0250. JIMMY ROGERS - I'M TIRED OF CRYING OVER YOU

Como cantante y guitarrista de blues de bajo perfil, Jimmy Rogers jugó un papel clave en la creación del sonido de la guitarra eléctrica del blues de Chicago de la posguerra. Fue miembro de la primera banda de Muddy Waters en Chicago, y también grabó standards blues con Chess Records bajo su propio nombre incluyendo  "That’s All Right," "Ludella", "Chicago Bound," and "Walking By Myself."  Además de tocar en como respaldo de Waters, Rogers también participó de grabaciones de otros artistas, incluyendo a Memphis Minnie, Little Walter, Howlin 'Wolf, Johnny Shines, Floyd Jones y varios más. Último sobreviviente de estos innovadores músicos que cambiaron el sonido del blues del Delta, entre los que estaban el pianista Otis Spann y el virtuoso de la armónica, Little Walter,  Rogers nació y se crió en el corazón del Blues del delta del Mississippi.

James A. Lane (Jimmy Rogers) nació el 3 de Junio de 1924 en Ruleville, Mississippi y  fue criado por su abuela, en Atlanta, Memphis, después de que su padre fuera asesinado en una pelea en un aserradero. Tiempo después, adoptó el apellido de su padrastro y fue conocido como Jimmy Rogers. Las continuas mudanzas lo llevaron a distintos estados: Tennessee, Arkansas y Mississippi. Su primera guitarra fue un  bow diddley, un alambre de escoba clavado en el lado de una caja y después comenzó a tocar  la armónica  en compañía de su amigo Snooky Pryor e influenciado por Big Bill Broonzy, Joe Willie Wilkins, y Robert Jr. Lockwood cuando se encontró con ellos tras su paso por Helena, Arkansas.

Más tarde comenzó a tocar la guitarra aprendiendo viendo a otros músicos, entre ellos,  Houston Stackhouse, Tommy McClennan, Robert Petway, y escuchando a King Biscuit Time en la radio. Así Rogers desarrolló una sólida base musical y se ganó una reputación como guitarrista. Antes de viajar a Chicago donde  tenía familia se radicó en St. Louis East donde ganó cierto renombre tocando la guitarra en clubes y calles. Aunque había estado Chicago en varias oportunidades, a principios de 1940 decidió establecerse definitivamente. Encontró una vivienda en la zona de West Side, al lado del mercado Maxwell Street, que es donde vivía cuando se hizo amigo de un compañero de trabajo de la fábrica, que era primo de Muddy Waters. 

Muddy Waters .Otis Spann. Elgin Evans .Jimmy Rogers  en el  Zanzibar Club de Chicago.

Durante la década de 1940  Rogers y Waters se encontraron para tocar juntos por primera vez y entendieron que juntos podrían hacer un buen espectáculo. Inicialmente, Rogers y Muddy tocaban con un tercer guitarrista llamado Claude "Blue" Smitty. Para mantener el sonido variable, Rogers a menudo tocaba la armónica en lugar de la guitarra, hasta que  Smitty encontró a Little Walter. Muddy, Rogers, y Walter comenzaron dando conciertos juntos y, en sus presentaciones se hacían llamar The Headhunters, una banda itinerante en la escena del club de Chicago de la década de 1940 donde mostraban el original sonido del blues urbano de Chicago. 

Antes de grabar con la banda de Muddy Waters, Rogers hizo su primera grabación en solitario en 1946 para el sello Harlem, pero el nombre de Rogers no apareció en el expediente, etiquetado como un trabajo de "Memphis Slim & TheHouserockers" y el vocalista era Sunnyland Slim. 

Entre 1947 y 1948 realizó trabajos con  Little Walter a su lado para la pequeña etiqueta Ora Nelle Records. Entre las canciones que se destacan en este período se encuentran "I Just Keep Loving Her", "Little Store Blues", "You Don't Have To Go", "I'm In Love"  y "That's All Right" que más tarde se convirtió en un éxito cuando Jimmy grabó para Chess Records en 1950.

Hay otras grabaciones de Jimmy que fueron grabadas para Apollo Records que nunca fueron editadas y que luego fueron registradas por Leonard Chess.  

Muddy Waters,  Otis Spann, Henry Strong, Elgin Evans, Jimmy Rogers (presumiblemente de la década de 1950)

En 1949 Rogers se encuentra trabajando con Memphis Minnie para el Regal Records grabando una primera versión de  '' Ludella,'' 

Ese mismo año también acompañó a Muddy Waters "Screaming And Crying" y "Where's My Woman Been" , que inicialmente se publicó con la etiqueta Aristocrat y que luego fue Chess Records. 

A partir de 1950 y hasta mediados de la década, Rogers fue uno de los pilares de la banda de Waters en el escenario y en el estudio. 

Con "That's All Right" y "Ludella" en el single, se registra el primer lanzamiento de Rogers como solista. Publicado por Chess Records, el single tuvo un éxito inesperado. A partir de diciembre de 1950 se incorporó a las grabaciones de la banda de Muddy siendo parte de todos sus éxitos: "Standing Around Crying," "She’s All Right," "Mad Love (I Want You to Love Me)," "I’m Your Hoochie Coochie Man," "I Just Want to Make Love To Love To You", I’m Ready," y varios otros.

"Sabíamos que lo que estábamos haciendo en esa banda con Muddy era algo diferente - tomamos el blues de los chicos como hicieron los grandes Bill Broonzy y Tampa Red y le pusimos un nuevo ritmo, y lo que hicimos fue  simplemente un clic, como un candado. Una gran cantidad de músicos no sabía ni podía entender la combinación de esa cerradura. " sotuvo Rogers.

Trabajos solistas de Rogers con Chess Records se encuentran desde 1950 hasta 1959. "Joliet Blues" , "She Loves Another Man", "Money, Marbles And Chalk", "I Used To Have A Woman", "Out On The Road", "Left Me With A Broken Heart", "Chicago Bound", "Blues All Day Long" , "Walking By Myself", "What Have I Done" y "Rock This House" integran la larga lista de trabajos solistas de Rogers. En esas sesiones contó con el acompañamiento de grandes artistas de blues de esos años dorados: Johnny Shines, Ernest Cotton, Floyd Jones, Henry Gray, Fred Below, Otis Spann, Willie Dixon, y muchos otros.

