOUISIANA BLUES
El Swamp blues es un tipo de música blues muy especializada y evolucionada. Este estilo nace a partir del Louisiana blues y es conocido principalmente por sus ritmos lentos, los cuales dominan a una música desenfadada y alegre. Así mismo, en sus sonidos pueden encontrarse influencias de la música cajún o zydeco, músicas basadas en Baton Rouge, Louisiana.

A pesar de que gran parte de los intérpretes del swamp blues procedan de Baton Rouge, este estilo suele asociarse con el productor discográfico J. D. "Jay" Miller originario de Crowley, Louisiana; Miller realizó muchas grabaciones de swamp blues a través de sus sellos discográficos, además de en otras discográficas a nivel estatal como la de Ernie Young "Excello Records". Viendo el impacto del swamp blues en la música popular, los Rolling Stones versionaron el tema del intérprete de swamp blues Slim Harpo "I'm A King Bee" mientras que Neil Young, entre otros, versionó el tema de Harpo "Rainin' In My Heart". El swamp blues suele citarse como una de las principales influencias en el grupo Creedence Clearwater Revival.

El swamp blues suele confundirse con la música swamp pop, la cual corresponde a un género musical del sur de Louisiana (aun así, intérpretes de swamp blues y swamp pop suelen acompañarse los unos a los otros en estudios de grabación y conciertos en directo); tampoco debe confundirse con el Delta blues, un estilo de música blues más conocido y que proviene del norte de Mississippi.

jueves, 2 de julio de 2015

0154. SNOOKY PRYOR & JOHNNY SHINES - COME ON IN MY KITCHEN

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Johnny Shines no era una gran estrella del blues, pero llevó la llama encendida por su amigo Robert Johnson y se la pasó a las nuevas generaciones. Las creaciones de  Johnny fueron inspiradas por Johnson, por Lightnin 'Hopkins, Howlin' Wolf y otros, pero él tenía un estilo de guitarra enérgico,  su propia manera de tocar y una agradable y explosiva voz, que podría haber aprovechado en su propio derecho, si sólo hubiera podido quitarse por un momento, la historia personal que lo acompañó durante toda su carrera.


John Ned Shines nació en Frayser Tennesse,  en 1915 pero la familia pronto se trasladó a Memphis y Johnny creció rodeado de los Blues. Su madre le enseñó guitarra y comenzó a tocar  por la zona de Beale Street. Luego se trasladó a Hughes, Arkansas para trabajar como un aparcero en 1932 y, cuando se encontraba en las inmediaciones de Helena, conoció a otro bluesman de 17 años de edad, Robert Jr.Lockwood, con quien compartió clubes y bares tocando blues. Durante ese período conoció a Robert Johnson, que era un 'amante' de la madre de Lockwood. La impresión que generó Robert Johnson sobre Shines fue tan profunda y trascendente que, reconociendo la genialidad de su obra, se convirtió en un discípulo incondicional del bluesman.
                                       Robert Johnson & Johnny Shines

 A partir de 1934, Johnny se encuentra a menudo tocando como segunda guitarra de Robert Johnson, ya que los hombres formaron una amistad que los llevó a viajar por todo el Delta juntos. No siempre fue una relación fácil, ya que Robert tenía cierto mal humor siendo muchas veces un compañero inestable y caprichoso, que desaparecía durante días pero a la vez era lo suficientemente seguro y concluyente como para viajar con él por Chicago, Nueva York, Ontario, Texas o Kentucky haciendo presentaciones de variado tenor.

Durante estos años, Johnny tocaría no solamente sus propias canciones sino que acompañaría en la guitarra a  Robert Johnson. Sin embargo, en  1937 se separaron en algún lugar de Arkansas y nunca más se vieron de nuevo. Johnny siguió tocando en los juke-joints y los clubes de Memphis, donde se encontró con un joven, Howlin 'Wolf y los armonicistas Rice' Sonny Boy Williamson II 'Miller y' Shakey 'Horton. Tras la noticia de la muerte de Robert, Johnny adoptó algunas de sus canciones que permanecieron en su repertorio para el resto de su carrera. 
Se trasladó a Chicago en 1941 y participando en distintos conciertos de lado Sur de la ciudad. Registró algunos temas propios para Columbia Records en 1946, y otras piezas para Chess Records en  1950, donde fue catalogado como 'Shoe-Shine Johnny'. 
Además participó en algunas sesiones con  'Shakey' Horton aunque  no vendiern muchos discos, a pesar de su calidad.


A partir de 1952-1953, grabó algunas canciones para JOB Records, que constituyen algunos de sus mejores trabajos. Aunque fueron comercialmente poco apreciadas, Shines regresó a trabajos secundarios.En 1958, harto de la desunión de los músicos por una disputa financiera, Shines, desilusionado, decidió abandonar el negocio de la música, empeñando todo su equipo, ganándose la vida únicamente con el trabajo en la construcción que había mantenido todo el tiempo. Luego adquirió una cámara y fotografió a todos los bluesman protagonista en la escena de Chicago realizando un interesante trabajo recopilatorio y vendiendo sus producciones en los shows en vivo. 

En 1966 Johnny fue contactado por ciertos historiadores de la música blues contribuyendo a la serie de álbumes "Chicago Blues Today!" tocando su guitarra eléctrica. 
En 1966 realiza algunos trabajos con Walter Horton publicados en Master Of The Modern Blues,volumen 1. En 1969 fue invitado a unirse a la banda de Willie Dixon, Chicago Blues All Star con la que salían de gira con frecuencia. 
 Big Walter Horton, Willie Dixon, Clifton James, Sunnyland Slim, Johnny Shines    

Una tragedia familiar sacudió a Shines cuando su hija murió dejándolo responsable de sus nietos por lo que se trasladó a Tuskaloosa, Alabama. 
A principios de los '70 registró algunos trabajos para Biograph & Advent en 1975 grabó su álbum "Too Wet to Plow"  cuyas canciones reflejan el tradicional estilo Delta Blues. 
Aunque su propio trabajo era en general admirable, prodigioso y  de alta calidad, Shines fue una figura fascinante para muchos fans del blues blanco, por el hecho de haber compartido escenarios con la leyenda del blues, Robert Johnson , siendo  entrevistado en varias ocasiones acerca de sus experiencias con el mito, que comprensiblemente le causo no pocas frustraciones.  Eso no le impidió volver a descubrir sus raíces, arraigadas en el blues acústico del Delta. A finales de los años '70 el legado de Robert Johnson se manifestaba en su repertorio grabando incluso trabajos con el hijo adoptivo de Robert, Robert Jr. Lockwood.  Por desgracia, en 1980, Shines sufrió derrame cerebral que afectó en gran medida su forma de tocar la guitarra. 

Era capaz de cantar tan eficazmente como antes, sin embargo, y ayudado por sus amigos continuó viajando por América Latina y Europa. A principios de los años 90, Shines partició de la película documental "Searching For Robert Johnson" y también grabó su último álbum con Snooky Pryor en 1991 con el que ganó un premio Handy. A fines de 1991 su salud se fue deteriorando   y falleció el 20 de abril de 1992, en un hospital de Tuscaloosa.

Snooky Pryor  fue un verdadero pionero del estilo que adquirió el blues de la posguerra. Nacido en Lambert, Mississippi, el 15 de septiembre de 1921, James Edward Pryor tomó la armónica a la edad de 8 años  a pesar de las objeciones de su padre ministro evángelico, influenciado por Sonny Boy Williamson I y Sonny Boy Williamson II.

Fue el primer armonicista en darle al sonido de la armónica en torno a un sistema de megafonía, que aprendió en el Ejército tocando la corneta. 
En 1940, Snooky consignado por el Ejército en los alrededores de Chicago escuchaba los fines de semana las presentaciones de  Sonny Boy y Homesick James y tocando también en el mercado de Maxwell Street armado con un amplificador primitivo. 
La posguerra lo encontró en Chicago realizando algunos shows callejeros y los bares y teatros de la ciudad. 
En 1948, trabajando con el guitarrista Moody Jones, hizo su debut discográfico con "Telephone Blues" y " Snooky & Moody Boogie" para Planet Records considerado uno de los primeros clásicos del Chicago Blues de la Posguerra. También realizó algunos trabajos con Floyd Jones y Leroy Foster. 
Grabó intermitente a lo largo de los años 50 para JOB, Parrot, y VeeJay. Con su estilo y el manejo del sonido de la armónica participó como músico de sesión al lado de con su sonido Sunnyland Slim,  Homesick James, y otros músicos que hicieron su fama en  "escuela de  Maxwell Street". Sus otras grabaciones ahora veneradas incluyen "Someone to Love Me" y "Judgment Day".