Jimmy Rogers, Sonny Boy Williamson, and Muddy Waters (década 1950)

A finales de 1955, Rogers abandonó la banda de Muddy Waters para  aventurarse como director de orquesta. Él hizo su única aparición en las listas  R & B de Billboard a principios de 1957 con el trabajo "Walking By Myself", que contaba con un impresionante solo de armónica de Big Walter Horton.  La canción en sí era una adaptación de un trabajo de T-Bone Walker  "Why Not", que Rogers había tocado cuando Walker lo grabó para Atlantic en 1955.

A finales de 1959 se despidió de Chess con, "Rock This House", un emocionante y fiel demostración de lo que era capaz de hacer Rogers con su guitarra.

Entre 1960 y 1961 trabajó con la banda de Howlin' Wolf, grabando algunos singles y luego se retiró de la música durante un tiempo. Durante la mayor parte de la década del '60 estuvo fuera de los circuitos musicales y estudios discográficos. Dirigió su propia empresa de taxi por un tiempo, y luego abrió una tienda de ropa en Chicago que fue reducida a cenizas durante los disturbios que siguieron  a raíz del asesinato de Martin Luther King Jr. en 1968.

Rogers retornó a los estudios de grabación durante  1972 para realizar su primer álbum LP "Gold-Tailed Bird" que publicó Shelter Records de Leon Russell, contando con el acompañamiento de The Aces y Freddie King. Después participó en distintas giras por Europa y EE.UU antes de volver a retirarse del circuito y seguir trabajando como gerente de un edificio de departamentos. A petición de Muddy Waters, volvió a trabajar con su antiguo amigo y compañero en la presentación del álbum "I'm Ready" de diciembre de 1977, producido por Johnny Winter para Blue Sky Records. Siguieron haciendo conciertos ocasionales hasta la muerte de Muddy en 1983.

En 1990 publica "Ludella", con el sello Antone´s, donde hace un recorrido sustancial de sus grabaciones primigenias, combinando trabajos de estudio como presentaciones en vivo. 

"Blue Bird" (1994), trabajo con el que ganó un W.C. Handy Awards, contó con la participación de una banda formada por Carey Bell en armónica y su hijo Jimmy D. Lane en la guitarra  y "Feelin' Good" (1995) una serie de grabaciones realizadas por Rogers junto al armonicista Rod Piazza durante 1983 y 1984, son las últimas publicaciones en vida de este bluesman. 

"Estoy muy orgulloso de todas las cosas que he hecho en el pasado", dijo en 1992, "pero no soy el tipo de persona que le gusta sentarse en torno al fuego a recordar los buenos viejos tiempos. La música que estoy tocando en este momento es la misma música que siempre he estado tocando - Espero que pueda hacerlo mejor que antes, pero siguen siendo los mismos blues. El blues no cambia más de lo que la naturaleza humana lo hace, y sólo estoy expresando lo que siento por dentro, como siempre lo hice".

Rogers murió el 19 de diciembre de 1997 por un cáncer de colón en la ciudad de Chicago. En el momento de su muerte, estaba trabajando en un proyecto  con los aportes de Eric Clapton, Taj Mahal, Robert Plant, Jimmy Page, Mick Jagger y Keith Richards; tras su finalización, el disco se publicó póstumamente a principios de 1999 bajo el título de "Blues, Blues, Blues".

Su biografía puede encontrarse en un libro publicado en septiembre de 2004 llamado "Blues All Day Long", de Wayne Everett Goins que contiene una recopilación de setenta y cinco horas de entrevistas con la familia de Rogers, colaboradores y compañeros para reconstruir la vida de este artista de blues. Desde las primeras grabaciones para Chess Records hasta su entrada en el Salón de la Fama del Blues en 1995 llena el vacío de una de las personalidades históricas del blues del Siglo XX.  "La vida y la música de Jimmy Rogers son partes críticas de la historia de blues. Un conjunto que desplegaba  la belleza de la verdad en un contexto de verdad y franqueza  y su repertorio se ha convertido en fundamental para aquellos que siguieron con el desarrollo de éste género musical. Wayne Goins ha hecho un trabajo exhaustivo, diligente y exigente arrojando luz sobre las contribuciones de un hombre que ayudó a redefinir no sólo el blues de Chicago sino la historia y los trabajos de sus artistas" (Living Blues Magazine).

0249. RUTH BROWN - AS LONG AS I'M MOVING

Durante la década de 1950, Brown fue uno de las cantantes de R & B más importantes de América. Su nombre era tan sinónimo del género que muchos comentaristas bromeaban que el R & B en realidad significaba Ruth & Brown. Fue una de las grandes divas de la moderna música popular americana, y en sus canciones proporciona un modelo para gran parte de la era del rock. Además del legado musical que dejó a los artistas que vinieron después de ella, Brown también dejó un entorno más amigable para los músicos, gracias a su incansable trabajo para reformar el sistema de regalías.

Era una mujer brava: nacida en Portsmouth como Ruth Weston (Virginia) el 30 de Enero de 1928, se había escapado de casa con un trompetista del que tomó el apellido Brown. Su vida amorosa fue intensa: se casó varias veces y tuvo un hijo con Clyde McPhatter, vocalista de los Drifters. Era tía de uno de los gigantes del hip-hop, Rakim.

Su padre era el director del coro de la Iglesia local  Emmanuel African Methodist Episcopal Church. Brown hizo su debut en el coro de la iglesia a la edad de 4 años.

A pesar de (o quizás debido a) el hecho de que su padre era un instructor de coral, Brown se rebeló contra la música de la iglesia y toda la formación musical formal. Ella prefería las canciones pop que escuchó en la radio a la música que cantaba en la iglesia, y se negó obstinadamente a aprender a leer música. "En la escuela teníamos clases de música, pero nosotros escapabamos," Brown recordó más tarde. 

Durante su infancia, Brown y sus hermanos pasaron sus veranos en la granja de su abuela en Carolina del Norte, donde trabajaron recogiendo todo el algodón de verano en los campos. "Eso me convirtió en la mujer fuerte que soy", dijo. Brown era una adolescente traviesa, diciendo a sus padres que iba a practicar en el coro de la iglesia, pero en realidad iba a cantar para los soldados apostados en la zona. Fue a través de su carrera como cantante clandestina que conoció y se enamoró de un marinero y trompetista llamado Jimmy Brown.Sabiendo que sus padres no estaban de acuerdo con su relación,  Brown, a los 17 años huyó a Detroit, Michigan, en 1945, con su novio con la esperanza de hacer trabajos juntos como artistas. Se casaron poco después, pero Brown más tarde descubre que Jimmy ya estaba casado. Su matrimonio era nulo de pleno derecho. (En el momento en que Brown se enteró del matrimonio anterior de su marido, ella ya había desarrollado una reputación con su apellido, por lo que mantuvo el nombre de Ruth Brown como nombre artístico por el resto de su vida.)

En Detroit, Brown consiguió un concierto cantando en el bar de Frolic y fue allí donde fue descubierta por el famoso director de orquesta y cazatalentos Lucky Millinder, quien la reclutó como vocalista de su orquesta. "Casi no podía creer mi suerte", recordó Brown. "Me unía a un grupo con un montón de discos de éxito a su nombre. Realmente sentí que el destino me estaba haciendo señas." Una disputa con Millinder, en  Washington, DC, terminó con el despido de Ruth, negándose a pagarle el pasaje de vuelta Detroit.

Varada en Washington DC, Brown tuvo un encuentro casual con Blanche Calloway, la hermana del famoso director de orquesta de Cab Calloway y el propietario de  una discoteca de la ciudad. Calloway ofreció a Brown una actuación regular que se realiza en la discoteca, donde en 1948 el famoso DJ Willis Conover la vio actuar y la recomendó a sus amigos en Atlantic Records. Brown firmó un contrato de grabación con el Atlantic poco  en octubre de 1948, y el sello discográfico le reservó un concierto debut en el famoso Teatro Apollo de Nueva York.

Sin embargo, en el viaje entre Washington y New York,  la mañana de su gran show en el Apollo, sufrió un grave accidente automovilístico que le fracturo las dos piernas. Brown pasó los próximos 11 meses recuperándose en un hospital de Chester, Pennsylvania, durante los cuales su compañero, Jimmy, la dejó porque pensó que nunca volvería a caminar. Al final, Brown hizo una recuperación completa; en la primavera de 1949  grabó su primera canción para Atlantic, una balada de blues llamada "So Long" que resultó ser un éxito instantáneo y entró en el Top 10 en las listas de R & B. Su siguiente single, 1950, "Teardrops From My Eyes," alcanzó el número 1 en las listas de R & B y permaneció allí durante tres meses. Esta canción también le agregó a Brown  dos apodos más perdurables. El primero fue  "The Girl With a Tear in Her Voice,"  El otro, su más famoso apodo, "Miss Rhythm," fue dado propuesto por la estrella del pop Frankie Laine después de escucharla cantar esa canción.

A lo largo de la década de 1950, Ruth Brown ofreció un montón de canciones que fueron hit en las listas de R & B  junto con  Atlantic Records. Sus grandes éxitos incluyen  "I'll Wait for You," "I Know," "5-10-15 Hours," "(Mama) He Treats Your Daughter Mean," "Oh What a Dream," "Mambo Baby" y "Don't Deceive Me." En particular, "(Mama) He Treats Your Daughter Mean" y "5-10-15 Hours" alcanzaron una enorme popularidad entre el público blanco y negro por igual, ofreciendo un modelo para gran parte de la música del cock 'n roll que hacía sus primeros pasos.

Las grabaciones de Brown fueron tan consistentemente populares que Atlantic Records se denomina  "La casa que Ruth construyó". Sin embargo, la enorme popularidad de Brown y el éxito de sus discos no se tradujeron en la riqueza financiera personal. 

Como resultado de  las políticas financieras depredadoras de Atlantic Records, a principios de 1960, cuando su popularidad decayó y la compañía discográfica dejó ir a Brown, la cantante no contaba con ningún ahorro. Se mudó a Long Island, Nueva York, donde recurrió a  varios trabajos de medio tiempo como ayudante de un profesor, conductora de un autobús escolar y mucama sólo para llegar a fin de mes. Fue una caída precipitada de una mujer que había sido una de las cantantes más populares de la nación sólo unos pocos años antes. Brown había estado casada brevemente con un saxofonista llamado Earl Swanson a mediados de los años 1950, y en 1963, se casó con un oficial de policía llamado Bill Blunt, pero  también se divorció en 1966. 

Entre 1957 y 1959 aparecen en el mercado dos LP's publicados por Atlantic Records, "Ruth Brown Sings Favorites" y "Miss Rhythm", conformado por singles y covers realizados por Ruth durante los años en que trabajo para la discográfica.
En 1970 graba para Koch Jazz Records, el álbum "Fine Brown Frame", con Thad Jones / Mel Lewis Orchestra, aunque sin embargo, la banda no era consistente con la capacidad de canto de Ruth. 
También de 1969 es "Black Is Brown and Brown Is Beautiful", para Vampi Soul Records, donde se destaca el cover realizado por Brown de la canción de The Beatles, "Yesterday".

En 1975, con la ayuda de su amigo Redd Foxx, un comediante prominente, Brown se mudó a Los Ángeles para protagonizar el musical Selma. El papel resultó el comienzo de una remontada milagrosa en la que Brown  protagonizó distintos trabajos actorales:  la comedia de enredo de Norman Lear, "Hello ,Larry", "Hairspray" en 1988 y "Black and Blue" en 1989 ganando un premio en Broadway  como Mejor Actriz en un Musical  así como un premio Grammy por su álbum Blues on Broadway. También participó en distintos musicales y conciertos en New York. 

"Hairspray" (1988)

En 1988 el sello Fantasy Records publica "Have a Good Time", un álbum en vivo grabado en el Cinegrill de Hollywood, que contiene una remake de todos sus éxitos. 
En 1989, con el mismo sello publica "Blues on Broadway", mientras reafirmaba su vocación actoral en los escenarios de New York.