Siendo un hombre muy devoto y de principios, se desilusionó con el negocio de la música y se retiró al sur del estado de Illinois durante la mayor parte de los años '60 y '70 para trabajar en  la carpintería, la pesca y acompañar a su familia. Una serie de giras europeas exitosas lo atrajo de nuevo a realizar trabajos musicales con regularidad. Con sus hijos ya adultos, Snooky encontró el tiempo para escribir un nuevo material, y ocho de esas composiciones están en el disco Snooky , lanzado en 1987 por Blind Pig Records. Para este trabajo  eligió como  miembros de la banda a Sunnyland Slim, Robert Stroger en el bajo, Steve Freund a la guitarra, y  Willie" Big Eyes "Smith en la batería. La grabación obligó Snooky de pasar a de un semi-retiro al incremento de la demanda para shows en vivo tanto en los Estados Unidos como  en el extranjero.

A principios de 1950, Snooky Pryor y Johnny Shines registran algunos temas para  para la etiqueta J.O.B. Records que ayudó a sentar las bases para el uso de instrumentos musicales electrificados que usaban las pequeñas bandas de blues de Chicago. 
Reunidos cuatro décadas más tarde, en la región montañosa de Texas, tomaron el camino opuesto con un conjunto de temas acústicos de blues, regresando  a sus raíces musicales obtenidas en el Delta del Mississippi. 
Así nace, en 1991,  el álbum Back to the Country que esta inspirado totalmente en Robert Johnson y su espíritu sobrevuela todo el trabajo de estos bluesman.  En estos  cuarenta años, desde  que Snooky y Johnny grabaron juntos por primera vez, el blues había sufrido transformaciones inverosímiles, creciendo por primera vez, en los círculos de músicos blancos. Back to the Country fue reconocido en numerables oportunidades manteniendo viva no solo la leyenda de Robert Johnson sino las creaciones musicales de los distintos artistas de blues que se hicieron su fama en el Delta. 

El sonido inconfundible y callejero de la armónica de Snooky nacido en la posguerra es una de las imágenes más poderosas del blues de Chicago.
Electro-Fi Records released Snooky Pryor and His Mississippi Wrecking Crew, an album by Snooky Pryor, nominated for 2003 W.C. Handy Blues Awards in Traditional Blues Album Of The Year category.
Otros trabajos que realizó Snooky antes de morir el 18 de Octubre de 2006 fueron 
Double Shot! Snooky Pryor and Mel Brown (2000) Electro-Fi
Super Harps II mit Carey Bell, Lazy Lester, Rafuel Neal (2001) Telarc
Snooky Pryor and his Mississippi Wrecking Crew (2002) Electro-Fi
Mojo Ramble (2003) Electro-Fi


miércoles, 1 de julio de 2015

0153. ROBERT JOHNSON - COME ON IN MY KITCHEN

   (Click en la imagen para escuchar)

Las letras de los blues de Robert Johnson, tienen, no sólo alusiones a su historia personal , sino también temas que se asientan sobre aspectos espirituales y culturales de la vida del Delta. "Mientras que algunos ven el blues como lamentos autobiográficos, otros lo han visto como un relato o un recuerdo de la experiencia aprehendida durante el desarrollo de una vida" (Steven Tracy). La música de Johnson se materializa en dos temas; hechos reales y deseos, que hacen hincapié en los conflictos que se expresan en la debilidad ante la lujuria y la impotencia.
En las canciones; "Walkin Blues", "Come On In My Kitchen" y "Terraplane Blues" se puede encontrar un elemento de conflicto en su relación con las mujeres, en particular, y con el mundo que lo rodea en general. Es la permanente contradicción entre la incapacidad / impotencia y el poder y la preponderancia. 

Come On In My Kitchen fue grabado por Robert Johnson durante la  primera de las dos sesiones de grabación el 23 de noviembre de 1936 en el hotel Gunter de San Antonio, en Texas y más tarde fue reeditado en 1937 por Vocalion Records, con ajustes líricos menores. La primera grabación fue elegida por Columbia Records para ser incluida en el álbum recopilatorio de Johnson titulado, King of The Delta Blues Singers que se publicó en 1961.

"Come On In My Kitchen", ilustra un tema totalmente diferente. La letra no parece transmitir un deseo sexual por una  mujer, sino más bien una necesidad emocional de apego o desamparo de Johnson en el anhelo de una relación . Hay letras que proporcionan descripciones de doble sentido en el desarrollo de la canción. Comienza con la letra:

The woman I love, stole her from my best friend, Joker got lucky and stole her back again.”
"La mujer que amo, robó de mi mejor amigo, el bromista tiene suerte, y robó a ella de nuevo".