Además de su renovado éxito como intérprete, durante la década de 1980 de Brown emprendió una campaña implacable y finalmente exitosa para reformar el sistema que imperaba en las discográficas y en la industria musical. Sus esfuerzos dieron como resultado la creación de la Fundación Rhythm and Blues en Filadelfia en 1988 para ayudar a los músicos emergentes, como así también a aquellos que se retiraban de la industria por inconvenientes de distinto tipo. La organización no lucrativa fue financiada por un acuerdo con Atlantic Records.

En 1991 publica  con Fantasy, "Fine and Mellow", donde rinde homenaje a Billie Holliday 

En 1993, Brown fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Pasó el resto de su vida dando conciertos tributo ocasionales y trabajando con la Fundación Rhythm and Blues.
Durante ese año también se edita "Songs of my Life" donde recorre una serie de canciones que hacen de su estilo una interpretación única.
Para 1997 produce con Bullseye Records, el álbum "R+B = Ruth Brown", productocido por Scott Billington llevando a Brown a sus raíces encompañía de una banda de Nueva Orleans que hace un acompañamiento excelente.

                         Ruth Brown & Bonnie Raitt

1999 es el turno de "A Good Day for The Blues". Con 70 años, y apoyada por un elenco de sideman que incluyó al baterista Akira Tana, al organista Bobby Forrester, saxofonistas como Bill Easley y Victor Goines, el trompetista Abram Wilson, y el  guitarrista Duke Robillard, el álbum deja a su paso una serie de interpretaciones en la que la voz y el estilo de "Miss Rhythm,", arranca toda la tradición musical de la que formó parte.
Durante los primeros años del Siglo XXI, continuó haciendo presentaciones y participando de distintos homenajes junto a varios artistas de blues, entre ellos B.B King. 

El 17 de noviembre de 2006, Ruth Brown murió en un hospital de Las Vegas por complicaciones tras un ataque al corazón y derrame cerebral. Ella tenía 78 años. Un concierto en memoria de ella se celebró el 22 de enero de 2007 en la Iglesia Bautista Abisinia ubicada en Harlem, New York. Sus restos estan en el  Roosevelt Memorial Park,  de Chesapeake, Virginia. 

Su amiga, la artista de blues Bonnie Raitt resumió los rasgos que han sustentado el éxito de Brown durante su vida: "Lo que me encantó de ella era su combinación de vulnerabilidad y capacidad de recuperación, y el espíritu de lucha No era arrogancia, pero ella realmente era capaz de convencer a cualquier persona de sus capacidades ".

0248. GUY DAVIS - SATURDAY BLUES

"A mi casa venían muchos actores y artistas. Quiero decir, los músicos se presentaban pero mis padres eran conocidos como actores, escritores y directores por lo que iba  más gente espectáculo teatral o cinematográfico. También había activistas políticos en la casa. Huey Newton pasó por mi casa. Paul Robeson y Malcolm X también. Se veía como el hombre más alto que he conocido. Estos fueron los tipos de personas que entraban y salían de nuestras vidas. Nunca conocí a Paul Robeson, pero es contemporáneo de mi padrino en el blues, Eric Bibb. El nombre de Paul Robeson fue mencionado todo el tiempo alrededor de mi casa. Tengo que hablar con Jimmy Baldwin; James Baldwin escritor. Hablé con Langston Hughes en el teléfono, ya sabes, personas de ese tipo. "

Ruby Dee, Ossie Davis y sus hijos, Guy Davis y Nora Davis (1966).

Guy Davis fue uno de los embajadores más destacados del arte y la cultura afroamericanas de su generación. Además, ganarse grandes elogios por su trabajo en el teatro este hijo de los notables actores, directores, y  activistas  Ossie Davis y Ruby Dee,  nació en la ciudad de Nueva York el 12 de mayo de 1952; aunque se crió en esa ciudad, Davis escuchó con frecuencia con historias de vida de los trabajadores negros esclavos en el Sur de los EEUU.  Con el tiempo llegó a ser tan enamorado de la música de Blind Willie McTell, Skip James, Mississippi John Hurt, y otros que comenzó a aprender su música escuchándo las canciones. Davis dice que su música  se inspira en las historias que le contaba su abuela sobre sus vivencias en Georgia. Así, Davis empezó a escuchar desde muy chico a Blind Willie McTell, Mississippi John Hurt y Skip James. Comenzó a tocar la guitarra cuando era adolescente y desarrolló con mayor naturalidad el estilo del fingerpicking. Con el tiempo pasó al banjo y hoy toca ambos instrumentos por igual, además de la armónica.

Con 13 años de edad, Guy Davis se encontró un día en un concierto de Buddy Guy, y allí fue que selló su propio destino como un músico de blues, especialmente después de que aprendió su estilo distintivo punteo.

Ossie Davis, Ruby Dee and Spike Lee

En 1978, Davis grabó su álbum debut grabado por Smithsonian Folkways Recordings, "Dreams About Life"   con la ayuda del legendario Moises Asch; en la misma época también comenzó una carrera como actor en la  película de hip-hop de 1984 "Beat Street" y una participación en la serie de televisión "One Life To Live". 

Durante 1988 consiguió trabajo como taxista ya que el dinero que percibía no le permitía mantener a su familia. 

"Tuve una experiencia extraña, como un "deja vu". Esto fue en 1988, cuando yo estaba conduciendo un taxi. Me había casado y había nacido mi hijo y yo necesitaba el dinero. Yo estaba en la ruina. Yo era un actor, pero  no estaba recibiendo suficiente trabajo para pagar el alquiler. Había tenido un trabajo en la telenovela, One Life To Live, haciendo un montón de dinero. Pero en ese mundo, las cosas no siempre se quedan donde crees que se van a quedar ".

Tenía que hacer turnos de doce horas en ese taxi, eso es lo que los taxistas hacen. Me imaginé tratando de manejar la mayor cantidad de tiempo sin parar. Así que en general, no comía ni bebía. Pensé que la meditación lograría resolver mi problema. Ahora la meditación es básicamente algo aburrido por un largo tiempo hasta que tu mente se cierra y deja de pensar. Te mueves en una conciencia diferente. Bueno, en este estado en que mi mente dejaba de pensar yo me convertía en omnisciente. Literalmente, lo sabía todo.Sabía donde estaba toda la fortuna del mundo. Sabía cosas que no se pueden sostener  al salir de ese estado. Yo sabía que iba a hacer un montón de dinero en mi turno ese día. Cuando yo estaba en ese estado, mi taxi iría de cliente a cliente a cliente. Normalmente usted está conduciendo por la calle, estás distraído, usted está pensando en lo que sea. Pude ver donde todo iba a suceder. Pude ver donde sea. No estaba pensando en ello. Fue conocimiento directo....".

En sus intentos por combinar la música y la actuación, en 1991, encontró un proyecto que cumplía todas sus ambiciones - "Mulebone", la producción musical de Broadway de Zora Neale Hurston y Langston Hughes que incluía una la música de Taj Mahal.

En 1993 Davis interpretó el papel principal en el espectáculo de Broadway "Robert Johnson: Trick the Devil". El público y la crítica se maravillaron del asombroso retrato del viejo Maestro del Delta hasta el punto que algunos se preguntaban abiertamente si Davis podría de hecho ser la encarnación misma del bluesman  que según la leyenda, había vendido su alma al diablo en una encrucijada país a cambio de la mágica destreza musica

Con ese trabajo se convirtió en el ganador en 1993 del premio de la  Fundación WC Handy "Keeping the Blues Alive" .

"En 1993, fui a Memphis a recibir el premio que me había otorgado la Fundación W.C. Handy  Awards. Lo recibí por mi interpretación de Robert Johnson. Salgo al escenario y Robert Cray me entrega el premio.

Entre el público están Buddy Guy y el fallecido Johnny Clyde Copeland. Mi mamá está ahí. Todos los artistas luminarias del blues están allí, incluyendo a Robert Lockwood Jr. Ahora Robert Jr. Lockwood, que aprendieron todo de aquel legendario Robert. Como yo venía del escenario al final de mi set, miré hacia arriba a la parte superior de la nave en la parte posterior del auditorio. Robert Lockwood Jr. estaba de pie bajo una señal de salida. Levantó la mano y me indica que vaya con él.Y pienso, maldito hombre, si me elogia, seré parte de la escena del blues y ya nunca voy a tener que explicar una vez más que el único algodón que conocí es el de mi ropa interior. Así que me acerqué a ese pasillo y puse la expresión más humilde en mi cara que he podido encontrar. Reduje la velocidad a medida que me fui acercando y ya me estaba inclinando ante él como si fuera un padrino de toda la vida. Robert Lockwood puso su brazo alrededor de mi hombro y dijo: "Hijo, ¿sabes dónde está el baño?" (http://www.bluesblastmagazine.com/featured-interview-guy-davis/)

En 1994, escribió y protagonizó el espectáculo de unipersonal "The Adventures of Fishy Waters: In Bed with the Blues" para teatro off-Broadway, que llamó la atención de la crítica y que posteriormente fue publicada en un álbum doble. 

Un año más tarde, colaboró ​​con sus padres en dos materiales "Dos Hah Hahs" y "A Homeboy", que combinan material original del folclore y la historia afroamericana. Casi al mismo tiempo,  también compuso la música para la serie de PBS "The American Promise".

Por esos trabajos, U.S.A. Today observó que su estilo y su escritura "suenan tan profundamente empapados en las tradiciones negras del sur que usted siente que deben haber sido realizadas antiguamente. Pero no, no es así. Davis creó y trabajó  los proyectos incluyendo una gran variedad de  piezas de teatro, obras de teatro y la música que las acompaña". 

Sus influencias son amplias y variadas. Musicalmente,  de esos grandes músicos de blues como Blind Willie McTell (y su forma de contar una historia), Skip James, Mance Lipscomb, Mississippi John Hurt, Elizabeth Cotton, y Buddy Guy, entre otros. Fue a través de Taj Mahal que encontró a su paso los viejos blues. También amaba tan diversos músicos como Fats Waller y Gustav Holst. 

Zora Neale Hurston y Garrison Keillor han influido en su escritura y la narración.

El debut discográfico de Guy Davis se produce en 1995. Graba para Red House Records 
"Stomp Down the Rider". Una selección de blues tradicionales ejecutados con el estilo acústico propio que le impuso Davis. 
El segundo trabajo para Red House es de 1996. "Call Down the Tunder" cuenta con 13 canciones, 10 de  las cuales fueron escritas por Davis. 

Un tercer trabajo para Red House, "You Do not Know My Mind" (1998), que incluye en sus coros a Olu Dara, explota con pasión y ritmo todas las alternativas del blues, y muestra a Davis en toda su amplitud como un compositor e intérprete relevante. Fue elegido como 'Álbum de Blues del Año "por la Asociación para la música independiente (antes NAIRD). 

Charles M. Young resumió propia visión de Davis en la creación y ejecución del blues cuando escribió su opinión en la revista Playboy,  "Davis nos recuerda que los blues comenzaron como música de baile. Este es el blues hecho para tararearlo pisando el pie, sintiendose justo en frente a la opresión y expresando gratitud a su mujer por engrasar la sartén ".

En 2000, Davis publica su cuarto álbum: "Butt Naked Free", el primero  producido por John Platania, ex guitarrista de Van Morrison. Además de John en la guitarra eléctrica, incluye a músicos amigos como Levon Helm (The Band), multi-instrumentista, Tommy "T-Bone" Wolk y el baterista Gary Burke. El resultado de agregar el sonido de la mandolina, el acordeón y el órgano es un excelente álbum donde toda la tradición del blues y el "dance band" ocupan la escena. La gama de ajustes de materiales musicales ofrecerá una experiencia rica para el oyente de blues que quiere escuchar algo familiar, pero fresco.