La entrega vocal, junto con la guitarra de Johnson hacen de esta línea de sonido el tipo de música que suena cuando una persona se encuentra en soledad, absorbiendo toda la tristeza del mundo transformándola en una poética excepcional de manifestación de dolor. Exhibe la desesperación humana, un anhelo que parece que nunca se puede cumplir.
Estas palabras han sido utilizado por Skip James en "Devil Got My Woman". Algunos críticos creen que Johnson pudo copiar el verso directamente de James o indirectamente a través de Johnny Temple.

Varias veces Johnson hace referencia a los momentos difíciles o duros, cada vez que ofrece a la mujer un lugar para encontrar refugio.
Lo interesante de esta pieza es como Johnson ofrece a la mujer un lugar de protección, si ella va a unirse a él en una relación. Las intenciones pueden ser un tanto machistas; sin embargo esta canción se diferencia de las demás en la entrega taciturna de su voz y su guitarra.

Mm mmm mmm mmm mmm mmm mmm mmm mmm mmm
Mmm mmm mmm mmm mmm mmm mmm mmm mmm mmm

You better come on in my kitchen,
it's goin' to be rainin' outdoors
Ah, the woman I love, took from my best friend,
some joker got lucky, stole her back again
You better come on in my kitchen,
it's goin' to be rainin' outdoors
Será mejor que tu vengas sobre mi cocina
que va a estar lloviendo al aire libre
Ah, "La mujer que amo, robó de mi mejor amigo, 
el bromista tiene suerte, y robó a ella de nuevo".
Será mejor que vengas sobre mi cocina
que va a estar lloviendo al aire libre

Oh ah, she's gone, I know she won't come back
I've taken the last nickel out of her nation sack
You better come on in my kitchen,
it's goin' to be rainin' outdoors
(oh, can't you hear that wind howl?)
Oh, can't you hear that wind howl?
You better come on in my kitchen,
it's goin' to be rainin' outdoors
Oh ah, ella se ha ido, sé que no va a volver 
Ella ha tomado el último níquel de su costal
Será mejor que tu vengas sobre mi cocina
que va a estar lloviendo al aire libre
Oh, no oyes el aullido del viento?
Oh, no oyes el aullido del viento?
Será mejor que tu vengas sobre mi cocina
que va a estar lloviendo al aire libre.

When a woman gets in trouble, everybody throws her down
Lookin' for her good friend, none can be found
You better come on in my kitchen,
it's goin' to be rainin' outdoors
Cuando una mujer se mete en problemas, todos se arrojan hacia abajo
Buscada por su mejor amigo, ninguno se puede encontrar
Será mejor que tu vengas sobre mi cocina
que va a estar lloviendo al aire libre.

Winter time's comin', it's gon' be slow
You can't make the winter, babe, that's dry long so
You better come on in my kitchen,
'cause it's goin' to be rainin' outdoors
Tiempo de invierno que ha venido, será lenta su partida
Tu no puedes hacer este invierno, babe, será largo y seco
Será mejor que tu vengas sobre mi cocina
será la causa que va a estar lloviendo al aire libre.

Además de la canción citada de Skip James, otros estudiosos de blues han identificado un conjunto de canciones grabadas previamente con similitudes melódicas directas e indirectas que fueron la base para "Come on in my Kitchen".  1925 "How Long Daddy, How Long" ( Ida Cox con Papa Charlie Jackson ); 1928 "How Long,  How Long Blues?" ( Leroy Carr con Scrapper Blackwell ); 1930 " Sitting on top on the World"  ( Mississippi Sheiks); 1934 "Six Feet on the Ground" ( St. Louis Jimmy Oden ) Los historiadores del blues del Delta dicen que Johnson aprendió "How Long" de las grabaciones de Carr un año después de su lanzamiento. Otros sugieren que la inspiración principal de Johnson fue la canción de  Tampa Red de 1934 "Things 'Bout Coming My Way".

"Una vez en St, Louis estábamos tocando una de las canciones que a Robert le gustaba tocar con alguien de vez en cuando " Come On In My Kitchen ". Él estaba tocando muy lentamente, taciturno y con pasión, como si estuviera solo. Percibí de que nadie decía nada. De repente  Entonces me di cuenta que estaban llorando -.. tanto las mujeres como los hombres " (Johnny Shines).