En 2002 publica, "Give In Kind", fiel a su escencia y a su estilo country blues / folk este trabajo ofrece un downhome excepcional. Estructuralmente blues acústico logra esa sensación singular combinando el punteo virtuoso con el slide que sintetiza el blues profundo. Davis sigue mostrandosé como un excelente compositor cuya letras evocan la narración de cuentos y  las tradiciones poéticas del Blues. El  crítico musical Dave Marsh escribió, "Davis nunca pierde de vista el blues como buena música; el tiempo, la fuente original para el baile que mitiga los dolores y la desilusión. Una alegría que roza la exquisitez por la tristeza de la que surge. "

 Eric Bibb & Guy Davis 

"Chocolate to the Bone" (2003), fue un álbum con muchos galardones y reconocimientos, incluyendo una nominación al WC Handy Awards ("Mejor Álbum de Blues Acústico").

En esta ocasión, incluye covers de la obra de maestros como Sleepy John Estes, Blind Lemon Jefferson y Ishman Bracey, y producciones  "Honey Babe".

"Skunkmello" (2006) Skunkmello es el nombre de un legendario ladrón de gallinas que fue capturado y ahorcado por sus crímenes en torno a 1900.  Davis viaja a las raices del Blues en temas como "Natural Born EastMan", y al sabor original del Piedmont con "The Chocolate Man" Sin perder el ritmo nos lleva hasta los arenosos blues del South Side de Chicago en "It Takes Love to Make a Home". Guy toca la armónica en una versión del clásico "Going Down Slow", acompañado por el tecladista Naftalin ex Paul Butterfield blues Band y John Platania de la banda de Van Morrison a la guitarra eléctrica. Y se convoca a Howlin'Wolf-ish en la inquietante "Shooting Star". Davis, como un vocalista de blues, valiente, también muestra auténtica garra en la técnica del banjo en "Budín de Shaky" y "Blackberry Ramble".

Grabado en la sala de conciertos de Radio Bremen, "On Air" (2007), proporciona evidencias  sorprendentes de las cualidades únicas de Davis como cantante, multi instrumentista y narrador. Con repertorio clásico de Robert Johnson, Big Bill Broonzy y Willie Dixon  junto a las canciones originales y la exquisita balada de Bob Dylan "Sweetheart Like You" la voz ronca de Davis esta en buena forma, comunicando el mensaje con sentimiento y con autoridad.

En "Sweetheart Like You" (2009) continúa explorando el territorio casi olvidado de la música acústica afroamericana popular, canciones de los algodonales y del piedmont junto con canciones de gospel en un estilo que es anterior al blues y tiene mucho en común con la música de los Apalaches Blancos que existía hasta que las compañías discográficas separaron la música roots de la música hillbilly. Ragtime, percusión casera y fusiones entre el Delta y el South Side dan a este trabajo características particulares. 

En 2012 publica en un álbum doble "The Adventures of Fishy Waters: In Bed with the Blues" (el unipersonal para teatro realizado en 1994). Esta es una celebración maravillosa, concebida a partir  de las tradiciones  orales, el legado del hobo blues, y el canto la música de blues que se expresa en el personaje de Davis. Cuentos y canciones que reflejan las aventuras de Fishy Waters en la carretera durante el viaje a través del profundo Sur en 1930 durante la Gran Depresión. El programa tiene un hilo narrativo, que se compone principalmente de las composiciones elegidas por Davis, incluyendo las tradicionales  "Walkin Blues '" de Robert Johnson y "Georgia Rag" de Sleepy John Estes, la mayoría son creaciones de Davis y sirven como enlace y como contexto musical para algunos cuentos muy divertidos que algunos pueden reconocer porque ya forman parte de la leyenda. Muchos de los títulos de las canciones explican por si mismo ese relato: "Ramblin 'All Over", "Ferrocarril Story", "Dust My Broom",  "Come and Get It",  y la canción más conmovedora "Watch Over Me". 

Detrás de estos es la intención de Davis para proporcionar imágenes de los anhelos de un joven de diecisiete años que  elige a su propio camino dejando atrás una vida en la cosecha de algodón y se dirige a Nashville para hacer música con su guitarra. Aunque Nashville no esta destinado a ser el destino de Fishy  se deja en claro que él no es un vago, ni un holgazán.   Fotos en blanco y negro de la década de 1930 también forman parte del álbum que agregan  efectos visuales a este excelente trabajo.

GUY DAVIS & FABRIZIO POGGI

En 2013 convoca al armonicista italiano Fabrizio Poggi para grabar el disco llamado “Juba Dance”, en el que cuentan con la participación especial de The Blind Boys of Alabama y Lea Gilmore. Davis se ha dedicado a preservar las raíces del blues en una época en la que muchos caminos confluyen en el género dándole un sonido moderno. Inspirado en el Juba Dance, un baile afroamericano de finales del siglo XIX, Davis y Poggi se centran en la tradición musical para traer una colección de versiones y temas originales que exponen la riqueza del blues como género que marcó el origen de otras músicas. De comienzo a fin, “Juba Dance” invita a no quedarse quieto ya que permite que toda la alegría del blues se meta en lo más profundo del alma.

Para 2015, llega "Kokomo Kid", el segundo trabajo para MC Records. "Para mí, un bluesman es alguien que tiene que llevar un cuchillo o una pistola e introducirse en situaciones peligrosas.-Eso no es lo que soy. LLamarme a mí mismo un músico de blues conlleva cierta responsabilidad porque para mí el blues incluye una amplia gama de cuestiones, historias y tradiciones. Incluyo algunos ragtime, algo de la música de Nueva Orleans, y los sonidos de  pífanos y tambores. Y yo siempre incluyo cosas que dan ganas de bailar." Una buena síntesis de lo que puede escuchar en Kokomo Kidd. 

Entre otros trabajos, Davis ha contribuido con canciones en una serie de tributos y álbumes recopilatorios, incluidas las colecciones de bluesmen como Charley Patton y Robert Johnson,  las colecciones de Putumayo Records (incluido "From Mali to Memphis") y  para el álbum homenaje a Bob Dylan.

Sin embargo, el proyecto de grabación que más orgullo le ha provocado es el producido por su amigo Larry Long, llamé yo seré tu amigo: "I Will Be Your Friend: Songs and Activities for Young Peacemakers" en el que Davis contribuyó con la canción principal. Es una colección de canciones que ayudan a promover el respeto a la diversidad y la comprensión racial. Todo es parte de la campaña nacional "Enseñar la Tolerancia" y sigue distribuyéndose por el Southern Poverty Law Center, enviándose a todas las escuelas de EEUU para combatir el odio racial y la xenofobia.

"Es un lujo para nosotros ser capaces de experimentar esta música como músicos a diferencia de la primera generación que tuvo que vivir los relatos y las historias que se cantan en las canciones de blues tradicional. Ellos tenían que cantar como salir de la enfermedad cardíaca, como escapar de la esclavitud y la opresión, como huir del odio racial y de vivir bajo las leyes de Jim Crow (leyes de segregación racial llamadas así como una burla al Presidente de los EEUU Andrew Jackson y fueron promulgadas entre 1876 y 1965). Esos eran tiempos difíciles. Esa vida que en muchas oportunidades los conducía al alcoholismo y a vivir "outlaw" no es lo que busca la vida del bluesman. No estoy diciendo necesariamente termina de fumar y beber, pero algo puedes conseguir si lo tienes bajo control. Necesitamos esa clase de amor y atención y cuidado. Hay algo atractivo en el estereotipo del Bluesmen con el cigarrillo y el sombrero. Eso esta bien, pero tienes que ir a casa y descansar después de eso. Debes obtener tu buen descanso nutrir tu mente y tu corazón...:"http://www.bluesblastmagazine.com/featured-interview-guy-davis/

0247. ALVIN YOUNGBLOOD HART - BIG MAMA'S DOOR

Alvin Youngblood Hart ,  guitarrista, compositor y multi-instrumentista, ayudó a una generación más joven de artistas de blues creativas durante la década de 1990. Similar a artistas como Keb 'Mo' y Corey Harris, el músico, con una base sólida en el blues de Memphis escribió e interpretó canciones personalizadas desde su propio estilo y experiencias. Por otra parte, las influencias musicales de Hart se extendieron más allá de los confines del blues, al igual que las del veterano de blues Taj Mahal, que tomaron el género como música del mundo en lugar una experiencia americana. Con un manejo de técnicas que incluyen una gran variedad de artistas desde Jimi Hendrix hasta el bluesman Captain Beefheart, Hart desarrolló un estilo de blues ecléctico que incluía elementos del western swing, el pop, el reggae y el rock.

Gregory Edward Hart, quien adoptó el apodo de Alvin por Alvin Lee (guitarrista británico de Ten Years After), porque tenía una Gibson 335 y Hart contaba con una parecida pero versión japonesa, nació el 2 de marzo de 1963 en Oakland, California, donde pasó su primera infancia. Más tarde, la familia se mudó a Los Ángeles, California, cerca de Columbus, Ohio, y finalmente a Chicago, Illinois. Como muchos jóvenes de su generación, a Hart le encantaba la música de Jimi Hendrix, Led Zeppelin, y Frank Zappa. Pero en su casa, también escuchó la música más tradicional de la zona rural de Mississippi, de la que su familia había venido. En una entrevista con Renee Montagne de la Radio Pública Nacional Morning Edition,  Hart observó que "llegué a los blues con solo escuchar todos los días la música que se escuchaba en mi casa." También escuchaba el blues durante las vacaciones de la familia a Mississippi.  "Todo el mundo asume que cuando la generación de mis abuelos dejaron el sur, llevaron con ellos todo el bagaje cultural, la música, la comida, las tradiciones y las creencias. Todo estaba allí, en la casa de mis padres o en la casa de mis abuelos. Mi abuela vivía en el Siglo XIX, aunque era 1966".

Aunque no había mucha música alrededor de las colinas de Carrollton, Mississippi, donde vivía su abuela, su tío despertó su interés por tocar la guitarra  contándole historias sobre Charley Patton. Su abuela también tocaba blues en el piano, fomentando su conocimiento e interés.  Su padre trabajaba como vendedor para General Electric, por lo que la familia de Alvin viajaba mucho.  Sus padres tenían una buena colección de discos, y él comenzó a tocar la guitarra en su adolescencia, estudiando de las  grabaciones de Jimmy Reed, BB King y Jimmy Witherspoon.

Después de que sus padres se establecieron en Schaumburg, Illinois, comenzó a frecuentar Maxwell Street en los alrededores de Chicago. Con el tiempo se fue conocido por los músicos más tradicionales de Chicago quienes lo apodaron "Youngblood". Después de asistir a un colegio comunitario cercano, familia de Hart se mudó nuevamente hasta el sur de California. Después de hartarse de la escena local de los clubes de blues allí, comenzó la búsqueda de su propio estilo, independiente de cualquier grupo, tocando blues acústico en solitario.

En 1986, Hart firmó para trabajar en la Guardia Costera donde pasó siete años. Tres años y medio de esos años, que los pasó en un barco cerca de Natchez, situado en el río Mississippi. Durante el día, el equipo colocaba boyas en el río para marcar el agua profunda para los barcos comerciales y también construyó las luces de navegación a lo largo de la orilla del río. Pero por la noche, Hart generalmente se concentró en tocar blues. "Me gustaba prácticar la música  en la proa del barco, ya sabes, donde no había nadie, y solo había que soportar los mosquitos." Una de las canciones  instrumentales de Hart, "Underway at 7", se inspiró en los tiempos que pasó en el Mississippi. "Antes teníamos el desayuno a las 6:30 y había que ponerse en marcha a las 7", explicó Hart sobre el título de la canción.

Después de terminar con la Guardia Costera, se hizo amigo de Joe Louis Walker, quien invitó a Hart para abrir algunos de sus espectáculos en la zona. Su primera gran oportunidad surgió en febrero de 1995 con el número apertura, antes de la presentación de Taj Mahal, en un club de jazz de Oakland.  El manager de Taj Mahal  invitó Hart para una sesión de estudio improvisada con el guitarrista de  Grateful Dead,  Bob Weir. 

Corey Harris and Alvin Youngblood Hart

Luego de grabar unos demos para la filial de Okeh Records, Epic y tocar en algunas presentaciones de Grateful Dead, en 1996, a los 33 años, lanzó su álbum debut  "Big Mama's Door", con los productores Michael Nash y Carey Williams en la OKeh. "Big Mama" se refiere a la abuela de Hart que vivía en  Mississippi. A partir de la primera canción, canción que da título al álbum, y continuando durante el registro, Hart mostró su estilo en el género del blues y su tradición  acústica a través de sus propias interpretaciones expresivas. Los críticos se quejan a menudo de que la mayoría de blues más jóvenes artistas parecen demasiado estudiados, cuando se enfrentan a la rica herencia de blues. Sin embargo, Hart muestra una gran facilidad y una notable autoridad en su forma de cantar, tocando la guitarra slide. En su canción original "Joe Friday," Hart sonaba muy parecido a uno de los iconos de la música del blues, la leyenda del Delta del Mississippi Robert Johnson. También cubrió canciones de otros artistas, incluyendo a Charley Patton, Leadbelly y Willie McTell . En 1997, Hart recibió cinco nominaciones WC Handy Award por su debut y ganó el título de mejor artista revelación. 

Tanto Downbeat magazine y Living Blues magazine lo nombraron como el mejor álbum de blues del año.

Dos años después, en 1998, Hart lanzó su segundo trabajo, "Territory", esta vez con el sello Hannibal (una división de Rykodisc), una etiqueta que apareció para dar al artista una gama más amplia en sus creaciones. Continuando con los tradicionales  blues, Hart realizó versiones inolvidables de las canciones de Skip James (1902-1969) titulado "Illinois Blues" y de la canción de  Bukka White  "Mama Don't Allow ". Para ambas canciones,  acentúa el drama con su magistral guitarra slide. . Pero a diferencia de su primer álbum este fue más allá de blues tradicional. Hart rindió homenaje a la música western swing a través de su canción original "Tallacatcha", con la guitarra lap steel y el violín. 

"Una de las formas que yo utilizo mucho es usar música agradable  para cubrir mucho terreno y utilizar distintas variaciones incorporando distintas alternativas para salir de la época tradicional," explica  Hart,  recordando las lecciones que aprendió mientras estudiaba con el musicalmente versátil  Clarence "Gatemouth" Brown, considerado uno de los arquitectos más importantes de la moderna guitarra de blues. "Él siempre me decía que hay que olvidarse de las etiquetas que las personas y los críticos quieren poner en uno y sólo tratar de pasar un buen rato tocando la música." El álbum ganó el disco de blues de la del año en 1999 otorgado por  Downbeat Magazine.

"Start Whit The Soul", es el tercer álbum en solitario de Hart, que ofrece una música más electrificada que sus grabaciones anteriores. De hecho, Hart dedicó el álbum para,  el fallecido Phil Lynott de la banda de hard-rock irlandesa Thin Lizzy. Los críticos aprecian la influencia del soul, el country y rock duro sabiendo incorporar cortes de Hendrix en el trabajo. Fue elegido por el New York Times como uno de los 10 mejores lanzamientos de 2000.

Corey Harris, Alvin Youngblood Hart y Guy Davis: Live at the Howard Theatre.2013

En 2002, publica "Down in the Alley". Una docena de blues acústicos en solitario hacen de este trabajo una digna expresión de lo que la tradición del Delta significa. . Hart recorre con su guitarra  melodías tradicionales  de Son House, Charley Patton, Leadbelly, Skip James, y Sleepy John Estes. Se mantiene fiel a sus versiones originales  rinde homenaje al Delta y Country blues. Fue  nominado a un Grammy como Mejor Grabación de Blues Tradicional. Cuando llegó a su casa de Memphis, su reacción fue debidamente optimista. Él comentó: "Dicen que es un honor ser nominado, y teniendo en cuenta quienes son los artistas que están en esta categoría, estoy feliz de ser parte de la clase, por así decirlo." Los otros nominados a los que se refiere incluyen BB King, RL Burnside, y James Cotton entre otros.

En 2004, Hart recibió un Grammy por su contribución filantrópica a la compilación "Beautiful Dreamer: Las Canciones de Steven Foster,". Lo producido por el disco beneficiaron a Publishing American Roots, una organización sin fines de lucro dedicada a la preservación de la cultura regional de América a través de la literatura y el arte.

Rick Steff, Greg Morrow, Sam Shoup, Steve Selvidge, Alvin Youngblood Hart, Luther Dickinson, KevinG Houston, y Daniel Lynn

Para 2005 publica "Motivational Speaker". El álbum suena estridente con la colaboración del bajista Gary Rasmussen y el baterista Ed Michaels. 

En 2006, Hart colaboró ​​con varios músicos de la zona de Memphis en la exitosa película de culto "Black Snake Moan" sirviendo tanto como profesor de guitarra del actor principal de la película, Samuel L. Jackson, y como por grabar  un dúo con protagonista femenina de la película, Christina Ricci, para la banda sonora de la producción.

En esos años participó de distintos proyectos y presentaciones que incluyen a Corey Harris, Keb Mo, Taj Mahal, Guy Davis y Gary Moore.

En abril de 2009 Hart conformó con sus amigos Luther Dickinson (North Mississippi Allstars, Negro Crowes) y Jimbo Mathus (Squirrel Nut Zippers,  Tri-State Coalition) para formar The South Memphis String Band. El trío fue apodado rápidamente por los medios como un "súper grupo acústico." Su disco debut "Home Sweet Home" fue nominado como Mejor Álbum Acústico de Blues en Music Awards 2011 (The Blues Foundation).

En la primavera de 2012 lanzaron su segundo álbum "Old Times There..." En este trabajo la banda suena como las bandas de cuerdas y jarros que fueron famosas a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Ese es el truco. Aunque por momentos el sonido es casi clonado, debido principalmente a que son canciones tradicionales, en ocasiones el trío logra superar ese obstáculo gracias a que este juego de interpretaciones maneja temáticas que nunca han pasado de moda y se resisten a ser olvidadas con el paso del tiempo, como son la identidad cultural, la política correcta y la reconciliación de razas. El hecho de que sea una banda multirracial ayuda mucho a lograr esos objetivos.